‘Musik 12/2025 – Favoriten und Analyse’ weiterlesen »]]> Oh! Ein Jahresbeginn! Ihr wisst, was das bedeutet, nämlich, dass es Zeit für die einzig richtige (d.h. meine) Liste der besten Musikalben des Jahres 2025 ist. Man sehe mir nach, dass ich das gestern (haha, Jahresrückblicke im November, hahaha) erschienene neue Album von Ulver trotzdem nicht rechtzeitig zu hören geschafft habe. Ich führe es daher nur der Form halber auf.

Ergänzend sei festgehalten: Die Musikgruppe Skillet Lickers, inzwischen in der vierten Generation aktiv, feiert im nun begonnenen Jahr ihren 100. Geburtstag. Die Rolling Stones sollten sich nicht so aufführen mit ihren Jubiläen.

Zur Punkmusik des Jahres 2025 erlaube ich mir – schon im April 2025, während ich diese Einleitung niederschreibe – eine desillusionierte Vorabbemerkung: Musiker, die sich in ihren Texten über das Üble auf der Welt beklagen, treiben damit, wenn sie es ein Lied lang machen, etwas Hörenswertes, wenn sie es zwei Lieder lang machen, etwas wenigstens Interessantes; aber wenn man als Musiker seine komplette Karriere auf zwei bis drei leicht mitgebrüllte Parolen beschränkt und also außer dem erkenntnisarmen „Polizei doof und Nazis schlecht“ nicht viel mitzuteilen hat, dann verschwendet man damit meine Zeit und das mag ich nicht so. Macht doch mal was mit Blumen oder Autos.

Der bis heute von vielen unterschätzte, doch inzwischen verstorbene Lou Reed sprach schon Ende der 1960er Jahre mit den Velvet Underground, was an damals zeitgenössischer Musik eine Last ist: „Cheap simian melodies, hillbilly outgush for illiterate ramblings, for cheap understanding, for mass understanding, (…) business and business and cheap, stupid lyrics and simple mass reverse while the real thing is dying“ („The Murder Mystery“). Ich wünschte, die seitdem geradezu explodierte Menge an Musik, die auf uns einprasselt, könnte wenigstens mit schierer Masse diesen Effekt umkehren. Stattdessen war es gar nicht so leicht, Behaltenswertes im Jahr 2025 zu finden – manches hatte seine Höhepunkte (so etwa „All That Is Over“ von Sprints), machte diesen Eindruck aber mit Fülltiteln zunichte, wieder anderes war einfach nur enttäuschend bis ermüdend. Mein persönliches Ergebnis dessen, was neben der überwältigenden Menge an Lächerlichkeit übrig blieb, folgt.

1. Kratzen – III
   „Wo ich mir Zukunft versprach / liegt nun Vergangenheit brach.“ (Immer)

   Kratzen, das „2017 in Köln gegründete Trio“, „verbindet Krautrock und New Wave. Sie nennen es Krautwave“ (Kratzen über Kratzen) und eigentlich könnte ich das so stehen lassen.

   Motorik-Beat, New-Wave-Gitarren, Gesang mit NDW-konformem Hall; harter Tobak ist es nicht, womit ich diese Liste beginnen lasse, aber ich habe es mir auch nicht zur wesentlichen Aufgabe gemacht, möglichst vielen Lesern auf die Nüsse zu gehen, sondern, diese jährlichen Zusammenfassungen zu nutzen, um meinerseits eine Ausrede zu haben, endlich mal wieder mehr Musik zu hören. Klappt, würde ich behaupten.

   Was sonst noch drinsteckt, ist Postpunk, aber das ist ja auch wieder ein weites Feld. Mehr Smiths als The Fall, das sei erklärt. Krautrockfans mögen’s hören mögen.

   Stream: TIDAL, Bandcamp, Amazon.de.

2. neutral – lågliv

   Nachdem das erledigt wäre, kann es ja jetzt doch losgehen mit dem harten Tobak. Von der von mir schon an anderer Stelle empfohlenen kalifornischen Helen Scarsdale Agency kommt zerbrechlicher Industrial aus Schweden in Form des Albums „lågliv“, was Schwedisch ist und ungefähr „das Leben eines Taugenichts“ bedeutet.

   Das erste der beiden fast zwanzigminütigen Stücke, „enhet / röda sten / sömngång / punkt“, klingt eingangs wie eine Phonographenaufnahme eines Kinderkarussells, die in einem Sado-Maso-Studio neben einer Metall verarbeitenden Fabrik abgespielt wird, dazu murmelt Sofie Herner etwas ins Diktaphon, das zu verstehen ich in skandinavischen Sprachen zu wenig versiert bin. Bald kommt eine gerade gestimmt werdende E‑Gitarre hinzu, bevor etwa zur Halbzeit alles in sich zusammenfällt und eine dämonische Spieluhr kurz die Führung übernimmt, bis schließlich ein panischer Mönchschor ein Regal mittels Bohrmaschine an der Wand zu befestigen beginnt und anschließend Applaus empfängt. Klingt irre? Ist es auch. Sollte ich dereinst beerdigt werden, möchte ich, dass im Rahmen der Feierlichkeiten („Trauerfeier“ ist ja auch noch so ein Wort, mit dem man in „unserem“ „Kulturkreis“ wenig anzufangen vermag) unter anderem irgendwas von dieser Plattenfirma läuft. Damit die normalen Menschen mich weniger vermissen. (Diese sind hiermit ausgeladen.)

   Das zweite Stück ist anders seltsam. Stimmverfremdungsübungen unter Wasser werden begleitet von zunächst tropischer Perkussion, dann von einem kläffenden viel zu kleinen Hund, dann wieder von einer dystopischen Fabrik, woraufhin eine verstimmte Westerngitarre kurz solieren darf. Der Gitarrist flüchtet jedoch vor einem Gewitter, die Stimmverfremdungsübungen klappen aber anscheinend auch bei Gewitter. Finde ich gut.

   Das Leben ist zu kurz für Musik, die nicht herausfordert. „lågliv“ fordert heraus.

   Stream und Vinyl: Bandcamp.

3. Bank Myna – Eimuria

   Anderes Land, andere Musik. Bank Myna kommen aus Paris und tragen den Namen eines südasiatischen Vogels, hierzulande eher als Ufermaina bekannt. Ihr 2025er Album „Eimuria“, angeblich live eingespielt, hingegen wurde, glaubt man dem Internet, nach einem alten Wort für Glut benannt, was irgendwie passt.

   Ich höre kräftigen Postrock mit einigem Gedrone und weiblichem (und zum Glück englischsprachigem) Gesang, zumindest mich ein bisschen an Anna von Hausswolff erinnernd, was aber auch daran liegt, dass ich einfach zu wenige Vergleiche kenne, was vermutlich vor allem an mir selbst liegt. Das Internet findet, dieses Album könnte Fans von Earth und BIG|BRAVE gefallen, und weil ich Earth und BIG|BRAVE ebenfalls mag, könnte das hinkommen. „Eimuria“ ist ziemlich intensiv und damit genau das, was uns Kopfhörerhörern bisweilen den Tag versüßt.

   Stream, Vinyl, CD: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

4. Pearl Handled Revolver – Tales You Lose

   Pearl Handled Revolver sind eine Gruppe von Musikern aus Großbritannien, die das selten bestellte Feld zwischen Funk, Blues, Psychedelic Rock und R’n’B zu beackern behauptet. Ihr fünftes Album sei ein „Kopfsprung in ihre tiefsten Grooves und Psychedelic-Rock-Erkundungen“, fabuliert der Pressetext. Das lässt aufhorchen.

   Dieses – wohl ihr fünftes – Album atmet dann auch in der Tat den Geist der 70er. Ich höre Bluesrock mit viel Hammondorgel und gelegentliche Psychedelic-Ausbrüche (völlig zutreffend betiteltes Lied, das klingt, wie es heißt: „Junkies“). Spontan tun sich mir Assoziationen an Brother Grimm und Joe Bonamassa auf, etwas Deep Purple auch. Sänger Lee Vernon wird bisweilen mit Jim Morrison verglichen, was stimmlich schon irgendwie hinkommt und zur Musik auch passt, nur dass Pearl Handled Revolver es mit spärlich instrumentierten Spannungsbögen nicht so haben. Früher hätte man „Tales You Lose“ wohl fetzig genannt, und weil ich es mag, wie man früher geredet hat, mache ich das jetzt einfach auch.

   „Pearl Handled Revolver“ ist das 2025er Album für diejenigen, die eigentlich lieber ein neues Album aus den 70ern hätten. So könnten die Doors heute klingen, taten sie aber nie.

   Stream, Download und Kauf: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

5. Nytt Land – Songs of the Shaman

   Nytt Land, weiß die Wikipedia, sei eine „Nordic-Ritual-Folk-Band“ aus Sibirien. Der Sänger spielt nebenbei Flöte und Talharpa und nennt sich „Nordman“, zwei der fünf Musiker spielen unter anderem Maultrommel, zwei weitere wenigstens eine Trommel. Die von mir auffindbaren Texte der verschiedenen Alben sind auf Sprachen wie Altnordisch, Färöisch oder Isländisch gehalten. Wer jetzt schon keinen Bock mehr hat, der möge dieses Album überspringen.

   Den Übriggebliebenen wünsche ich einen wachen Geist und die Bereitschaft für völlig Anderes, denn das werdet ihr brauchen. Die Band selbst schreibt zum Album, dort interpretierten sie, daher auch der Titel, „traditionelle schamanische Lieder oder Zaubersprüche der mandschu-tungusischen Ethno-Linguistikgruppen Sibiriens. Diese Lieder verwenden alte musikalische Techniken wie Kehlkopfgesang und Trommeln und wurden in ihrer Originalsprache aufgenommen“. Als der vermutlich nicht Einzige hier im Internet, dem das sibirische Schamanentum weitgehend unbekannt ist, der aber für das Erfahren von Naturreligionen und traditionellen Kulturen grundsätzlich empfänglich ist, respektiere ich die Ernsthaftigkeit des Unterfangens (es wurde, versichern die Musiker, darauf verzichtet, Zaubersprüche aufzunehmen, die Schaden verursachen könnten) und lausche dem, was hier zelebriert wird.

   Ich möchte „Hoge Yage“, das mir noch Wochen später einen der merkwürdigeren Ohrwürmer meines Lebens bereiten sollte, exemplarisch für „Songs of the Shaman“ herausgreifen. Es beginnt mit rhythmischer Perkussion, woraufhin Sängerin „Krauka“ selbige mit Beschwörungsformeln in einer mir gänzlich unbekannten Sprache übersingt. Irgendwann setzen Maultrommel und Kehlkopfgesang im Hintergrund ein, die dieses in der Tat wie das, was ich banausenhafter Westeuropäer mir unter einem magischen Geistertanz vorstelle, klingende Ereignis begleiten, bis schließlich nach fünf Minuten nur noch ein wenig energisch stampfende Trommel übrigbleibt und dann verstummt. Ich fühle mich hinterher wie durch das Jenseits spaziert. Auch mal interessant.

   Was für eine verrückte Idee. Was für ein verrücktes Album.

   Stream, CD, Vinyl: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

6. Technicolor Blood – Evolution Now

   Und da wir vorhin schon beim Postrock waren, machen wir mit Postpunk weiter und landen folgerichtig bei Technicolor Blood aus Montreal. Die dortige Postrockszene ist international bekannt, aber auf seinem wohl zweiten Studioalbum haben die vier Herren es sich anders überlegt.

   Eine Prise Fuzz und Stoner haben sie wohlweislich aufgenommen, um das vermeintlich fertigbeackerte Feld des Postpunks wenigstens nicht mit immer denselben öden Pflanzen überwuchern zu lassen; dabei verzichten sie allerdings großteils auf ein Übermaß an Verzerrung, und auch der Gesang hält sich in der Abmischung zurück. Das Internet zieht hier Vergleiche zu den ziemlich guten Verstärker (denen aus Kentucky, nicht den anderen) und hat damit gar nicht mal Unrecht. Schwer psychedelisch (heavy psychedelic) sei dieses Album, steht anderswo, dafür ist dann aber doch zu wenig „zähes Gewaber“ (eine der schönsten Beschreibungen von Pink-Floyd-Musik, die ich je gelesen habe) enthalten. „Evolution Now“ sitzt irgendwo zwischen den Stühlen und ist deswegen interessant, es also sowohl in diese Liste aufzunehmen als auch zwischen zwei stilistisch andere Alben zu setzen erschien mir folgerichtig.

   Stream und/oder Download: Bandcamp, TIDAL.

7. Amplifier – Gargantuan
   „I’m running from the future and the past.“ (Guilty Pleasure)

   Vor einigen Jahren habe ich mal irgendwo geschrieben, dass ich die (britische, nicht jedoch ihre belgischen Namensvettern) Band Placebo für schwer erträglich halte, weil ich zwar nicht unbedingt was gegen allgegenwärtige Keyboards habe, aber der elend nölige Sänger mir nicht so recht Freude bereitet. Zum Glück haben Amplifier eine andere Besetzung.

   Manche eher experimentierfreudige Bands, die mit Amplifier gern mal ins New-Artrock-Wasser geworfen werden, etwa die zu Recht hochgeschätzten Oceansize und die aufgrund der Trennung vor – huch! – auch schon wieder bald zwanzig Jahren in den Neuveröffentlichungen sehr fehlenden Aereogramme, hat die Zeit sozusagen auf dem Gewissen, aber Amplifier, seit wenigen Jahren nur noch als Duo aktiv, ziehen’s seit 1999 durch. Das ist erst mal eine Leistung. Dass Steve Durose von ebendiesen Oceansize nach deren Auflösung bis 2020 auch bei Amplifier spielte, spricht im Übrigen vermutlich für sich.

   Nun also „Gargantuan“. Die für Amplifier nicht unbedingt ungewöhnliche Keyboarddominanz rückt „Gargantuan“, ich habe es eingangs angedeutet, in die (sehr grobe) Nähe von Placebo, aber ohne deren ständige Fanfaren. Eingebettet wird das in eine zusehends intensivere Weltraumlandschaft; als begönne man „Gargantuan“ auf der Autobahn („Gateway“), beobachtete, wie die Umgebung zusehends futuristischer wird („King Kong“), und flöge schließlich („Long Road“) entspannt durch das All. Dass die eher alltagsorientierten Texte mit dem musikalischen Thema wenig zu tun haben, darf als egal gelten, denn darum geht es ja auch nicht immer. Zu den Keyboards gesellen sich schneidend riffende Gitarren und ein hellwaches Schlagzeug mit Bewegungsdrang. Die zwei Herren bauen hier ein monolithisches Klangungetüm auf, das für die vollständige Entzifferung vermutlich mehr Hördurchläufe braucht; fest steht, dass es reich belohnt wird.

   Amplifier scheinen insofern auch 2025 noch eine gute Anlaufstelle für diejenigen Hörer zu sein, die in der Schnittmenge aus New Artrock und Spacerock nach neuen Ideen suchen. Möge es munden. (Oder wie heißt das bei Musik? Möge sie ohren?)

   Stream, Download und/oder Kauf: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

8. Minerall – Strömung

   Dave Schmidt, vorrangig als Sula Bassana bekannt für ungefähr zweiundfünfzig (plus/minus fünfzig) Musikprojekte aus dem weiten Bereich der psychedelischen Rockmusik, nahm 2023, glaubt man dem Internet, an einer Veranstaltung in ausgerechnet Hannover teil, in deren Rahmen eine weitere Gruppe (ein weiteres Projekt?) namens Minerall ins Leben gerufen wurde, dessen Debütalbum mit dem schier entzückenden Namen „Bügeln“ bei mir 2024 schon Montagsmusik spielen durfte. „Strömung“ ist nun das zweite Album, entstanden wohl im Rahmen derselben Aufnahmesitzung.

   Dargeboten wird in den beiden Stücken zu je „ungefähr“ zwanzig Minuten Länge – nun – eine Art Motorik-Spacerock. Ein stoisches Schlagzeug, bedient übrigens von Tommy Handschick, regelmäßigen Lesern meiner fragwürdigen Texte schon mal als Teil von Kombynat Robotron begegnet, begleitet ein waberndes Geräuschungetüm, das bisweilen an Hawkwind erinnert, ansonsten aber wie ein Amalgam der musikalischen Hintergründe der beteiligten Musiker klingt.

   Vierzig Minuten Kopfreise für die, die dafür keine anderen Drogen als Musik brauchen; Menschen wie mich und möglicherweise auch die, die hier immer noch mitlesen, also. Bitte, gern geschehen.

   Stream (Vinyl ist gerade schwer erhältlich, existiert aber wohl auch): Bandcamp.

9. mclusky – the world is still here and so are we
   „Tell me you’re precious without being pissed on!“ (kafka-esque novelist franz kafka)

   Mal was anderes, nämlich erdiger Rock. Mclusky, derzeit anscheinend wie auch der Titel dieses Albums sowie sämtliche Stücke darauf konsequent klein geschrieben, sind eine Post-Hardcore-Band, aber davon merkt man nichts, aus Cardiff, aber davon auch nicht. Ihr neuestes, viertes Album, nämlich dieses, wurde bei Ipecac veröffentlicht, was, wie der geneigte Musikfreund weiß, als Kriterium zum Interesseschüren durchaus hinreichend ist. Eine „Schönheit“ sei das Album, etikettiert die „VISIONS“, aber klassisch schön will es gar nicht sein.

   Nein, auf „the world is still here and so are we“ geht es so sumpfig zu wie einst bei den wundervollen Shellac. Hier und da („chekhov’s guns“) bricht der Crossover-Nu-Metal der frühen 2000er hervor, aber im Wesentlichen haben wir es hier mit kräftig gepfeffertem Noiserock und ebensolchen Texten (etwa in „people person“: „exploding kids can kill the mood / can kill the mood if kid explosions aren’t your heart’s desire“; der „tagesschau“ gefällt das) zu tun. Nur drei der Texte haben ein „explizite Lyrik“-Etikett, aber danach suche ich mir die Musik hier ja auch nicht aus. Textlich soll es gar keinen Spaß machen, aber musikalisch geht es gar nicht anders. Misanthroper Krach ist anders schön. „Blabbermouth“ zieht das Fazit, es sei „egal, ob irgendwer von uns versteht, was hier passiert“, wenn es doch „dermaßen gut“ klinge. Stimmt.

   Nörgelei? Klar: Das Album könnte meinetwegen länger sein. Aber es ist ja vermutlich nicht das letzte.

   Stream, Download, Kauf: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

10. Colosseum – XI

    Das Ableben von Jon Hiseman hat seine Jazzrockcombo zum Glück nicht ihre Zelte abbrechen lassen, sondern, wie es sich anhört, erst recht befeuert. Das kennt man so ähnlich ja von Gong. Am Schlagzeug sitzt in seiner Nachfolge seit 2020 Malcolm Mortimore, einigen Lesern möglicherweise von Gentle Giant (oder jedenfalls von deren Album „Three Friends“) bekannt und auch sonst seit Jahrzehnten recht umtriebig, weiterhin an Bord sind von der „alten“ Garde seit 1969 bzw. 1970 „Clem“ Clempson (Gitarre, Keyboards), Mark Clarke (Bass) und Chris Farlowe (Gesang). So viel zu den nackten Zahlen.

    „XI“, das – ätsch! – neunte Studioalbum (sofern man die zwei EPs „Bread & Circuses“ und „The Kettle“ nicht mitzählt) dieser verdienten Combo, beginnt schon mit ordentlich Groove. Chris Farlowe hat auch mit mittlerweile 85 Jahren immer noch den Soul von früher und auch sonst schließt man nahtlos an die eigene Geschichte an: der springende Herr auf dem Titelbild war so ähnlich schon auf dem Livealbum von 1971 zu sehen.

    Es ist festzuhalten, dass die Musiker im Alter anscheinend ihren zweiten Frühling erfahren, denn während die letzten Studioalben bis 2014 weithin als enttäuschend wahrgenommen werden, geht es seit dem Vorgänger „Restoration“ (2022) wieder qualitativ aufwärts, und wer – wie ich – die „Valentyne Suite“ für bisher unerreicht im Schaffen Colosseums hält, der dürfte schon angesichts der Titelliste feststellen, dass hier eine fast neunminütige „English Garden Suite“ enthalten ist, die rein instrumental gehalten ist und am ehesten wie früher klingt. Natürlich sollte keine Musikgruppe auf jede Weiterentwicklung verzichten, man betrachte diesen Einwurf daher vielmehr als nostalgisches Seufzen denn als plumpe Kritik am Neuen. Um die „Suite“ herumgewoben sind zeitlose Stücke wie das eröffnende, funkige „Not Getting Through“, das jedenfalls mich an die jüngeren Uriah-Heep-Werke erinnernde „Hunters“ und die ausnahmsweise von Mark Clarke gesungene (weil wohl auch geschriebene) Bluesrockhymne „Gypsy“. Ich gebe zu, die Geschichte von Colosseum in den letzten Jahren eher vernachlässigt zu haben, und kann daher nicht mit hinreichender Treffsicherheit Vergleiche zu den vorherigen Alben ziehen, aber als für sich allein stehendes „Alterswerk“, das „XI“ wohl ist, ist es mehr als nur erfreulich.

    Schön, dass das Colosseum noch steht. Es lebe (noch lange und) hoch.

    Stream, Download und Kauf: Amazon.de, TIDAL.

11. SUMAC and Moor Mother – The Film
    „Seems like every time there’s a bomb, there’s a round of applause“ (Scene 5: Breathing Fire)

    Kratzen wir mal am anderen Extrem.

    Für das Album „The Film“ hat sich das Postmetaltrio SUMAC mit der Experimentalmusikerin Moor Mother, die sonst bei der Free-Jazz-Combo Irreversible Entanglements ins Mikrofon spricht, zusammengetan. Zu hören gibt es folgerichtig eine Art Free Jazzmetal, recht frei im Rhythmus, verfeinert von besagter Musikerin, die ausweislich des Internets sowohl Synthesizer und Effektgeräte als auch das Mikrofon bedient. Gesang ist das nicht, stattdessen wird überwiegend Politisches teils ruhig, teils aufgeregt erzählt. Am Ende des zweiten Stücks, „Scene 2: The Run“, kommt Growling ins Spiel. Das macht aber wohl wer anders.

    Die Grundstimmung von „The Film“ ist verstörend. Ich weiß nicht, ob es dazu tatsächlich einen Film gibt, aber ansehen würde ich mir einen solchen schon. Mich erinnert das Album streckenweise an „Lulu“, teils an „The Cherry Thing“, aber hektischer. Dass das Album in den letzten fünf Minuten trotzdem eher sanft ausklingt, macht’s zu einer runden Sache. (Sind Tonträger nicht meistens rund?) Empfehlung abseits dieser Liste: Etwas von Irreversible Entanglements zur Einstimmung hören. Dann ist „The Film“ nur folgerichtig.

    Stream, Kassette, CD, Vinyl, Downloads: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

12. OSMIUM

    Von 2005 bis 2008 nannte sich die brasilianische Progmetalband Daydream XI stattdessen Osmium. Dies ist eine andere Gruppe, aber der Name war ja wieder frei. Diejenigen OSMIUM die im Juni 2025 ihr namenloses (oder eigenbenanntes?) Debütalbum rausbrachten, um das es hier gehen soll, sind stattdessen ein Quartett aus Berlin.

    Eine Art Panikindustrial, vom Pressetext als „elektromechanischer Metal“ beschimpft, gibt es hier zu hören, hergestellt mithilfe einer Klangkulisse aus dreierlei selbst entworfenen Instrumenten, zu dem der Stimmkünstler Rully Shabara stöhnt, röchelt und schreit. Assoziationen: Nine Inch Nails, Aphex Twin, Filmmusik für Weltkriegsdokus. Da, wo es mal ruhiger wird (etwa in „Osmium 4“), quietscht und brummt es in eine metallische Kälte hinein, so dass man selbst da ein kaum erklärliches Unwohlsein verspürt. Wahrscheinlich ist das Absicht. Es gibt ein lesenswertes Interview zu den Hintergründen des hier auf Platte Gepressten, das ich hiermit als weiterempfohlen betrachte. Ausweislich der Bandcampseite zum Album wird hier erfolgreich die Grenze zwischen der Ausdrucksform von Maschinen und derjenigen von Menschen verwischt, und ich stimme zu. So ähnlich müssen Cybermen klingen, wenn die jemals diesseits von Doctor Who vorkommen sollten. (Lange dauert das wohl auch nicht mehr.)

    „Osmium“ (das Album) will gar nicht gefallen und tut es nach klassischen Kriterien auch nicht. Ein anderer Rezensent schrieb irgendwo, es sei geeignet, um den Kopf zwischen zwei Popmusikalben wieder zu erden, und wahrscheinlich stimmt das. Aber so viel Popmusik höre ich gar nicht. Nein, wer Gefälliges braucht, der braucht das Gegenteil von dem hier. „Osmium“ (das Album) verlangt stattdessen dem Hörer einen Sinn für die Avantgarde ab. Zum Glück habe ich den und bin daher angetan.

    Stream, Vinyl und/oder Download: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

13. Ranges – Sin

    Zahlenverrückte – dies ist übrigens das dreizehnte Album auf dieser Liste – dürfen sich entzücken lassen: Auf den sieben Stücken auf „Sin“ vertonen Ranges aus Montana die sieben Todsünden, namentlich – soweit ich das verstanden habe – Hochmut („The Falcon Cannot Hear the Falconer“), Neid („Their Eyes Sewn Shut“), Wollust („Bound To The Black Wind“), Völlerei („Three Throats“), Gier („Prodigal“), Jähzorn („The Red Mist“) und Faulheit („Idle Hands“). Hand hoch, wer noch keine von ihnen (und sei’s Wollust) jemals begangen hat. Die Platte für siebenundzwanzig US-Dollar gibt es in sieben verschiedenen Farbvarianten, den Download für sieben US-Dollar. Ihr merkt: Subtil sind die Musiker nicht.

    Das gilt nicht nur für die Verpackung und die Vermarktung, sondern auch für die Musik selbst. Zu hören gibt es weitgehend energischen Postrock mit dem alten Laut-leise-Spiel. Ranges erfinden das Genre nicht neu, aber bewegen sich treffsicher in ihm wie auf einer großen Spielwiese, so dass das, was hier aus dem Kopfhörer gewittert, nicht nach Schablone klingt, sondern danach, dass hier Musiker am Werk sind, die sich abreagieren wollen und es gar nicht so ungern hätten, wenn ihr Publikum sich ihnen anschließt.

    Ranges malen breitwandig, aber keine gepunkteten Bergseen, sondern reißende Sturzfluten, die alles unter sich begraben, das sich ihnen in den Weg stellt. Hochemotionale Musik für diejenigen, deren Emotionen empfänglich für Musik sind. Selten klangen Todsünden so einladend, man möchte zu ihnen abhotten, wie die jungen Leute sagen bzw. mal sagten. Ich mache das mal und empfehle unterdessen weiter.

    Stream, Kauf, Runterladen: Bandcamp, TIDAL.

14. We Lost the Sea – A Single Flower

    Die jährliche Dosis Postrock wird überdies vorangebracht von einer Gruppe, die im Rahmen dieser Rezensionsreihe seit Jahren immer mal wieder zu Gast ist, nämlich We Lost the Sea. Deren 2025er Album „A Single Flower“ beginnt zurückhaltend mit Gitarre und ein wenig begleitendem Rhythmus, bevor nach etwas über drei Minuten erstmals das einsetzt, was der geneigte Postrockfreund vermutlich bereits erwartet, nämlich das volle Breitwandkino.

    We Lost the Sea gestalten auch auf „A Single Flower“ prachtvolle Klanglandschaften, die über weite Strecken einem Freund des musikalischen Frühlings gefallen könnten. (Ist ja auch bald wieder so weit.) Gesungen wird nicht, was gut ist. Der etwas plumpe Discostampfrhythmus von „Everything Here is Black and Blinding“ zieht meine Bewertung etwas runter, aber irgendwas ist ja immer und We Lost the Sea versöhnen mich ja meist schnell.

    Dass ausgerechnet im mit Abstand kürzesten Stück „The Gloaming“ Sophie Trudeau (bekannt mindestens von den nicht besonders eiligen Godspeed You! Black Emperor) am Streichinstrument aushilft, ist ein Detail, das wahrscheinlich mal wieder nur ich für bemerkenswert halte. Große Überraschungen gibt es darüberhinaus nicht und das ist auch gut so. Feine Scheibe.

    Stream, Download und (Vinyl ist ausverkauft, aber trotzdem) Kauf: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

15. Half Past Four – Finding Time

    Ich weiß, ich weiß, ich empfehle hier eigentlich meist nur obskuren Krach. Das liegt daran, dass mir obskurer Krach gefällt. Doch machen wir uns nichts vor: Das hier ist Pop, aber guter.

    2018 erhoffte ich mir eine Fortsetzung ihres damals aktuellen Albums „Land of the Blind“. Diese liegt nun vor; der Titel „Finding Time“ ist da schon Programm. Für die, die’s damals nicht verfolgt haben, wie „gelesen“ heutzutage wohl heißt, fasse ich deren Treiben kurz zusammen: Half Past Four, ein kanadisches Quintett um die Sängerin Kyree Vibrant, die sonst was mit Filmen macht, habe sich vor ein paar Jahren, so teilt’s deren Website mit, dazu entschieden, sich vollständig dem Progressive Rock hinzugeben. Das sollte man nicht verwechseln: Das, was Musikgruppen heute machen, wenn sie versuchen, so zu klingen wie solche Musikgruppen, die in den 1970er Jahren progressive Musik gespielt haben, nennt man „Oldies“. „Retrorock“. Schlimmstenfalls, und das geht mancherseits als Beleidigung durch, „Neoprog“. (Das bedeutet nicht, dass ich Musikgruppen, die versuchen, so zu klingen wie solche Musikgruppen, die in den 1970er Jahren progressive Musik gespielt haben, unbedingt schlecht finde. Aber Wörter haben eine Bedeutung und „progressiv“ heißt „vorwärts“ und nicht „wie früher“.)

    Natürlich steht auch neun Jahre nach dem Vorgänger die immer noch großartige Sängerin im Vordergrund. Auf ihrer eigenen Website zitiert sie gern Vergleiche mit Leslie Hunt, Kate Bush und Grace Slick. Lasse ich gelten. Beim Hören dachte ich gelegentlich an Lee Triffon, Kim Wilde (wieso auch immer) und – ja – auch Kate Bush, welche nicht die übelsten Drandenkkünstlerinnen sind. Die Musik dahinter, und da stimmt der Vergleich mit Leslie Hunt und damit District 97 auf mehr als eine Art, ist wohl tatsächlich als „moderner Progressive Rock“ zu begreifen: Unabhängig von den Titellängen, angesichts derer fast jeder Radio-DJ dankend abwinken würde, gibt es grundsätzlich radiotaugliche Ideen (das geht schon im eröffnenden „Tomorrowless“ los), die, damit niemand aus Versehen spontan Bock darauf bekommt, sich im Edeka an der Wursttheke anzustellen (Pawlow funktioniert), von Jazz- (man höre etwa „Branches“) und Mathrockideen durchzogen sind. „Handwerklich von höchster Qualität“ findet ein anderer Rezensent das und irrt nicht.

    Mich freut, dass die Musiker wieder, nun, die Zeit gefunden haben, auch wenn wir es hier mit einem neuen Gitarristen zu tun haben, der jedoch bemerkenswerte Akzente setzt. Hoffentlich dauert das nächste Album nicht noch mal neun Jahre.

    Stream und/oder Download: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

16. Fieldwork – Thereupon

    Noch mal Jazz, diesmal nicht von alten Meistern, sondern von einem jungen (oder jedenfalls erst 1971 geborenen) Herrn, nämlich Vijay Iyer. Dieses in New York heimische, und man muss es wohl so nennen, Multitalent (die englischsprachige Wikipedia listet allein Komponist, Bandleader, Produzent, Autor und Professor auf; Jazzmusiker sind oft ein sehr eigenes Völkchen) ist nicht nur Kopf einiger Musikprojekte, sondern dann und wann auch mal gleichberechtigtes Mitglied, so auch im Trio Fieldwork, das seit 2002 vier Studioalben veröffentlichen ließ, wobei das dritte, „Door“ (2008), schon eine Weile zurückliegt. Die anderen beiden Musiker im Trio sind Tyshawn Sorey und Steve Lehman, beide selbst ausgewiesene Experten und Bandleader mit jeweils eigenem Wikipediaartikel. (Von wegen, ich hör’ immer nur obskuren Kram von Musikern, die niemand kennt…)

    Hier also liegt nun das vierte Album von Fieldwork, „Thereupon“, vor. Gesungen wird nicht und das ist in Ordnung so. Das ganze Album durchzieht ein Mitwipp-Groove, dabei wird es aber nie wirklich beliebig; das Trio an Klavier, Saxophon und Schlagzeug durchzieht die neun Stücke mit einer Spielfreude, die ansteckend ist und also den Hörer (oder zumindest mich) hier und da zum Sitztanz verleitet. An traditionelle Jazzformen halten sich die Musiker eher aus Versehen, stattdessen entfachen sie einen wahren Wirbelsturm (entfacht man eigentlich Wirbelstürme?) aus Rhythmus, Melodie und gekonnt Improvisiertem, der mir durchaus mehr als einmal ein anerkennendes Nicken entlockt. Das ist Zustimmung genug.

    Das und natürlich meine hiesige Empfehlung, die hiermit erteilt ist.

    Stream, Download, Kauf: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

17. La Dispute – No One Was Driving The Car
    „You carved ‚Die Young‘ with a pen / in the skin below your neck“ (Steve)

    Den ungefähren Stil der US-Amerikaner La Dispute beschrieb ich bereits 2013, damals stellte ich „Geschepper und Geschrei“ (d.h. Screamo-Stil) fest. Es scheint sich seitdem manches geändert zu haben, denn geschrien wird hier kaum noch.

    „No One Was Driving The Car“ ist das, was man wohl heutzutage ein Spoken-Word-Album nennt: Es wird viel gesprochen. Dabei klingt Sänger/Sprecher Jordan Dreyer allerdings sehr ungeduldig, als wäre die Schlange vorm Klo unerträglich lang. – In den letzten Jahren, erfährt man, sei die sonst grundsätzlich unpolitisch handelnde Band zusehends wütender geworden und das müsse jetzt raus. An den Texten, plumpe Parolen findet man hier nicht, erkennt man keine übermäßige Politisierung, wohl aber findet man in ihnen einen gewissen fatalistischen Weltschmerz. Es hat Gründe, dass auch das ein Wort ist, das es ins Englische geschafft hat.

    Die Musik dazu ist gut treibend, kurzweilig im besten Sinne und bisweilen (Reinhörempfehlung: „Top-Sellers Banquet“) beinahe tanzbar. La Dispute sind hier wie The Fall auf Speed und die Pixies auf Techno, sowohl die Post als auch das Hardcore in „Post-Hardcore“. Gepaart mit der dem Album innewohnenden Verzweiflung an der Welt und dem ganzen Rest ergibt das ein gutes Stück Musik, von dem man entweder depressiv oder geradezu ansteckend fröhlich wird. Bei jedenfalls mir war’s Letzteres.

    Stream, Download und/oder Tonträger (Letztere nur bei Amazon): Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

18. Deaf Club – We Demand a Permanent State of Happiness

    Apropos nervöse Musik.

    Deaf Club klingen an Gesang und Instrumenten eigentlich fortwährend wie vom wilden Affen gebissen. Sie „verlangen“ auf ihrem zweiten Album „andauernde Glückseligkeit“ und das hört man auch. Deaf Club spielen einen fiebrigen, hochexplosiven Hardcorepunk für Menschen, die heute noch zu wenig Kaffee hatten. Dass das Coverbild des Albums die Friedensbewegung grafisch zitiert, ist ein schönes Detail, das mit dem Inhalt des Albums allerdings kaum korreliert. Friedlich ist hier gar nichts.

    „Panik schürenden Punkrock“ nannte das „New Noise Magazine“ das, was Deaf Club hier anrichten, und dem ist kaum zu widersprechen. „We Demand a Permanent State of Happiness“ ist musikalisches Chaos der angenehmeren Art. Manchmal schrille (gelungene Vorabsingle: „Nihilist for Dummies“), stets aber fiese Gitarren fliegen aus dem Kopfhörer, worüber der sowieso eifrige Justin Pearson energisch ins Mikrofon schreit, während ein überdrehter Schlagzeuger die Trommelfelle windelweich prügelt. Mr. Bungle treffen auf Dillinger Escape Plan. „We Demand a Permanent State of Happiness“ gibt dem geneigten Hörer fortwährend auf die Fresse und das fühlt sich nicht mal schlecht an.

    Live sei es immer besser als auf Platte, heißt es über Rockmusik. Das gehe mehr ab. Nun habe ich Deaf Club bisher nicht live gesehen, aber wenn da noch mehr geht, fürchte ich, ich muss da sowohl mal hin als auch hinterher dringend meine Ohren untersuchen lassen. Aber das wird’s wert gewesen sein.

    Krasse Scheibe.

    Stream, Download, Kauf: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

19. Zatokrev – …Bring Mirrors To The Surface

    Zatokrev, man ahnt es angesichts des Namens, kommen selbstverständlich – richtig – aus Basel. Zu ihren musikalischen Vorbildern gehören, glaubt man dem Internet, die großartigen Neurosis, zu Gehör bringen sie folgerichtig schweren, atmosphärischen Postmetal.

    Das Album walzt sich ins Gehör wie sonst nur Bayern München durch die Bundesliga, ist dabei aber auch deutlich weniger langweilig. Dabei geben sie dem Hörer genug Zeit, sich auf das einzulassen, was ihm, man muss es wohl so ausdrücken, hier druckvoll widerfährt: Fünf der Stücke sind über neun Minuten lang. Tatkräftige Hilfe erhalten die Schweizer von Kollegen von Minsk, mit denen sie schon 2018 zusammen ihr bis dahin letztes Studiolebenszeichen, nämlich eine Split-EP, rausgebracht hatten, ebenso wie von einigen weiteren Kollegen aus der Szene. Das Gastspiel des Zeal-&-Ardor-Frontmanns Manuel Gagneux („Unwinding Spirits“) ist auf diesem Album nur als folgerichtig zu verstehen.

    Beinahe aus dem Rahmen fallen dagegen die beiden sehr gegensätzlichen Stücke „Blood“ und „Faint“: Während Letzteres ein (zu kurzes, aber) wahres Noisegewitter über den unvorbereiteten Hörer einbricht, was mir als altem Krachfreund das Album ja erst so richtig veredelt, nimmt „Blood“ ab etwa der Hälfte der Laufzeit das Tempo etwas heraus. Wer zuhört und jetzt glaubt, er könne kurz verschnaufen, der möge sich damit ein bisschen beeilen, denn bereits im folgenden „The Only Voice“ geben Zatokrev wieder Vollgas.

    „…Bring Mirrors To The Surface“ ist ein musikalischer Mahlstrom, von dem sich mitreißen zu lassen nicht die schlechteste Idee ist. Die Rückkehr an Land hat was Reinigendes. Ich mag das.

    Stream, Download und Kauf: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

20. TV Cult – Industry

    TV Cult kommen aus Köln, aber verzichten zu meiner Freude auf Mundartgesang. Das kann man ja von hinreichend bekannten Musikgruppen aus Köln nicht immer behaupten.

    Was Pearl Handled Revolver (siehe oben) für die 70er sind, sind TV Cult für die (besseren) 80er. Mögt ihr Joy Division und/oder Idles? Dann mögt ihr auch TV Cult. „Industry“, ihr zweites Studioalbum, klingt vor allem dreckig, heiseren Gesang gibt’s gratis obendrauf. Das Album trage, las ich anderswo, seinen Namen unter anderem, um der gewaltigen Arbeit Rechnung zu tragen, die in die Produktion des Albums geflossen ist. Kann sein.

    Gut gemacht ist es auf jeden Fall: Hier und da fließen im Hintergrund des mal wütend, meist frustriert daherkommenden Rhythmusfundaments Synthesizermelodien ein (wie früher), Ohrwurmpotential hat für die, die sich jetzt schon angesprochen fühlen, sowieso vieles, wobei ich mich selbst immer wieder dabei erwische, dass ich ja eigentlich noch mal „Overpressure“ hören könnte.

    „Aber das ist doch alles schon mal da gewesen!“ mögt ihr jetzt denken. Das verhält sich bei Musik ja in den letzten Jahrzehnten des Öfteren so. Aber muss denn immer alles noch nie da gewesen sein? – Innovation? Nein. Tolle Musik? Ja!

    Stream, Download, Kauf: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

21. LÜT

    Aus Norwegen stammt das Punkrockquartett mit dem urnorwegischen Namen LÜT. Zuvor, weiß das Internet, spielten sie seit 2010 als The Wolves zusammen, nennen sich seit 2015 LÜT und hatten zwei Alben und diverse Besetzungsänderungen hinter sich gebracht, bevor sie 2022 noch mal von vorn anfingen und nun in Originalbesetzung ein konsequent selbstbetiteltes Album aufnahmen. So weit die Geschichte.

    Ein Großteil des hier Enthaltenen ist auf Norwegisch, das gut klingt, aber mir nicht geläufig ist, gesungen, eine Ausnahme ist einzig das auch noch schwächste Lied auf dem Album, „Glücksschmied“, in dem ausgerechnet Bela B., wohl selbst der Gruppe zugeneigt und mit den Die Ärzte bereits nach ihnen aufgetreten seiend, den ansonsten norwegischen Refrain auf Deutsch singt und eine einigermaßen uninteressante Strophe beisteuert. Das Lied hat es freilich nicht ganz leicht, denn LÜT machen auch in ihrer Muttersprache Spaß und gehen ab. Eine musikalische Nähe zu zeitgenössischem Deutschpunk (d.h. „Indie“) kann ich ausmachen, verstehe aber immerhin kein Wort. Dafür gibt es ziemlich viele Hummeln im Hintern.

    Das Album ist tatsächlich nur etwas über eine halbe Stunde lang, aber die Zeit wird komplett durchgeprescht. Wer Ruhe haben will, der ist hier falsch. Finde ich gut und gehe dazu ab.

    Stream und Vinyl: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

22. Jo Montgomerie – Ephemeral Rituals

    Von der Helen Scarsdale Agency gab es 2025 noch mehr Gutes für die Freunde gepflegter Geräusche. Die mir zuvor unbekannte Jo Montgomerie aus Manchester etwa, dort etikettiert unter „Musique concrète“, was gar nicht schlecht passt, hat eine sieben Stücke enthaltene CD / einen sieben Stücke enthaltenden Download rausgebracht.

    Wer nicht zwingend Rhythmus, Harmonie oder auch nur Melodie braucht, sondern ganz zufrieden damit ist, etwas zu haben, das den Kopf mehr befreit als ihn anzustrengen, ohne dabei in die seichte Fahrstuhl- bzw. Bügelmusik zu kippen, dem könnten die Rituale gefallen. Jo Montgomerie webt einen Geräuschteppich mit allerlei Zirpen, Phonographenpulsieren, Donnergrollen und auch mal Telefonklingeln (sehr schön: das in Übereinstimmung mit seinem Titel immer näher zu kommen scheinende „you better run“) ins Ohr des unvorbereiteten Hörers, um den sich „Ephemeral Rituals“ wie eine Blase legt und über eine – Helen-Scarsdale-Agency-erfahrene Leser haben das vermutlich schon geahnt – verlassene, aber noch voll funktionstüchtige Fabrik mitten in einer futuristischen Wüstengegend trägt, während er nach und nach nicht nur seine Ängste, sondern unweigerlich auch seine Hoffnung verliert, bevor sie ihn am Schluss (auch gut benannt: das fordernd blechern grollende „everything is silent“) wieder absetzt und verlässt, als wäre nie etwas geschehen.

    Ich habe eine Schwäche für Musik wie diese. Sie hat etwas Kathartisches an sich, eine irgendwie befreiende Wirkung eben. Die milde Klaustrophobie, die damit einhergeht, ist ein Nebeneffekt, der wieder verschwindet. Was bleibt, ist Stille.

    Stream, Download und/oder Kauf: Bandcamp 1, Bandcamp 2.

23. Baker-Beck-Wyskida – Trzecia (Drugi)

    Ehemals Supergroupiges zum Schluss.

    Baker-Beck-Wyskida waren Aidan Baker (Nadja u.a.), Tim Wyskida (zumindest mir vor allem von Insect Ark bekannt) und der vor der Fertigstellung des Albums verstorbene Daron Beck (Pinkish Black). Enthalten sind vier Stücke zwischen 8:18 und 14:30 Minuten, die vor allem denen gefallen dürften, die gegen instrumentales Elektronisches nichts einzuwenden haben. Baker-Beck-Wyskida erschaffen große Atmosphäre, ohne dabei so ermüdend zu werden wie weiland Tangerine Dream in ihren schwächsten Phasen.

    Das dritte Stück „Dziewiåty“ poltert nach dem flächigen, hier und da auch mal spacig hüpfenden Beginn ziemlich unerwartet los. Industrial, wo man ihn nicht erwartet, ist mein liebster Industrial. Ich denke kurz an „Ravvivando“ von Faust und bin entzückt. Dem gegenüber steht das vierte und zweitlängste Stück mit dem kein bisschen verwirrenden Titel „Dziesiåty“, das ähnlich industriellen Klängen eine schwermütige Stimmung zur Seite stellt, die mich an ein Begräbnis denken lässt, dissonant unterstützt. Keine Ahnung, ob Daron Beck wusste, dass sein Ableben nicht mehr lange dauern würde, aber es würde es erklären. Zu Grabe getragen hat dieses Stück jedenfalls mindestens dieses Album.

    Schön, es noch gehört zu haben.

    Kassette (!) und Stream: Bandcamp, TIDAL.

Reicht. Ergänzungen? Gern hier drunter. Genörgel? Später vielleicht. Weiteres, wenn alles Relevante beim Alten bleibt, gibt es hier in einem Jahr.

Kommentare

• keine ahnung schrob am 2. Januar 2026 dies: Ach, so viele Buchstaben – und so viel Musik. Es war nicht alles schlecht in 2025. Danke!
• tux0r schrob am 2. Januar 2026 dies: Immer noch jedoch schreiben Menschen „in 2025“ statt „2025“. Seufz. Gern geschehen.
• Polemicer schrob am 3. Januar 2026 dies: Ergänzung: Cloakroom – Last leg of the human table https://cloakroom.bandcamp.com/album/last-leg-of-the-human-table (Hat mich ziemlich abgeholt, weil irgendwie Stoner-Downtempo-Hillbillie-Punk-Metal oder so. Genretechnisch schwer festzunageln, i like that kind of stuff.) (16) – Guide for the misguided https://16theband.bandcamp.com/album/guides-for-the-misguided (Schwer, variantenreich, fett) Unto others – Never, Neverland (Straighter Metal/Rock mit (glaube) Sisters of Mercy-Gedächtnisgesang, läuft oft auf meinen Geräten)

‘Musik 12/2024 – Favoriten und Analyse’ weiterlesen »]]> Huch! Ein neues Jahr! Dabei war ich noch gar nicht damit fertig, das alte zu verarbeiten. Selbst in der Musikwelt war einiges los: Die von wenigstens mir gemochten 417.3 haben sich aufgelöst, die tollen Kombynat Robotron haben derweil ein neues Album veröffentlicht. Bei „Betreutes Proggen“ nörgelte Klaus Reckert, dass nach dem Veröffentlichen seiner Jahresbestenliste immer noch neue gute Musikalben rauskamen. Es bereitet mir ja immer ein bisschen mehr oder weniger heimliche Schadenfreude, dass jemand lange vor dem Ende eines Jahres eine vermeintliche „Jahresrückschau“ veröffentlicht und dann die wichtigsten Dinge gar nicht drin hat, weil das Jahr noch weitergeht und seine Liste nicht. Hihi.

Die nach einem Stück von Can benannte Motorik-Krautband You Doo Right hat mit „From the Heights of Our Pastureland“ ein schönes Album voller psychedelischem Gitarrenkrach veröffentlichen lassen, das leider ein paar Schwächen und Längen aufzuweisen hat, die den Hörgenuss doch merklich schmälern und mich unbefriedigt ließen. Schade. Außer Konkurrenz verbleiben diesmal aufgrund früherer Rezensionen die neuen Alben von Jim Haynes und faust.

Hadmut Danisch fragt, ob das „große Zeitalter“ der Musik „vorbei“ sei. Finden wir es heraus!

1. Kreidler – Twists (A Visitor Arrives)

   Obwohl sie wieder nur noch zu dritt sind, schaffen Kreidler es, einen beständigen groove in die Tiefe gehen zu lassen.

   Auf dem weitgehend instrumentalen 2024er Album „Twists (A Visitor Arrives)“ herrscht neben einem allgegenwärtigen grollenden Bassfundament ein bemerkenswertes Zusammenspiel aus der guten alten Berliner Schule – es surrt, blubbert und fiept stückweise unentwegt – und entspanntem Jazz vor. Das höre ich so in dieser Kombination auch nicht allzu oft, auch bei Kreidler war mir der Jazzanteil nie so dominant begegnet. Einen Anteil daran könnten vielleicht auch die Gastbeiträge an Posaune („Polaris“) und Saxophon („Tanger Telex“) haben. „Twists (A Visitor Arrives)“ könnte damit bereits jetzt zu meinem Lieblingsalbum von Kreidler avanciert sein. Auch mal ein schöner Start ins Jahr (zum Zeitpunkt des Hörens und der Niederschrift ist’s erst der 14. Januar).

   In zwei Stücken lassen sich die drei Herren auch stimmlich unterstützen: „Loisaida Sisters“ wird von einem Herrn intoniert, der sich Khan of Finland nennt und natürlich in Berlin heimisch ist, während in „Hands“ Natalia Beridse, die, glaubt man dem Internet, als TBA (wem?) bekannt geworden ist, irgendwas über Hände erzählt. Obwohl gerade erstgenanntes Stück so nah an der zeitgenössischen Tanzpopmusik ist wie sonst kaum eines von Kreidler, verwässern die Gastbeiträge doch nicht den gesamten Eindruck. Man habe sich durch meine Empfehlungen gehört und brauche jetzt Therapie, gab man mir anlässlich der letztjährigen Rückschau zu verstehen. Für Freunde von Krautrock, 70er-Elektronik und durchaus auch zeitgenössischer anspruchsvoller Tanzmusik ist „Twists (A Visitor Arrives)“ als Therapie vielleicht durchaus geeignet. Gefallen tut’s jedenfalls schon mal.

   Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

2. Schubmodul – Lost In Kelp Forest

   Bei dem Bandnamen denkt unsereins ja entweder an leichtfüßigen Spacerock oder an schräge Krautelektronik. Beides ist nicht der Fall. Schubmodul aus Bochum spielen auf „Lost In Kelp Forest“, ihrem zweiten, bereits im Sommer 2023 aufgenommenen Album, stattdessen schwere Kost.

   Ich höre Stoner‑, aber auch Postrock. Das Album ist überwiegend instrumentell, doch kommen mehrere gesprochene samples vor, die die Handlung in Form eines Radioberichts sozusagen einrahmen. Es geht offenbar um ein U‑Boot namens Renegade One (so heißt auch das dritte Stück), in dem ohne Genehmigung psychedelische Drogen aus Seetang hergestellt werden oder so. Passt schon, so klingt das Album auch. (Dass momentan – 28. Dezember – ausgerechnet die blaue Version der Platte noch bei Bandcamp zu haben ist und die nicht wasserfarbene nicht, ist zumindest bemerkenswert.)

   Vergleiche für diejenigen unter meinen Lesern, die unbedingt Vergleiche brauchen: Colour Haze und God Is An Astronaut. Zwischen diesen Polen liegt die Welt von Schubmodul und sie ist farbenreich. Stoner‑, Space- und Heavy Rock geben einander hier sozusagen die Klinke in die Hand, untermalt von wunderbar atmosphärischen und immer etwas entrückten Gitarrenflächen. In dieser musikalischen Nische war 2024, so weit es meine eigene Aufmerksamkeit betrifft, gar nicht so viel los, bei Schubmodul stimmt dafür um so mehr. Volle Kraft voraus, sozusagen.

   Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

3. Lustmord – Much Unseen Is Also Here

   Lustmord ist der von deutscher Malerei inspirierte Künstlername des Walisers Brian Williams, selbst „der Gustave Doré der Musik“ (Internet), der seit 1980, nach eigener Aussage überredet von Mitgliedern von Throbbing Gristle, Aufnahmen tätigt, die klingen, wie sie heißen. Live tritt er selten auf, doch Zeit für Aufnahmen nimmt er sich bisweilen.

   „Much Unseen is Also Here“, erschienen im März 2024, zu beschreiben ist schwierig. Es ist ein Album, auf dem vordergründig fast nichts passiert und hintenrum wird man traurig. Auf Bandcamp trägt das Album das Etikett „weird shit“, was als Genrebezeichnung mal passen mag, andere mögen’s dronehaltiges Dark Ambient für uns Freunde der gepflegten Langsamkeit nennen und haben damit trotzdem Recht. Es sind Geräusche ohne Gesang, ohne Rhythmus, ohne Melodie, nicht einmal wirklich mit Instrumenten (sieht man von der einzeln klagenden Oboe in „Invocation of the Nameless One“ ab). „Their Souls Asunder“, das fast zwölfminütige sechste der acht Stücke, kommt zumindest vorübergehend mit einer Stimme daher, aber leichte Kost geht trotzdem anders. Der Geist eines Mönchs beschwört wortlos die Toten.

   „Much Unseen is Also Here“ ist eines dieser Alben, nach deren durchgehendem Konsum man sich fühlt, als hätte man am selben Tag die Wohnung, die Arbeitsstelle und die Liebe seines Lebens sowie zwei Zähne verloren. Immerhin: Ist eins davon wirklich passiert, dann wird es mit dem Album fast erträglicher. Warum die menschliche Psyche so funktioniert, dass genau dieser Effekt den Hörer fesselt, weiß ich nicht. Ich freue mich, dieses Album gehört zu haben, und das nicht nur, weil es jetzt vorbei ist. Ihr solltet das auch tun.

   Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

4. 24/7 Diva Heaven – Gift
   „Whatever you do: it’s never enough“ (Rat Race)

   Täglich und rund um die Uhr im Divenhimmel wähnen sich die drei auf- und abgedrehten Musikerinnen von 24/7 Diva Heaven. Wie der Name schon verrät, haben wir es hier mit einer Musikgruppe aus Berlin zu tun.

   Diese nahmen auf ihrem zweiten Studioalbum „Gift“ genau die Art von Musik auf, die von Berlin nicht anders zu erwarten ist: Rotziger Garagenpunk mit Grungeaffinität, natürlich auf Englisch vorgetragen, unter vier Minuten pro Lied. Dass ausgerechnet das Titellied, immerhin nominell fast dreieinhalb Minuten lang, langweilig ausgeblendet statt mit einem anständigen Ende versehen wurde, ist der einzige relevante Kritikpunkt, den ich hier hätte. Dabei nörgele ich doch so gern!

   24/7 Diva Heaven klingen nach den 90ern und sehen sich selbst als in der Riot-Grrrl-Tradition stehend, sind aber trotzdem auch in der gegenwärtigen Szene gut vernetzt: Es gab etwa eine gemeinsame Tour mit den meinerseits hochgeschätzten Team Scheisse, auf „Gift“ wiederum ist (in „These Days“) Arnim Teutoburg-Weiß von ausgerechnet den Beatsteaks am Mikrofon zu hören. Das macht aber nichts. „Gift“ ist ein ziemlich rundes Ding (also nicht die Tonträger jetzt, wobei: die natürlich auch) geworden, das die vornehme Zurückhaltung einer Diva nicht etwa schlicht vermeidet, sondern sie mit Anlauf in den Arsch fickt. Ohne Gleitgel.

   „Gift“ ist ein erfreulich lautes, dreckiges, kraftvolles Album, das unter all den lauten, dreckigen, kraftvollen Alben des Jahres 2024 immer noch hervorragt. Dafür gibt’s meine Empfehlung.

   Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

5. Present – this is NOT the end

   Im März 2021 ist Roger Trigaux, Gitarrist auf den ersten beiden Alben der belgischen Kammerrockband Univers Zéro, im Alter von 69 Jahren verstorben. Dieser Umstand bedeutet unumgänglich auch das Ende von Present, derjenigen Musikgruppe, die er nach seinem Ausstieg bei Univers Zéro im Mai 1979 gegründet hatte, um – im Gegensatz zur eher klassisch orientierten Musik seiner früheren Combo – das „Rock“ in „Kammerrock“ stärker zu betonen und gleichzeitig mehr Platz für seine eigenen Kompositionen zu haben.

   Bis zu seinem Tod arbeitete Roger Trigaux an der hier dargebotenen Musik, die schließlich – das bis dahin letzte Studioalbum „High Infidelity“ stammt von 2001, live kam zuletzt 2009 „Barbaro (ma non troppo)“ auf den Markt – nach langer Zeit ohne Lebenszeichen der Band Anfang 2024 endlich veröffentlicht wurde. Der Titel „this is NOT the end“ sei, ließ man die Hörer wissen, ein Ergebnis des an Roger Trigaux gerichteten Drängens, mit Present dürfe es doch noch nicht vorbei sein. Dass dem nun trotzdem wohl so ist, gibt dem Titel eine zusätzliche Metaebene. Ich mag Metaebenen.

   Auf dem Album – leider (wie auch die anderen Present-Alben) nicht auf Schallplatte erhältlich – sind drei Stücke zu finden, namentlich „Contre“ sowie das zweigeteilte Titelstück. Teil 2 kommt auf dem Album vor Teil 1. Das ist witzig. Musikalisch würde ich jetzt von „keinen Überraschungen“ schreiben, denn natürlich klingen Present auch nach über vierzig Jahren noch wie die schlecht gelaunte Gothicschwester von Univers Zéro. Der klassische Unterbau, der dieser Art von Musik zugrundeliegt, ist auch hier zu hören, wozu Kurt Budé (Saxophon, Klarinette und Bassklarinette) insbesondere im Titelstück, in dem es eigentlich fortwährend knarzt und brummt, einen nennenswerten Teil beiträgt, begleitet von Liesbeth Lambrecht (sonst bei Aranis) an der Violine. Dem gegenüber stehen Roger Trigaux’ schneidende Gitarre und immer wieder – doch – überraschende Ausbrüche in vermeintlich ruhigen Abschnitten. Der avantgardistische Reiz dieser Musik wird von ständigen Tempowechseln unterstrichen, wobei die Musiker es schaffen, nie ungewollt hektisch zu klingen. Manchmal greift der Bandchef zum Mikrofon und rezitiert einen Text, was im Internet mit einer französischen Version von Captain Beefheart verglichen wird. Passt schon. Keine Ahnung, was er sagt (Französisch hat mich nie interessiert), aber es ist hinreichend gut in die Musik eingebunden, dass es mir eigentlich auch völlig egal ist.

   Zum Ende des Albums, in der zweiten Hälfte von „Teil 1“ des Titelstücks also, hin werfen die acht Musiker noch mal alles in die Waagschale, nach einer mehrminütigen orchestralen Eruption klingt das Album ruhig aus. Ein toller Abschluss für eine tolle Karriere. Schade, dass ich nie das Vergnügen hatte, diese Musik live zu erleben.

   Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com (nur auszugsweise).

6. The Messthetics and James Brandon Lewis

   Ungefähr 2016 gründeten die früheren Fugazi-Mitglieder Joe Lally und Brendan Canty gemeinsam mit dem Gitarristen Anthony Pirog, der vorher nicht bei Fugazi gewesen war, das Instrumentaltrio The Messthetics. Anders als Fugazi spielen sie unter diesem Namen eine Art Jazzpunk.

   Nach zwei Alben zu dritt überraschten sie zumindest einen Teil der Musikwelt mit einer Zusammenarbeit mit dem Jazzsaxophonisten James Brandon Lewis, der mit dem James Brandon Lewis Quartet („erinnert an den musikalischen Geist von David Murray, John Coltrane oder Albert Ayler und beeindruckt durch ihre überschäumende Energie, Dringlichkeit und Kraft“) einen Deutschen Jazzpreis 2023 in der Kategorie „Band des Jahres international“ bekommen hatte, was ich gar nicht mitbekommen hatte, weil Jazz zwar interessant, aber nicht so interessant ist. Um so schöner, den Herrn jetzt doch noch kennengelernt zu haben.

   Und er harmoniert prächtig mit den Messthetics, wie Liveauftritte belegen. Zu viert bringen die Musiker weiterhin instrumentalen, tanzbaren Jazzrock mit ordentlich Wumms hervor. Alles auf diesem Album macht Spaß, wenn man – wie ich – für gut gemachte gelegentliche Jazzlastigkeit nichts einzuwenden hat. Und wenn die Welt eines immer, immer zu wenig hat, dann ist es: Spaß.

   Da helfe ich doch gern.

   Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

7. Goddess Limax Black – monstranz

   „Göttin Schnegelschwarz“, soso. Immerhin: Langsam sind sie ja, nur nicht unbedingt schleimig. Die sechs Stücke tragen Titel wie „Sabbatheske, die“ und – mit neuneinhalb Minuten Länge das aufmerksamkeitsforderndste Stück – „Die freudenreichen Geheimnisse/Die schmerzhaften Geheimnisse/Die glorreichen Geheimnisse“, zu dessen Instrumentenbeginn diverse christliche Gebete, von Avemaria bis zum Apostolischen Glaubensbekenntnis, angenehm monoton, aber mit etwas zu viel Hall vorgetragen werden. Man muss die Institution Kirche nicht mögen, um dem etwas abgewinnen zu können.

   Trotz dieser quasi wie eine Monstranz (hehe) zur Schau getragenen Andächtigkeit bleibt die Fantasie erhalten: Gesang im eigentlichen Sinne gibt es hier nicht.

   Die drei Österreicher in klassischer Rockbesetzung (plus Synthesizer, der, wenn mich mein Gehör nicht trügt, gern für Hintergrundklangflächen zum Einsatz kommt) nehmen sich auf ihrem bereits Anfang Januar 2024 veröffentlichten, doch bereits 2023 aufgenommenen Album „monstranz“ jede Menge Zeit, hier gibt es kaum mehr als schleppenden Doom mit mächtigen Drones. Genau das, was ich jetzt brauche!

   Bisweilen wird das Grollen von schweren Gitarrenriffen zerschnitten, ohne dass diese ihm dabei wirklich Einhalt gebieten könnten. Ein unaufhaltsamer, aber zähflüssiger Mahlstrom bohrt sich ins Ohr.

   „monstranz“ wirke „wie ein Versuch, inmitten all des Chaos’ Ordnung zu finden“, schrieb Raphael Lukas Genovese im März und hat damit natürlich völlig Recht.

   Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

8. Monkey3 – Welcome To The Machine

   Vier Schweizer gehen auf’s Ganze (so hätte es früher als deutscher Film geheißen) und veröffentlichten mit „Welcome To The Machine“ im Februar 2024 ein Album, das sie selbst ein „Magnum Opus“ nennen, ein großes Werk also. Rein von der Länge her mag das stimmen, kommen Monkey3 doch mit nur fünf Stücken auf eine solide Laufzeit von fast fünfzig Minuten.

   Das Titelbild des Albums zeigt ein futuristisches Dingsda im Weltall und passend hierzu nutzen die Musiker diese Laufzeit, um in gewohnt hoher Qualität außerweltliche Klangflächen zu malen. In diese Zeit drücken sie aber, wie auch auf vorherigen Alben, keinen Gesang hinein, sondern füllen sie mit treibendem Schlagzeug und singenden Gitarren. Ein „Meisterstück der psychedelischen Rockmusik“ nannte ein Rezensent irgendwo im Internet dieses Album und das ist nicht mal unbedingt übertrieben. Nach einem Science-Fiction-würdigen intro brettern die Musiker direkt los und halten das Tempo erst mal. Das wenigstens in seiner ersten Hälfte entspannt groovende „Collision“ kann die nervöse Grundstimmung des Albums nicht kaschieren und soll das wahrscheinlich auch gar nicht. Dass das Mittelstück „Kali Yuga“ in God-Is-an-Astronaut-Gewässern fischt, soll mir altem Postrockfreund ja nur recht und billig sein.

   Auf „Welcome To The Machine“ gehe es, heißt es, um den Konflikt zwischen Mensch und Maschine. Den kann wohl jeder nachempfinden, der schon mal mit Linux arbeiten musste. Unter anderem in Ermangelung von Texten ist es nicht leicht, diesem Konzept inhaltlich zu folgen. Rob Walsh schlug daher vor, „Welcome To The Machine“ nicht an diesem Konzept zu messen, sondern es als das zu betrachten, was es ist: Ein durchweg gelungenes Musikalbum einer durchweg gelungenen Band. More of the same ist es sicherlich: Wer Monkey3 bestellt, der bekommt auch Monkey3. Aber wie albern wäre es, darüber zu klagen?

   Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com (auch hier wieder nur auszugsweise), TIDAL.

9. Halma – Driving by Numbers

   Apropos Postrock.

   Deutlich langsamer als die Schweizer (ironisch, nicht?) gehen die Hamburger Halma, wiederkehrende Leser erinnern sich an sie, nach fünf Jahren ohne ein neues Album auf den vier Stücken von „Driving by Numbers“ zu Werke. Gesungen wird nicht (interessehalber: warum gibt eine Hamburger Musikgruppe einem weitgehend textlosen Album einen englischsprachigen Titel?), dafür wird ordentlich gegroovt. Dass so ein E‑Bass, hier seit einigen Jahren von Gundi Voigt bedient, ein fantastisches Melodieninstrument ist, ist in diesem Genre (allein das Wort schon!) keine unbekannte Feststellung, doch sie will auch weiterhin gemacht werden. Diese Ehre erweise ich ihr gern.

   Unter dem Bass – auch mal eine interessante Schichtung – wird von Bariton- und anderer Gitarre ein dichtes Netz gewoben. Falls er mal runterfällt. Herz- und Kernstück des Albums scheint dabei der „Slow Song“ zu sein, der, mit seinem Titel in die Irre führend, gar kein Song (dt. „Singstück“), aber durchaus slow und folgerichtig dreizehn Minuten lang ist. Wer langsamer erzählt, dem sei auch mehr Zeit vergönnt. Mitten in diesem „Song“ nämlich, der Weg dahin wird treffend gepflastert, scheint die bis dahin gewohnt gemächliche Gruppe kurz zu eskalieren, sägender Noise fegt irrlichternd über das Fundament; schnell aber besinnen sich die vier Musiker wieder dessen, was sie eigentlich tun wollten, und kehren dorthin zurück, wo dann auch das letzte, das Titelstück anschließt (das zwar durchaus mit Text beginnt, aber nicht mit englischsprachigem Gesang, sondern mit anderssprachigen Wortsamples; versteh’ ich nicht), nämlich zu mitwippbarem Postrock mit krautrockigem Motorikschlagzeug. Als Verbeugung vor ihrer eigenen Geschichte und insbesondere ihren früheren Alben lassen Halma dieses Titelstück ambient ausklingen, und obwohl ich Ambientmusik schrecklich langweilig finde, fällt mir nichts ein, was ich hieran auszusetzen hätte.

   Schönes Album, auch wenn’s mir etwas zu kurz vorkommt; was bei ungefähr vierzig Minuten Gesamtlaufzeit aber auch nicht mehr ist als ein Gefühl. Gefühle sind ja immer so eine Sache. Mich freut, dass es Halma noch gibt. Mögen viele weitere Alben folgen.

   Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

10. So Far as I Know – Awe

    Noch mal etwas Postrock, weil nur schwere Gitarren vieles, was 2024 („in 2024“, wie Menschen, deren Umgang mit Sprache einer Prügelei gleichkommt, es nennen) geschehen ist, erträglich machen konnten: Aus Russland (buh!) kommt Sergei Guselnikov und damit auch sein Einmannprojekt So Far as I Know.

    Dass eine Sängerin namens Katya Zlobina, die, verrät das Internet, sonst für eine Ambientgruppe namens Vena Portae singt, im zweiten Stück, „Tana Mao“, einen mir unverständlichen Text intoniert, ist das Einzige, das mich am Album „Awe“ stört, denn auch dieses Stück ist recht ambient geraten. Ambientmusik finde ich schrecklich ermüdend. Es hält mich jedoch der Rest des Albums quasi in awe, denn die übrigen sieben Stücke, jedes – der Stilrichtung zum Trotz – unter sieben Minuten lang, wobei das Titelstück „Awe“ es nicht einmal auf derer zwei schafft, exerzieren das vorzügliche Laut-Leise-Spiel des Postrocks auf gelungene Art durch.

    Natürlich gibt es auch hier Alleinstellungsmerkmale, sonst wäre das Album die Aufnahme in diese Liste nicht wert; am deutlichsten vielleicht das immer mal wieder anklingende Spiel mit der musikalischen Unsauberkeit. Das Stück „When Stars Collide and Fall Upon Us“ etwa klingt genau, wie es heißt, nämlich nach Kollision und trudelndem Absturz: auch die Gitarren brettern hier nicht nur in einem fort, sondern sie stolpern und stürzen, was ich so auch nur selten gehört habe. Von solchen Momenten gibt es auf „Awe“ (dem Album) manchen, was mir dem geneigten Postrockgeneigten selbiges Album zu empfehlen geradezu aufdrängt. Hiermit geschehen.

    Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

11. Gurriers – Come and See
    „I want that sentimental feeling to come right back online.“ (Des Goblin)

    Wir bleiben bei der Post, wechseln aber in den Punk, denn Gurriers aus Dublin sind eine erstklassige Postpunkband, stilecht mit grollendem Bass und, hier und da, Noiserock- und Shoegazestreusel, die den Kuchen „Come and See“ perfektionieren und nicht nur verzieren. Ich kam und sah (akustischerweise) und war verzückt.

    Ich höre (Banause, der ich bin) Kaiser Chiefs, Fontaines D.C. und eine ordentliche Portion The Fall („Des Goblin“). Gurriers beherrschen ruhige Momente ebenso wie das Reinsteigern in die Ekstase („Sign of the Times“). Keine negativen Überraschungen, dafür positive Erfahrungen. Man solle dazu „tanzen, als würde niemand zusehen“, schreibt Julia Mason. Mach‘ ich und schweige derweil.

    Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

12. Outlander – Acts of Harm

    Apropos Postpunk: Einen hab’ ich noch!

    Aus dem Heimatland des Postpunks, genauer: aus Birmingham, stammt das Quartett Outlander. Allzu aktiv sind sie nicht, die Veröffentlichungen betreffend, seit dem Vorgängeralbum „The Valium Machine“ sind immerhin ungefähr fünf Jahre vergangen. Obwohl natürlich eine gewisse Retroartigkeit dem Stil selbst anhaftet, klingt „Acts of Harm“ erfreulich zeitlos. Ich mag das.

    Entstanden sei „Acts of Harm“, lässt man die Hörer wissen, anfangs isoliert (es gab wohl irgendwo eine größere Epidemie von irgendwas), dann per Zusammenfügens des Stückwerks. Es gehe um die Versöhnung mit dem Erwachsensein und das „fragile Gleichgewicht der Normalität in der modernen Gesellschaft“. Wie passend.

    In der Tat vereinen Outlander auf „Acts of Harm“ Verzweiflung mit Hoffnung beziehungsweise musikalische Kälte mit verheißungsvollen Melodien. Hier und da, gerade im letzten Teil des Albums, schlägt der Postpunk in Postrock um, Gitarrenwände eingeschlossen, aber die Grundstimmung bleibt bestehen. „Acts of Harm“ ist so grau wie sein Titelbild, aber die Wolken lichten sich immer mal wieder, um zu signalisieren, dass nicht alles trüb bleiben wird, als reichte die Musik immer mal wieder ein Seil, um sich selbst aus dem Treibsand zu ziehen. Acts of Harm? Acts of Hope. Auch ein unterschätztes Gefühl im Jahr 2024.

    Reinhören: Bandcamp.com, TIDAL.

13. The Hard Quartet
    „Rustling up some liquid hash to make some colours flash“ (Heel Highway)

    Die Musikgruppe des Namens The Hard Quartet ist tatsächlich ein Quartett, bestehend aus Emmett Kelly, Stephen Malkmus, Matt Sweeney und Jim White, jeweils bekannt aus anderen musikalischen Zusammenhängen, wobei Malkmus’ Pavement vermutlich der bekannteste Zusammenhang sind.

    Musikalisch bedient wird sich bei Gruppen wie Sonic Youth, The Velvet Underground und den Dandy Warhols: Es gibt irgendwie dreckigen, verwaschenen 70er-Jahre-Rock’n’Roll mit Lo-Fi-Attitüde und mächtig Druck auf die Ohren. Abwechslung ist trotzdem gegeben: Auf das punkige „Renegade“ etwa folgt mit „Heel Highway“ direkt ein ruhiges Stück, an anderer Stelle werden Glam Rock („Chrome Mess“) oder Hardrock („Action for Military Boys“) gewürdigt. Damit es nicht langweilig wird.

    Apropos „nicht langweilig“: Gesang ist gerade bei einem von mehreren Teilnehmern gleichzeitig komponierten Album oft ein schwieriges Kriterium (regelmäßige Leser wissen, dass ich Musikalben gern mal nur deshalb nicht empfehle, weil der Vokalinterpret zu oft nicht die Klappe hält), aber die Stimme von Stephen Malkmus, der hier den Großteil des Gesangs absolviert, passt zur Musik wie Faust aufs Auge, Arsch auf Eimer oder andere Dinge, die gut zueinander passen. „The Hard Quartet“ (das Album) ist eine gelungene Verbeugung vor einer der Hochzeiten der Rockmusik und ich kann nicht mal da etwas finden, das mich stört.

    Wie ärgerlich. Wie schön.

    Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

14. Oranssi Pazuzu – Muuntautuja

    „Muuntautuja“ ist Finnisch und heißt Transformator. Entsprechend elektronisch gehen Oranssi Pazuzu auf ihrem so benannten 2024er Studioalbum zu Werke.

    Ich fühle mich nicht nur einmal an Cave In erinnert, das geht beim Eröffner „Bioalkemisti“ schon los. Die erste Assoziation: Heiser intonierter Tanzmetal (oder heißt das noch „EBM“ wie früher?). Die Produktion „ersticke“ das Album auf eine nicht etwa störende, sondern sogar gefällige Art mit Verzerrungen aller Art, las ich so ähnlich anderswo und stimme zu. „Muuntautuja“ ist im Wesentlichen ein einziges Fuzzgewitter und ich mag es.

    In irgendein Genre stecken lassen die Musiker das Album trotzdem nicht, das wäre auch zu langweilig. Es ist irgendwie auch Black Metal und Stoner Metal, es ist die Musik zu einem Horrorfilm, der in einer Achterbahn spielt, aber Oranssi Pazuzu erschaffen hier etwas noch Großartigeres, Atmosphärischeres, was sicher auch durch die Synthesizerflächen (das von einem fast schon sanften Rhythmus getragene „Hautatuuli“ ginge über weite Teile beinahe als Trip-Hop-Stück durch) hervorgerufen wird. Im reichlich geräuschverzierten Fastzehnminüter „Ikikäärme“ blitzt, Flügelspiel sei Dank, auch (ziemlich guter) Kammerprog hervor, der für Presentgenießer (hierzu siehe weiter oben) gar nicht so herausfordernd sein dürfte.

    Mein Fazit: Eine, nun ja, krasse Scheibe. Nichts für schwache Nerven oder solche Menschen, die selbige gern behalten würden. „Muuntautuja“ sollte man als sportliche Herausforderung begreifen. Der Sport: Dazu abhotten. (Sagt man das noch, „abhotten“?) Ich fang’ schon mal an.

    Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

15. Tess Parks – Pomegranate
    „It feels like everyone should be dancing / maybe I should be dancing“ (Koalas)

    Zur Abwechslung mal wieder ein etwas ruhigeres Album von einer etwas ruhigeren Künstlerin. Tess Parks ist eine kanadische, jedoch in London wohnende Liedermacherin, die seit 2013 mittlerweile fünf Alben rausgebracht hat, wobei zwei davon mit Anton Newcombe (The Brian Jonestown Massacre) zusammen entstanden sind, „Pomegranate“ jedoch nicht. Glaubt man ihren Beiträgen in sozialen Medien, so verehrt die Künstlerin unter anderem Oasis und die Hippiekultur. Das merkt man.

    Eine „Pomegranate“ nennt man hierzulande meist einen Granatapfel. Früher nahm man Granatäpfel gegen Durchfall, heute gegen schlechte Laune: „Pomegranate“ ist ein Album mit entspanntem Artpop für den Sommerabend auf der Veranda.

    Den Stil nennt der Pressetext „nouveau-delic“, also neudelisch. Mit der indischen Hauptstadt hat das nichts zu tun. Ich höre natürlich Einflüsse des 90er-Pops, eine ordentliche Portion dessen, was im Radio „Classic Rock“ heißt, aber damals als Hippiemusik gemeint war, und durchaus auch Nick Cave und Leonard Cohen. Das ergibt Sinn, denn eigentlich wollte sie aufgrund einer posttraumatischen Belastungsstörung, sofern das Internet nicht lügt (und das tut es bekanntlich nie), nie wieder Musik aufnehmen, doch haben ihre Mitmusiker, auf „Pomegranate“ sind es derer sieben, sie mit ein paar Musikvorschlägen davon überzeugt, doch weiterzumachen. Das finde ich sehr nett von ihnen. Das Album klinge, informiert der Pressetext weiter, nach Sehnsucht, Herzschmerz, aber auch Leichtigkeit und Freude. Stellt euch das mal kurz vor. Stellt ihr es euch vor? So klingt „Pomegranate“.

    Möge Tess Parks ihren Antrieb nicht allzu bald wieder verlieren.

    Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

16. zeug – Vessel
    „The secret of joy / keeps me awake“ (D.A.R.V.O.)

    Mehr gute Neuigkeiten: Nach ein paar Download-EPs, zum Teil noch in anderer Besetzung – einzig Bassist und Sänger Vladislav Overchuk ist seit der ersten Demo-EP von Januar 2015 dabei -, hat das Berliner Trio zeug (konsequent klein geschrieben) endlich Leuten wie mir, die ihm schon recht früh mit der Frage nach richtigen Tonträgern auf die Nüsse gegangen sind, eine kaum in Worte zu fassende Freude gemacht und im Juni 2024 mit „Vessel“ sein erstes Vollzeitalbum auf Schallplatten rausgebracht. Schallplatten? Ja: Es sind derer zwei, wobei lediglich die vierte Seite mehr als ein Stück (nämlich „Holst“, etwas über 14 Minuten, und „Stoned in a Queer Age“, etwas unter neun Minuten lang) enthält.

    Drunter machen sie’s nicht.

    Ihren sowieso schon interessanten Stilmix aus Postrock, Doom und 70er-Psychedelik entwickeln zeug auf „Vessel“ weiter. Vieles, schon ab dem ersten Stück „Hydras“, atmet den Geist der Krautimprovisation. Die Texte werden weitgehend auf Englisch, zum Teil („Sete“, „D.A.R.V.O.“) auch auf Russisch gesungen, klingen aber trotzdem nicht schlecht. Das ist bei deutschen Musikgruppen ja auch nicht selbstverständlich. Klang ist den Musikern im Allgemeinen sehr wichtig: Einige Tonspuren, darunter Blechbläser, wurden im Großen Wasserspeicher in Berlin aufgenommen, um dessen besondere Klangeigenschaften zunutze zu machen. Nun bin ich kein Tontechniker und kann diese Angaben daher nicht qualifiziert überprüfen, doch als Konsument bin ich vom Ergebnis nicht weniger als begeistert.

    Abseits der Beiträge von Gastmusikern wurde, informieren zeug des Weiteren, das Album ohne jede Nachbearbeitung live an Bord der MS Loretta, mithin auf der Weser, aufgenommen. Es ist nicht alles schlecht in Bremen. Zum ersten Mal deutlich zum Einsatz kommen die Bläser in den letzten Minuten des zweiten Stücks „Sete“, wo sie die Stimmen der Sänger, es scheinen hier mehrere zu sein, als Teil der anschwellenden Doomkulisse langsam ertränken. Ergibt da schon Sinn, das mit dem Schiff. „D.A.R.V.O.“ beginnt mit eineinhalb Minuten Walzengeräuschen, und kaum will man nachsehen, was da beim Abspielen schiefgelaufen ist, setzen auch schon rumpelnd Schlagzeug und Bass ein. Eine Art Verschnaufpause ist das Stück trotzdem, denn gerade nach dem aufgekratzten „Sete“ ist der eher coole Postpunk der ersten paar Minuten geradezu ein Fels in der Brandung. Dass sich schnell immer weitere Spuren dazugesellen, bis sich (wieder) das Bahn bricht, was man wohl „geordnetes Chaos“ nennen kann, versteht sich von selbst. In der zweiten Hälfte gibt es ein kleines Päuschen in Form von Kammermusik mit Fagott, bevor der finale Klagegesang dieser Plattenseite einsetzt: „Before you break me now / my hand slips out / and my head breaks out“. Mitreißend.

    „Stoned in a Queer Age“ ist nicht nur das mit Abstand kürzeste, sondern auch das merkwürdigste Stück auf „Vessel“: Es beginnt (textlich und musikalisch) beinahe wie ein Schlaflied und bleibt fast vier Minuten lang so, einzig vorangetrieben von energischem Trommeln. In der zweiten Hälfte hauen zeug allerdings, wie man so schön sagt, noch mal auf die Kacke, Blechbläser und beinahe erdrückten, aber wütenden Gesang und Punkrhythmusgitarre inbegriffen. Dass zeug hier buchstäblich bis zur letzten Minute des sowieso schon ambitionierten Debütalbums sozusagen den Fuß auf dem Gas lassen, spricht für sich und für es und für sie.

    Es habe Projektmittel „der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien“ gegeben, informiert die Bandcampseite zum Album. Endlich tut mal einer was. „Vessel“ ist – jedenfalls jetzt gerade – mein Lieblingsalbum des Jahres 2024. Diese Auszeichnung vergebe ich ja nicht ganz so oft (d.h. genau einmal) und will also was heißen.

    Reinhören: Bandcamp.com. Reicht.

17. Grundeis – Every Second an Ocean

    Die Shoegazegruppe Grundeis aus Hamburg vereint drei Dinge, die ich mag: Shoegaze, Hamburg und einen Namen, mit dem man Wortspiele machen kann („mir geht der Arsch auf“ selbiges, zum Beispiel).

    Bevor Frontfrau Laura Müller, die nur unter Zuhilfenahme ihres Namens im Internet zu finden auch nicht so leicht ist, im kommenden Februar wieder unter dem anders interessanten Namen Undinyx soliert, legt ihre Band noch schnell den Nachfolger ihres mir bisher unbekannten Debütalbums „Amygdala“, nämlich „Every Second an Ocean“, vor. Katrin Riedl vom „Metal Hammer“ findet, das Album sei zu lang (es seien immerhin 14 Stücke drauf). Das macht nichts, die etwas über 43 Minuten Zeit habe ich heute gerade noch.

    Diese etwas über 43 Minuten füllen die Musiker mit einer bisweilen hypnotischen („As Close As It Gets“), manchmal ruhigen („Every Second an Ocean“), immer aber fordernden Melancholie, die breitflächig daherkommt und trotzdem (Sprachbilder in Musikrezensionen sind ja immer so eine Sache) zerbrechlich bleibt, wobei der Sängerin bemerkenswert emotionaler Stimme sicherlich ein großer Anteil an der perfekten Verzahnung von Stimmung und Musik zuteilkommt. Dass manche Wechsel etwas überraschend scheinen, so löst etwa das für The-Cure-Freunde vermutlich noch genussbietendere, schwungvolle „Ignoring People“ die letzten Klänge des den Hörer sanft wiegenden Titelstücks ab, spricht für die Klasse, die Grundeis hier beweisen.

    „Zu lang“. Pfff. Der „Metal Hammer“ ist zu lang. „Every Second an Ocean“ hingegen ist genau richtig. Chapeau.

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18. Ulnaris – futur passé

    Mal wieder etwas Albernes zwischendurch. Das kann ich guten Gewissens kurz halten, denn „futur passé“, fünf Lieder und keine vierzehn Minuten lang, ist es auch.

    Ulnaris kommen aus dem Saarland, natürlich wird auf Französisch gesungen. Dies übernimmt Élodie Brochier, namentlich das einzige Bandmitglied, zu dem das auch passt. Nun ist es ja so, dass ich mit französischsprachigem Gesang bekanntlich kaum etwas anzufangen weiß, weil ich die Sprache weder beherrsche noch mag, sieht man von der abgedrehten Avantgarde ab. So ist es auch hier, denn das, was die drei Musiker und eine Sängerin hervorbringen, muss man wohl als eine Art Avantgardepunk bezeichnen.

    Im Grunde nämlich funktioniert die Musik von Ulnaris jedenfalls auf „futur passé“ so, dass Gitarre, Bass und Schlagzeug ein nur auf den ersten Blick gewöhnliches Punkfundament legen, dessen stilistische Vorhersehbarkeit aber hier gefesselt und geknebelt in den Keller gesperrt wurde. Oft hat Punk Berührungspunkte mit Ska und Reggae, der Punk von Ulnaris berührt alles. Darüber singt, flüstert und jubelt Élodie Brochier auf eine derart verspielte Weise, dass es eine wahre Freude ist.

    Zu meinem Bedauern gibt es „futur passé“ nur als Download und/oder Stream, daher schreibe ich hier nicht: Was für eine verrückte, geile Scheibe! Stattdessen schreibe ich also: Was für ein verrückter, geiler Download und/oder Stream! Davon gern mehr.

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19. The Body – The Crying Out of Things
    „Dreams are worthless while in the hold of what we now know“ (Last Things)

    Ich mag ja Musikalben, die so heißen, wie sie klingen. „The Crying Out of Things“ ist eines von ihnen.

    Bert Kaempfert hat mal gesagt, er möchte „Musik machen, die nicht stört“, ich jedoch möchte Musik hören, die stört. Hier bin ich richtig aufgehoben, hier fühle ich mich wohl. Dabei beginnt es mit „Last Things“ noch beinahe harmlos, als hätten Aereogramme sich von Trent Reznor produzieren lassen. Zum Glück täuscht das.

    Nahezu alles, was nach den ersten paar Momenten auf „The Crying Out of Things“ geschieht, ist nämlich das genaue Gegenteil von Harmlosigkeit, mithin ein aus elektronischer Tanzmusik, Joy-Division-Bootlegs („All Worries“) und exorzistisch wertvoller Urschreitherapie gekonnt komponierter Krach, von dem ich noch während des Hörens das dringende Bedürfnis bekam, mir erst mit einem Hammer auf die Finger zu hauen und dann die Schallplatte zu kaufen. Die ist ganz hübsch, wenn ich das richtig gesehen habe. Deutlich aus dem Rahmen fällt allenfalls das zweieinhalbminütige „The Citadel Unconquered“, das sich auch von einem der härteren Nebenprojekte von Godspeed You! Black Emperor nicht allzu schlecht machen könnte.

    Irgendwo im Internet las ich, dieses Album höre sich an wie der Moment, an dem man das Bewusstsein nach einem Autounfall verliert und/oder zurückerlangt. Kann schon sein. Es ist ganz großartiger Radau für Menschen wie mich, die Musik mögen, die jede Tanzfläche augenblicklich leeren. Warum tanzen, wenn man sich auch anders abregen kann?

    Gefällt mir.

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20. Sleepytime Gorilla Museum – of the Last Human Being

    Und da wir gerade beim Krach waren: Nach einer längeren Pause mit vielerlei sonstigen Projekten haben Sleepytime Gorilla Museum, die von 2001 bis 2007 mit Zirkusmetal (den Begriff habe ich mir gerade ausgedacht) die Progressive-Rock-Szene zumindest nicht kalt gelassen haben, in gleicher Besetzung das seit 2011 angekündigte Album „of the Last Human Being“ mittlerweile fertiggestellt und rausgebracht.

    Der frühere Perkussionist Moe! Staiano – das Ausrufezeichen scheint Teil des Namens zu sein – lässt hier als Gast im tatsächlich treibenden This-Heat-Cover „S. P. Q. R.“ noch einmal von sich hören. Ob er fehlt, wie das Internet es formuliert, vermag ich nicht abschließend zu beurteilen, jedenfalls aber bekommen die übrigen fünf Musiker auch ohne ihn einen ordentlichen Rhythmus zustande. Große Veränderungen im Stil sind ohnehin ausgeblieben. Mich freut, dass Musiker auch nach über zehn Jahren mit solcher Musik nicht die Lust daran verlieren.

    Modern sind immerhin die Texte: „The Gift“ etwa kritisiert die Allgegenwart von Computertechnik, die Sänger (nach wie vor Männlein und Weiblein) schlagen stattdessen vor: Geh doch mal wieder raus! (Wissen die eigentlich, wie kalt es ist?) In „Save It!“ meine ich gar Anleihen an Primus zu erkennen, aber Sleepytime Gorilla Museum bleiben trotzdem auch 2024 noch ganz sie selbst, reichlichen Geigeneinsatz eingeschlossen. Mit dem „Rose-Colored Song“ klingt das Album ebenso ruhig und unaufgeregt aus wie diese Liste.

    Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

Reicht? Reicht. Wie 2025 das überbieten will, weiß ich nicht, aber ich hoffe, die Musiker und Produzenten betrachten das als Ansporn und nicht als ausweglose Situation. Der Musikfreund dankt’s. Alles Übrige in einem Jahr an dieser Stelle.

Kommentare

• mike schrob am 1. Januar 2025 dies: +1
• Anonym schrob am 8. Januar 2025 dies: Bei Nummer 19 passt der Titel nicht zum Text, Vessel ist bereits als Nummer 16 rezensiert worden. Man merkt halt, dass dir das Album gefallen hat
• tux0r schrob am 8. Januar 2025 dies: Wieso? Da stand doch nie was anderes! … (Ja, hat es.)

‘Musik 12/2023 – Favoriten und Analyse’ weiterlesen »]]> Ein Jahr ist vorbei und ihr wisst, was das heißt: Die Liste meiner bevorzugten Alben des Jahres bedarf wieder eurer ungeteilten Aufmerksamkeit. Es könnte das letzte Mal sein, dass ich es euch so einfach mache: Der außerordentlich unhöfliche Konzern Songtradr hat 2023 Bandcamp halbiert. Ich würde ja gern mit positiven Aussichten das Musikjahr 2023 verabschieden, aber ich kann nicht. Ich kann einfach nicht.

Steven Wilson hat 2023 mit „The Harmony Codex“ ein weiteres vielgerühmtes Album mit Stampfpop (na gut: artpop) rausgebracht. Die Rezensenten waren wie üblich hin und weg, weil man Musik von Steven Wilson (Steven Wilson!) ja nicht einfach ignorieren darf. Ich wollte das Album eigentlich selbst nicht hören (der Vorgänger „The Future Bites“ war wirklich schlimm, aber ich hatte zu viel Zeit und fasse mich mal kurz: Ich wünschte, Popmusik würde mich interessieren. 2024 werde das „Jahr der Popfrauen“, mutmaßte die „Frankfurter Allgemeine Sonntagszeitung“ im Dezember. Das hoffe ich doch einfach mal nicht.

Dass es im jüngst abgelaufenen Jahr trotzdem ziemlich gute Musik gab, sei hier dennoch nicht verschwiegen. Einiges davon, nämlich die jeweiligen Alben von Uriah Heep, PoiL Ueda, scheissediebullen und Sigur Rós, hatte ich schon früher im Jahr positiv bewertet. Siebzehn weitere gelungene Werke folgen im Folgenden. Es möge euch von Nutzen sein.

1. Atsuko Chiba – Water, It Feels Like It’s Growing

   Atsuko Chiba, der Name verrät es schon, stammen aus Montréal (Kanada), sind also mit einer florierenden Postrockszene vertraut. „Water, It Feels Like It’s Growing“ ist ihr drittes Studioalbum und war der erste wirkliche Knaller des Jahres. Also nicht im Wortsinne jetzt.

   Ich höre weitgehend Rockmusik mit dem gewissen Etwas. Adjektiv? Tanzbar. Das Dargebotene ist vielschichtig, überall und ständig passiert etwas, aber man schafft es kaum, sich darauf zu konzentrieren, weil der Mahlstrom an Musik rhythmisch vorantreibt. Nicht innehalten. Bewegen. Die immer noch unterschätzten Crippled Black Phoenix fallen mir als Vergleich (auf und) ein.

   Das Titelstück fließt zum Abschluss des Albums eher zäh, jazz-trippig aus dem Kopfhörer, ohne dabei Komplexität zu opfern. Ein Album, das sich zu kurz anfühlt. Atsuko Chiba ist eine Figur aus dem japanischen Anime „Paprika“ (noch so ein japanischer Name) von 2006. Ich mag keine Animes. Die Musik ist aber gut.

   Reinhören: Amazon.de, TIDAL, Bandcamp.com.

2. Hong Faux – Desolation Years

   Hong, so sagt’s der Wissensschatz, sei unter anderem eine Marienkäferart. Hong Faux, ein falscher Marienkäfer also? Das schwedische Quartett dieses Namens spielt jedenfalls eine Musik derjenigen Art, die mit Marienkäfern wenig gemein hat.

   Irreführend ist auch der Beginn von „Desolation Years“, des aktuellen Albums der vier Herren, denn das, was ich zunächst für grollenden Stoner hielt, geht später über in gut gemachten Indierock mit mitunter mehrstimmigem Powergesang. Yeah. Die „VISIONS“ zitiert die Foo Fighters (offensichtlich in „Starkiller“), Clutch (mag ich) und Queens of the Stone Age (haben auch so ihre Momente) als Einflüsse. Dem zu widersprechen liegt mir fern. „Desolation Years“, „trostlose Jahre“ – der Titel deutet erdige Klänge an und daran mangelt es hier nicht. Trockene Musik für die trockene Wüste. Blöd, dass ich diese Rezension im Winter zu Ende bringe. Aber das Album behalte ich ja noch etwas länger; im Sommer könnte ich es noch mal brauchen.

   Reinhören: Amazon.de, TIDAL.

3. MSPAINT – Post-American

   Wenn man MSPAINT heißt, dann muss man wahrscheinlich genau so was machen wie die Musikgruppe gleichen Namens aus Mississippi, die von sich behauptet, sie würde „Tanzpunk“ hervorbringen. Auf ihrem ironisch „Post-American“ genannten 2023er Album ist davon auch tatsächlich etwas zu hören, wobei der Tanz- dem Punkfaktor übergeordnet scheint.

   Sicher: Es gibt wütende Gitarren und zornigen Gesang (oft vielmehr: Gerufe), aber der Rezensent (= ich) erwischt sich doch öfter beim Mitwippen als beim Sitzpogo. Das wirklich großartige „Delete It“, eins dieser Lieder, an denen ich mich immer noch vergebens sattzuhören versuche, ist eins von zwei Liedern auf diesem Album, auf denen Gastmusiker zu hören sind – in „Delete It“ ist es Ian Shelton, Sänger der Post-Hardcore-Combo Militarie Gun, auf „Decapitated Reality“ singt Pierce Jordan der mir bislang unbekannten Soul Glo. Eine gewisse stilistische Stringenz ist dabei erkennbar, „Free From the Sun“ etwa glaube ich schon zuvor auf demselben Album so ähnlich gehört zu haben, aber das macht ja nichts, so lange es gut ist. In der Tat schwächeln MSPAINT auf „Post-American“ kaum, sondern gehen gut ab. Das haben sie dem Malprogramm voraus.

   Reinhören: Amazon.de, TIDAL, Bandcamp.com.

4. Shem – III

   Das (ja, huch!) dritte Studioalbum des Stuttgarter Psychedelic-Kollektivs Shem – dessen Bandcampseite witzigerweise „Shemtrails“ heißt, hehe, wegen Chemtrails – möge die jährliche Dosis Postrock einleiten. Zwar spielt es nicht das alte Laut-leise-Spiel mit, doch ist die instrumentale Reise (im fast dreiminütigen „Lamentum“, leider ausgeblendet mit einem blöden fade-out, gibt es erstmals textlosen Gesang, ebenso im abschließenden „Refugium“) von Gitarren getragen.

   Die unklare Anzahl an Musikern (es handelt sich immerhin um ein „Kollektiv“) rührt kräftig im Topf der „Kosmischen Musik“, bedient sich dabei aber moderner Mittel. Der Hörer wird mitgenommen auf eine Klangreise in den (mentalen) Wolken, natürlich hat man das schon mal gehört.

   Das Album ist unter 40 Minuten lang, es fühlt sich nicht länger an als eine halbe Stunde. Schade eigentlich.

   Reinhören: Bandcamp.com.

5. When Plagues Collide – An Unbiblical Paradigm

   2023 erschienen manche gar nicht mal üble Alben, die in irgendeine Metalcorespielart einzusortieren sind. Dazu zählen Alben wie „Silhouettes of Disgust“ von Downfall of Gaia, das hier separat aufzuführen mir nur meine Faulheit verbietet, noch viel mehr aber lohnt sich ein Blick auf das europäische Ausland. Deutsche Musikalben werden hierzulande schon viel zu ausführlich gewürdigt.

   2016 fanden ausgerechnet in Belgien fünf, nun, Musiker zusammen, um gemeinsam Geräusche hervorzubringen, die gemeinhin als „Symphonic Deathcore“, „sinfonischer Todeskern“ also, etikettiert werden. „Symphonic Deathcore“ muss man sich ungefähr wie folgt vorstellen: Man wohnt einem klassischen Konzert mit großem Orchester bei, hat aber in einem Ohr einen dieser unsäglichen Ohrstecker, in dem ein Metalgitarrist stundenlang dasselbe Riff spielt, begleitet von einem Schlagzeuger, der Hummeln im Hintern hat und wirklich wütend auf seine Exfreundin ist, deren neuen Freund er in Form eines Fotos auf seine Felle geklebt hat. Kurz nach Beginn des Konzerts springt Batman aus demjenigen Paralleluniversum, in dem er seit 50 Jahren Kettenraucher und überdies leicht erkältet ist, auf die Bühne und versucht ein störrisches, jedoch taubstummes Kind dazu zu bewegen, endlich mal sein Zimmer aufzuräumen.

   Dieser Art von Musik, zumal deren Interpret „Wenn Plagen kollidieren“ heißt, kommt eine anstrengende Gesamtsituation wie die, in der die Welt sich im Zeitrahmen der Aufnahme und der Veröffentlichung von „An Unbiblical Paradigm“ (so heißt deren zweites Album) befand, freilich zupass und dem Verfasser dieser Zeilen ebenso; gelegentlich zieht es mich ja dazu, mich aus dem Kopfhörer anbrüllen zu lassen. Das abschließende „In alle stilte“ (das ist Ausländisch und heißt „In aller Stille“) macht es mit seinem beinahe melodischen Wesen und dem dazu erzählten Text (es mag Flämisch sein, das kann ich nicht) fast kaputt; aber eben nur fast.

   Reinhören: Amazon.de, TIDAL, Bandcamp.com.

6. Vertonen – Einige Schadstoffe

   Ich halte nicht viel von der Verwendung des schrecklichen Begriffs Liefern im Zusammenhang mit musikalischen oder sonstigen künstlerischen Werken, denn zwar liefert mir ein Bote bisweilen neue Schallplatten, die Künstler selbst liefern jedoch nur selten. Das ist auch nicht ihre Aufgabe.

   Daher werde ich hier auch nicht auf die Formulierung zurückgreifen, die Helen Scarsdale Agency liefere zuverlässig völlig kaputte Musik, obwohl ich diesen Eindruck bereits seit Januar 2023 mit mir herumtrage. Mit Vertonen – so nennt sich ein Avantgardemusiker aus Chicago nicht ganz grundlos, obwohl ich nicht so genau weiß, was er eigentlich vertont – hat die „Agency“ einen weiteren Musiker im Programm, der völlig kaputte Musik hervorbringt. Gut, was habe ich von einem Album auch erwartet, das „Einige Schadstoffe“ heißt?

   Aufgenommen wurde das Album 2022, veröffentlicht wurde es trotzdem erst im April 2023. Als Musikinstrumente kommen ein Synthesizer, Feldaufnahmen, Kurzwellengeräte und Altmetall zum Einsatz. Was vertont wurde, vermag ich nicht zu beurteilen; Banausen würden jetzt „ganz klar ein Autounfall“ schreiben, aber ich bin ja kein Banause, sondern mag Krach. Das Album sei eine Hommage an die klassische Phase des Industrial Noise, erzählt der Pressetext (welche Presse auch immer man mit dieser Art von Musik erreichen will). Das kann durchaus sein. Bezug genommen wird unter anderem auf Throbbing Gristle und Maurizio Bianchi. Dem kann ich nicht widersprechen. „Einige Schadstoffe“ ist ein Album mit lose strukturierten Geräuschen, das mich überdies mitunter an „Ravvivando“ von Faust denken lässt. Ab und zu gibt es Sprachfetzen, die zu verstehen ich gerade zu eingenommen von der auf mich einprasselnden Atmosphäre bin. Völlig kaputt. Großartig.

   Das Album gibt es nur als Download und auf Kassette. Passt.

   Reinhören: Bandcamp.com.

7. Orsak:Oslo – In Irons

   Orsak:Oslo ist eine Musikgruppe aus, nun ja, hauptsächlich Oslo. „Orsak“ ist Schwedisch und heißt Ursache oder Grund. Ich finde, Oslo ist ein akzeptabler Grund.

   Die Gruppe heißt also gar nicht so seltsam wie ihre Stücke. Auf dem zweiten Studioalbum „In Irons“ setzen Orsak:Oslo ihre auf 13 EPs und dem Debütalbum begonnene Tradition, ihre Lieder zu nummerieren (und das nicht mal konsequent), jedenfalls fort: Die fünf Stücke heißen „068 The Swell“, „079 Dutchman’s Wake (Part I)“, „069 In What Way Are You Different“, „078 The Mute (Part II)“ und „074 Hadal Blue“. Angenommen, es wäre hier eine gewisse Chronologie verewigt, was Sinn ergäbe (auf der Debüt-EP war Nummer 8 drauf), gebührt den Musikern schon wegen ihrer Produktivität meine Hochachtung.

   Zu hören ist, die Länge („Hadal Blue“ schafft es als mit Abstand längstes Stück auf nahezu 17 Minuten Laufzeit) könnte es verraten haben, keine gewöhnliche Alltagsmusik. Die vier Herren haben tief ins Krautglas gegriffen und präsentieren zu vortrefflich polterndem Bass und dem guten, alten Motorikbeat mal klassische Can-Reminiszenzen, mal gitarrenorientierten Postrock á la Mogwai. Zur Veranschaulichung: „079 Dutchman’s Wake (Part I)“ ist zu einem nennenswerten Teil ein versiertes Gitarrensolo, das dem psychedelischen Grundmotiv nicht etwa zuwiderläuft, sondern es vielmehr unterstreicht. Texte gibt es kaum, sieht man von etwas mittendrin Gesprochenem ab, auf das ich aber nicht geachtet habe, weil ich zu sehr damit beschäftigt war, mich von der Wirkung einnehmen zu lassen. Andere nehmen Drogen, ich höre solche Musik. Legalize it.

   Reinhören: Amazon.de, TIDAL, Bandcamp.com.

8. Mutoid Man – Mutants
   I’m in love with my gravekeeper / I said, „Hey, make that hole deeper“ (Graveyard Love)

   Mutoid Man ist der Name einer dreiköpfigen und sechsarmigen New Yorker supergroup, bestehend aus Mitgliedern von Cave In, Converge und High On Fire. Die schon oft gesehene Besetzung (Gitarre/Gesang, Schlagzeug, Bass) deutet, verbunden mit den Stammbands der Musiker, völlig zu Recht in eine gewisse stilistische Richtung: Metalcore, Punk, irgendwie so; und tatsächlich: Wirbelnde Gitarrenläufe tragen auf „Mutants“ komplexe Rockmusik mit Bewegungswillen.

   Im Internet wurde geschrieben, der Musik von Mutoid Man fehle eigentlich nur noch Mike Patton. Stimmt schon; zumal manche Lieder auch das richtige Maß an Witz aufweisen, etwa das eingangs zitierte „Graveyard Love“.

   Mir gefällt übrigens das Coverbild. Es ist so farbenfroh und energiereich wie das Gehörte und es hat sogar was mit dem Titel des Albums zu tun. Zum eröffnenden Stück „Call of the Void“ gibt es ein seltsames Musikvideo, es legt nicht die schlechteste Grundlage für den Konsum von „Mutants“. Ein Album für diejenigen Momente, in denen quirliger Gitarrenkrach das Einzige ist, was den Tag noch retten könnte.

   Zum Glück sind die Weihnachtsmärkte erst mal wieder vorbei.

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9. Kvelertak – Endling

   „Kvelertak aus Norwegen spielen instrumentalen Hardrock“ wollte ich eigentlich schreiben, aber dann setzte nach schlappen vier Minuten der Sänger ein. Also noch mal von vorn: Kvelertak aus Norwegen tourten vor einer Weile unter anderem mit Mutoid Man und spielen – insofern kaum überraschend – ganz normalen Hardrock mit Metal- und Punkanleihen. Ich habe keine Ahnung, worum es in den norwegischsprachigen Texten geht. Hoffentlich nicht um Schweinkram, angeblich um historische und zeitgenössische sterbende Völker in Norwegen. Gutes textliches Motiv für eine Hardrockband.

   Zumindest in der ersten Hälfte des Albums dominiert der instrumentale Bestandteil der Musik deutlich, dann kommt derjenige Aspekt zum Tragen, der die Aufnahme in diese Liste zur Folge hatte: Kvelertak rocken, und das wirklich gut mit ordentlich groove. Ein- und ausgeblendet wird das Album mit einem Rauschen, was immerhin weniger blöd als das heutzutage immer noch übliche bloße Ausblenden ist. Hinsichtlich der Instrumente, die hier zum Einsatz kommen, steht diversen Gitarren auch ein Banjo („Døgeniktens Kvad“) zur Seite. Das amüsiert mich.

   „Tanzbar“ sei „Endling“, las ich anderswo, und ich kann ja sogar zu Walzer nicht tanzen und bewerte das daher erst mal nur als Information.

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10. [ B O L T ] – ( 0 5 )

    Die Wiederentdeckung der Langsamkeit ist in hektischen Zeiten wie den unsrigen von so großer Wichtigkeit wie selten zuvor. Da kommen die Duisburger von [ B O L T ] mit ihrem 2023er Album „( 0 5 )“ gerade recht.

    Die verhaltene Perkussion schon zu Beginn des Albums („[ 3 2 ]“, die Stücke tragen nicht chronologisch sortierte Nummern und selten zusätzliche Titel) trügt: Hauptsächlich spielen die drei Herren – zwei am Bass, einer am Schlagzeug – „Black Drone Metal“, das ein Genre sein soll und ein bisschen wie eine Frühlingsversion von Sunn O))) klingt. Die Leerzeichen im Gesamten sind so treffend, dass die Musiker eigentlich alles Übrige auch weglassen könnten. Das von mir als Kernstück des Albums identifizierte „[ 3 7 ]“, fast 22 Minuten lang, wäre in normaler Geschwindigkeit wahrscheinlich radiokompatibel (wenn auch sicher nicht ‑tauglich), dennoch würde ich nichts kürzen oder beschleunigen wollen. Das Stück – das Album – klingt wie ein Sommermorgen nach dem Krieg, ein „schizophrenes Szenario“ (Mike Langer). Dennis Strillinger trommelt in die kakophonische Dystopie hinein, die die gerade abgezogenen Marodeure von der einst blühenden Stadt, die in den Melodien noch zu erahnen ist, übrig gelassen haben.

    Irgendwo in der Musik sei ein Zeichen der Hoffnung zu finden, wortsalatiert der Pressetext (haha, welche Presse?) zum Album. Dieses Zeichen kommt spät („[ 4 0 ] / Petite fleur des champs“), aber es kommt mit Wucht: Hinter dem schleppenden Dröhnen singt und flüstert Sura Sol, die ich immerhin bislang auch nicht kannte, für mich aus Abmischgründen schwer Verständliches, doch schön Klingendes, in mir unbekannter Sprache. Mit Gesang hatte ich an dieser Stelle nicht gerechnet, aber er passt. Das Lied klingt sanft, beinahe sakral, aus und geht ins ebenso ruhig beginnende letzte Stück „[ 2 9 ]“ über. Die Ruhe nach dem Sturm mag keine Aufregung. Das kann ich verstehen. Nach etwa zwei Minuten entschließt sich „[ 2 9 ]“ dann aber doch dazu, den Mitwipp- und Mitnickfaktor zu vervielfachen. Vielen Dank. Schönes Album, schönes Ende.

    Reinhören: TIDAL, Bandcamp.com.

11. Akira Sakata, Toshimaru Nakamura, Raiga Hayashi – Kinjo no Tabibito

    Akira Sakata (Altsaxophon und Klarinette) ist ein Free-Jazz-Musiker, Toshimaru Nakamura (Mischpult) ist ein Improvisationsmusiker und Raiga Hayashi ist – darüber schweigt die Wikipedia – zumindest hier ein Schlagzeuger. Zu dritt nahmen die drei Japaner vor ein paar Monaten unter anderem das Album „Kinjo no Tabibito“ auf, das man wahrscheinlich ungefähr 近所 の旅人 schreiben sollte, was ungefähr „Reisende in der Nachbarschaft“ bedeutet.

    Die Tonqualität erinnert nicht zufällig an eine Livesituation: Aufgenommen wurden beide Stücke, die überdies „1st Set“ und „2nd Set“ heißen, am 5. März live in Tokio. Das hier verwendete Mischpult weist die Besonderheit auf, dass es keine externen Eingänge hat, so dass das sonstige Gespielte eben nicht gemischt wird, sondern vielmehr ein Spiel mit elektronischen Klängen betrieben wird. Auf Bandcamp gibt es einen (englischsprachigen) Artikel über das Instrument (bzw. das Eben-nicht-Instrument), den weiter zu zitieren möglicherweise den Rahmen dieses Textes sprengen würde, weshalb ich darauf verzichte.

    Die im Titel des Albums erwähnte Reise führt über holprigen Untergrund, stelle ich fest: Auf die Ohren gibt es vor allem hektischen Instrumentaljazz, worüber Akira Sakata gelegentlich eine japanischsprachige Geschichte murmelt. Man sehe mir nach, dass ich die Texte beim Hören nicht sofort zu übersetzen imstande war. Es ist den Musikern zu wünschen, dass in der Nachbarschaft Jazz zumindest nicht unerwünscht ist. Ich mag Jazz.

    Reinhören: Bandcamp.com.

12. Kraan – Zoup

    Zu den wenigen angenehmen Dingen, die 2023 passiert sind, gehört auch, dass viele der Alten gezeigt haben, dass sie es musikalisch immer noch können. Die deutlich verjüngte Mannschaft von Gong brachte ebenso ein neues ganz gutes Album raus wie die deutsche Krautrocklegende Guru Guru, die immer noch den „Elektrolurch“ auf ihren Alben schwingen.

    Deren Wegbegleiter und Landsleute von Kraan, die es – zehn Jahre Pause eingeschlossen – auch schon seit 1970 gibt, scheinen aber noch ebenso hungrig zu sein, so dass es 2023 zu einem neuen Album namens „Zoup“ kam. Das heißt Suppe, glaube ich. Das Coverbild verstehe ich nicht. Gibt es Vogelsuppe? Zutaten: Soft Machine, Caravan, ein paar Esslöffel Camel („Plain Vanilla“) und eine Prise AOR („Twisted“).

    Wie bei einem guten Eintopf können die Musiker hier insofern wenig falsch machen, denn sie bleiben bei ihrem bewährten Konzept. Die eingebrockte Suppe auszulöffeln sättigt nicht, aber schmeckt. Ich wünsche guten Appetit.

    Reinhören: Amazon.de, TIDAL, Bandcamp.com.

13. Citrus Citrus – Albedo Massima

    Wie es der Titel des Albums für uns Vielgereiste schon vorschlägt, ist Citrus Citrus eine Musikgruppe aus Italien, auf „Albedo Massima“ zu fünft. Die Plattenfirma Sulatron Records, bekannt für allerlei Psychedelisches, hat Hintergrundinformationen (31. Dezember 2023: zurzeit leider im Urlaubsmodus) zum Titel des Albums (es geht um Pomelos) für diejenigen, die Trivia sammeln, doch erfasst es das Musikalische kaum.

    Das Album rotiert gerade bei mir wie eine Pomelo im Mixer, als frischer Eindruck klebt an mir wie eine matschige Frucht ein wahrer Smoothie aus Indien (eine Sitar ist zu hören), Griechenland und 70er-Hardrock, Orgel inklusive. Gesungen (wenig) wird auf Englisch, was ich gut finde, weil ich den Klang der italienischen Sprache noch nie mochte und auch weiterhin nicht mag. In „Fetonte“ mache ich gar ein wenig Krautrock aus, Marco Buffettis Schlagzeug treibt hier ein musikalisches Kaleidoskop voran. Fetonte ist der italienische Name von Phaethon, einem Sohn der griechischen Sonnengöttin Eos. Ironischerweise klingt dieses Stück überhaupt nicht griechisch. Das ist in Ordnung.

    Eine wahrlich vitaminreiche Mischung tischen Citrus Citrus hier auf.
    Nicht schlecht geeignet für kalte Abende.

    Reinhören: Amazon.de, TIDAL, Bandcamp.com.

14. Princess Thailand – Golden Frames

    Apropos gute Musikgruppen aus sprachlich benachteiligten Ländern: Princess Thailand ist ein (klar, was auch sonst?) französisches Quartett, deren Sängerin erfreulicherweise ebenfalls auf Englisch singt; wobei Gesang in dem genre, in dem Princess Thailand sich herumtreiben, ein gewagtes Wort ist. Auf dem weiten Feld zwischen Postpunk und Noise, zwischen Savages und Sonic Youth quasi, tanzen sie einen Reigen, von dem Daniel Thomas von der „VISIONS“ (6 von 12 Punkten) ganz schwindlig geworden ist.

    Die lakonisch vorgetragenen Vokalbeiträge – mal singend, selten („Imperator“) raunend, oft eher energisch sprechend, wie’s sich in der Stilrichtung eben gehört – fügen sich indes ins Gesamte ein. Wütendes Schlagzeug und grollender Bass legen das Fundament des Gewohnten, das Übrige ist mal nervöser Krach, mal von sanfterer Art, aber trotz des vermeintlich auserzählten Stils (wenigstens mich) musikalisch beeindruckend. Gelegentlich werden Motive wieder aufgegriffen, das freut den Rezensenten, der sonst mitunter den Eindruck hat, dass das eigene Gedächtnis nicht mehr das beste sei. Es belegt, dass zumindest Wiedererkennen noch funktioniert. Die Lieder könnten länger sein, aber das ist ja fast immer so.

    Reinhören: TIDAL, Bandcamp.com.

15. Seven Impale – Summit

    Noch mal Jazz, damit ihr euch nicht unterfordert fühlt, und schon wieder was aus Norwegen und mit griechischen Sagengestalten: Seven Impale sind sechs Musiker mit klassischem und/oder Jazzhintergrund, die nach „Contrapasso“ von 2016 mit „Summit“ 2023 endlich ein neues Album „rausgebracht“ haben. Enthalten sind vier Stücke namens „Hunter“, „Hydra“, „Ikaros“ und „Sisyphos“. Aus welcher Sage Hunter stammt, weiß ich nicht. Vielleicht ist ja auch der Kommissar aus den Micky-Maus-Geschichten gemeint.

    Die Stilzusammenfassung „Jazz“ ist allerdings auch zu kurz gegriffen: „Avant-Prog-Anleihen und die jazzig eingefärbten Arrangements (…) brachiale Metal-Riffs (…) Stoner Rock-Momente“, Motorpsycho passt als Vergleich schon. Der Schlagzeuger spielt angeblich auch schon wieder irgendwo auf diesem Album Banjo. Gehört habe ich davon nichts. Das ist gut, ich finde den Klang von Banjos nämlich scheiße.

    Hier aber finde ich fast alles gut. Nur „Sisyphos“, das letzte und mit etwas über 13 Minuten auch längste der vier Stücke, plätschert etwas enttäuschend („leicht optimistisch klingend“, metal.de, aber das hätte es hier nicht gebraucht) aus, das gibt Abzüge in der B‑Note. Die A‑Note ist trotzdem immer noch überzeugend und gibt eine Empfehlung aus.

    Reinhören: Amazon.de, TIDAL, Bandcamp.com.

16. Frankie and The Witch Fingers – Data Doom

    Wenn ein Musikprojekt beliebiger Größe sich schon „Frankie and The Witch Fingers“ nennt, dann erwartet unsereins (also: erwarte ich) ein Mindestmaß an Unterhaltungswert vom Dargebotenen. Und tatsächlich: „Data Doom“, das neueste Album des US-amerikanischen Quartetts dieses Namens, macht Spaß. Dass es textlich – mehr oder weniger – um die zusammenbrechende Zivilisation unserer Zeit geht, steht dem nicht entgegen. Man kann den Niedergang der Menschheit bedauern und dabei trotzdem tanzen. Gut, außer mir. Ich kann ja nicht tanzen.

    Über sich selbst sagt die Band (oder lässt die Band sagen, man – also ich – weiß es nicht), sie sei „a constant source of primordial groove“, also / eine ständige Quelle des ursprünglichen Grooves/. Das ist nicht hilfreich. Das Internet zieht King Crimson als Vergleich heran, wegen des Saxophoneinsatzes in „Burn Me Down“, aber auch das trifft den Kern nicht. Vielleicht versuche ich es doch mal mit Stilzuschreibungen: Desert (ZZ Top?) und Stoner Rock werden hier vermählt mit Funk („Mild Davis“, passender Titel auch) und erstaunlich klassischem Rock’n’Roll. Ich gehe davon aus, ich sollte mir diese Gruppe einmal live ansehen. Ich vermute, ich hätte Spaß.

    Ein Wermutströpfchen (obwohl: ich mag Wermut): Das Album ist etwas zu kurz und wird am Ende langweilig ausgeblendet. Aber der Weg bis dahin gefällt.

    Reinhören: Amazon.de, TIDAL, Bandcamp.com.

17. David Eugene Edwards – Hyacinth

    Für Freunde der Musik von Nick Cave sei „Hyacinth“, das aktuelle Album von David Eugene Edwards (auch bei und mit der Gruppe Woven Hand aktiv), geeignet, riet man mir. Diese Gruppe enthält mittlerweile auch mich, daher hörte ich mal rein.

    David Eugene Edwards sei ein sehr religiöser Countrymusiker, erklärte mir das Internet. Ich finde religiösen Country zwar scheiße, kann hier aber beruhigt vermelden, dass das Internet mit Genrezuschreibungen fast so schlecht umgehen kann wie der Musikjournalismus. Auf seinem ersten Soloalbum, nämlich diesem hier, werden tatsächlich nur am Rande Christentum und Country gestreift, vielmehr gibt es sonoren Experimental-Folk mit geringer Instrumentierung, im Fokus stehen elektronische Perkussion und die verstärkte (nicht verzerrte) Gitarre, ins Ohr. Keine Ahnung, ob Gastmusiker zu hören sind oder ob der Künstler alle Instrumente selbst eingespielt hat, die Bandcampseite zum Album schweigt dazu und eine schnelle Recherche blieb erfolglos.

    Ich höre – ja – Nick Cave („Bright Boy“), aber auch Leonard Cohen und bisweilen („Lionisis“) auch Sisters of Mercy. Gute Referenzen. „Hyacinth“ wolle „mit dem Herzen ergründet werden“, schrieb anderswo Dominik Maier. Dem kann ich nicht widersprechen. Das Album schließt mit „The Cuckoo“, einer Coverversion eines Folkklassikers, wie abermals das Internet (diesmal wohl zutreffend) mitzuteilen weiß. Ein schönes Ende, dem einzig negativ zu attestieren ist, dass es viel zu früh kommt. Die Zeit vergeht mit „Hyacinth“ im Ohr erschreckend schnell.

    Aber man kann es ja dann einfach noch mal von vorn hören.

Das soll’s erst mal gewesen sein. Wie immer gilt: Alben, die ich sträflich vernachlässigt haben könnte, sind als Kommentar gern willkommen. Cheerio.

Kommentare

• Thilo Bauer schrob am 1. Januar 2024 dies: Die lang erwartete (von mir, ausreichend) neue Platte von Patio. Saudummes Video zur Single, so erstickt man mögliche Karrieren im Keim. Besser erstmal hier: https://www.youtube.com/watch?v=93yd79yrfD8 Die Bassistin macht irgendwas. Paßt dann irgendwie doch ins Gesamt„bild“. Mesmerisierend. Frohes Neues.
• tux0r schrob am 1. Januar 2024 dies: Verdammt, die hätte ich früher kennen sollen. Danke.
• KarlMarx schrob am 1. Januar 2024 dies: In meinen Vorlesungen/Seminaren habe ich den Studis immer erklärt, daß man seine persönliche Lieblingsmusik nur unter schwersten Verlusten anderen Mithörend*innen nahebringen kann, weil das eben (aus Gründen, die hier den Rahmen sprengen würden) schlicht und ergreifend unmöglich ist. Trotzdem habe ich jeden einzelnen Link hier durchgehört, obwohl die Mucke von meinem Musikplaneten aus gesehen wirklich eine komplett andere Baustelle ist. Klarer Testsieger sind die Flamen: wenn Musik (was sie nie oder nur dann tut, wenn sie schlecht ist) irgendetwas „Reales“ in der „Welt“ widerspiegelt, dann ist der flämische akustische Kommentar das einzige, was den andauernden Krieg, den medialen wie den realen wie auch den subtil versteckten, halbwegs adäquat „wiedergibt“. Das Flämische ist zwar meine Lieblingssprache, aber alles habe ich auch nicht kapiert. Nur so ungefähr (und im Original wirklich sprachgewaltig): Der Tot als der Lehrer der Stille. Als anonymer Tot infiltriert er die Gedanken der Wachenden, der Wach-Seienden, er wartet ab, bis seine kalte Hand zufassen kann, in aller Stille. Er umgibt uns, als einzige tatsächliche Regel, ohne Aussicht auf Besserung etc. pp. Über allem schweben musikalisch (in my not so humble opinion) wirklich nur Bach, Richard Strauss, Messiaen, Woody Shaw, Rob Madna und Bob Brookmeyer. Aber mit den ästhetischen Urteilen ist das, wie gesagt, so eine Sache, denn wie sagt der alte Königsberger doch so treffend: „Um zu unterscheiden, ob etwas schön sei oder nicht, beziehen wir die Vorstellung nicht durch den Verstand auf das Objekt zum Erkenntnisse, sondern durch die Einbildungskraft (vielleicht mit dem Verstande verbunden) auf das Subjekt und das Gefühl der Lust oder Unlust desselben.“ Bach: https://www.youtube.com/watch?v=3EnosoXeTWI&pp=ygUlYmFjaCB3b2hsdGVtcGVyaWVydGVzIGtsYXZpZXIgcmljaHRlcg%3D%3D Zu Risiken und Nebenwirkungen etc.: Messiaen: https://www.youtube.com/watch?v=RJ_x_8o80TI Und ein paar Leckerli, extra für Sie/Dich eingepackt. https://www.mediafire.com/file/veo59dtibm0th6m/tux0r.zip/file Keine Sorge, das Zeug „verstehen“ vielleicht ein halbes Dutzend Leute auf der Welt (und ich selbst auch nur, wenn ich einen guten Tag habe). Muß man aber auch nicht „verstehen“, einfach ohne Vorurteile und Vorannahmen wirken lassen. Wie sagte größte Geist, dem ich jemals begegnen durfte, der Dombaumeister des Kölner Doms, Prof. Dr.-Ing. Arnold Wolff mal, als ich ihm eine von diesen Aufnahmen (auf denen ich selber mitspiele) vorgespielt habe: „Das gefällt mir zwar nicht, ist aber außerordentlich gut!“ Mehr braucht man nicht zu wissen… ;-) In diesem Sinne ein frohes Neues Jahr!
• tux0r schrob am 1. Januar 2024 dies: Gebe ich mir mal in einer ruhigen Minute. Tatsächlich fahre ich meinen Musikkonsum gerade ein bisschen zurück – ich habe in den letzten Wochen so viel davon gehört, dass ich sonst Angst hätte, dass sie mir zum Bingelistening verkommt. Danke, auch für die Erklärung des Textes. Ich erwarte gar nicht, dass jeder mag, was mir gefällt. Ich höre auch manchmal Dinge, die ich nicht mag (Banjo…). Horizont. Weite. Ich finde Dinge gern begründet doof, grundlos kann jeder.
• Peter schrob am 2. Januar 2024 dies: Das mit Bandcamp war mir neu und gefällt mir gar nicht. Das was du über Herrn Wilson schreibst ist ganz schön gemein. Ansonsten ist dein Musikgeschmack, nun ja, beängstigend. Ich habe gerade mal einiges neugierig angeklickt und bin froh, das ich morgen meinen Termin beim Seelenklempner habe. Ein frohes neues Jahr
• tux0r schrob am 2. Januar 2024 dies: Kennst mich doch… … vielleicht werde ich einfach zu alt für Steven Wilson. So kann’s gehen. Auch frohes Neues!

‘Musik 12/2022 – Favoriten und Analyse’ weiterlesen »]]> Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Es hat endlich ein neues Jahr begonnen. Der früheste Zeitpunkt für Jahresrückblicke ist jetzt. Wer schon im Oktober seinen Jahresrückblick fertiggestellt hatte, dem fehlt in diesem ein Sechsteljahr. Noch bis Silvester hätten theoretisch wunderbare Musikalben rauskommen können und die haben die anderen Rückschauer euch allen unterschlagen. Ich nicht! Daher bekommt ihr den ersten zuverlässigen musikalischen Jahresrückblick 2022 derjenigen Alben, die hörenswert sind, exklusiv hier auf dieser bezaubernden Webpräsenz (und später vielleicht auch woanders). Ist das nicht nett von mir?

Wie fast immer hatte ich mehrmals eine musiktheoretische eiaculatio praecox (hehe, cocks) und konnte hinsichtlich der jeweils aktuellen Alben von Faust, Empath, JIRM, Ufomammut, Hiroe, Motor!k und NǽnøĉÿbbŒrğ VbëřřĦōlökäävsŦ („Nanocyborg Uberholokaust“) nicht an mich halten. Der Rest folgt unten. Das vielgerühmte Rückkehralbum von Porcupine Tree – ihr „In Absentia“ ist immerhin seit weit über zehn Jahren mein bevorzugtes Avatarbild in manchen sozialen Medien – wusste mich dabei nicht zu begeistern, weshalb es hier nicht vorkommt. Das Leben ist zu kurz für (gleichwie gut gemachten) Kuschelrock.

1. Earthless – Night Parade of One Hundred Demons

   Mit schweren Gitarrenklängen beginnt es: Auf dem aktuellen Studioalbum des US-amerikanischen Psychedelic-Rock-Trios Earthless klingt fünf Minuten lang leichter Doom an, bevor sich das eröffnende Stück „Night Parade of One Hundred Demons (Part 1)“ in dunklen Blues auflöst, schließlich ganz verstummt und nach fast sieben Minuten plötzlich explodiert. Der Rest des Stücks wird von einer Art heavy psychedelic bestimmt, die man sich wahrscheinlich ungefähr so vorstellen kann, als hätten sich Pink Floyd und Led Zeppelin zusammengeschlossen und beschlossen, künftig Spacerock zu spielen. Der wesentliche Faktor scheint die Gitarre zu sein: Mal darf sie ein ausgiebiges Solo singen, mal ergänzt sie (mit viel Hall) das Treiben der anderen Instrumente. Sind ja nicht so viele, sind nur Schlagzeug und Bass.

   „Part 2“ des gleichen Stücks wird mit groovendem Rhythmus aus Schlagzeug und Bass eingeleitet, dazu ein elektronisches Blubbern, über dem bald wieder eine bluesige Gitarre soliert. So ähnlich würde ich einen Wüstenthriller vertonen, glaube ich. Aber ich kenne mich nicht aus mit dem Vertonen von Wüstenthrillern. Es gab 2017 ein Album des fast gleichen Titels von einer Hardcorepunkband. Damit haben Earthless zum Glück nichts zu tun.

   Auf „Night Parade of One Hundred Demons“ gibt es keinen Gesang, aber dafür auch nur drei Stücke. Keines davon ist unter 19 Minuten lang. Wieder eine Band ohne Radiotauglichkeit. Glück gehabt. Es groovt über die gesamte Dauer von etwas über einer Stunde, ohne auch nur kurz das Gefühl auszulösen, das habe man doch gerade erst gehört. Ein Album wie eine einzige lange Improvisation dreier gut eingespielter Musiker. Nicht übel.

   Reinhören: Amazon.de (dort auch CD und Vinyl), TIDAL (dort sonst nichts).

2. Author & Punisher – Krüller

   Kein Knüller, aber zumindest ein Krüller: Unter diesem interessanten Titel veröffentlichte der US-amerikanische Solokünstler und Erfinder Tristan Shone im Februar 2022 ein weithin als überdurchschnittlich wahrgenommenes Album. Weil ich den Namen interessant fand, habe ich es mir angehört und ich mag es.

   Bereits das erste Stück „Drone Carrying Dread“ – mit 8:16 Minuten Laufzeit das längste auf dem Album – präsentiert die stilistische Bandbreite nahezu in Gänze. Tief tönende Drones (haha, daher der Name; nein, daran dürft’s nicht liegen), Industrialrhythmen und meist cleaner Gesang – der im Verlauf des Albums aber nicht immer so sanft bleibt – sagen mir zu. Ich hab‘ so meine Momente. Im Internet las ich, „Krüller“ sei stilistisch im Wesentlichen Alternative Rock, und das könnte stimmen. Ich höre eine härtere Version von Linkin Park, eine andere Version der Nine Inch Nails. Dem Widerklangfreund, der bei meinem Musikgenuss gelegentlich das dominante Ohr führt, gefällt auch das eigenartige elektronische Fiepsen, das manche Stücke (etwa das herrlich zerrissene „Blacksmith“) begleitet; aber fade-out („Glorybox“) ist doch immer ein bedauerlicher Abgang.

   Für die Gesamtwertung sind solche fehlenden Enden aber letztlich nicht schmälernd genug: „Krüller“ gefällt. Schön, es entdeckt zu haben, und schön, es weiterempfehlen zu können.

   Reinhören: Bandcamp.com (dort auch CD und Vinyl), Amazon.de (dort auch CD), TIDAL (dort als explizite Lyrik gekennzeichnet).

3. Animals as Leaders – Parrhesia

   Ich mag ja keinen Metal, aber.

   Animals as Leaders, ein US-amerikanisches Trio mit zwei Gitarren und einem Schlagzeug (wenngleich auf „Parrhesia“ Misha Mansoor, derzeit bei Periphery, als Bassist gastiert) und keinem Gesang. „Parrhesia“, der Name ihres diesjährigen Studioalbums, ist Englisch und heißt Parrhesie. Das ist witzig, weil Redefreiheit ohne Text gar nicht so einfach funktioniert wie mit Text.

   Lassen wir also die Musik für sich sprechen. Das erste Stück „Conflict Cartography“ lässt mich während der gesamten fünf Minuten seiner Dauer in wechselnden Rhythmen neben dem Takt mit dem Kopf nicken, weshalb ich bereits sein intro zum Anlass nehme, dieses Album in diese Liste aufzunehmen. Die ineinander verzwirbelten Instrumente verdrehen dem geneigten Hörer (mir) indes bereits im zweiten Stück „Monomyth“ gehörig den Kopf. Die 80er-Alben von King Crimson sind gelegentlich – etwa hier – nicht fern und die mag ich bei fortschreitendem Alter auch immer lieber.

   Dass die US-Amerikaner am Deutschen so viel Gefallen finden wie ich an ihrer Musik, erkenne ich zumindest am Titel des Stückes „Gestaltzerfall“. Ein schönes Wort. Das klaue ich mal für meine Autobiografie. Das abschließende „Gordian Naught“, das als dritte Single veröffentlicht worden ist (das musste ich nachlesen, Singles interessieren mich seit über zwanzig Jahren nur noch, wenn ich die B‑Seite mag), überwindet quasi im Vorbeigehen die Genregrenzen zwischen Progressive Metal, Math Rock und – tatsächlich – Funk. Interessant. Hörbar. Seltsam.

   Reinhören: Amazon.de (dort auch CD und Vinyl), TIDAL (dort nur Hören).

4. Green Asphalt
   „I know that we will meet again some day.“ (She’s a Cow)
   
   Abseits dessen, dass die meisten früheren Mitglieder von Gentle Giant während der Pandemie tatsächlich mal wieder gemeinsam einen ihrer hits intonierten, war in den letzten Jahren in ihrer musikalischen Nische – ich würd’s Barock-Prog nennen – eher wenig los, und auch der Canterbury Style, eine Zeitlang von (unter anderem) Argos verwaltet, schien sich ein wenig auszuruhen. Umso mehr freut mich, dass Green Asphalt auf ihrem Debütalbum beides miteinander verbinden.

   Dan Bornemark, befreundet mit Kerry Minnear und auch sonst im Gentle-Giant-Kosmos kein völlig Fremder, habe, erzählt das Internet, mit sechs weiteren Musikern (davon drei Sängerinnen) insgesamt siebzehn Jahre lang an diesem Album gearbeitet. Das Ergebnis klingt tatsächlich beeindruckend reif: Mehrstimmige Arrangements mit offensichtlichen („Suit Yourself“) und weniger offensichtlichen („ ‚Xcuse Me“) Verneigungen vor dem großen Vorbild, zwar weniger Instrumentendurcheinander als das Original, dafür mehr jazzige Canterburypassagen mit Flöte (beachtlich in „She’s a Cow“, in dem übrigens tatsächlich gemuht wird), gelegentliche Anleihen an David Bowie und dazu eine dem Jahr 2022 angemessene Produktion hinterlassen ein wissendes Lächeln auf dem Gesicht derer, die diesen alten Kram mögen, gegen ein wenig moderne Rockmusik mit Streichern („200 Girls“) aber auch nichts einzuwenden haben.

   Auf meinem zum Beispiel.

   Das über zehnminütige „Time in Your Face“ rundet das Album schließlich wie eine Zusammenfassung des bis dahin Gehörten – vielleicht mit einem zusätzlichen Löffel Emerson, Lake & Palmer in der Mischung – ab und macht dabei nichts falsch. Das ist auch mal charmant. Dieses Album macht Spaß. Spaß ist wichtig.

   Reinhören: Bandcamp.com (dort auch CD und Vinyl).

5. Eunoia – Psyop of the Year

   Eunoia – eigentlich: εὔνοιᾰ – ist Altgriechisch und heißt so viel wie „schön denken“. Der Name ist nicht unbedingt Programm, denn wie Schöndenken klingt das Album „Psyop of the Year“, das im April erschienen ist, eher nicht, sondern vielmehr nach einer seltsamen Mischung aus Grunge, Mathcore und beizeiten („Leather Lollipop“) Postpunk – auch gesprochene/gerufene Spracheinschübe kommen vor – beziehungsweise, wie’s wir Genreagnostiker zu formulieren pflegen, nach Krach.

   Mitunter instrumental, oft aber mit meist extrovertiertem Gesang (insbesondere in der zweiten Hälfte des Albums wird auch gegrowlt, passt aber trotzdem) gehen die drei Herren hier zu Werke. Ich denke an eine weniger verspielte, dafür ziemlich wütende Version der jetzt auch schon seit fünf Jahren verschwundenen The Dillinger Escape Plan. Der Name und das Titelbild des Albums folgen dem Konzept des Vorgängeralbums „YOU’RE NOT PARANOID ENOUGH“ (2019), das insgesamt das Bandkonzept zu sein scheint. Das abschließende Stück – keines überschreitet übrigens fünf Minuten Spieldauer – trägt den Titel „ ‚Saddam Never Worked for the CIA‘ and Other Lies Your Father Told You“.

   Das Album klinge von Anfang an nach Gefahr und Unruhe, las ich im Internet und vermag nicht argumentativ zu widersprechen. Ich empfinde während des Hörvorgangs eine Stimmung wie auf einer politischen Demonstration in irgendeiner Großstadt, ein energisches wir gegen die in Musikform; vertrackte Rhythmen inklusive, weil so ein Straßenkampf ja auch selten abläuft wie ein Ballettstück.

   „Psyop“ ist ein fremdsprachiges Kurzwort für psychologische Kriegsführung. Passt.

   Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com (dort auch CD), TIDAL (dort sonst nichts).

6. Shadow Universe – Subtle Realms, Subtle Worlds

   Shadow Universe ist der Projektname vierer slowenischer Musiker. Auf ihrem dritten Album „Subtle Realms, Subtle Worlds“ ist interessant groovender Instrumentalpostrock mit wirklich viel Klavier, gespielt von Peter Dimnik (auch: Gitarre und Synthesizer), und hin und wieder auch Geige zu hören, zwei der sechs Stücke haben Gastmusiker. Es handelt sich um ein Konzeptalbum, das die Annahme vertonen soll, dass jeder Mensch in seiner eigenen Welt lebt, weil er sie auf eine einmalige Art wahrnimmt oder so.

   Das ist eine ziemlich esoterische Prämisse, der ich nur auszugsweise folgen kann, aber der Stimmungswechsel zwischen analogmusikalischer Beschaulichkeit, Bedrohlichkeit („Losing Home“) und Post-Metal-Eruptionen – „Frieden und Chaos“, wie’s der Pressetext nennt – ist tatsächlich erstaunlich fesselnd (aber auf die gute Art) und lässt mich eigentlich nur schade finden, dass das Album mit nur 38:10 Minuten Laufzeit viel zu kurz scheint, ohne dabei wirklich kurz zu sein.

   Ich freue mich trotzdem und genieße sichtlich still.

   Reinhören: Amazon.de (dort auch CD und Vinyl), Bandcamp.com (dort auch CD und Vinyl), TIDAL (dort weder CD noch Vinyl).

7. Bruecken – Innere Unruhen

   „Innere Unruhen liegen dann vor, wenn zahlenmäßig nicht unerhebliche Teile des Volkes in einer die öffentliche Ruhe und Ordnung störenden Weise in Bewegung geraten und Gewalttätigkeiten gegen Personen oder Sachen verüben“ (Internet). Da freut man sich gleich noch ein wenig mehr, dass man den Genuss von „Innere Unruhen“ der Oldenburger Postrockband Bruecken halbwegs ohne Prügelei überstehen kann, wenn man will.

   Dass dem Rezensenten (d.h.: mir) im zweiten Stück „Abgrundtief“, das insofern immerhin einen passenden Namen trägt, immer wieder der Refrain von „Ein Kompliment“ der Sportfreunde Stiller ins Gedächtnis gerufen wird, spricht nicht für meinen damals konsequent durchgehaltenen hervorragenden Musikgeschmack, ist aber auch einer der seltenen Momente auf „Innere Unruhen“, in denen mir irgendwas bekannt vorkommt. Von wegen, Postrock klinge immer gleich.

   Schwaches gibt es ebenfalls so gut wie nicht; vielleicht: Dem Sechseinhalbminüter „Ataxie“ haftet streckenweise ein gewisser Demo-EP-Charme an. Aber ich mag Demo-EPs von Postrockgruppen eigentlich fast immer. Natürlich lassen auch Bruecken das altbekannte Laut-Leise-Spiel nicht ungespielt, aber sie versuchen nicht eine Spalte in der Rezensionsrubrik „klingt wie …“ auszufüllen. Das finde ich sehr nett von ihnen. Zu ihren Vorbildern, behauptet irgendein Pressetext indirekt, zählen unter anderem Red Sparowes, diejenige Postrockband also, von der ich annehme, sie habe irgendeine Wette mit irgendwem laufen, wie lang die Titel ihrer Stücke sein dürfen, bevor jemand einschreitet.

   Eine direkte Relation zwischen Namen und Stimmungen der auf „Innere Unruhen“ enthaltenen Musik kann ich auch schemenhaft erkennen; „Lichterloh“ klingt so, wie es heißt, und „Immersion“ wirkt tatsächlich immersiv. Das Album sei inspiriert von den „Gefühlen des Unbehagens“, behaupten die Musiker, reden aber von „Songs“, obwohl gar keiner singt. Unbehaglich ist „Innere Unruhen“ jedenfalls nicht geworden, aber ihnen das vorzuwerfen liegt mir fern. Stattdessen danke ich ihnen für ein gelungenes Stück inneres Gleichgewicht spendender Musik. Ätsch.

   Reinhören: Bandcamp.com (dort auch CD und Vinyl), TIDAL (dort Stream).

8. dälek – Precipice
   „Tick, tock, motherfucker!“ (A Heretic’s Inheritance)

   Ohne deren Zusammenarbeit mit Faust („Derbe Respect, Alder“, 2004) hätte ich die Existenz von dälek, einer US-amerikanischen Hip-Hop-Gruppe um den Frontmann MC dälek, benannt nach (aber falsch abgeschrieben von) Mutanten aus einer britischen Science-Fiction-Serie, wahrscheinlich gar nicht wahrgenommen. Wer mag schon Hip-Hop?

   „Precipice“, ihr 2022er Album, beginnt aber auch gar nicht mit Hip-Hop, sondern mit der „Lo-Fi-Soundwand“ (Dominik Steiner) „Lest We Forget“, die nicht im Geringsten auf das vorbereitet, was kommen mag: Im folgenden „Boycott“ wird druckvoll und sehr US-amerikanisch gerappt, wobei die Geräuschcollage im Hintergrund mich eher an Jambinais „Abyss“ als an typische Vertreter zeitgenössischen Sprechgesangs erinnert. dälek vermengen Industrial- ebenso wie krautige Elektronikklänge mit handelsüblichem Hip-Hop, als hätten sie eigentlich Berliner Elektronik aufnehmen wollen, dann aber beats und Bässe drübergeschüttet und plötzlich war’s eine andere Art von Musik. Nicht schlecht.

   Diese Art klanglicher Hervorbringungen ohne Längen zu produzieren erscheint schwierig, und obwohl nur „A Heretic’s Inheritance“ sechs Minuten Laufzeit überschreitet, bemerke ich beim Hören des Albums, dass es manchmal ein paar Takte weniger auch tun würden, etwa in „Good“; andererseits lässt sich so die melodische Struktur noch etwas länger genießen, was ich insbesondere in den Industrial-näheren Stücken (etwa „The Harbingers“) gern annehme.

   Auf der Vorabsingle „A Heretic’s Inheritance“ gastiere Adam Jones (unter anderem Gitarrist von Tool), vermeldet der Pressetext mit erkennbarem Stolz, und obwohl ich Tool gar nicht mal besonders gern mag, möchte ich diese fast sieben Minuten vorsichtig als den musikalischen Höhepunkt auf „Precipice“ bezeichnen: Kopfnickrhythmus, ein seltsam schräges Elektronikfundament, vier Minuten Instrumentalintro und erst dann von anschwellendem Krautrock (Krautrock!) begleiteter Sprechgesang, danach ein sanftes, aber schnelles Ausklingen. Ich bin angetan.

   Reinhören: Bandcamp.com (dort auch CD und Vinyl), Amazon.de (dort auch CD und Vinyl), TIDAL (dort sonst nichts).

9. Sc’ööf – CDR003SA

   Ich weiß noch ungefähr, was eine CD‑R ist, und ahne daher auch, warum das Album „CDR003SA“ (das es indes nur auf Kassette und als Download gibt, nicht jedoch auf CD) so heißt, wie es heißt. Da endet mein Wissen aber auch schon.

   Ich weiß nicht, was Sc’ööf – vier Herren aus der Schweiz und der Name der Band – heißen soll (zumindest die Aussprache ist klar: in „B“ und anderen Interludien klingt es ungefähr wie „Scurf“), und ich weiß auch nicht, was das hier genau ist. Musik, vermutlich, „brutal jazz“, also „brutaler Jazz“, kolportiert die Gruppe selbst bzw. lässt die Gruppe ihre Plattenfirma kolportieren, das weiß man ja heute nie so genau. Strukturen gibt es auf „CDR003SA“ jedenfalls nicht zu hören und Rhythmen auch nicht. Kein Stück überschreitet 3:16 Minuten Laufzeit, die meisten schaffen nicht mal 2 Minuten, bis auf das 13. Stück „10“, das fast 22 Minuten lang ist.

   Das ist alles ein fabelhafter Krach auf „CDR003SA“, unterbrochen von Pseudo-Spotify-Werbung für die Bandcampseite von Sc’ööf. Ich finde das lustig. Alles klingt, als würde man leiernde Kassetten auf zerkratzte CDs überspielen, und zwar mit einem Bagger. Viele Stücke hören abrupt auf. Das passt alles ins Konzept.

   In der Rubrik „klingt wie“ kriegt „CDR003SA“ bei mir zehn Punkte auf der Kopfschmerz- und immerhin acht auf der „asia“-Skala. Langjährige Leser wissen: „asia“ von boris ist bis heute ein von mir gern zitiertes Album, wenn es um fabelhaften Krach geht. Mal was anderes als Gitarre.

   Reinhören: Bandcamp.com wurde ja bereits verlinkt, mehr gibt es anscheinend nicht. Qualität muss man halt manchmal auf ungewohnten Pfaden suchen. Verdammter Kapitalismus.

10. Julie Tippetts & Martin Archer – Illusion

    Im Jahr 1969 nahm die junge Sängerin Julie Driscoll ihr erstes Soloalbum auf, das den Titel „1969“ trug. Bereits auf diesem gastierten unter anderem Mitglieder von Soft Machine sowie der mittlerweile verstorbene Jazzpianist Keith Tippett, der eigentlich Tippetts hieß und später ihr Ehemann wurde. In der Folge tauchte Julie Driscoll als Julie Tippetts in zahlreichen Besetzungslisten von Projekten von und mit letzterem auf, darunter auf dem empfehlenswerten Album „Septober Energy“ des 55-köpfigen Ensembles Centipede.

    Seit einigen Jahren arbeitet sie vor allem mit Martin Archer zusammen, seines Zeichens Jazzsaxophonist und Keyboarder. Beide veröffentlichten im Jahr 2022 gemeinsam „Illusion“, was ein fast zweieinhalbstündiges Doppelalbum ist, das aus zwei eigentlich separaten Alben besteht, namentlich aus der avantgardistischen „Illusion Suite“, die aus sieben Teilen besteht, die aber wiederkehrende Themen aufweisen und insofern als einzelnes Stück begriffen werden sollten, sowie dem „Circle of Whispers“, der 13 einzelne, überwiegend in Jazz und Jazzrock anzusiedelnde Stücke umfasst. „Circle of Whispers“ beginnt dabei mit einem kraftvoll vorgetragenen Lied namens „Illusion“, schließt somit zumindest thematisch an die „Illusion Suite“ an.

    Der kraftvolle Vortrag ist tatsächlich einer der stärksten Aspekte dieses ohnehin starken Albums. Julie Tippetts ist im Juni 2022 75 Jahre alt geworden, aber ihre Stimme – Alt, behauptet das Internet zugunsten von Holzohren wie mir – scheint das noch nicht gemerkt zu haben; da ist ordentlich Feuer drin. Überhaupt ist ihr wesentliches Instrument seit Jahrzehnten ihre Stimme und sie weiß sie einzusetzen (hierzu beachtliches Stück: „Never As They Seem“). Finde ich gut. James Archer, der vermutlich irgendwie mit Martin Archer verwandt ist oder auch nicht, streute über das Album eine Portion beats und loops, manchmal lugt also etwas Discomusik (mit Stampfbeat) vorsichtig um die Ecke, wird dabei aber niemals aufdringlich und bleibt nie lange. Die Aufmerksamkeit des Hörers hat auch genug anderes zu tun; der vermeintlich leichtfüßige Jazz weicht an interessanten Stellen (sehr, sehr gutes Teilstück: „Pandemonium“) einer RIO-Detonation mit eskalierenden Blasinstrumenten, findet aber stets zurück in die Spur.

    Das letzte Stück der „Illusion Suite“ heißt „Turn It Around“, also „dreh es um“. Zum Zeitpunkt der Niederschrift dieser Rezension – 18. Juni 2022 – gibt es „Illusion“ (noch?) nicht auf Vinyl, sonst wäre das ein guter Abschluss meiner Ausführungen. Schade.

    Reinhören: Amazon.de (dort auch CD), Bandcamp.com (dort auch Download und CD), TIDAL (dort sonst nix).

11. J. Peter Schwalm & Stephan Thelen – Transneptunian Planets

    Stephan Thelen ist ein in Zürich lebender Komponist, Musiker und Mathematiker, den wiederholte Leser meiner Rezensionen vielleicht bereits als Mitglied der Gruppe Sonar kennen, J. Peter Schwalm wiederum ist ein deutscher Komponist und Musikproduzent, der um das Jahr 2000 herum erstmals in hinreichend populärem Umfeld, nämlich in mehreren Gemeinschaftsarbeiten mit Brian Eno, von sich hören ließ. Gemeinsam mit drei weiteren, an der Komposition jedoch nur wenig beteiligten Musikern, darunter dem Schlagzeuger Manuel Pasquinelli (ebenfalls für Sonar tätig), haben die beiden in elektronischer Avantgarde bewanderten Herren unter dem Titel „Transneptunian Planets“ acht transneptunischen Objekten – unter ihnen natürlich Pluto und sein Herausforderer Quaoar – jeweils ein weitgehend instrumentales Stück mit wenigen Spracheinwürfen gewidmet.

    Gelegentlich zerreißt eine schneidende Gitarre das elegant gewobene Tuch, aber größtenteils wird mit „Transneptunian Planets“ eine vordergründig groovende, im Detail aber erfrischend verknotete Weltraumlandschaft gemalt, deren Vortrag zwischen Spacerock, Industrial und Postrock schwebt (überhaupt: Schweben), angereichert allerdings mit einer oft kaum auffällig polyrhythmischen Grundstruktur, die vermeintliches Ambient (schöner Kontrast: „Orcus“) in Spannung versetzt, ohne es zu verderben. Mitunter, etwa im Stück „GongGong“ (mit der Band Gong hat es trotz ähnlicher musikalischer Ziele nichts zu tun), atmet „Transneptunian Planets“ auch etwas vom Geist des frühen Krautrocks (ich meine die mittleren Can zu hören), der Fokus liegt aber klar auf der Reise durch das All. Längen gibt es kaum, erst das vorletzte Stück „Sedna“ hätte meiner Meinung nach etwas kürzer sein können, aber ich bin ja auch Konsument und nicht creator und habe darum kein Mitspracherecht. Musik ist keine Demokratie. Das ist wahrscheinlich auch besser so.

    Die Musiker haben, behauptet der Pressetext, sich von den äußeren Grenzen des Kosmos inspirieren lassen. Da war ich noch nie, aber es scheint dort voller Wohlklang zu sein. Vielleicht gucke ich doch mal, wann die nächste Bahn dahin fährt.

    Reinhören: Bandcamp.com (dort auch CD und Vinyl), Amazon.de (dort auch CD und Vinyl), TIDAL (dort nur Stream).

12. Tassenschrank – Vom Erfolg verfolgt
    „Kapitalismus, ich liebe dich / ich verehre dich ewiglich!“ (Ich habe Geld)

    „Die irrste Band Europas“, schreibt der Verantwortliche für die Website von Tassenschrank auf der Website von Tassenschrank, sei Tassenschrank. Lorem ipsum! Das Schweizer Quintett sei im Jahr 2020 gegründet worden, als auch in der Schweiz plötzlich jede Menge Freizeit da war. Die Plattenfirma pretty noice, bei der 2022 ihr Debütalbum „Vom Erfolg verfolgt“ veröffentlicht wurde, verlegt unter anderem auch Das Niveau und Die Streuner. Wer daraus abzuleiten versucht, wie „Vom Erfolg verfolgt“ wohl klingt, der wird voraussichtlich scheitern.

    Folk spielen Tassenschrank, anders als die genannten Kollegen, in keiner Weise, hingegen einen humorvollen, oft gar albernen Poprock, der Genregrenzen allenfalls als grobe Empfehlung, nicht aber als festen Rahmen begreift. Mr. Bungle und Primus („Ich habe Geld“) kann ich ebenso wie die Neue Deutsche Welle („Der Wald“) als Inspirationen ausmachen, möglicherweise unbeabsichtigt, aber nicht ungefällig, hier und da auch mit Ohrwurmqualitäten: „Und plötzlich der Regen“ – so endet „Der Wald“ und damit auch das Album – bleibt noch eine Weile im Ohr.

    Vom Erfolg verfolgt sind Tassenschrank tatsächlich, immerhin haben sie es hier auf diese noble Liste geschafft. Hoffentlich bleiben sie ihr auch mit dem nächsten Album gerecht – der Einstand war schon mal gut.

    Reinhören: TIDAL hat einen Komplettstream, es gibt im Übrigen auch einen offiziell scheinenden YouTube-Kanal mit Auszügen aus dem Album.

13. Birth – Born

    Da hat die Birth Control zum Glück versagt: „Born“, das Debütalbum von Birth, klingt tatsächlich eher britisch und ist nach meinem Empfinden das beste 70er-Progressive-Bluesrock-Album, das mir 2022 untergekommen ist. Birth ist trotzdem ein US-amerikanisches Quartett, das überwiegend aus Mitgliedern der derzeit anscheinend pausierenden Progressive-Rock-Band Astra besteht.

    Ich höre Deep Purple („Descending Us“), die Beatles, frühe King Crimson (schön!), aber auch eine gitarrenorientierte Version von Yes („Born“), allgemein viel AOR mit wenig, dafür angenehm mit der Musik harmonierenden Gesang. Davon können sich andere zeitgenössische Musikgruppen, die versuchen, in den 1970er Jahren zu wildern, eine große Scheibe abschneiden und dann ist immer noch genug übrig. An Text soll’s auch genug sein.

    Reinhören: Bandcamp.com (dort auch CD, Vinyl und Beutel), Amazon.de (dort auch CD und Vinyl), TIDAL (dort keine Tonträger).

14. ANA FOSCA – Poised at the Edge of Structure

    Ein zumindest glücklicher Zufall – ihre Mitwirkung an einer Zusammenstellung von Stücken von mehreren Künstlern, die mir aus nicht mehr lückenlos rekonstruierbaren Gründen empfohlen wurde – stellte mir Ana Fosca („ANA FOSCA“, die Groß- und Kleinschreibung scheint so gewollt zu sein) vor, eine der dänischen Untergrundszene anscheinend entwachsenden Musikerin aus Kopenhagen, die eigentlich anders heißt und, wie man den Presseinformationen entnehmen kann, beeinflusst wurde von „Kierkegaard, Plath, Tarkowski, Hannah Arendt, Wiener Aktionismus, Éliane Radigues Ansatz des Zuhörens, den Filmen von Kurt Kren“ sowie den „Gedanken und Schriften von Simone de Beauvoir“. Ihr neues Album „Poised at the Edge of Structure“ ist ihr Debüt bei der bemerkenswerten, weil wohl aus Liebe zur Musik statt aus rein finanziellen Erwägungen seit 2003 von einer Privatperson betriebenen Plattenfirma „The Helen Scarsdale Agency“, die ich bislang auch gar nicht kannte. Diese sei, erfahre ich, spezialisiert auf Post-Industrial, Surrealismus, Minimalismus und so weiter. Das klingt unironisch einladend nach fürchterlichem Krach, aber ich bin ja auch komisch.

    „Poised at the Edge of Structure“ ist tatsächlich kein geeignetes Album für eine spaßige Tanzveranstaltung oder auch nur für ein Rendezvous (es sei denn, der Rendezvouspartner ist ebenfalls komisch). Es brummt, es knattert, manchmal zirpt es, irgendwo spricht eine Frau zum Verstehen zu Verzerrtes. „Gegensätzliche Kräfte, sengendes Geräusch und bedrohliches Dröhnen“, teilt der Pressetext weiter mit, seien der Kern dieses Albums, in den von Stimme ergänzten Teilen gepaart mit einer „kathartischen Beschwörung“ mit dem Ziel, „in all der Qual und Verzweiflung“ einen Sinn zu finden. Nach Abschluss des ersten Hördurchgangs (grundsätzlich ist der optimale Zeitpunkt für eine Rezension, wie ich finde, derjenige, der die spontanen Eindrücke noch frisch abbilden lässt) verstehe ich das nicht: Es fühlt sich alles irgendwie sinnlos an.

    Genau die richtige Dosis CoiL und Throbbing Gristle füllt die vermeintliche Lücke, die der oft scheinbar fehlende Rhythmus hinterlässt. Der fehlt aber gar nicht, auch wenn gerade keine Trommeln ertönen, sondern er findet im Kopf statt. Natürlich klingt „Poised at the Edge of Structure“ in den Stücken, in denen die Kante der Struktur zurückgelassen wird, wie eine einsame Fabrikhalle, in der irgendeine Maschine effizient auf Metall rumkloppt. Natürlich ist dieses Album von dem, was diejenigen, die Rammstein oder meinetwegen Laibach als typische Industrialband verstehen, als „Industrial“ bezeichnen würden, so weit entfernt wie Phil Collins von einem Herrn, der beruflich singen sollte. Ich weiß nicht, wie ich die hier enthaltene Musik zusammenfassen soll. Ambient des Todes vielleicht. Factory Noise. Sengendes Geräusch und bedrohliches Dröhnen. Es ist geil. Ich mag das Wort nicht, aber es stimmt. Es ist nur etwas bedauerlich, dass es anscheinend derzeit (Stand: 30. August 2022) keine Vinylauflage gibt; bei kleinen Künstlern indes nicht ungewöhnlich.

    Reinhören: Bandcamp.com (dort auch CD), Amazon.de (dort tatsächlich mal nur Stream), TIDAL (dort auch).

15. The Slow Light – Liminal
    „As the sands divide / you see your ending / of grains piling as memories.“ (The Hourglass)

    Das jährliche Soll an gutem Postrock wurde 2022 von Alteingesessenen wie Long Distance Calling eigentlich übererfüllt, das Debütalbum der australischen Gruppe The Slow Light – „Liminal“ betitelt – bedarf dennoch besonderer Erwähnung, denn Postrock ist nur eine ihrer Facetten. „Liminal“ bedeutet ungefähr „Schwellenwert“, was passt, denn auf der Schwelle zwischen Postrock, Spacerock und klassischem Progressive Rock (sehr schön: der Bass im Mittelteil des Titelstücks), nicht ganz unähnlich den älteren Soloalben Steven Wilsons, bewegen sich die fünf Musiker hier fast eine Dreiviertelstunde lang. Die Streicher sind leider nicht echt, klingen aber schön.

    Bei „Liminal“ handelt es sich um ein Konzeptalbum, das „die Kämpfe der Trauer und des Existenzialismus beleuchtet“, erklärt der Informationstext zum Album nebulös. Dieses Konzept wird von den von Jack Bolingbroke – schöner Name auch – intonierten Texten abgebildet, es existiert also wirklich. Das muss man bei vermeintlichen Konzeptalben dieser Tage ja immer dranschreiben.

    Reinhören: Bandcamp.com (nur Digitales), Amazon.de (nur Digitales), TIDAL (nur Digitales).

16. Archive – Call to Arms & Angels
    „I’m constantly falling / I constantly rise“ (Shouting Within)

    Ab „Controlling Crowds“ von 2009 hatte ich die Londoner Artrockgruppe Archive zwar noch im Auge gehabt, aber kaum mehr wirklich zu schätzen gewusst – spätestens der Gastrapper auf dem genannten Album hatte mir jede Lust an der zuvor für eigentlich ganz gut befundenen Band weitgehend genommen.

    Nun erschien 2022 mit „Call to Arms & Angels“ ein mit über anderthalb Stunden Laufzeit (das sind ungefähr drei Schallplatten, zumindest wird das Album als Dreifach-LP verkauft) nicht unbedingt kompaktes neues Album der wohl auf die Stammbesetzung aus den beiden letzten verbliebenen Gründungsmitglieder Darius Keeler, den eine Krebserkrankung 2022 erfreulicherweise nicht dahingerafft hat, und Danny Griffiths, die allerdings diesmal satte 14 Gastmusiker um sich geschart haben, darunter auch die langjährigen Sängerinnen Holly Martin und Maria Q. Rap gibt es diesmal gar nicht zu hören, stattdessen angenehm intensive Elektronik, die den Postrock früherer Alben immer mal wieder durchscheinen lässt und in längeren Teilen wie dem fast viertelstündigen Stück „Daytime Coma“ auch den Industrial mindestens streift. während die zweite Hälfte des Achteinhalbminüters „Enemy“ EBM und Postpunk gar nicht schlecht miteinander kombiniert. Die musikalischen Wurzeln der beiden faktischen Bandleader in der Londoner Tanzclubszene sind eben nie ganz verblasst.

    „Call to Arms & Angels“ wirkt wie eine Werkschau von Archive, aber das war ja „25“ (2019) schon: Bereits in den ersten sechs Stücken gibt es – außer Rap natürlich – einen Querschnitt aus all ihren bisherigen musikalischen Phasen. Dominant ist erstaunlich gitarrenfreundlicher psychedelischer Shoegaze mit einem Quäntchen Elektronik, die sich wie ein Schleier über die wenigen Popanklänge („Every Single Day“) legt. Obwohl es auf „Call to Arms & Angels“ mehrere lange Stücke gibt, kann ich musikalisch keine einzige Länge ausmachen. Sehr erfreuliches Album, sehr erfreulicher Zufallsfund. Danke, Archive. Jetzt bitte so bleiben.

    Reinhören: Amazon.de (auch Vinyl, CD ebenfalls dort irgendwo), TIDAL (weder Vinyl noch CD).

17. Huracán – We Are Very Happy

    So fröhlich wie das Titelbild dieses Albums ist auch die Musik und so ähnlich fühle ich mich, wenn ich einen schlechten Tag habe; soll heißen: Wenn Huracán so klingen, wenn sie very happy sind, möchte ich sie lieber nicht schlecht gelaunt erleben.

    Huracán kommen aus Belgien, aber das macht nichts. Gesungen wird trotzdem auf Englisch. Der Bandname – so heißt auch ein Auto, wahrscheinlich aus dem gleichen Grund – wurde dem Mayagott des Windes, des Sturmes und des Feuers entliehen und beschmutzt seinen Namen keineswegs, denn dargeboten wird stürmischer, feuriger Sludge Metal. Die beiden Gastsängerinnen Nele De Gussem (sonst bei Maya’s Moving Castle und Future Old People Are Wizards beschäftigt) und Evelien Weymaere (sonst anscheinend nirgends) sind erfreulich, aber die Stücke ohne ihre Beteiligung liefern trotzdem, wie es in zeitgenössischer Formulierung heißt. Zum eröffnenden Titelstück, das die Essenz des Albums (d.h. zentral ins Antlitz zimmernden Stoner, Doom und Postmetal) bereits in sich vereint, gibt es ein merkwürdiges Musikvideo. Gefällt.

    „Dem Gelegenheitshörer“, schrieb jemand anderswo, könnte dieses Album „etwas sperrig erscheinen“. Nun bin ich Gelegenheitshörer des Artverwandten, denn mein Leben ist selbst mir etwas zu kurz, um mich fortwährend anbrüllen zu lassen, aber ich teile diese Auffassung nicht. Im Gegenteil: Es könnte meinetwegen gern noch länger sein. Aber so viel Musik, so wenig Zeit. Mein altes Problem.

    Reinhören: Bandcamp.com (nur Stream), Amazon.de (nur Stream), TIDAL (nur Stream).

18. Holz – Holz
    „Die Hügel schieben sich an mir vorbei / mit äußerster Geduld.“ (50 Meilen geradeaus)

    Ich und mein – nein, dies ist einfach nur „Holz“, nicht „Holziholz“ und schon gar nicht „Holziholziholz“, das jüngste und womöglich erste Studioalbum des Kasseler Trios gleichen Namens. Holz gab es von 2011 bis ungefähr 2016 und seit ungefähr 2021 wieder, sofern ich die Informationen im Internet korrekt zusammengekratzt habe. Die zehn Lieder sind überwiegend zwischen vier und viereinhalb Minuten lang, manchmal kürzer, nur „Garten“ hebt mit 8:32 Minuten Laufzeit den Schnitt deutlich.

    Die zusätzlichen Minuten in „Garten“ werden überwiegend mit Instrumentalem gefüllt, womit wir auch schon bei der Hauptsache wären, nämlich der Musik; und die ist gut gelungen. Holz spielen energiegeladenen, dabei aber staubtrockenen Stoner Rock mit unanstrengend, aber kraftvoll vorgetragenen deutschen Texten. Irgendwo begegnete ich dem Einwand, Sänger Leonard Riegel habe eine nicht überzeugende Stimme, aber mir gefällt sie – sie hat genau das richtige Maß an Dreckigkeit, ohne dabei (ein Fehler, den sonst viele artverwandte Gruppen machen) in Metalgegrunze zu verfallen. Die Band selbst nennt ihren Stil auf Bandcamp in den tags „Stonerpunk“, passen könnte es. Saufen und Politik kommen in den Texten aber nicht vor, es ist also die jenseits von Feiern und Massenveranstaltungen bessere Art von Punk. „Holz“ macht Spaß, „Holz“ hebt die Stimmung. Ich finde diese Wirkung empfehlenswert.

    Das Coverbild finde ich übrigens seltsam, aber seltsam mag ich ja.

    Reinhören: Bandcamp (dort auch CD und Vinyl), Amazon.de (dort auch CD und Vinyl).

19. Kamala – limbo666

    Kamala, dieses Wort habe ich in einem Wiki namens „Yogawiki“ gefunden, ist ein Wort aus dem Sanskrit und bedeutet Lotosblüte. Überhaupt nicht indisch ist allerdings eine der mindestens zwei Musikgruppen gleichen Namens, von denen nämlich eine wiederum in Leipzig ansässig zu sein behauptet und auf ihrem jüngsten Album „limbo666“ erfreulicherweise trotzdem auf Englisch und nicht auf Sächsisch singt. Die Texte sind diesseitsbezogen und recht unmeditativ (der Titel „Freudian Autocorrect“ verrät es schon beim Drüberlesen). Alles Übrige würde mir auch missfallen.

    Dass bereits das Titelstück („Limbo“, allerdings kommt „666“ im Text vor), das das Album anführt, nach etwas mehr als viereinhalb Minuten langweilig ausgeblendet wird, schmälert meine Freude ein wenig, aber grundsätzlich ist das hier zu Hörende nicht zu verachten: Ich höre recht geradlinigen, solide und mit coolem Gesang dargebotenen und nur selten („Freudian Autocorrect“ – zum Zeitpunkt der Niederschrift mein Favorit auf diesem Album) ins Harte gedrehten, manchmal („Narcissus“) hingegen balladesken Psychedelic Rock ohne Ecken und Kanten und ohne allzu abgedrehte Experimente. Ohne einen einzigen Ausfall. Wie unaufregend. Wie schön. Kann man mal machen.

    Reinhören: Bandcamp.com (dort auch CD und Vinyl), Amazon.de (dort auch CD), TIDAL (dort weder CD noch Vinyl).

Mal sehen, was 2023 auf uns zukommt. Die ersten Alben hab‘ ich schon.

‘Musik 12/2021 – Favoriten und Analyse’ weiterlesen »]]> Ah, es ist wieder ein Jahr vorbei. Das kriegt man ja derzeit gar nicht so wirklich mit, deswegen schreibe ich es lieber dran. Während die meisten Jahresrückblicke aber schon im Spätherbst weitgehend fertiggeschrieben worden waren, gab ich auch diesmal wieder der Musikerwelt die Chance, mich noch bis zum letzten Tag des Jahres von ihrem Können zu überzeugen. Wenig wäre trauriger als einen Rückblick auf ein Jahr zu schreiben und einen Tag später geschähe etwas, das alles ändert. Nein, nein.

Hier also – zur Erbauung hoffentlich vieler – folgen einige der bemerkenswertesten Musikalben des Jahres 2021. Es scheinen einige Überraschungen – etwa das neueste Album von Limp Bizkit – zu fehlen. Dem ist aber nicht so. Die haben mir nur nicht gefallen.

Bereits zuvor besprochen beziehungsweise beschrieben habe ich die aktuellen Werke von Palo Alto, Neurosenblüte, Bossk, Godspeed You! Black Emperor, Dry Cleaning und Electric Orange. Bitte nicht mehr anrufen, die sind nicht mehr dabei.

Der Musiker Morrissey schrieb im April 2021, in der modernen Musik haben Emotionen keinen Platz mehr. Das wollen wir doch mal sehen. In einer Studie kam vor einer Weile heraus, dass es durchaus einen Zusammenhang zwischen dem Charakter und dem Musikgeschmack eines Menschen gibt. Menschen, denen hiervon irgendetwas gefällt, sind daher gute Menschen. Wirklich.

Los geht’s.

1. КОМВУИАТ ЯОВОТЯОИ – ‑270°C

   Die Gruppe, die tatsächlich nicht „Kombinat Robotron“ heißt, weil die kyrillischen Buchstaben eigentlich irgendwie anders gelesen werden, reicht dem Genießer auf „-270°C“ gewohnt mitreißende (ich mag nicht „gereifte“ schreiben, das hätte was von Langeweile) Space-/Krautkost auf gewohnt hohem Niveau. Würde ich tanzen, tanzte ich dazu, doch ich tanze nicht. Ich höre, nicke unrhythmisch und freue mich.

   Minus 270 Grad Celsius, wie der Name des Albums vielleicht ausgesprochen werden soll, sind 3,15 Grad Celsius über dem absoluten Nullpunkt, also immer noch recht kühl. Da es hier keinen Gesang gibt (uff!), ist der Kontext schwer auszumachen. Die vier Stücke heißen wie Teleskope („Compton“, „Chandra“, „Spitzer“ und „Hubble“). Natürlich ist „Hubble“ (21:21 Minuten) am längsten. Kennen die meisten, also braucht es auch am meisten Platz.

   Die Vinylauflage ist restlos ausverkauft und gebraucht derzeit recht teuer. Verdammter Mainstream.

   Reinhören: Bandcamp, TIDAL.

2. Sleaford Mods – Spare Ribs

   Das erste Album nach dem „Brexit“ konnte wegen der Krise nicht per Tour beworben werden wie früher, trotzdem hat sich kaum etwas geändert: Jason Williamson erzählt wütend, wenn auch zahmer als bisher, zu monotonen beats etwas über alles, was ihn aufregt; das ist, so viel sei vorweggenommen, immer noch einiges. Wirklich neu sind die beiden Kollaborationen mit den Gastsängerinnen Amy Taylor und Billy Nomates, wobei insbesondere letztere – in „Mork n Mindy“ zu hören – im gesungenen Refrain einen ungewöhnlichen Souleindruck hinterlässt. Dass die Sleaford Mods trotzdem weit von den furchtbar belanglosen Popstaralben von Eminem vor seiner Besinnung auf früher entfernt bleiben, beruhigt: Auf das Nötigste reduzierter Elektropunk ohne Kompromisse. Worauf sollten sie auch aus sein – auf Verkaufszahlen?

   Wer bis zum Ende durchhält, den erwartet trotzdem noch eine Überraschung: Das abschließende „Fishcakes“, das angeblich autobiografisch die Kindheit des Texters nacherzählt, ist von einer geradezu traurigen Stimmung, wenn auch mit einem hoffnungsvollen Refrain versehen: „And when it mattered, and it always did, at least we lived.“ Was für ein wundervolles Ende für ein Album, das jetzt leider auch zu Ende ist. Die Sleaford Mods aber sind es wohl noch lange nicht.

   Reinhören: Es gibt ein Musikvideo zu „Mork n Mindy“, ansonsten natürlich Hörproben auf Amazon.de und alles auf TIDAL.

3. Syndone – Kama Sutra

   Wenn man den Progressive Rock über eine Zeitlang verfolgt, erkennt man oft Muster, was Musiker und Regionen angeht. David Jackson etwa, früher unter anderem verdienter Saxophonist der inzwischen zahnlosen Van der Graaf Generator, spielt gelegentlich mit italienischen Stilkollegen zusammen.

   Von italienischen „Progbands“ halte ich in der Regel wenig, weil mich italienischsprachiger Gesang ganz furchtbar nervt und die meisten hier relevanten Gruppen aus Italien anscheinend auch vor allem Genesis nacheifern, die mich ebenfalls ganz furchtbar nerven; nicht aber so Syndone.

   Syndone wurden, sofern das Internet nicht irrt, 1988 gegründet und haben seitdem ein paar Alben rausgebracht. Auf dem neuesten, „Kama Sutra“, gastieren neben David Jackson unter anderem ein Sitarspieler, drei Bläser und das Budapest Scoring Symphonic Orchester. Stilistisch ist „Kama Sutra“ zappaesk, indem es nicht nur durchaus komplexe Kompositionen gibt, sondern auch überraschende Stilwechsel. Hier folgen auch schon mal Schlager („Into the Kama“, ein Stück mit dem Titelbestandteil „Sutra“ hingegen gibt es übrigens nicht auf dem Album), energischer Jazzrock („Bitches“), Blues und Filmmusik („You Still Shine“) direkt aufeinander. Bloß keine Langeweile!

   Reinhören: Herausragend scheint mir das Stück Sex Toys R Us zu sein, ansonsten Schnipsel auf Amazon.de (leider kein Vinyl) und Komplettstream auf TIDAL.

4. Rædsel – Menetekel

   Æs ist mir ein Rædsel, warum Rædsel sich Rædsel nennen. An der Sprache (Hessisch?) mag’s nicht liegen, die vier gut frisierten Herren (Quelle: Internet) kommen aus Kassel oder so und bringen druckvollen Postrock hervor. Das alte Laut-Leise-Spiel wird auf angenehm atmosphärische Weise durchexerziert, ohne dabei ins Schrammeln zu verfallen.

   Auf das initiale instrumentale „My Hands Your Eyes“ folgt mit „Treetop“ ein Post-Metal-Stück, das schon in der ersten Hälfte (mehrstimmigen oder effektbeladenen?) Gesang aufweist; und das klingt dann sogar gut. Im sonst meist nicht mit gut klingendem Gesang auffallenden Postrock muss man das ja auch mal positiv bemerken. Sonst machen die das nie wieder.

   Das mit dem Gesang machen Rædsel danach aber auch nie wieder. Auf dem Rest von „Menetekel“ bleiben sie wieder instrumental, ohne dabei langweilig zu werden. Postrockalben, von denen man nicht annimmt, man habe sie schon zu oft gehört, sind immer wieder reizend, und seien’s hier nur die kleinen Gitarrentupfer, die die Mauern aus Schall immer wieder durchbrechen. Hübsche Scheibe, so insgesamt, wenn auch mit etwas über 33 Minuten Spielzeit etwas kurz. Dafür macht es mehr Spaß als manch längeres Album, das dieses Jahr so rausgekommen ist. Auch mal schön.

   Reinhören: Damit es nicht langweilig wird, mal eine andere Reihenfolge: TIDAL, Bandcamp (dort auch auf CD), Amazon.de (dort ohne Tonträger).

5. Suffocate for Fuck Sake – Fyra

   Man sollte sich von dem beschaulichen Anfang dieses Albums wie auch von einigen Zwischentönen nicht beirren lassen: Suffocate for Fuck Sake tragen ihren Namen zu Recht. „Fyra“, das (wie der Name schon andeutet) vierte Album der Schweden, enthält schon wieder Postrock im weitesten Sinne, allerdings flankiert von post hardcore im vokalen wie im gerifften Sinne. Mitunter, in den ruhigeren Momenten, wird auf Schwedisch gesprochen. Schade. Ich kann kein Schwedisch.

   In „Hope“ gibt es eine sanft-clean gesungene bridge, ansonsten gibt’s in „Fyra“ etwas mehr als eine Stunde und 21 Minuten lang weitgehend auf die Fresse (A. Nahles, anderer Zusammenhang). „Post-Metal mit Screamo-Einschlag“, schrieb ein Redakteur von „metal1.info“, werde mit dieser Dauer „anstrengend“. Ich teile diese Auffassung nicht, denn ich, obwohl meine Aufmerksamkeitsspanne inzwischen auch merklich nachlässt (man wird ja nicht jünger), empfand die Laufzeit als genau richtig. Muss so ein Menschenproblem sein.

   „Fyra“ ist sicherlich kein Album für die Freunde beschaulicher Töne, aber das mir zuerst eingefallene Adjektiv für dieses Album war „kurzweilig“. (Einige Menschen, denen gegenüber ich dieses Wort verwendet habe, glauben, das bedeute so was ähnliches wie langweilig. Ich arbeite daran.) Und darum geht es ja letztendlich, oder?

   Reinhören: Kauf usw. auf Amazon.de, Stream usw. via TIDAL und Bandcamp. Tonträger sind – außer den CDs, aber wer kauft schon noch CDs? – leider aus.

6. Oslo Tapes – ØR

   Oslo Tapes, der Name sagt’s schon, ist ein Trio aus Italien, allerdings sind auf Pressefotos vier Herren zu sehen. Vielleicht ist es doch ein Quartett oder irgendwelche Texte und/oder Pressefotos müssten mal wieder erneuert werden. Sei’s drum.

   Gegründet worden sei es, so will es die Legende, nach einer Reise durch Norwegen. Das dritte Album der mir unbekannten Anzahl an Musikem heißt „ØR“, was auf Norwegisch irgendwas heißt, und enthält Avant-Rock beziehungsweise „einen schwindelerregenden Ritt durch eine fiebrige Traumlandschaft des imaginären norwegischen Hochlands, gemalt in kubistischen Formen“ (Quelle: Pressetext) oder aber Free Jazz mit Elefantentrompeten („Exotic Dreams“; sind vermutlich norwegische Elefanten), Depeche Mode und Joy Division („Obsession is the Mother of All“) sowie jede Menge Spacerock mit Dance-Einschlag.

   Die Stimmung auf „ØR“ ist tatsächlich träumerisch, der (nur manchmal etwas nervig) effektgeladene dream-pop-Gesang, der die nicht rein instrumentalen Teile des Albums begleitet, klingt wie hinter einem Schleier verborgen. Gesungen wird im Übrigen auf Englisch, was ich gut finde. Italienischsprachiger Gesang stört mich sehr; das erwähnte ich ja aber schon.

   Aaron Kavanagh von „New Noise“ findet, Oslo Tapes sollten unbedingt bekannter werden. Meinetwegen. Hauptsache, sie bleiben so.

   Reinhören: Amazon.de hat ausnahmsweise keinen Stream, nur die Tonträger; Bandcamp.com und TIDAL schaffen Abhilfe.

7. Caravan – It’s None of Your Business
   „Country life’s not for you“ (Down From London)

   Ein neues Album von Caravan lässt mich meist schnell zum Kopfhörer greifen: In den inzwischen 53 Jahren ihres Bestehens haben die Altmeister des Canterbury Style selten wirklich nachdrücklich enttäuscht und man ist ja auch immer froh über alles, was aus dieser musikalischen Ecke überhaupt noch kommt; neben Caravan, Camel und den zurückgekehrten Soft Machine sind die Alten nahezu ausnahmslos in Rente gegangen, verstorben oder sonstwie verstummt.

   „It’s None of Your Business“, das diesjährige insgesamt 15. Studioalbum, auf dem mit Pye Hastings (Gitarre, Gesang) immerhin noch ein Gründungsmitglied von Caravan zu hören ist (das werden andere Gruppen dieses Alters, etwa Yes, vermutlich nie wieder schaffen), beginnt mit „Down From London“ direkt mit einer Enttäuschung: Das Stück wird langweilig ausgeblendet, als sei es eigentlich viel länger, aber zu lang für – keine Ahnung – das Radio oder so. Diesen Fauxpas wiederholen Caravan auf dem Rest des Albums allerdings nicht oft. Sie wollten mit diesem Album zurück zu ihren Wurzeln, teilte Pye Hastings in einem Interview mit. Ursänger und ‑bassist Richard Sinclair, einst dessen stimmliches und musikalisches Gegengewicht, fehlt allerdings auch auf „It’s None of Your Business“.

   Im zeitgenössischen Radio würde der sanfte Jazzrock, der hier zu hören ist, trotzdem auffallen, denn die Stücke sind entweder zu lang (das Titelstück schafft fast zehn Minuten Laufzeit) oder zu musikalisch anspruchsvoll für diejenigen, die einen drei Minuten lang durchgehaltenen 4/4‑Takt als höchstes Glück der Berieselung begreifen. Dabei sind schon ein paar veritable Ohrwürmer auf „It’s None of Your Business“ zu hören, etwa das bemerkenswert rhythmische „Ready Or Not“ (Abzug in der B‑Note, sozusagen: auch hier wird wieder blöde ausgeblendet), wenn auch sicher keine großen Überraschungen. Caravan: Da weiß man, was man hat. Bisschen Flöte, viel Akustikgitarre und natürlich der prominent nach vorn gemischte, angenehme, nie aufdringliche, aber auch – stilunüblich – nicht auffallend schlechte Gesang Pye Hastings‘.

   Schönes Album, auch von der Stimmung her. Gerne wieder.

   Reinhören: Komplettstream via TIDAL, Schnipsel und Kauf per Amazon.de.

8. Whispering Sons – Several Others
   „I carve silence in my forearm / there’s no silence in my head.“ (Flood)

   Nächster Stil- und Landsprung: Bei „Several Others“ der belgischen Band Whispering Sons, die ich als – wie eine Stichprobe im Bekanntenkreis ergab – anscheinend weltweit letzter Mensch noch nicht kannte, nicht binnen kürzester Zeit an Joy Division, The Cure, Savages und hin und wieder (zuerst am Schluss des zweiten Stücks „Heat“) auch an Grinderman zu denken vermochte ich nicht. Aufgespielt wird mit musikalisch oft angenehm zurückhaltendem, düsterem Postpunk, Gitarrendominanz herrscht nur selten. Sängerin Fenne Kuppens legt einen interessanten Gesang darüber, der kaum als eindeutig weiblich, wohl aber als zerbrechlich wahrzunehmen ist.

   Diese Kombination wirkt am eindrucksvollsten, wenn Whispering Sons aus dem sowieso schon nur locker angelegten Genrekorsett ausbrechen, etwa im von Klavier und Perkussionselektronik getragenen „Screens“, dessen Streichereinsatz selbst einen hartgesottenen Griesgram wie mich nicht ganz unbewegt lässt; daran ändert auch das folgende stampfende „Flood“, das in einem zeitgenössischen Gothic-Tanzschuppen sowohl musikalisch als auch textlich kaum negativ auffiele und deswegen zumindest meinen Geschmack knapp verfehlt, nichts.

   „Ein Traum“ (anderswo gelesen) sei das hier Gehörte. In diesen „schwierigen Zeiten“ (danke, mir kommt’s selber hoch) sind Träume immer gern gesehen; und gehört.

   Reinhören: Es gibt Stream (TIDAL) und/oder Kauf (Bandcamp.com, Amazon.de).

9. Lotus Titan – Odyssées

   Ich konnte nie Französisch und kann es bis heute nicht. Das macht den Genuss von Lotus Titans irgendwie passend benanntem Debütwerk „Odyssées“ etwas schwieriger als erhofft.

   Die vier Musiker nämlich, von denen eine – Julie Castel Jordy, eine auch sonst vielseitig interessierte Künstlerin – neben dem Theremin auch das Mikrofon spielt, also Texte darbietet, spielen eine merkwürdige Mischung aus improvisiertem Free Jazz, dem gelegentlich crimsonesque Ausbrüche entlockt werden („Jeterrible“), und einer Art Poetry Slam, indem, sieht man vom auch sonst treffend betitelten, beinahe wie ein Fremdkörper erscheinenden „Silence“ ab, statt Gesangs oft intensive Monologe auf den Hörer einprasseln, auf dass er nicht mehr wissen möge, wo oben und unten, vorne und hinten und auch sonst irgendeine Richtung ist. Eine wahre Odyssee quasi.

   Das auf „Silence“ folgende Titelstück, mt über zwölf Minuten Laufzeit auch das mit Abstand längste, lässt das Tempo zunächst gedrosselt: Es gibt geradezu sakrale Ambientklänge und zurückhaltende Stimmeinsätze zu hören. Erst nach etwa sieben Minuten setzt eine Instrumentalpassage ein, die erklärt, warum Lotus Titan sich für von ausgerechnet Meshuggah beeinflusst verstehen, denn deren Spielart des Progressive Metal beherrschen sie gar nicht mal schlecht. Dass Julie Castel Jordy zwischendrin wütend etwas reinruft, passt zur umgebenden Musik, ist aber trotzdem ärgerlich, weil ich auch jetzt immer noch kein Französisch kann. Vielleicht ist „Odyssées“ noch besser, wenn man es kann?

   Auch für alle anderen ist es allerdings ein Album, das sicherlich eines aufmerksamen Konsumenten bedarf, dessen Aufmerksamkeit aber mit hintergründiger Verspieltheit bei gleichzeitiger musikalischer Überraschung belohnt. Mein Album des Jahres 2021 ist es nicht, aber in der Avantgardekategorie schon sehr weit oben. Das ist ja auch was.

   Reinhören: Eine Darbietung von „Héroïne“ hatte ich schon mal als Montagsmusik, ansonsten gibt es „Odyssées“ natürlich auch auf TIDAL, Amazon.de und Bandcamp.com zu hören.

10. Hippotraktor – Meridian

    Toller Name, tolle Musik. Die (schon wieder!) Belgier tun mir den Gefallen, zumindest auf Englisch zu singen, denn auch mein Flämisch ist schlecht. Ihr seht: Ich bin zwar vielseitig interessiert und gebildet, aber meine Kenntnisse von zeitgenössischen europäischen Sprachen ist dürftig.

    Auf „Meridian“, dem ersten long player von Hippotraktor, werden fast 42 (schöne Zahl auch) Minuten lang harte Riffs, cleanen wie uncleanen Gesang und geradezu fesselnde grooves entfesselt. Die Besetzung der Band, die man wohl als „Supergroup“, wie Musikgruppen aus mehreren schon bekannten Musikern früher mal hießen, bezeichnen sollte, spricht für sich; unter anderem ist hier sozusagen auch die DNS der Stoner-Metal-Gruppe Psychonaut und der „Krank-Rock“-Band L’itch – ich denke mir diese Genrenamen nicht aus – beteiligt.

    Die wenigen leise(re)n Momente fängt das grollende Instrumentalgewitter mit Leichtigkeit auf, diese werden indes von vornherein nur spärlich angekündigt. „Meridian“ ist laut, ungestüm, „Meridian“ ist Krach. Ich mag Krach.

    Reinhören: Bandcamp.com, TIDAL und so weiter.

11. Kurushimi – Chaos Remains

    „Kurushimi“ ist Japanisch und heißt „Leiden“. Das australische Sextett gleichen Namens – nicht zu verwechseln mit dem japanischen, anscheinend inzwischen inaktiven Musiker, der sich ebenfalls Kurushimi nennt – klagt auf seinem sechsten Tonträger „Chaos Remains“, namensgerecht aus Aufnahmeresten des Vorgängeralbums „What Is Chaos?“ (2018) zusammengestellt, aber kaum, denn Gesang im verbreiteten Sinne gibt es nicht. Man habe sich thematisch von Werken John Zorns inspirieren lassen, lässt die Band mitteilen. Der erfahrene Leser weiß nun bereits: Hier geht es um Freiform-Jazz.

    Tatsächlich sei „Chaos Remains“ wie folgt entstanden: Andrew Mortensen, Bass- und Keyboardspieler von Kurushimi, habe ein paar Schallplattenschleifen („turntable loops“) erschaffen, indem er an zufälligen Stellen Aufkleber auf den Platten aufgebracht hat, und im Studio sollten die Musiker dann unter der Anleitung des gleichfalls zur freien Entfaltung angehaltenen Dirigenten Simeon Bartholomew zu diesen loops spielen, wonach ihnen gerade der Sinn stand. Aufgrund der immerhin zwei Saxophonisten klingt das Ergebnis ungefähr so, als würden die 70er- und die 90er-Besetzungen von King Crimson einander gleichzeitig covern, während ein Orchester auf einer Autobahn spielt und den dort zu findenden Fahrzeugen kaum auszuweichen imstande ist. In „Funeral Moon“ gibt es wenige Sekunden lang textlose Stimmeinwürfe, die zur Stimmung der Musik vor allem als bekräftigendes Element beitragen.

    „Chaos Remains“ ist 29:35 Minuten lang und somit deutlich kürzer als „What Is Chaos?“, was etwas kurz scheint. Es wurde bereits im Februar veröffentlicht, angekündigt waren weitere Veröffentlichungen im Laufe des Jahres. Bislang – heute ist der 19. November 2021 – ist daraus nichts geworden. Blödes Corona. Tolles Album.

    Reinhören: Neben „What Is Chaos?“ gibt es auch „Chaos Remains“ bei Bandcamp und auf TIDAL.

12. Idles – Crawler
    „Can I get a Hallelujah?“ (The Wheel)

    Kommen wir nun zu etwas völlig anderem.

    Es wäre zu einfach, an Idles und ihr neuestes Album „Crawler“ lediglich das langweilige Etikett „Postpunk“ anzuheften, zumal das eröffnende „MTT 420 RR“ – meine erste Assoziation war Bryan Ferrys CPL 593H und tatsächlich geht es auch um ein Fahrzeug, allerdings um einen Motorradunfall – eine klaustrophobische Bad-Seeds-Atmosphäre erzeugt, keineswegs aber eine dröhnend-intime, wie gewöhnlicher Postpunk sie üblicherweise hervorbringt.

    „Crawler“ ist ein Konzeptalbum, das sich weitgehend mit einem Fahrzeugunfall unter Drogeneinfluss, dessen Zustandekommen und dessen Folgen beschäftigt. Erstmals explosiv wird es in „Car Crash“, das die Geschichte aus dem ersten Stück aus einer anderen Perspektive beleuchtet. Die Stimme des „mit Glas gurgelnden“ (The Guardian) Frontmanns Joe Talbot, dessen Gesang nicht nur im Refrain von „Stockholm Syndrome“ an Bob Dylan (man hole Fackeln und Mistgabeln, ich habe soeben ein Sakrileg begangen) erinnert, mitunter – in den ruhigeren Momenten („The Beachland Ballroom“) – aber auch sanft, zerbrechlich gar, aus dem Kopfhörer fließt, ist trotz schön dominanten Bassspiels das wesentliche Alleinstellungsmerkmal dieses Albums.

    In „The New Sensation“, das textlich („re-train as a dancer“) unter anderem auf eine sehr bescheuerte Werbung der britischen Regierung Bezug nimmt, die wegen Corona vorgeschlagen hat, dass Leute, die ihre Arbeit verlieren, ihre Karrierepläne aufgeben und etwas ganz anderes lernen sollten, meine ich mich an „Their Satanic Majesties Request“ und dessen musikalisches Vorbild – die Drogenphase der langweiligen Beatles – erinnert, und auch der von elektronischem Zirpen und Grollen begleitete Kanon „Progress“, der von zwei Halbminütern eingerahmt ist, fällt aus jedem Schema. Dass ich spätestens nach den ersten paar Stücken meine Einschätzung, dass es sich hier nicht um banalen Postpunk handelt, revidieren muss, bedaure ich indes kaum; denn zwar lässt sich der Postpunk selbst von mir nicht wegdiskutieren, aber banal ist er nicht, sondern vielmehr der bisher beste, der mir 2021 untergekommen ist.

    „Crawl!“ würde ich gar einen Partykracher nennen, wenn ich allein von dem Wort nicht die sprichwörtlichen Krätze bekäme. Zum bedrückenden Thema des Albums mag’s nicht passen, aber ich bekomme tatsächlich gute Laune, während ich dieses Album höre. Das wäre doch jetzt nicht nötig gewesen.

    „Life is beautiful!“ stellt der Sänger am Ende des Albums – in „The End“ – fest. Ein passender Abschluss für ein großartiges Album.

    Reinhören: TIDAL (Komplettstream), Amazon.de (auch Kauf).

13. BRUIT ≤ – The Machine is burning and now everyone knows it could happen again

    Ich mag ja Bands mit Namen, die ich nicht aussprechen kann (aber anscheinend spricht man das „≤“ nicht mit), und Musikalben mit viel zu langen Titeln. Den Rekord scheinen bisher Chumbawamba zu halten. Haben sie verdient. BRUIT ≤ machen Postrock und davon hatte es 2021 sonst sowieso zu wenig.

    Auf „The Machine is burning and now everyone knows it could happen again“ sind vier Stücke von jeweils über achteinhalb Minuten Länge enthalten. Ich wünschte, das wäre noch ein Qualitätsmerkmal, aber das macht inzwischen sogar Taylor Swift. Möglicherweise haben wir es hier mit einem Konzeptalbum zu tun; zwei der vier Stücke sind mit Textzitaten unterlegt, in denen eine bessere Welt mit mehr Menschlichkeit und weniger Kapitalismus und Umweltzerstörung herbeigesehnt wird. BRUIT ≤ kommen aus Toulouse, aber das macht nichts.

    Am langweiligen Laut-leise-Spiel, das in den Neunzigern schon perfektioniert worden ist und deshalb längst uninteressant ist, beteiligen sich BRUIT ≤ nur scheinbar. Zur Stammbesetzung des Quartetts gehört ein Cellist, die vier Gastmusiker tragen Bassposaune, Klarinette, Horn und Vibraphon bei. Insbesondere unter der Prämisse, dass es sich hier um ein Debütalbum handelt, ist das Ergebnis außerordentlich beeindruckend. BRUIT ≤ kombinieren typische Postrockeffekte, also Gitarrenkrach und durchaus überraschende elektronische Schnitte, mit diesen klassischen Zutaten („Renaissance“ zeigt sie erstmals in voller Pracht), ohne dass sie zu viel versuchen, wie es manch anderer Band geht, die zu experimentieren versucht. Wohldosierte instrumentale Explosionen an den richtigen Stellen und ein völliges Fehlen von fade-outs – das Album ist als Einheit zu erkennen, nicht bloß als lose Ideensammlung – tun ihr Übriges zu meiner Einschätzung, dass es in letzter Zeit kaum ein beeindruckenderes Postrockalbum als dieses gegeben hat.

    Hoffentlich lassen BRUIT ≤ jetzt nicht nach.

    Reinhören: Es gibt ein Video zum Stück „The Machine Is Burning“. Es ist gut.

14. Trialogos – Stroh zu Gold

    Der Titel des Albums klingt nach Grimm’schen Märchen, die Musik hingegen keinesfalls.

    Das anscheinend in Berlin beheimatete Trio Trialogos trat erstmals – wie auch sonst? – im Jahr 2020 im Rahmen einer Kunstausstellung gemeinsam auf. Konsequent erschiene es mir falsch, diese Kunst zum Genre zu degradieren. Die drei subkulturell diversen Musiker spielen Noiserock, Postrock und Industrial, überwiegend instrumental. Wer braucht schon Gesang? Zur Beschreibung des treffend betitelten Stücks „Batdance“, das der Tanzmusik And-One-scher Manier angehört, las ich irgendwo im Web das Wort „Gruftidisco“. Schönes Wort.

    Das Album endet mit einer instrumentalen Klimax, dank moderner Technik intensiver als der vielstimmige Orchesterakkord, den die blöden Beatles irgendwann mal gemacht haben. „Wellenreiter“ heißt das letzte Stück und es schickt tatsächlich Wellen durch den Körper. Hübsch.

    Reinhören: Via Bandcamp.com kann man streamen, kaufen und theoretisch auch (in mittelmäßiger Qualität) direkt herunterladen, aber natürlich macht man so was nicht, das wäre unmoralisch.

15. Big ‡ Brave – Vital

    Was fehlt in dieser Rückschau noch? Ach ja: Postrock und Artverwandtes.

    Big ‡ Brave, inzwischen zum Trio angewachsen, zelebrieren auf „Vital“ einen sehr, nun ja, vitalen Doom-Postmetal, dessen bedrohliches Donnern das Niederschreiben dieser Eindrücke erschwert, denn ich bin ein Mann, ich kann nicht zwei Dinge gleichzeitig machen. Diese Musik aber zwingt mich zu Aufmerksamkeit. Schade.

    In fünf Stücken, aber insgesamt immerhin über 38 Minuten, trifft düsterste Instrumentalarbeit auf den expressiv-klagenden, mitunter auch wütenden („Of This Ilk“) Gesang von Robin Wattie, der jenen, die sowieso keinen Frauengesang mögen, ganz besonders wenig gefallen dürfte, für mich aber ein mehr als nur treffender Kontrast ist. Ich denke manchmal an Anna von Hausswolff. Ich denke sehr gern an Anna von Hausswolff. (Die seit 2021 übrigens auch als Gastsängerin und ‑organistin auf Sunn O)))s „Metta, Benevolence BBC 6Music: Live on the Invitation of Mary Anne Hobbs“ zu hören ist, aber Livealben und Späterveröffentlichungen nehme ich ja aus Prinzip nicht in diese Liste auf.)

    Das Tempo bleibt dabei über weite Strecken gedrosselt, die brachiale Gewalt will sanft genossen werden. Ein passendes Adjektiv für das hier Gehörte ist „schwergewichtig“. Ich fühle mich musikalisch geradezu erdrückt und das gefällt mir auch noch gut. Ich weiß nicht, welcher ICD-10-Code das jetzt wieder ist. Im Internet wird dem Werk von Big ‡ Brave eine kathartische Wirkung bescheinigt. Stimmt.

    Reinhören: Es gibt ein Video zu „Half Breed“, das zeigt, wie eine unsichtbare Hand Erde auf einen am Boden liegenden Menschen schüttet, der anschließend aufsteht und geht. Ich verstehe das nicht. Das macht nichts.

16. Spiritczualic Enhancement Center – Carpet Album

    Was erwarte ich von einer Band, deren Name mit „Spiritczualic“ – ein Kofferwort aus „spirit“, „ritual“ und einem polnischen Zischlaut – beginnt? Klar: Drogenmusik. Bekiffte Audiotrips mit bedächtigem Rhythmus, gern mit dominantem Bass und gelegentlich ein bisschen Gitarrenflirren.

    Was ist auf dem „Carpet Album“ des Berliner „Musikerkollektivs“ (warum muss in Berlin immer alles ein „Kollektiv“ sein?) Spiritczualic Enhancement Center zu hören? Klar: Drogenmusik. Bekiffte Audiotrips mit bedächtigem Rhythmus, gern mit dominantem Bass und gelegentlich ein bisschen Gitarrenflirren. Instrumental, versteht sich, und manchmal an der Grenze zur Massagepornomusik („Carpet Inauguration“), sich von dieser aber jedes Mal schnell wieder entfernend.

    Die Musiker selbst sprechen von „Spektraljazz“ und einer Inspiration durch die „kosmische Musik“, was ein Kunstbegriff war, den ein LSD-verrückter Idiot in den 1970er Jahren propagieren zu müssen meinte, weshalb er heute pleite und verschollen ist. Zu Recht, wie ich meine. Ob Spiritczualic Enhancement Center auch pleite sind, weiß ich nicht, aber verschollen sind sie bisher nicht. Finde ich gut.

    Erfreulicherweise verzichtet das „Kollektiv“ – wäh – auch darauf, den gleichen langweiligen Fehler wie die meisten anderen zeitgenössischen „psychedelischen“ Musikgruppen zu machen und Pink Floyd und/oder Hawkwind zu imitieren. „Spektraljazz“ passt schon als Bezeichnung. Etwas schade sind nur die hier auch vorkommenden fade-outs und sonstigen eher abrupten Enden (sofern man bei so entspannender Musik überhaupt von „abrupt“ reden kann), denn während Spiritczualic Enhancement Center Anfänge ganz gut hinbekommen, fehlt ihnen für gute Schlüsse anscheinend manchmal der Antrieb. Ich behaupte: wären die 1980er Jahre nicht gewesen, wäre das Ausblenden von Musikstücken die fürchterlichste Erscheinung, die je in die Musik Einzug gehalten hat. Schön ist das trotzdem nicht.

    Alles Weitere aber schon, deshalb: Empfehlung.

    Reinhören: Bandcamp.com (Vinyl ist aus).

17. Red Kite – Apophenian Bliss

    Mal wieder ein bisschen Anstrengung zwischendurch, sonst langweilt ihr euch noch.

    Red Kite, ein Instrumentalquartett und gleichzeitig eine supergroup, unter anderem mit Beteiligung der großartigen Elephant9, aus Norwegen, hat mit „Apophenian Bliss“ im November 2021 sein bisher zweites Studioalbum veröffentlicht. Gitarre, Bass, Schlagzeug und Fender Rhodes, wobei insbesondere das Schlagzeug eine dominante Rolle einnimmt, überzeugen mit einer merkwürdigen Zusammenstellung von Jazz- und Space-Rock-Elementen, wobei diese Fusion schon im zweiten Stück „This Immortal Coil“ – mit fast achteinhalb Minuten Laufzeit das drittlängste auf dem Album – sich als „brennbar“ (Quelle: Internet) erweist. Von „Metal“ und „Heavy Prog“ quatscht das Etikettennetz. Ich mag keine Etiketten.

    Selten – „Apophenia“ ist eines dieser Beispiele – wird der Space-Rock-Anteil merklich reduziert und macht Platz für eine interessante Mischung aus Bluesrock (mit singender Gitarre) und dem jetzt schon etablierten Jazz; dafür dürfen im folgenden „Red Kite Flight“ Schlagzeug und Bass wieder eskalieren. Eskalation ließ sich bei der Produktion von „Apophenian Bliss“ kaum vermeiden, fiel ihr Beginn doch auch mit der Eskalation der Pandemie zusammen. Mancherlei Musiker Kreativität haben die erschwerten Aufnahmebedingungen jedenfalls offenkundig keinen nennenswerten Schaden zugefügt. Die einzige Coverversion auf dem Album, das Psych-Jazz-Stück „Morrasol“, wurde von dem Saxophonisten und Komponisten Gisle Johansen geliehen, der „Death Metal und Coltrane gleichermaßen mag“ (Quelle: Internet). Schöne Mischung. Schönes Album.

    Reinhören: Stream bei Bandcamp.com und TIDAL, Kauf Amazon.de.

18. Weston Super Maim – 180-Degree Murder
    „End me or I erupt“ (180-Degree Murder)

    Kurz und schmerzhaft: Der/die/das EP „180-Degree Murder“ – wunderbares Coverbild auch – ist ungefähr eine Viertelstunde lang und enthält zwei Stücke, namentlich das Titelstück sowie „We Need To Talk About Heaven“. Die Band Weston Super Maim ist ein britisch-US-amerikanisches Duo und setzt mit diesen zwei Stücken ein angemessen brutales Ausrufezeichen unter dieses verdammte Jahr 2021, obwohl „180-Degree Murder“ bereits im Juli 2021 rauskam. Macht ja nichts.

    Musikalisch bekommt der Hörer es mit Tech-Metal und Mathcore zu tun, es wird gegrölt und gebrüllt und nicht gesungen. Das wäre auch eine sehr alberne Kombination. Die beiden Musiker verweisen auf Meshuggah als relevante Inspiration und dem zu widersprechen läge mir fern. Es gibt sogar 12-Zoll-Vinyl zu diesem kurzen Ausflug ins Extreme. Ich wünschte, das könnte ich von allen Alben sagen, die ich 2021 zu schätzen gelernt habe.

    Reinhören: Bandcamp.com, TIDAL. Tut fast gar nicht weh.

19. Zement – Rohstoff

    Na gut, ich gebe es zu: Ich mag Kraftwerk nicht.

    Das schließt mich möglicherweise von Diskussionen mit manchen Zeitgenossen aus, denn auch auf der anderen Seite des Musikhörerspektrums gibt es ähnliche Dickköpfe wie mich; aber ich kann es begründen: Obwohl sie als wirklich hörbare Krautrockband angefangen haben, sind sie sehr schnell in eine sehr langweilige elektronische Schiene abgebogen, die sich, glaubt man überschwänglichen Rezensenten, noch bis heute vor allem dadurch auszeichnet, dass da so schön wenig passiert und deswegen so schön viel Platz ist für so schöne Langeweile. Gleichbleibende Rhythmen, kaum eine neue Idee in den aktiven Jahrzehnten. Der Kunde („Hörer“) honoriert es als „seinem Stil treu bleiben“ oder so. Gähn.

    Statt auf der Autobahn zu fahrnfahrnfahrn, werfe ich mich mitsamt meinen Kopfhörern lieber in den Mischer, denn hier produzierte das Würzburger Duo Zement 2021 neuen „Rohstoff“, wie dessen aktuelles Album – das bereits dritte Vollzeitwerk – heißt. Ähnlichkeiten zu Kraftwerk, vom Einsatz monotoner „Roboter“-Stimmen bis hin zu ebenfalls recht gleichbleibenden Rhythmen, lassen sich kaum verkennen, aber Zement machen es besser, denn während Kraftwerk ihre Krautrockwurzeln derart intensiv dem ewigen Vergessen überantwortet haben, dass in ihrem „Katalog“ (so heißt die ab 2009 in verschiedenen Versionen veröffentlichte Werkschau) die ersten drei Studioalben überhaupt nicht vorkommen, sind Zement nicht ganz so dämlich; hier darf auch mal eine Gitarre zu hören sein (etwa im polyrhythmischen Jazz-Ausflug „Kleiner 3“) und immer wieder schwingt die gute alte Psychedelik mit.

    Im etwas zu kurzen „Zunder“ bedauert die Roboterstimme, etwas sei „such a shame“, aber von den Achtzigern lassen Zement, die dieser Stimme ein dominantes Saxophon entgegensetzen, ansonsten die Finger. Ist auch besser so. Die Achtziger waren musikalisch fürchterlich. Das längste Stück hingegen heißt „Entzücken“, folgt direkt auf „Zunder“ und ist über zehn Minuten lang. Ich bin entzückt. Mit „Atem“ endet „Rohstoff“ in einer Instrumentaleruption mit irrlichternder Gitarre und schier ungezügeltem Schlagzeug, wie man sie in dieser Ecke der elektronischen Musik gar nicht mehr erwartet hätte. Ich mag es, wenn ungenügende Erwartungen weit übertroffen werden.

    Reinhören: Komplettstreams gibt’s bei Bandcamp und TIDAL, Hörschnipsel und (theoretisch) Stream und Kauf diesmal auch wieder auf Amazon.de.

20. Moor Mother – Black Encyclopedia of the Air
    „I’m too fucking high.“ (Zami)

    Das erste Stück von „Black Encyclopedia of the Air“ erinnert mich spontan und daher unüberlegt an die von mir anderswo schon mal rezensierte neuere Musik von I Like Trains, aber auch an die elektronische Musik der 70er und frühen 80er Jahre. Irgendwie unwirklich verträumt wabert das minimalistische Stück „Temporal Control of Light Echoes“ zur Eröffnung desjenigen Albums aus dem Kopfhörer, das die in Rap und Jazz bewanderte US-Amerikanerin Camae Ayewa alias Moor Mother im Scherz ihr „Ausverkaufsalbum“ nannte, da es zugänglicher sei als manches, was sie zuvor herausgebracht habe.

    Nun bin ich mit dem bisherigen Wirken von Moor Mother nicht vertraut und verlasse mich somit auf meine eigenen Eindrücke. Zu diesen zählt, dass neun von den enthaltenen dreizehn Stücken einen oder mehrere Gastmusiker aufweisen, die ich allesamt ebenfalls nicht kenne. Prima. Ich mag mir zuvor Unbekanntes in der Musik manchmal. Und tatsächlich: Es wird gerappt.

    Ja, ja, Rap ist keine Musik, er genügt der Definition von Musik gemäß der deutschsprachigen Wikipedia nicht und so weiter und so fort. Das macht aber nichts, denn die musikalische Begleitung bleibt doch eher jazzig. Mir ist, als hörte ich eine US-amerikanische Konkurrenz zur Jazzkantine, aber mit noch tiefer im spacig Verspielten unterwegs. Textlich ist das Album weniger beschwingt, es geht in den meisten Stücken um den US-eigenen Rassismus, mitunter aber auch um Lehren aus dem Leben der Vorfahren („Tarot“) und die Freiheit zu leben, wobei das resignierende Schlussstück „Clock Fight“ sicher nicht hoffnungsfroh stimmen sollte. Vorhaben für die Zukunft: Öfter mal auf die Texte hören, auch wenn’s bloß Englisch ist. Dieses Vorhaben habe ich in letzter Zeit ein wenig vernachlässigt.

    Während ich dies tippe, merke ich, dass ich unbeholfen an diese Art von Musik herangehe. Sie überrascht mich, weil ich diese Kombination nicht gewohnt bin. Sind die weniger „zugänglichen“ Früherwerke von Camae Ayewa wirklich anstrengender oder nur herausfordernder? Ich sollte das irgendwann mal herausfinden.

    Am Ende zählt aber ohnehin nur: Gefällt’s oder gefällt’s nicht? Ganz ungeachtet der Textexegese, für die mehr Szenekenntnisse meinerseits wahrscheinlich notwendig wären: Mir gefällt’s; auf eine ganz neue Art gar. Das muss erst mal reichen.

    Reinhören: Für bloße Auszüge ist das Album zu schade, daher empfehle ich hier nur den Komplettstream via Bandcamp und/oder TIDAL. Haptisch interessantere Tonträger – also: überhaupt Tonträger – hingegen bietet Amazon.de an, bei Bandcamp wird man diesmal zurzeit nicht fündig. Schade eigentlich.

21. Tomahawk – Tonic Immobility
    „Got a birthing coach with a COVID smile / We labor alone today“ (Doomsday Fatigue)

    Zum Abschluss dieser Liste muss dann doch noch ein wenig anständige Rockmusik her.

    Mike Patton möchte ich nicht sein müssen, der von mir geschätzte Herr ist anscheinend zu schnell gelangweilt und muss darum dauernd irgendwas machen. 2021 hat er, mittlerweile 53 Jahre alt, zum Beispiel neben den reaktivierten Mr. Bungle auch seiner seit 2020 wieder formierten Experimentalrockband Tomahawk zu einem neuen Studioalbum verholfen. Es heißt „Tonic Immobility“ und ist erwartungsgemäß vortrefflich gelungen.

    Zeitlos im klassischen Sinne ist es nicht, denn unter anderem wird auf Doomscrolling während der Pandemie („Doomsday Fatigue“) und zeitgenössische Körperideale („Business Casual“) Bezug genommen. Stilistisch passiert auf „Tonic Immobility“ jede Menge, ich höre Nu Metal, Grunge, Country („Howlie“; trotzdem gut und vor allem zum Ende hin eine höchst angenehme Eskapade) und gelegentlich auch etwas Punkrock. Zum Glück muss ich im Saturn nicht die Plattenregale sortieren. Keine Ahnung, in welche Schublade dieses Album reinmüsste. Einen roten Faden gibt es nicht, aber das tut dem Hörvergnügen keinen Abbruch. Es rockt. Braucht man immer mehr?

    Ich könnte hier einen Indianerwitz machen, aber den lasse ich begraben wie andere das Kriegsbeil. Stattdessen spreche ich diesem Album meine wärmste Empfehlung aus. Hugh.

    Reinhören: Amazon.de oder eben auch TIDAL. Dort sind alle enthaltenen Stücke als explizit gekennzeichnet. Weicheier.

Fragen, Kritik, Anmerkungen und Liebeserklärungen nehme ich gern als Kommentar entgegen. Ansonsten: Fortsetzung folgt!

Kommentare

• Thilo schrob am 1. Januar 2022 dies: So sehr ich auch Scheiß-Fan des Sarkasmus bzw. der feinen Beobachtungen des Herrn Hirnficks bin: Das ist typische Kneipenhocker-Musik. Wer, warum auch immer (kann nicht tanzen/hat sich nicht getraut/hatte nur männliche Freunde) in seiner „Prägungsphase“ nie in eine Disko hineingestolpert ist – der findet dann gleichsam als Akt der Abwehr Kraftwerk öde, wahrscheinlich auch „Disco“, „House“ und „Techno“. Und hört dann so einen Krampf. Habe mir die erste Hälfte der Empfehlungen angetan, ach Du meine Güte. Bin dennoch weiterhin Fan. Was ist heutzutage schon Musikgeschmack, da niemand mehr eine Plattensammlung sein eigen nennt. So egal wie eine Backrezeptesammlung. Ist er denn ge„impft“, das ist die Frage (Achtung, Ironie. Was geht es einen an, verdammt nochmal)!
• Hirnfick 2.0 » Früher war alles musikalischer. schrob am 24. Januar 2022 dies: […] dem „Alten“ vor­aus hat. Das trägt sicher­lich auch dazu bei, dass es mehr Spaß macht, nach „Neuem“ zu fischen; des­halb aber dem „Alten“ ver­ständ­nis­los zu begeg­nen, weil es das „Neue“ […]

‘Musik 12/2020 – Favoriten und Analyse’ weiterlesen »]]> Na gut, wenigstens eine späte Musikrückschau für das schreckliche Jahr 2020 gibt es – nur geringfügig verspätet – doch noch. Man verzeihe mir, dass sie kürzer ist als sonst – bei einigen anderen Alben konnte ich nicht an mich halten und ließ mich zu einer Rezension praecox hinreißen. Man wühle in der Blogkategorie, so’s gefällt: Von Eminem über das gar nicht so geschriebene Kombynat Robotron bis hin zu – obwohl deutschsprachiger Gesang nachweislich krank macht – den Die Ärzte war stilistisch alles Notwendige dabei, sogar ein bisschen Postrock. Mir sei verziehen, dass ich auf veränderte Hörgewohnheiten auch diesmal keine Rücksicht nehme: Ist ein Stück länger als vier Minuten, so wird es hier trotzdem zum Reinhören empfohlen; nicht (nur), weil ich Sadist bin, sondern auch, weil ich Musik mag.

Und zwar folgende:

1. Toundra – Das Cabinet des Dr. Caligari

   „Das Cabinet des Dr. Caligari“, weiß die Wikipedia, sei „ein deutscher Horrorfilm von Robert Wiene aus dem Jahr 1920“, den ich aber nie gesehen habe, weil mich Horrorfilme schon hinsichtlich ihrer beabsichtigten Wirkung nicht interessieren. Wohl aber interessiere ich mich für Musik. Es verbinden beides miteinander aber unter anderem Toundra aus Madrid, die das hundertjährige Jubiläum des Films genutzt haben, um ihn noch mal anders zu vertonen.

   Der Film besteht aus sechs Akten und der Titelsequenz, ebenso ist auch dieses Album aufgeteilt, denn es soll als Begleitung desselben wiedergegeben werden (hierzu siehe „Reinhören“). Zu hören gibt es „Film-Musik“ im Wortsinne, wobei auch das genre – ich glaube immer noch nicht an die Existenz von Genres – passt, denn Toundra spielen seit ihrer Gründung im Jahr 2007 meist instrumentalen Postrock mit gelegentlichen Ausflügen in den Postmetal, also mit etwas verzerrteren Gitarren, etwas lauterem Bass und etwas hektischerem Schlagzeug. Ein Rezensent im Internet fand „Das Cabinet des Dr. Caligari“ (das Album) langweilig, ich finde es wenigstens ungewöhnlich, denn das vorhersehbare Laut-leise-Spiel steht hier zugunsten der Synchronität von Bild und Ton zurück, wofür man wahrscheinlich dann doch gleichzeitig den Film sehen muss.

   Reinhören: Auf Vimeo werden Film und Album zugleich abgespielt, ansonsten gibt es das Album natürlich auch in Schnipseln auf Amazon.de und in Gänze per TIDAL.

2. Heads. – Push

   Heads. – der Punkt gehört zum Namen – aus Berlin (und Australien) sind namentlich ein Symptom der modernen Zeit, die Köpfe über Inhalt stellt. Trotzdem ist der Inhalt gar nicht mal furchtbar: Ich höre Noiserock mit deutlichem britischem Akzent im Gesang. Globalisierung wirkt.

   Der Anfang („Empty Towns“), der als reprise im letzten Stück nochmals aufgegriffen wird, wirkt bedrohlich, kommt aber fast irreführend sanft daher. Nach einer überraschenden Welle aus Noise, Metal und Postpunk drosselt die Band mit dem Indie-Rock-Lied „Loyalty“ das Tempo wieder etwas herunter. Die etwas nölige Stimme des Sängers stört mich ein bisschen, aber Lou Reed hat es ja auch in meinen Plattenschrank geschafft. Der Vergleich sei unfair, heißt es jetzt vom Publikum? Ja, das ist er wahrscheinlich. Was ich ausdrücken wollte: Dieses Album reißt nicht mal der Gesang noch runter. Das ist doch auch schön.

   Auch später („A Swarming Tide“) lässt die Band dem Hörer immer mal wieder eine kurze Verschnaufpause, aber es stimmt schon: Viel Platz für friedvolle Momente wird hier nicht gelassen. Macht nichts. Ich habe eh schlechte Laune.

   Reinhören: Einen Komplettstream gibt es bei TIDAL und Bandcamp, dazu noch Schnipsel und Kauf auf Amazon.de.

3. Danheim – Skapanir

   Mongolenmönche beschwören antike Wikingergötter im Kampfgetrommel. Herrlich.

   Reinhören: Amazon.de, sonst TIDAL.

4. Charivari – Descent

   Vier Can-kundige Engländer huldigen postrockend der Berliner Schule, es wird sphärisch gesungen. Mehr Text braucht es nicht.

   Reinhören: Warum nicht mal TIDAL, Amazon.de oder Bandcamp?

5. taumel – there is no time to run away from here

   taumel sind nicht nur eine Beschreibung meines Heimwegs nach dem Stammtisch, sondern auch zwei bis vier Herren aus Rheda-Wiedenbrück.

   Es werden auf „there is no time to run away from here“ fünf Stücke dargeboten, die die Titel „there is“, „no time“, „to run“, „away“ und „from here“ tragen, wobei die ersten beiden ineinander übergehen. Zu hören ist sehr langsamer Postrock ohne Gitarrengewitter. Wer die vermeintlich ruhigeren Momente von Mogwai mag, der mag auch dieses Album, wage ich zu versprechen.

   Die hier ausgebreiteten Klanglandschaften sind eher ein Sonnenaufgang über der Wüste als ein prasselnder Wasserfall. Gerade das von Manuel Viehmann gespielte Flügelhorn (besonders durchdringend in der zweiten Hälfte von „to run“) vermittelt Hoffnung, obwohl ich selbst nicht so genau weiß, worauf. Trotzdem fühlt sich dieses Album nach Geborgenheit an und das kann man ja auch nicht von jedem Album behaupten. Das abschließende „from here“, getragen von Klavier und wenig Perkussion, ist insofern ein angemessener Abschluss, als es die Ruhe und Behäbigkeit von taumel auf die Spitze treibt.

   Das Album ist instrumental: Kein Gesang, kein Gekreisch, kein Gestöhne. Die Leute halten ja viel zu selten die Fresse dieser Tage. Auch mal schön.

   Reinhören: Bandcamp, Amazon.de, TIDAL.

6. Airbag – A Day at the Beach

   Ein schwieriges Album, gebe selbst ich zu, der schwierige Alben ja durchaus zu schätzen weiß.

   Mit „Machines and Men“ beginnt die Band aus Oslo ihren „Tag am Strand“ mit einem Überzehnminüter, der den industrialgeimpften Artpop der Achtziger nicht wiederholt, sondern ihm seine Reverenz erweist, wenngleich mit besserem Gesang und ohne die ollen Plastikorgeln. Der folgende Teil 1 des Titelstücks verneigt sich vor Roxy Music und David Gilmour zugleich, verleugnet aber nicht das Selbstverständnis von Airbag, die sich sowohl als „Classic-Rock-“ als auch als „Progressive-Rock-Band“ begreifen (Quelle: Internet). Das Verstörendste an diesem Album ist das Coverbild.

   Der zweite und letzte Überzehnminüter „Into the Unknown“ hebt nochmals die Nähe zu Pink Floyd hervor: Das Stück ist – wie die meisten von Pink Floyd – einfach zu lang. Nein, Scherz beiseite: Es geht um die Stimmung. Sanfte Gitarrensoli über wabernden Keyboards gibt es nach der Effektpause mittendrin, schon zuvor aber ist das Bedrückte, das auch über dem letzten Pink-Floyd-Album (dem mit dem Fluss, nicht dem mit dem Puls) schwebt, das bestimmende Element. Immerhin das folgende „Sunsets“ reißt dann wieder mit 80er-Elektrobeats aus dem milden Schlummer. Depeche Mode? Klingt doch alles gleich. Der Mitnickrefrain und die darin zu hörende Gitarre gefallen. Davon ein ganzes Album und ich würde weniger skeptische Kommentare anbringen. Vielleicht.

   Teil 2 des Titelstücks davidgilmourt schon wieder. Für die, die es noch nicht verstanden haben: Airbag finden David Gilmour total schnafte. Für mehr von David Gilmour einfach Airbag hören. Ich verstehe das Konzept, ich mag dieses Album (weil es die langweiligen Teile von David Gilmours eigenen Werken ersetzt, nämlich den öden Gesang), aber für die, die eine eigenständige Arbeit hören wollen, ist das hier nichts. Da hilft auch das abschließende „Megalomaniac“, mein Lieblingsstück auf dem Album, weil es den 80er-Artpop, die 70er-Stimmung, die überraschenden Stilwechsel und die bemerkenswerte Gitarrenarbeit miteinander vereint, kaum.

   Abgeschreckt? Nein? Ich auch nicht.

   Reinhören: Amazon.de hat Stream und Kauf und Hörproben, bei Bandcamp und TIDAL sind aber ebenfalls Streams zu haben.

7. Elizabeth the last – Task

   Ich finde, viel mehr deutsche Bands sollten heißen wie eine Figur aus einer hypothetischen Adelspersiflage, aber ich finde auch, es gibt zu wenige zeitgenössische Adelspersiflagen. Elizabeth the last bringen jedenfalls instrumentalen Doom-Post-Sonstwasmetal zu Gehör, der mir zusagt. Ich mag ja so Gitarrenwände.

   Die fünf Stücke haben bis zu elfeinhalb Minuten Länge und klingen genau so wie alles andere aus dem Genre; nämlich wie etwas, das nicht zu kennen ich sehr schade fände. Freunde des Kopfnickens zu verschobenen Rhythmen mögen ihren Nacken ölen und ab geht’s.

   Ich habe schon mal angefangen.

   Reinhören: Für Amazon.de hier entlang, für TIDAL dort entlang.

8. The Ocean (Collective) – Phanerozoic II: Mesozoic | Cenozoic

   Man merkt es den englischsprachigen lyrics nicht an, aber The Ocean (mitunter auch: The Ocean Collective) sind eine Band aus Berlin (auuuus Berlin, jaja), die im Wesentlichen handwerklich guten Progressive Metal spielt. Wer aus dieser musikalischen Ecke nur Tool kennt, der liegt mit diesem Vergleich nur wenig daneben, denn sich an Tool zu messen gelingt wenigen. Ich persönlich halte Tool aber für langweilig, deshalb höre ich stattdessen zum Beispiel The Ocean.

   Es gibt schon im ersten, mich bereits hinreichend überzeugten Stück „Triassic“ – das Album umfasst die erzählerische Zeitspanne vom Trias bis zum Holozän – bretternde, aber auch mal frickelnde Gitarren und Wechsel zwischen sanftem Gesang und hartem Gegröl („growling“), später auf dem Album kommen unter anderem Bläser hinzu. Über verschiedene Erdzeitalter haben The Ocean unterschiedlich viel zu erzählen: „Jurassic | Cretaceous“ ist 13:25 Minuten lang, weist aber auch Längen auf, also mehrere Momente, die man auch kürzen könnte, ohne wichtige Botschaften streichen zu müssen; „Miocene | Pliocene“ hingegen dauert nur 4:40 Minuten, ist dabei aber auch nicht zu kurz. Was will man über Mio- und Pliozän auch groß erzählen?

   Dass The Ocean neben der Fähigkeit zu Brachialem bis hin zum Black Metal („Pleistocene“) auch viel Wert auf Atmosphäre legen, beweisen die auf diesem Album nicht seltenen Momente wie die leider etwas zu kurze Shoegazeverschnaufpause „Oligocene“. Das abschließende „Holocene“ greift stilistisch und textlich nochmals die Themen von „Triassic“ auf, ist nur etwas reicher instrumentiert. Die Geschichte ist ein Kreis, jedes Ende ist auch ein neuer Anfang. Das Album „Phanerozoic II: Mesozoic | Cenozoic“ gibt es für Gesangsscheue auch als Instrumentalversion. Sind die Texte also wichtig? Ist irgendwas wichtig?

   Anderswo nannte man „Phanerozoic II: Mesozoic | Cenozoic“ zusammengefasst große Kunst. Und ist das nicht alles, worauf es ankommt – die Kunst?

   Reinhören: TIDAL, Bandcamp oder halt Amazon.de.

9. Jesu – Terminus

   Jessas! Jesu – gegründet in der Zeit, in der die Mitglieder von Godflesh lieber etwas anderes machen wollten als bei Godflesh zu spielen – ist ein englisches Bandprojekt um die einzige personelle Konstante Justin Broadrick, der eigentlich auch alle Instrumente nebst Mikrofon allein aufnehmen könnte, aber das nicht immer tut.

   Obwohl Justin Broadrick der Ansicht ist, seine Musik sei vor allem Pop, was der lästigen Genrediskussion zumindest eine angenehm absurde Komponente beifügt, nehme ich hier hauptsächlich Shoegaze und Electronica als Zutaten wahr, hinreichend ausgedehnt, dass es die zweieinhalb Minuten, die im Radio zwischen zwei Werbeblöcken derzeit zur Verfügung stehen, mehrfach überbelegen müsste. Glück gehabt. Radiohörer sind sicher nicht das angenehmste Publikum.

   Meine erste Assoziation waren Aereogramme, aber das kann auch daran liegen, dass ich Aereogramme zu lange nicht mehr gehört habe, während ich das hier aufschreibe. Die Musik von Jesu ist aber weit weniger rockig, eher ausladend-atmosphärisch. Zwar blitzt gelegentlich (etwa im Titelstück) auch mal reinrassiger Postrock hervor, das Album wird aber beherrscht von melancholischen Arrangements, denen anderswo nachgesagt wird, sie versprühten Einsamkeit, Depression und Reue. Das stimmt sogar.

   „Terminus“ ist – wie so viele Postrock- und Shoegazealben – eigentlich ein sehr gutes Herbstalbum geworden, also eines, zu dem man drinsitzt, während es draußen regnet, und schwere Getränke zu sich nimmt, aber im Herbst habe ich diese Liste ja bereits prokrastiniert. Tut mir leid.

   Man höre „Terminus“ dann also etwas später, zum Beispiel noch heute. Es ist nie zu spät.

   Reinhören: Möglich ist das unter anderem auf Amazon.de und TIDAL.

10. Six Days of Calm – The Ocean’s Lullaby

    Leise Töne und ein Stimmengewirr eröffnen „The Ocean’s Lullaby“, das Debütalbum der „filmischen Postrockgruppe“ (Six Days of Calm über Six Days of Calm) Six Days of Calm aus Würzburg. Gesungen wird nicht, stattdessen gibt es Klangwelten und nur manchmal nicht weiter bedeutsame Sprachsamples. Filmisch „bassd scho“, wie man in Würzburg vermutlich sagen würde (ich bin ja nicht dort), ich würde Naturdokumentationen annehmen, irgendwas mit Bergen und Seen.

    Dass Bandgründer Marc Fischer sich zuvor als Liedschreiber im Metalcore aufgehalten haben soll, wäre nicht anzunehmen, denn natürlich (bereits im eröffnenden „Breathe“) wird hier auch mal instrumental eskaliert, aber überwiegend hat man es mit weiten Klangflächen („Loss“) zu tun, in denen selbst das Schlagzeug manchmal nur als Beiwerk, aber nicht als wesentliches Rhythmusinstrument zu Einsatz kommt. Mir fallen 65daysofstatic und God Is An Astronaut als Vergleich ein, aber (selten) auch Oceansize und die doch sehr vermissten Dear John Letter. (Wenn ihr das – was mich überraschen sollte – lest: Carpet ist nicht gut. Macht das bitte nicht mehr.)

    Six Days of Calm tragen ihren Namen nicht zu Unrecht. Das zu oft gehörte Laut-Leise-Spiel betonen sie auf dem Leise, das majestätisch erhabene und doch befreiend auslaufende Ende von „Loss“ steht dieser Einschätzung wie auch die anderen lauteren Momente (besonders unerwartet: „Obscure“) nicht entgegen, zumal das anschließende „Reflections“ mit Streichern und melancholischer Schönheit bereits den Kontrapunkt setzt.

    Wer Postrock vor allem mit musikalischer Schönheit verbindet und den Gitarrentürmen anderer Genrekollegen weniger abgewinnen kann, der möge es hiermit versuchen. Ist nicht schlecht geworden.

    Reinhören: Locker bleiben und entspannt – gern auch erst in sechs Tagen – Amazon.de, Bandcamp oder TIDAL aufrufen.

11. pg.lost – Oscillate

    Zwar gewohnte instrumentale Postrockkost, wie üblich verfeinert mit raffinierter Elektronik, tischen pg.lost auf ihrem nicht mehr ganz neuen, aber noch aktuellen Album „Oscillate“, das – nun ja – auch im alten Laut-Leise-Spiel oszilliert, auf. Für Freunde der Gitarrenbreitwände ist das – wie immer – ein Muss-Hör (was stimmt heute eigentlich nicht mit mir?), für Postrocknichtkenner ist es kein sperriger Einstieg. Ich empfehl’s.

    Reinhören: Amazon.de und TIDAL haben das Album im Repertoire, ebenso Bandcamp.

12. Lee Ranaldo & Raül Refree – Names of North End Women

    Was kommt dabei heraus, wenn ein spanischer Komponist und ein ehemaliges Sonic-Youth-Mitglied zusammen ein Album aufnehmen? Es ist nicht, wonach es aussieht!

    „Names of North End Women“ ist ein erstaunlich ruhiges Album geworden, das mehr an Leonard Cohen, John Cale und die Doors als an Sonic Youth erinnert, wenngleich mitunter (zum ersten Mal in „Words Out of the Haze“) Gitarreneffekte plötzlich auftauchen und ebenso plötzlich wieder verschwinden, deren Herkunft sich schwer leugnen lässt.

    Komponiert wurde, behauptet das Internet, auf Marimba und Vibraphon, daher läuten Stücke wie „New Brain Trajectory“ auch wie diese deutlich lästigeren Weihnachtslieder, die jetzt zum Glück erst mal wieder nicht mehr zum Besten gegeben werden. Dazu gibt es verschiedene andere Instrumente vom Band, eigene und fremde Gedichte (oft als Spoken-Word-Vortrag) sowie die erwähnten Gitarren, selten akustisch von Elektronik zerrissen, die gemeinsam schönen Melodien folgen, die auch in Folk und Pop nicht auffallen würden. Das Ergebnis ist ein vordergründig angenehm entspanntes, aber doch brodelndes (man höre hierzu insbesondere das Titelstück) Stück Musik von zwei Menschen, die niemandem mehr ihr Können beweisen müssen.

    Habe ich eigentlich schon die schönen Melodien angepriesen?

    Reinhören: Diese Melodien gibt es auch unter anderem auf Amazon.de und TIDAL zu erkunden.

13. The Burden Remains – fluid
    „Isch Schicksau nume Projektion und wär isch de Projäkter?“ (Fremdi Gstaade)

    „Aus isch teilt“, so heißt das erste Stück auf „fluid“, dem 2020er Album des Schweizer Quartetts The Burden Remains. Zu meiner großen sowohl Enttäuschung als auch Freude wird trotz des Bandnamens nicht auf Englisch oder gar Schwäbisch gesungen, sondern, mit Ausnahme des Instrumentalsechsminüters „Flussabwärts“, auf Schweizerdeutsch, stilecht mit überbetontem „K“. Das könnte den Bandnamen erklären. Hihi. „Gesungen“ ist andererseits auch falsch: Es wird geschrien. Fein.

    Melodisch kommt mal ein von einem wahren Schlagzeugtrommelfeuer begleiteter Postpunk („Aus isch teilt“), mal ein schön ambientflächiger Laut-leise-Postrock („I de Fluet verhaut“), oft aber auch sogar gut passender Schrammelmetal mit, immerhin, hübsch brummendem Bass aus dem Kopfhörer. Für Freunde zurückhaltender Feinkunst ist „fluid“ sicherlich ungeeignet, aber Lärm muss ja auch nicht immer stilvoll sein.

    Reinhören: „fluid“ gibt es auf Bandcamp, TIDAL und natürlich Amazon.de auszugsweise oder komplett zu hören.

14. Neptunian Maximalism – Éons

    Genug der seltsamen Sprachen aus fremden Ländern – kommen wir zu … Moment, ich muss nachlesen … einer zumeist grunzend intonierten rekonstruierten menschlichen Protosprache, begleitet von vier Musikern aus Belgien. Von dieser Sprache ist während der zwei Stunden und acht Minuten, die dieses Album dauert, allerdings wenig zu hören, denn das weitgehend instrumentale Album behandelt zwar (schon wieder!) ein Erdzeitalter, beginnt aber thematisch mit der Zeit nach dem Anthropozän, in der intelligente Elefanten regieren. Folgerichtig sind Saxophon und Trompete zeitweise dominante Instrumente. Nach etwa zwanzig Minuten zerschneidet erstmals eine vergleichsweise rockige Gitarre die Atmosphäre, löst sich aber sogleich in einen Klangteppich auf.

    „Éons“ besteht aus drei wesentlichen Teilen, der Erde, dem Mond und der Sonne gewidmet. Ich bin mir nicht ganz sicher, was das für ein genre sein soll – eine Verquickung von Kammer-Avant-Prog (ich weigere mich, die offensichtliche Referenz Univers Zéro hier unerwähnt zu lassen) mit zappaesquem Free Jazz käme dem Ergebnis schon nahe, wäre aber deutlich unvollständig. Zwei Stunden. Acht Minuten. Fünfundzwanzig Sekunden, aber darauf mag es auch nicht mehr ankommen. Die Dreifach-LP ist auf Bandcamp.com längst ausverkauft, und zwar nicht meinetwegen. Schade eigentlich. Nach etwa einer Stunde, natürlich höre ich selbst dieses Album am Stück, fällt seine Länge tatsächlich nicht mehr auf – ich habe, während ich dies hier aufschreibe, tatsächlich die Zeit vergessen. Jetzt, da ich nachgucke, sehe ich, dass ich mit dem zweiten Teil des Albums fast durch bin. Dass zwei der vier Musiker jeweils auch ein Schlagzeug bedienen, kommt hier gut zum Tragen, denn das (welches?) Schlagzeug peitscht den Jazzunterbau dominant voran. Dass die über zehn (bis zu 18:32) Minuten langen Stücke erst noch folgen werden, tut dem Genuss keinen Abbruch: Mit steigender Dauer des Hörens steigt auch der Spaß am Gehörten. Ich mag es, wenn ich nicht anfange, meinen Jubel in Worte zu fassen, und dann drei Absätze später feststelle, dass mir fast die Ohren eingeschlafen sind, weil dem starken Anfang ein starkes Nachlassen folgt. Nein, hier steckt Zeit in beide Richtungen drin und das ist gut.

    Eine space opera sei in „Éons“ drin, befindet die Selbstbeschreibung, aber wenn „Éons“ eine Oper ist, dann finde ich Freddie Mercury zwar immer noch scheiße, aber sollte wahrscheinlich viel öfter mal Opern hören. Etwas spacig beginnt der dritte Teil, „To the Sun“, der auch tatsächlich über zehn Minuten braucht, um wieder den Kammerprog vom Anfang in Erinnerung zu rufen, mit seinem bedrohlichen, flächigen Brummen zwar doch, aber Gläser werden hier nicht zersungen. Muss ja auch nicht sein, das ist immerhin teuer. Anders als „To the Earth“ (Japanisch und Akkadisch) und „To the Moon“ (Henochianisch und Tibetisch) tragen in „To the Sun“ alle Titel griechische Namen. Keine schöne Aussicht, dass das Zeitalter der Elefanten wieder mit alten Griechen endet. Andererseits: Das letzte Stück trägt den ausnahmsweise englischen Untertitel „We Are, We Were and We Will Have Been“ – „wir sind, wir waren und wir werden gewesen sein“. Das schöne Futur II gibt ein Bonusbienchen im Heft, das ist ein klares Bestanden.

    Reinhören: Neben Bandcamp – dem Portal mit der ausverkauften Dreifach-LP – fallen mir spontan auch Amazon.de und TIDAL, beide von vornherein ohne Vinylangebot, ein.

15. Ingrina – Siste Lys

    Ingrina wiederum kommen aus Frankreich, aber das merkt man ihnen nicht an. „Atmospheric Metal“ soll das hier sein und das ist es fürwahr: Zwei Schlagzeuger, drei Gitarristen, ein Bassist und Gesang, der klingt, als käme er direkt aus einem höllischen Abgrund – da lässt sich schon ordentlich Atmosphäre erzeugen.

    „Siste Lys“ ist schon namentlich ebenso ein Konzeptalbum wie der Vorgänger, das Debütalbum „Etter Lys“, wobei drei der Stücke zwecks Neubearbeitung einfach noch mal verwendet wurden. Besagten Vorgänger kenne ich bisher nicht, deswegen ist das nicht so schlimm. Manches hier klingt wie ein vertontes futuristisches Industriegelände („Walls“), aber es dominiert Wüstenplanetendzeitstimmung. Ich mag das. Alles auf „Siste Lys“ ist Post-irgendwas: Post-Metal, Post-Hardcore, mitunter („Casual“) aber auch einfach nur Post-Rock. Bonusfeature: Die gelegentlichen Gitarrenbretter („Now“ et al.) spülen nach dem Genuss genüsslich ausgewalzter Vulkanlandschaften wieder die Ohren frei.

    Reinhören: Bandcamp, TIDAL und – zum heute letzten Mal – Amazon.de.

So, reicht jetzt mit 2020. Auf 2021 aber komme ich bei Gelegenheit noch zu sprechen.

Bis dahin wünsche ich höchsten Genuss in allen Belangen.

Kommentare

• Juri Nello schrob am 3. Februar 2021 dies: Ich finde, es wird mal Zeit für ein Musikquiz hier. Tux spielt Drum Solos an, und der Rest muss Band, Stück und Land erraten.
• ric schrob am 3. Februar 2021 dies: Könntest ja mal den Anfang machen, vielleicht machen die Anderen dann auch mit.
• artodeto schrob am 3. Februar 2021 dies: Da brauch ich ja wieder ewig bis ich das alles durchgehört habe. Toll, dabei wollte ich doch die fünfte Staffel vom Bachelor schauen.
• tux0r schrob am 3. Februar 2021 dies: Gern geschehen.
• artodeto schrob am 3. Februar 2021 dies:
• artodeto schrob am 3. Februar 2021 dies: Uff, der ist ja so groß wie du weißt schon wer :-O.
• tux0r schrob am 3. Februar 2021 dies: Penis!
• Kalle Marx schrob am 3. Februar 2021 dies: Eine der Empfehlungen (Edit Peptide von Bubblemath, ist schon ein wenig her) hat es über diesen Blog sogar mal bis in die Vorlesungen an einer Musikhochschule geschafft – die Mühe findet also Adressat*innen (m/w/d). ;-) Ein Leser mehr!
• tux0r schrob am 3. Februar 2021 dies: Achgott, ich vergesse Bands einfach zu schnell. Ich werde in Hochschulen behandelt? Als abschreckendes Beispiel?
• Kalle Marx schrob am 3. Februar 2021 dies: Ich habe ein paar Jahre (aus Gründen) meine Musikgeschichtsseminare (Mo., 13.00) immer mit den Pawlowschen Worten „Es ist Montag!“ begonnen, und Bubblemath (und ein paar andere, Pomrad, Collier und so) sind perfekt für alle diejenigen, die vom Hochschul-Jazz die Schnauze voll haben… Dein Blog zieht also Kreise, nix abschreckend – ganz im Gegenteil!
• tux0r schrob am 3. Februar 2021 dies: Ach, schade. Ich habe mir so viel Mühe gegeben.
• Anonym schrob am 3. Februar 2021 dies: Fail! Soziopathie gibt’s bei uns zwar nur als Nebenfach (0,5 ECTS), wird aber ansonsten schon durchgängig in allen Veranstaltungen quasi durch Osmose unterrichtet. Wenn Du Bock hast, schickt mir doch mal ’ne Mail von Deiner Wegwerfadresse an meine Wegwerfadresse: wegwerfdreck ät webpunktde… ;-)
• tux0r schrob am 3. Februar 2021 dies: Ich will einen Abschluss als promovierter Soziopath!
• Anonym schrob am 3. Februar 2021 dies: Soziopathie wird im allgemeinen immer noch unterbewertet! Ich rede mal mit der KolleginProfessX, die die Gender-Abteilung leitet – vielleicht kann Dir der Promotionsauschuß was anrechnen. Lange Schachtelsätze zählen z.B. doppelt, Parteimitgliedschaftszeiten achtfach!!!11eins!
• tux0r schrob am 3. Februar 2021 dies: Muss ich ja doch noch mal in eine eintreten. Och nö.
• Anonym schrob am 3. Februar 2021 dies: Bloß nicht irgendwo eintreten, die gelten doch rückwirkend! Da kommen schnell mal 2374 Semester zusammen, und zack! – schon feddich1!!1 Dr. soz.path.! Ich möchte dann in dem Ausschuß sitzen; als habilitierter Soziopath steht mir das zu! (Natürlich nur über Zoom. Alles andere wäre igittpfuibä!)
• artodeto schrob am 3. Februar 2021 dies: Langsam anfangen, ich trau mich bald an einen Kuhfladen ran.

‘Musik 12/2019 – Favoriten und Analyse’ weiterlesen »]]> Kuckuck, nächstes halbes Jahr! Schüss, letztes halbes Jahr! Und damit auch: Willkommen zum zweiten Teil der Liste der feinsten Musikalben 2019, so weit sie mein Geschmack eben hergab. Teil 1 wurde im Juli hier und anderswo publiziert, seitdem war ich mal wieder ungeduldig und gab den neuen Studioalben von Cranial, bensnburner und You Guitarprayer Gelegenheit zur Entfaltung.

Ehrenhalber erwähnt sei das sehr hörenswerte, aber keinesfalls durchweg neue und darum disqualifizierte Gemeinschaftsalbum von Mike Patton und Jean-Claude Vannier. Was die sonstigen Regeln angeht: Beim Verfassen dieser Zeile wurde ich gefragt, warum ich nicht ein einziges Album zum Sieger küre. Die Erklärung ist einfach: Was mir heute gefällt, kann morgen schon stören – und andersherum. Es gibt (abgesehen von Phil Collins) nicht die falsche Musik. Es gibt nur die falsche Stimmung.

Ich hoffe, ich bilde auch diesmal wieder ein breites Spektrum derselben ab.

1. Die Liste

1. Злурад – Во благо злу

   Um meinem sorgsam gepflegten Ruf als Putinversteher gebührend Respekt zu zollen, beginne ich diese Liste mit „Во благо злу“ von Злурад, was Russisch ist und „Zlurad“ heißt, wobei es sich vermutlich um einen Eigennamen handelt, den zu übersetzen wenig Sinn ergäbe. Korrekterweise handelt es sich bei der Band um eine russische.

   Der Mitglieder hat sie fünf, wovon vier auch mal singen, wovon eines, Violetta Postnova, überhaupt keine andere Aufgabe hat. Worum es in den Texten geht, weiß ich nicht, denn sie werden nicht nur sehr unsanft vorgetragen, sondern ich verstehe auch die Sprache nicht. Musikalisch ist das Album völlig irre. Der Reklametext zum Album (von mir übersetzt) fasst es so zusammen:

   Alle wilden Tiere in einem Moshpit – man kann Schreie und Flüstern hören, Stimmen von Mann und Frau, punkige Melodien und Explosionen. Halsbrecherischer Fastcore trifft auf Sludge, rituelle Perkussion und Mantragesänge.

   Ich höre Brachialpunkrock mit Horn und Trompete. Hui!

   Reinhören: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

2. Stonefield – BENT

   Da bereits jetzt die weniger Hartgesottenen unter meinen Lesern die Flucht ergriffen haben dürften, können wir wenigen Verbliebenen das, was noch vor uns liegt, wenigstens unter uns genießen. Dafür greifen wir umgehend in eine ganz andere Schublade. Konstant bleibt allerdings, welchem Geschlecht der Gesang zufällt: Alle Mitglieder von Stonefield sind Frauen.

   Um noch etwas präziser zu werden und weil’s das Internet bewegt: Es handelt sich um vier Schwestern aus Australien. Dem Vernehmen nach ist das Band zwischen Schwestern ein Leben lang gefestigt, was die Ausdauer erklärt. „BENT“ ist immerhin bereits ihr viertes Album. Aufgewachsen seien die vier Musikerinnen mit Led Zeppelin, deren Stück „Whole Lotta Love“ ihnen, Stonefield, in einer Neuaufnahme, glaubt man dem Hörensagen, erste größere Bekanntschaft eingebracht habe, und vergleichbaren Künstlern. Es ist daher kaum erstaunlich, dass auch auf „BENT“ vor allem der Musik aus älterer Zeit gehuldigt wird.

   „Wie eine Mischung aus 80er-Pop und okkultem Doom“ lautete eine Beschreibung eines Rezensenten im Internet. Ich habe keine Ahnung, was okkulter Doom ist, aber 80er-Pop klingt hier zum Glück nur in Erinnerungen durch. Stonefield, sich selbst unter anderem mit „Heavy Metal“ etikettierend, spielen in meinen Ohren, die selbstredend die einzig maßgeblichen sind, vor allem Stoner Rock, allerdings in der melodiösen Retrorock‑, nicht in der Bretterspielart. Nicht, dass sie das nicht könnten, wie schon die Eruption in „Dead Alive“ deutlich belegt; aber sie müssen nicht. Selten war heuriger 70er-Orgelrock besser eingebunden, selten empfahl ich ein Album dieser Kategorie lieber.

   Reinhören: Erneut gibt es einen Komplettstream auf Amazon.de, Bandcamp und TIDAL.

3. black midi – Schlagenheim
   „They find different ways to suck themselves off.“ (bmbmbm)

   Darf man Dinge gut finden, die die meisten anderen Hörer auch gut finden? Ich finde: In diesem Fall sollte man das sogar, denn es ärgert die Richtigen. Ich mag es, wenn die Richtigen geärgert werden.

   black midi, eine Gruppe von vier Londonern, die jeweils ungefähr 19 Jahre alt sind, haben mit „Schlagenheim“ „im Jahr 2019 nach Christus“ („ZEIT ONLINE“) ein Album veröffentlicht, das auch langweiligen Kritikern („ZEIT ONLINE“) gefällt. Der einzige Verriss, den ich während meiner (wenn auch: kurzen) Presseschau finden konnte, wurde von Daniela Weinmann, Liedautorin der mir unbekannten Gruppe Odd Beholder, in die Schweizer „WOZ“ reingeschrieben:

   So wie Rammstein keine Nazis sein mögen, sind Black Midi wahrscheinlich keine Incels, also keine misogynen Nerds, die sich das Patriarchat zurückwünschen. Dennoch könnten sie von den problematischen Frauenbildern in ihren Lyrics finanziell profitieren.

   Ich für meinen Teil profitiere von problematischen Rezensionen, denn sie legen mir mitunter gute Musik nahe. „Schlagenheim“ ist ein gutes Beispiel dafür.

   Das auffallendste Element der Musik von black midi scheinen Stimme und Akzent des Sängers Geordie Greep zu sein. Musikalisch ist die Bandbreite eine vergleichsweise große: so ist etwa „953“ ein Stück aus explosivem Noiserock, durchsät von klanglichem Widerhaken; das funkig-ruhige „Speedway“ folgt einem crimsonesquen Gitarrengrundmuster (man ziehe sich zum Vergleich etwa letztgenannter Gruppe 80er-Werk rein); das Titelstück „Of Schlagenheim“ wiederum lässt den Industrial wieder aufleben. Selbst „bmbmbm“, das um Audioaufnahmen der hysterischen Nikki Grahame („Big Brother“) herum gesponnen wurde, ist mit dem expressiven, sich ins ebenso Irre steigernden Gesang und den gut abgestimmten Instrumentalausbrüchen mehr als eine bloße Provokation.

   Mit „Ducter“ endet „Schlagenheim“ mit nervöser 80er-Elektronik und damit genau so, wie man es nicht erwartet hätte. Grandios!

   Reinhören: Bandcamp.com hier, TIDAL dort.

4. MindSpeak – Eclipse Chaser

   Erneut wechseln wir Land und Stil.

   MindSpeak haben eine blöde Binnenmajuskel, kommen aus Wien und ihr aktuelles Album „Eclipse Chaser“ lügt mich an. Die drei Stücke heißen „When Giants Cry“, „Tetrachrome“ und „The Human Element“ (wobei letzteres Stück sechs Teile zu haben vorgibt) und auch das Album hat einen eher astronomischen Titel, aber es ist gar kein Spacerock. Tz, Österreicher!

   Stattdessen höre ich Stoner Rock und Retroprog, zum Teil sogar gleichzeitig, wobei von zweiterem Stil insbesondere der prägende Bass adaptiert wurde. Moment: Drei Stücke? Ja, und lang sind sie auch noch! Wieder so ein Album also, das eher nicht im Radio gespielt werden wird. Woran man das erkenne, wurde ich gefragt – und die Länge mag ein Argument sein. Da passt ja gar keine Werbung rein. Fast zwanzig Minuten lang passiert allerdings auf „Eclipse Chaser“ nicht viel, in der zweiten Hälfte des zweiten Stücks „Tetrachrome“ geht es erstmals, jedenfalls instrumental, zur Sache.

   Sängerin Viktoria Simon-Lukic – wie man in Wien halt so heißt – macht ihre Sache insgesamt gut; sie ist mit persönlich stellenweise etwas zu glatt und wenig kraftvoll, überzeugt aber auch mal mit überraschenden Melodien, was sich also insgesamt die Waage hält.

   Man merkt: Ich bin nicht übermäßig begeistert – aber ich halte „Eclipse Chaser“ noch immer für eines der hörenswerteren Alben des zweiten Halbjahrs. (Es erschien bereits im Juni, aber wir wollen ja nicht immer nur kleinlich sein.) Es möge auch unter meinen Lesern Menschen erreichen, die es nicht für wegwerfenswert halten.

   Reinhören: Amazon.de (Schnipsel), Bandcamp (Komplettstream), TIDAL (auch).

5. Brighteye Brison – V

   Schon wieder so ein Format! Das Wichtigste zuerst: Auf „V“ von Brighteye Brison aus Stockholm, was man auch hört, sind schon wieder nur drei Stücke drauf, deren Länge jeweils zwischen zwölfeinhalb und fast 37 (siebenunddreißig!) Minuten liegt. So muss das sein!

   Die ersten zweieinhalb Minuten des Albums weisen wabernde Elektronik auf, wie sie später an anderen Stellen, etwa in der Mitte des Titelstücks „V“, immer mal wieder zu hören sein wird. Der Teil danach aber hat es in sich: Zunächst zurückhaltend, dann druckvoller ertönt eine deutliche Erinnerung an Starcastle (beziehungsweise, weil diese selbst eine Art US-amerikanische Yes waren, Yes). Die besseren Siebziger sind bei Brighteye Brison ständig zugegen.

   Darum wird ab dem zweiten Stück „V“ per akustischer Sänfte auch ein Mellotron in die mellotronentwöhnten Ohren getragen. Mehr noch: Dasselbe Stück lässt bei ansteigender Abspieldauer auch den Gesang, parallel laufend, mehrstimmig erklingen, was nebenbei Gentle Giant anklingen lässt, weil wir Menschen einfach gestrickte Wesen sind und mit nicht chorartiger Mehrstimmigkeit immer Gentle Giant verbinden. Es passt eben auch ganz gut ins bis dahin Gehörte.

   Das abschließende Stück, „The Magician Chronicles – Part II“, scheint schon aufgrund seiner Länge ein strukturell wichtiges zu sein, zumal es der Untertitel des Albums ist. Leider kenne ich Teil 1 von 2011, das wohl ein ganzes Album war, bisher nicht, es soll aber ganz gut gewesen sein. Es befindet sich mancher AOR in ihm, allerdings wenigstens der bessere AOR (ich denke an Circa:), auch scheint hier und da der Canterbury Sound durch.

   Im Internet wird dem Album eine eher durchschnittliche Bewertung zuteil: Es sei „mitunter zu austauschbar und beliebig“, was sicherlich auch daran liegt, dass man in der gegebenen Stilrichtung nur bedingt neue Wege beschreiten kann, ohne am Ende am völlig falschen Ort zu landen. Zum Glück bin ich nicht das Internet und vergebe auch keine Punkte. Mir gefällt’s. So.

   Reinhören: Stream und Kauf (leider nur als Download und/oder CD) gibt es per Bandcamp und Amazon.de, das übliche Nur-Streaming-Gedöns natürlich wie üblich auch auf TIDAL.

6. Oiseaux-Tempête – From Somewhere Invisible

   Aufmerksame wiederkehrende Leser vermissen an dieser Stelle womöglich bereits eine dieser skurrilen französischen Musikgruppen, die ich sonst relativ wortgewaltig würdige. Haben sie etwa seit der letzten Rückschau kaum etwas veröffentlicht, was der Rede wert wäre? Doch, natürlich haben sie das – und hier kommt auch schon eine solche!

   Oiseaux-Tempête nämlich, man kann es am Namen erkennen, ist ein Quintett (das nicht) aus Frankreich (das schon). Das nächste Album ist bereits angekündigt worden, es soll im Februar 2020 erscheinen. Heute ist aber erst mal „From Somewhere Invisible“ von Oktober 2019 dran. Einer der beiden Gitarristen von Oiseaux-Tempête nennt sich Mondkopf. Ich mag das.

   Zu den fünf Mitgliedern gesellen sich eine Violinistin und ein Bediener von Synthesizer sowie elektronischem Buzuk als Gäste. Da ich keine Ahnung habe, wie ein elektronischer Buzuk zu klingen hat, finde ich das Album bereits beim Lesen der Besetzungsliste interessant. Und höre da: Ich ward nicht enttäuscht. Ich höre irgendwas zwischen Kammermusik und Postrock. Nick Cave trifft broken.heart.collector trifft die wilden Gitarrenausbrüche der neueren King Crimson. „The Naming of a Crow“ ist gesprochener Text zu Streichmusik, ab etwa sieben Minuten kommt ein orientalisches flair hinzu.

   Für Freunde des Widerklangs ist „From Somewhere Invisible“ eines der besten Alben des Jahres – und für diejenigen, die meinen Geschmack teilen, sowieso.

   Reinhören und/oder kaufen: Natürlich geht das auf Bandcamp, aber auch auf Amazon.de und TIDAL.

7. Glutton – Eating Music
   „So I watch you from afar, but I don’t mind a second time.“ (Pinhole)

   „Eating Music“ ist ein hektisches Album und das finde ich gut. Seine Interpreten von Glutton nebst sieben bis acht Gastmusikern (je nachdem, ob man den abgetretenen Keyboarder Åsmund R. Sæbøe nun noch als Mitglied zählt oder nicht), von denen wenigstens einer, der Streicher Kari Rønnekleiv, als Orchestermusiker auch bereits mit Sunn O))), Ulver und Motorpsycho gemeinsam musiziert hat, sind in Norwegen heimisch, wo man sich erfahrungsgemäß auskennt mit der Kunst, Gutes hervorzubringen.

   „Eating Music“, „eine klare Empfehlung für Liebhaber eines Alternative-orientierten Prog mit Ecken und Kanten“ (Jochen Rindfrey), sortiere ich musikalisch zwischen Umphrey’s McGee, Ulver und (schon wieder) King Crimson ein, aber ich habe auch weder Geschmack noch Ahnung, wie mir gelegentlich mitgeteilt wird, weshalb das erst mal als Richtschnur untauglich ist. Man erlaube mir zwei der neun Stücke beispielhaft herauszugreifen:

   „The Tomb of the Unknown Ontonaut“ ist eines der drei Stücke, in denen die vier Gastbläser an Waldhorn, Posaune, Euphonium und Trompete ebenso auftreten wie Trond Gjellum an Perkussion und Synthesizer. Diese für Rockmusik eher ungewöhnliche Besetzung sorgt nicht nur für schöne Melodien, sondern auch dafür, dass man noch genauer hinhört als ohnehin schon. So kann man das prima Zusammenspiel von mehrstimmigem Gesang, Progressive Rock und Bläsern noch aufmerksamer genießen. Dem entgegen steht das abschließende „Space & Our Hearts“: Zum wiederholten, aber letzten Mal wird die musikalische Atmosphäre mit immer mehr Schichten verdichtet, freiformatig wuseln allerlei Instrumente, wohl überwiegend aus Synthesizern und/oder Keyboards gewonnen, unter einer Rockklimax. Das Album klingt sanft aus wie eine Welle bei Ebbe und man würde es gern sofort noch mal hören, aber es gibt noch so viele andere Alben. Mache ich also später.

   So lange könnt ihr das ja für mich übernehmen.

   Reinhören: Ich hätte Amazon.de, Bandcamp und TIDAL im Angebot. Greift zu!

8. Sleater-Kinney – The Center Won’t Hold

   Bei Sleater-Kinney handelt es sich um eine dieser Gruppen, die mir zum ersten Mal medial aufgefallen sind, als die Schlagzeugerin ihren Ausstieg bekanntgab, was von einem hier nicht weiter erwähnenswerten Musikmagazin unnötig umständlich weitergetragen wurde. Auf „The Center Won’t Hold“ ist sie aber noch dabei, so dass es sich hier um ein Damentrio mit zwei Gitarren und einem Schlagzeug handelt.

   Das hier Gehörte klingt britisch, kommt aber zusammen mit der Band aus Olympia, Washington. Man kennt ja diese Musik, bei der man zunächst denkt: Ah, britischer Punk! Ist das hier aber nicht. Wobei: Eigentlich ist es nicht mal wirklich Punk, sondern nur etwas ähnliches. Etwas besseres, wie ich meine.

   Es dauert etwas über zwei Minuten, bevor Sleater-Kinney im eröffnenden Titelstück die interessant schleppende Elektronik, mit der sie das Album einleiten, durch krachenden, elektronisch verzierten Indierock mit deutlicher Punkschlagseite ersetzen, den sie erfreulich konsequent durchhalten, was nicht mal das balladesque „Restless“ zunichte machen kann. Dass das stilbedingt einen etwas einfallslosen Schlagzeugrhythmus mit sich bringt, fällt nur auf, wenn man darauf achtet, und selbst dann nur in wenigen Momenten. Überwiegend ist aber nichts zu hören außer nach vorn preschender Spaß machender Musik von überzeugt Spielfreude vermittelnden Musikerinnen. Ich heiße das gut.

   Mit dem ruhigen Klavierstück „Broken“, dessen zerbrechlicher Gesang selbst einem abgehärteten alten Sack wie mir eine angenehme Gänsehaut verpasst, klingt „The Center Won’t Hold“ schließlich aus. Ein Narr, wen das kalt lässt.

   Reinhören: TIDAL, (zurzeit auszugsweise, Stand: 29. Dezember 2019) Bandcamp, häppchenhaft auch Amazon.de.

9. Yellow Eyes – Rare Field Ceiling

   Noch mehr auf die Pauke hauen Yellow Eyes aus New York, deren fünftes Album „Rare Field Ceiling“, erschienen im Juni 2019, gemäß dem Pressetext ihr bislang kältestes sei. Ich hatte Black Metal bisher nicht mit emotionaler Hitze in Verbindung gebracht, insofern kann das durchaus sein.

   Das Album klingt nun auch genau so, wie wir Banausen uns Black Metal eben so vorstellen: Rohe Herren wirbeln, kloppen und scheppern sich durch die Musik, dazu brüllt jemand heiser eigentlich völlig bekloppte, aber kaum verständliche und darum nicht so schlimme Texte; „The glint above the swollen tree / The shrimp inside the pillowcase“ („No Dust“) – na dann!

   Und das Ärgerlichste an diesem Album: Es gefällt mir. Es tut genau das, was diese Musikrichtung tun soll: Es geht gut ab. Dass das Internet behauptet, Yellow Eyes seien auch handwerklich überdurchschnittlich gut, sei dem Internet vergönnt. Sicher: Ein paar Finessen nehme ich in der Klangwucht selbst wahr, etwa den durchaus gelungenen Übergang zwischen „Warmth Trance Reversal“ und „No Dust“ und den Spannungsaufbau in den Momenten, in denen man die gar nicht immer belanglosen Gitarrenmelodien selbst wahrnehmen darf. Fünf der sechs Stücke, das den Stil brechende, weil zäh dahinfließende outro „Maritime Flare“ ausgenommen, sind über sieben Minuten lang, es bleibt somit hinreichend viel Zeit zum Genuss.

   Aber muss man Musik denn immer mit einem Monokel im Gesicht und einem Cognac im Glas genießen? „Rare Field Ceiling“ schreit nach Sitztanz mit Dosenbier. Mal sehen, was sich machen lässt.

   Reinhören: Bandcamp, TIDAL, Amazon.de.

10. We Lost The Sea – Triumph & Disaster

    Was dieser Liste noch dringend fehlt, ist eine ordentliche Dosis instrumentalen Postrocks. Da kommen We Lost The Sea gerade recht, die in meinen Ausführungen bisher, sofern ich das richtig archiviert habe, nur als Montagsmusik eine auffallende Rolle spielten.

    Es handelt sich um ein australisches Sextett mit drei Gitarren, das ich 2017 auch schon mal – damals gemeinsam mit seinen Landsleuten von Dumbsaint und Meniscus – live gesehen habe, das aber von der brachialen Wucht letzterer Gruppe schlicht weggeblasen wurde. Da ich Meniscus aber mal wieder aus den Augen verloren habe, kommen We Lost The Sea mir dieses Jahr durchaus gelegen.

    Präsentiert werden weitgehend kantenarme Gitarrenlandschaften, wobei die aufgetürmten walls of sound im stilüblichen Spiel von Laut und Leise hier kaum eine Rolle spielen. We Lost The Sea versuchen es stattdessen mit ausgedehnten Melodieverschrankungen – das längste Stück „Towers“ ist eine Viertelstunde lang – und nur selten („Dust“) elektronischer Effektwürze. Etwas aus dem Rahmen fällt das abschließende „Mother’s Hymn“, getextet und gesungen von Louise Nutting (Wartime Sweethearts), dessen Emotionalität mit der dichten Instrumentierung, Trompete eingeschlossen, vorzüglich harmoniert. „Are we really too late?“ Nein, seid ihr nicht – ihr seid im perfekten Moment genau am richtigen Ort.

    Danke dafür.

    Reinhören: Noch mal Bandcamp, noch mal TIDAL, noch mal Amazon.de.

11. kokomo – Totem Youth

    Ich weigere mich, dieser Art von Musik ein schlichtes Etikett zu verpassen. Am Ende käme da wieder nur so ein langweiliges Wort wie „Postrock“ heraus und das hatten wir ja gerade erst.

    Nein, dem Duisburger Quintett kokomo – auf gar keinen Fall zu verwechseln mit der britischen Soulgruppe gleichen Namens – wohnt eine Energie inne, die zu beschreiben mir schwer fällt. Im Schatten gigantischer Gitarrenwände bauen sie bereits im eröffnenden „Sterben am Fluss“ ein polterndes Belagerungsinstrumentarium auf, das jedes Bauwerk mit Wänden beliebiger Dicke erschauern ließe, wenn Bauwerke erschauern könnten. Texte gibt es abseits von „Melodic Rock Night“ nicht, aber Texte schreibe ich selbst schon genug. Obwohl: Sind das Schreie, die in „Narcosis“ in der Ferne zu hören sind, oder haben sie einen Text? Ich weiß es nicht und es kümmert mich auch nicht. Schade, dass ausgerechnet das Stück „Der Vogelmann“ auch keinen Text hat. Wie auch immer: Ich lasse mich vom Gitarrenarpeggio tragen und weiß noch nicht, wo ich landen werde. Gänsehaut bis nach Paris. Soll schön sein dort.

    Dass die fünf Herren es trotz mancher Erfahrung mit Vergleichbarem immer wieder schaffen, dem Rezensenten eine kurze Entspannung zu gönnen, indem sie sich an sanften Melodien versuchen, bevor die perfekte Welle krachend die noch junge Landschaft unter sich begräbt, überrascht positiv. „Totem Youth“ ist bereits das fünfte eigene Studioalbum der Gruppe und es hat trotzdem immer noch Feuer. Ein Jammer, so spät erst auf sie aufmerksam geworden zu sein!

    Ein Auge bleibt darum auf sie geworfen. Bis dahin sind sie auch hier etwas fürs Ohr.

    Reinhören: Na? Richtig: Bandcamp, TIDAL, Amazon.de!

12. NAP – Ausgeklingt
    „Was kommt nun?“ (Ausgeklingt)

    Machen wir noch was lustiges, hören wir Musik aus Oldenburg!

    Dort haust das Trio NAP, dessen zweites Album „Ausgeklingt“ ein Wortspiel im Namen trägt und mir schon darum gefällt. Es klingt aber nicht aus, sondern an, und zwar stilvoll. Das eröffnende „Astrojelly“ etwa, mit nicht mal vier Minuten Länge nach meinem Dafürhalten etwas zu kurz geraten, ist ein schönes Stück Weltraumpsychedelic (instrumental). Wer den Fehler macht, das für den vorherrschenden Stil auf diesem Album zu halten, der ist selbst schuld.

    Das folgende „Voigo“ enthält landesüblich belanglos vorgetragenen Gesang, dazu ertönt ein immer noch recht psychedelisch dargebotener Hardrock der alten Schule, bretternde Riffs inklusive. Bei diesem Stil wiederum bleibt die Band mal mit, mal ohne Gesang noch für einige Stücke. Beim Sitzen wird unterdessen eines der beiden Tanzbeine geschwungen, so verlangt es der Rhythmus.

    „Amygdala“, das vorletzte Stück, bringt etwas Bluesrock (der mich, zugegeben, gegen Ende an die Titelmusik von „ALF“ erinnert) in das inzwischen deutlich stonernde Album, bevor dieses mit „Treibsand“ angemessen riffend, nun ja, ausklingt. Interessante Scheibe also.

    Reinhören: Warum nicht mal Bandcamp, TIDAL oder Amazon.de?

13. 65daysofstatic – replicr, 2019

    Es gab zuvor kein Album namens „replicr“ von 65daysofstatic und vielleicht wird es auch später kein Album namens „replicr“ von 65daysofstatic geben. Tatsächlich heißt dieses Album – ihr siebtes Studioalbum – von 65daysofstatic trotzdem „replicr, 2019“. Vielleicht beschreibt das das englische Quartett bereits ganz gut.

    Für den Rest meiner Leser verliere ich noch ein paar weitere Worte: „replicr, 2019“ enthält Stücke namens „stillstellung“, „interference_1“, aber auch „[]lid“ und „gr[]v‑_s“. Wer jetzt aufgrund der merkwürdigen Titelschreibung an die neulich vorübergegangene, aber meiner Meinung nach auch künftig schwer zu übertreffende Serie „Mr. Robot“ denkt, irrt, denn das ist Zufall.

    Ein wenig Interesse an Elektronik setzen 65daysofstatic bei ihren Hörern aber trotzdem voraus, denn auf „replicr, 2019“ servieren sie fast eine Dreiviertelstunde lang mal stampfendes („Bad Age“), mal sanft malendes („sister“), mal den Klängen einer Fabrik huldigendes („gr[]v‑_s“), aber immer die Grenze zum Postrock berührendes oder auch überschreitendes Instrumentalspiel, womit sie sich seit 2009 genau richtig geändert haben, nämlich: kaum. Postrock ist immer auch ein Spiel dessen, was bleibt. 65daysofstatic bleiben, ihr Stil bleibt, darum bleibe auch ich.

    Man begleite mich.

    Reinhören: Kein Bandcamp, dafür TIDAL und Amazon.de.

    Huch, so spät schon? Jetzt aber schnell!

14. Russian Circles – Blood Year

    Wie immer bringen Russian Circles ihre ganz eigene Melange aus Postrock und Industrial hervor – und immer ist das Ergebnis großartig. Amazon.de.

15. Earth Moves – Human Intricacy

    Noch ein bisschen Schreimusik gefällig? Hier, bitteschön! Amazon.de.

16. Enablers – Zones

    Mit Ausnahme des gut abgehenden „Squint“ haben Enablers hier etwas aufgenommen, was eine Art Slint-Postrock mit Nick-Cave-esquen vocals ist und mich restlos überzeugt. Bandcamp.

17. Ride – This Is Not A Safe Place

    New Wave trifft auf Postpunk trifft voll auf meinen Geschmack – herrlich. Amazon.de.

18. Cosmic Ground – cosmic ground 5

    „cosmic ground 5“ klingt, als spielten die mittleren Pink Floyd in einer futuristischen Wüstenlandschaft einen von Kraftwerk beeinflussten, instrumentalen Nachfolger von „Meddle“ ein; einen sehr guten, ohne Zweifel. Bandcamp.

19. Soulsplitter – Salutogenesis

    Nach einer an Jazz angelehnten Einführung („The Prophecy“) erfreut das deutsche Quartett mit vielen Gastmusikern meine sonst gelegentlich gequälten Ohren mit sinfonischem Retro-Prog/-Metal, der das weite Feld zwischen echolyn und Dream Theater nicht unbestellt lässt, wobei Sängerin Ophelia T. Sullivan mich in ihrem kontrastbildenden Vortrag mal wieder Toc.Sin vermissen lässt – aber der Lauf der Dinge ist bekanntlich ein zynischer. Bandcamp.

20. CHORD – CHORD II

    Die beiden Gitarristen Nick Didkovsky (unter anderem Doctor Nerve) und Tom Marsan bringen auf dem zweiten gemeinsamen Album live, also ohne Nachbearbeitungen, aufgenommene Instrumentalgewitter hervor, die jeder erkennbaren Struktur – von wegen Takte! – stolz trotzen und fast eine Dreiviertelstunde lang mit ordentlich Feedback ein aurales Feuerwerk nach dem nächsten zünden. Bandcamp.

21. Lingua Nada – Djinn

    „Djinn“ klingt, als würden Primus versuchen, ein Jazzrockalbum aufzunehmen – herrlich durcheinander, großartig verspielt, erschreckend tanzbar, einfach gut. Bandcamp.

22. Bad Breeding – Exiled

    Vielerorts sind die Siebziger mitsamt ihrem Schrammelpunkrock längst vorüber, nicht so aber in ihrem Ursprungsland Großbritannien, von wo aus die Anarchopunkband Bad Breeding 2019 mit „Exiled“ eine beruhigende Note in die Sorge setzte, es fehle der Musik heutzutage an Rebellion und Wut. Bandcamp.

2. Was war

• Vor vierzig Jahren lief in Deutschland neben Punk und Disco auch noch die elektronische („kosmische“) Musik, wenn auch: langsam aus. Es war daher viel Platz in Studios und vor allem Terminkalendern, um auch ausländische Künstler einzuladen. Die US-amerikanische Gruppe Earthstar nutzte diese Gelegenheit und ließ sich von Klaus Schulze mit French Skyline das erste von drei Alben im hiesigen Inland produzieren, das gar nicht klingt, als hätte man mit dem Krautrock schon örtlich bedingt gar nichts zu tun. Wenige Jahre später und wieder zurück in den Vereinigten Staaten löste sich die Band wieder auf. Einen Zusammenhang könnte man herbeidenken, aber das lasse ich ausnahmsweise bleiben. Zurück bleiben eines der ungewöhnlicheren Alben aus der Welt der krautigen Klanglandschaften und eine viel zu späte Empfehlung meinerseits.
• Vor dreißig Jahren widmete Lou Reed seinen Alben über langweilige Städte (Berlin), langweilige Frauen (Sally Can’t Dance) und langweilige Geräuschverursacher (The Bells) mit New York endlich der einen Stadt ein Album, mit der man ihn so eng verband wie Die Ärzte mit Berlin oder graue Betonklötze mit Hannover. Es wurde später als „eines der besten Alben der 80er“ bewertet, was für sich genommen noch keine ungefähre Qualitätsangabe darstellt, enthält aber mit „Dirty Blvd.“ und „Romeo Had Juliette“ zwei derjenigen Lieder im Solowerk des Künstlers, deren ungefähren Klang man nicht gleich wieder vergisst. Müsste ich nur ein Album von Lou Reed empfehlen, so schlösse ich nicht aus, dass ich dieses hier als eine Empfehlung in Erwägung zöge. Moe Tucker ist in zwei Stücken als Perkussionistin zu hören. Aus dem Erfolg dieses Albums speiste sich dem Vernehmen nach die Reunion der Velvet Underground in den Neunzigern, und mindestens dafür gebührt ihm meine Würdigung.
• Vor zwanzig Jahren endete eine Ära: Das letzte Album von Popol Vuh, Messa di Orfeo, erschien. Zwei Jahre später starb ihr Gründer Florian Fricke und die Band löste sich auf. Bis dahin, so auch auf diesem letzten Album, war unter ihrem Namen oft esoterische, mitunter religiöse, immer entspannte Musik erschienen, die den LSD-Konsum ihrer frühen musikalischen Wegbegleiter noch jahrzehntelang erahnen ließ. Dass es trotzdem immer den richtigen Moment geben wird, um diese Art von Musik zu genießen, möge bitte niemals ein Zustand sein, der zu hinterfragen ist.
• Vor zehn Jahren – und hier möchte ich den Kreis schließen – hatte ich gerade seit einem Jahr angefangen, Listen dieser Art zu führen – und meine Ausführungen von Juni und Dezember 2009 sind, wie ich an dieser Stelle schreiben zu dürfen meine, im Jahr 2019 noch immer aktuell. Von Olli Schulz kenne ich übrigens noch immer nichts. Wahrscheinlich ist das auch gut so.

3. Schlussworte

Ich schließe nicht aus, dass dies das letzte Mal gewesen sein wird, dass ich der Jahresrückschau einen Ritt durch die Geschichte angefügt habe. Mir ist aufgefallen, dass man über musikalische Jahrzehnte nur bedingt viele verschiedene Aussagen treffen kann. Die Quelle der Ideen, aus der ich schöpfen kann, versiegt diesbezüglich in merklicher Geschwindigkeit. Insofern werde ich künftig immerhin noch mehr Zeit finden, um viel zu spät mit dem Schreiben dieser Listen zu beginnen.

Wie meist hoffe ich, meine Ausführungen waren auch diesmal wieder wenigstens für einige der hier Eingetroffenen erhellend. Ergänzungen bitte ich wie üblich per Kommentarfunktion zu hinterlassen. Ich bedanke mich für die Aufmerksamkeit und grüße energisch.

In etwa einem halben Jahr geht es an gewohnter Stelle weiter. Es möge ein beachtliches Musikjahr 2020 werden!

‘Musik 06/2019 – Favoriten und Analyse’ weiterlesen »]]> Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Das erste halbe Jahr 2019 ist vorbei – schon jetzt bietet sich daher eine Gelegenheit, ein paar Worte über die passabelsten Musikalben des Jahres zu verlieren. Wie üblich erhebe ich keinen Anspruch darauf, eine vollständige Liste vorzulegen, zumal noch – zum Zeitpunkt des Verfassens dieses Absatzes – ein halbes Jahr vor uns liegt. Natürlich war ich wie meist ungeduldig und habe bereits die diesjährigen Studioalben von Mono, The Claypool Lennon Delirium und Sunn O))) kurz bewertet, weshalb sie hier nicht mehr auftauchen.

Die anderen Musikwerke dieses ersten halben Jahres sind aber auch nicht unbedingt schlecht. Das wären diese hier:

1. Ithaca – The Language of Injury
   „I’m not here to make friends.“ (Youth vs. Wisdom)

   Zur Einstimmung auf das, was folgt, beginne ich diesmal mit etwas Metal- und Mathcoremusik. Das aus London stammende Quintett Ithaca, dem Brexit trotzend, überzog Europa 2019 mit ihrem ersten eigentlichen Studioalbum „The Language of Injury“, nachdem sie mit einigen kürzeren Veröffentlichungen schon mal einen Vorgeschmack gewährt hatten. Die hier enthaltenen Stücke sind recht kurz, aber das ist nicht schlimm.

   „The Language of Injury“ erreichte die Märkte im Februar, also bei eher unschönen Temperaturen, aber die enthaltene Musik hält hinreichend warm. Djamila Azzouz, die eine Frau ist, aber gar nicht so klingt, schraubt ihre Schreistimme in aberwitzige Intensität hinein, während Schlagzeuger James Lewis seine Bandkollegen (zweimal Gitarre, einmal Bass) maschinengewehrartig zur Höchstleistung an. Nach der Aufnahme von „The Language of Injury“ wurde Bassist Drew Haycock allerdings ersetzt, was ich bedaure, denn sein Spiel auf diesem Album sagt mir zu. „The Language of Injury“ wird im Internet als „chaotisch und aggressiv“ beschrieben, was nur die halbe Wahrheit ist.

   Den taktversetzten, gitarrenbretternden Growlingattacken nämlich stehen Momente wie das instrumentale „(No Translation)“ oder auch Teile des Titelstücks entgegen, in denen es geradezu sphärisch und sanft zugeht. Das verdeckt allerdings – zum Glück – nicht, dass die herausgeschriene Einsamkeit die Essenz ist, die dieses Album bildet. Jedem, dem auch manchmal zum Schreien zumute ist, ist es sicherlich ein Genuss; mir zum Beispiel.

   Ein Banause ist, wer noch sitzen bleibt.

   Reinhören: Stream und Kauf gibt es auf Amazon.de und Bandcamp.

2. Juleah – Desert Skies
   „High on junk, that’s what we are.“ (Analogue)

   Den Regelmäßigen meiner Leser ist die oft sonnenbebrillte Österreicherin Juleah eine alte Bekannte: Nicht nur war „Strawberry Shake“ von ihrem aktuellen Album „Desert Skies“ im Februar 2019 wie schon 2015 ihr Lied „Beautiful for you“ zur Montagsmusik avanciert, auch ihr Album „Melt Inside The Sun“ endete bereits auf einer meiner Jahreslisten.

   Vielleicht kann man etwas daraus folgern, dass auch „Desert Skies“ hier in dieser Liste auftaucht, mindestens jedoch, dass es Musiker zu geben scheint, die einen Qualitätsverlust ablehnen. Alles, was Juleah dafür tun musste, war es, so zu bleiben, wie sie war. „Desert Skies“ ist ein Album voller Psychedelic Rock. Der „Falter“ nannte es „Dreampop“ und ich mag immer noch keine Genrenamen. Das Album ist ungefähr 39 Minuten lang, kommt mir aber kürzer vor.

   Natürlich dominiert die Gitarre dieses Album, wie sich das für anständige Rockmusik eben gehört, aber die Multiinstrumentalistin streut auch gern mal andere Töne, etwa die einer Orgel („Catch-22“), ein, was zu einem Gesamtsound führt, der zeitgenössische Rezensenten zu der Bemerkung veranlasste, The Brian Jonestown Massacre habe hier offenbar seine Spuren hinterlassen. Auch Bluesrock, insbesondere über den herrlichen Bass, und Folk werden gekonnt eingeflochten. Auch die Stimme, vielschichtig hallend gemischt und ein bisschen frech klingend, enttäuscht noch immer nicht. Sie habe Gesangsunterricht genommen, erzählte sie in einem Interview anlässlich der Veröffentlichung von „Desert Skies“. Zum Glück singt Juleah weiterhin auf Englisch. Österreichisch wäre doch wirklich eine Verschwendung.

   Reinhören: Man könnte sich das Video zu „Strawberry Shake“ reinziehen; und sich dann, natürlich das ganze Album gönnen, etwa auf Amazon.de oder Bandcamp.

3. Cabinets of Curiosity – The Chaos Game

   Bei Cabinets of Curiosity handle es sich, las ich soeben, um die „bekannteste Progband in Bordentown, New Jersey“. Den Wahrheitsgehalt dieser Aussage kann ich nicht objektiv beurteilen, subjektiv ist es zumindest zutreffend, dass mir gerade keine andere Progressive-Rock-Band bekannt ist, die sich in Bordentown, New Jersey, befindet. Für die Beurteilung als „Progband“ gibt es aber Anhaltspunkte: Sängerin Nat Hornyak nahm um den Jahreswechsel von 2018 auf 2019 herum an einem dieser Wettbewerbe auf Twitter teil, indem sie ein paar Musikalben nannte, die ihr etwas bedeuten. Darunter konnte der interessierte Leser auch etwas von Genesis, Jethro Tull und Yes – und keineswegs die schlechtesten ihrer Alben – finden. Sängerinnen setzen sich oft durch, ich verbuche das also als gutes Zeichen.

   „The Chaos Game“ ist dabei das Debüt-Vollzeitalbum von Cabinets of Curiosity. Dem Internet ist ein/eine unbetitelte EP von Mai 2016 bekannt, seitdem wurde in der siebenköpfigen Besetzung lediglich der Keyboarder ausgetauscht. Eine gewisse Reife im Zusammenspiel der Band ist also anzunehmen.

   Und die ist tatsächlich gegeben: Nach „Death, She Walks On“, einer Art A‑Cappella-Gesang der Sängerin mit sich selbst (bekannt geworden durch den „Prophet’s Song“ von Queen) exerziert die Band den Canterbury durch. Dabei ist „Angular Sterility“ eigentlich bloß Jazzrock mit abgedrehtem Gesang, der allerdings in einen gut gefüllten Eimer Beardfish und, der Flöte von Kristina Bacich sei’s gedankt, Camel getaucht wurde. Beim Gesang kommen mir zumeist die Stolen Babies in den Sinn, was auch eine Art Qualitätsmerkmal ist. „Fractals & Coastlines“, über 12 Minuten lang, ist eine Art Suite, deren einzelne Teile jedoch nicht ineinander übergehen, sondern nur – etwas einfallslos – hintereinander hängen. Zu hören sind Gentle Giant, Hatfield & the North und, vermutlich vor allem dank der mir mit jeder Minute etwas besser gefallenden Sängerin, Thinking Plague, bevor das Stück abermals mit gemalten Camel-Landschaften ausklingt. Etwas aus dem Rahmen des übrigen Albums fällt „In A Day“, das ein Solostück von Nat Hornyak an Klavier und Mikrofon zu sein scheint, obwohl es mehrere Gesangsspuren gibt. Ich denke an Tina Turner und bin nicht unzufrieden damit.

   Es gibt einen companion zu „The Chaos Game“, in dem Texte und eine Art Konzept drinstehen. Auf schnellen Erfolg haben sie es nicht unbedingt abgesehen. Das Album lebt von der Kombination aus der eindrucksvollen Stimme von Nat Hornyak und dem verspielten Jazzrock ihrer Mitmusiker, ungeachtet des Umstandes, dass das Wort „Mitmusiker“ niemals verwendet werden sollte.

   Das Ziel von Cabinets of Curiosity, las ich, sei es, das Zeitalter des klassischen Progs wieder zum Leben zu erwecken. (Wie tötet man eigentlich Zeitalter?) Das Ziel haben sie nicht verfehlt.

   Reinhören: Bandcamp.com scheint die bevorzugte Anlaufstelle zu sein, auf Amazon.de gibt es wenigstens einen Download und die üblichen Hörschnipsel.

4. ni – Pantophobie

   Im Dezember 2018 befand ich „Bran Coucou“, das anscheinend bisher einzige Album von PinioL, für angenehm verrückt. PinioL ist ein Zusammenschluss von PoiL und ni, von letzterer Band gab es bisher nur ein einziges eigenes Studioalbum.

   Dies ist ihr zweites.

   Es wird unter anderem als RIO und Jazzcore beworben, was nach „Bran Coucou“ recht nahe liegt und Assoziationen mit King Crimson weckt. In der Tat beginnt das erste der neun Titel, „Héliophobie“, so instrumental und zerrissen, wie es auch die ProjeKcts aufzunehmen imstande waren. Pantophobie ist die Angst vor allen Dingen, dass alle neun bis elf – der erste („Phonophobie“) und der letzte („Apéirophobie“) Titel scheinen in der Bandcampvariante nicht vorhanden zu sein – Stücke eine Phobie benennen, ist daher nur konsequent. Nach etwa vier Minuten gibt es erstmals geschriene Vokaleinwürfe und das Album bleibt anschließend kantig irre.

   Das Quartett flackert zwischen Metal und Jazzigem umher, zerreibt Strukturen im Chaos. Nach meinen Erfahrungen beim Zusammenstellen dieser fast regelmäßigen Listen ist es nicht verfehlt, von typisch französischer Avantgardemusik zu sprechen; eben „RIO/Avant“ im besten Sinne. Michael Bohli zieht das Fazit:

   “Pantophobie” passiert, und zwar zu jeder Sekunde.

   Und wer braucht Takte und Ordnung, wenn er stattdessen ein Geschehen haben kann?

   Reinhören: Vinyl, Downloads, CDs und Hörproben bietet Amazon.de feil, ansonsten gäbe es noch Bandcamp.

5. David Torn/Tim Berne/Ches Smith – Sun of Goldfinger

   David Torn ist ein US-amerikanischer Jazzgitarrist, der bereits mit David Bowie, Bill Bruford, Tony Levin und Don Cherry zusammengearbeitet hat. Gemeinsam mit dem Saxophonisten Tim Berne sowie dem unter anderem von Secret Chiefs 3 bekannten Schlagzeuger Ches Smith hat er ein Album namens „Sun of Goldfinger“ aufgenommen. Alle drei Musiker sind einander nicht unbekannt und halfen einander auch in der Vergangenheit bereits aus. Man verzeihe mir, dass ich als gelegentlich erfreuter Experimentaljazzhörer diesem Album manche Vorschusslorbeere in den Hals stopfte.

   Es hat sie alle geschluckt.

   Wie zu erwarten war, handelt es sich bei „Sun of Goldfinger“ um ein rein instrumentales Album. „JazzTrail“ sprach von einem Pflichtalbum für Anhänger neuer Musik, derer einer ich fraglos bin. Es gibt drei Stücke mit einer Länge zwischen 22 und 24 Minuten, was „Sun of Goldfinger“ nicht nur relativ lang (aber keineswegs längenhaltig) macht, sondern auch ahnen lässt, wohin die Reise geht: Ich höre vor allem Freiform-Jazz, in dem das Improvisieren hoch gehalten wird, aber auch eine in keiner Sekunde kitschige Spielart der Weltmusik, vor allem in der zweiten Hälfte von „Spartan, Before It Hit“. Sicher: Wer dem ungefähren beschriebenen Stil noch nie viel abgewinnen konnte, der kann dieses Album überspringen, ohne befürchten zu müssen, viel verpasst zu haben. Wer aber grundsätzlich für Jazz offen ist, dem scheint keine Minute dieses Albums eine Verschwendung von Zeit zu sein – auch und gerade nicht mir.

   Als „Debütalbum“ wird es weithin benannt, was in dieser Konstellation vermutlich nicht falsch ist. Zwar ist im Jazz wechselnde Zusammenarbeit nicht ungewöhnlich, ich hoffe dennoch, „Sun of Goldfinger“ bleibe nicht das erste und letzte gemeinsame Album der drei Herren.

   Reinhören: Amazon.de (kurz), TIDAL (lang).

6. De Staat – Bubble Gum

   Von De Staat, einer niederländischen Popgruppe, berichtete ich zuletzt 2016, als ihr angenehmes Album „O“ veröffentlicht worden war:

   (…) channeln De Staat mal Primus (…), mal die Pet Shop Boys, schwingen im Kosmos von Tanzpop (…), New Wave und Groove herum, ohne sich dabei in irgendwelche Grenzen zwängen zu lassen.

   Muss denn auf jedem Album ein ganz neuer Stil her? Ich finde: Nein. Und so ist auch „Bubble Gum“ trotz seines Titels zwar ein Album mit Popmusik geworden, aber Kaugummipop sucht man weiterhin vergebens. Gewürzt wird „Bubble Gum“ mit Früh-90er-Elektronik („Pikachu“) und einer beeindruckenden Eingängigkeit, ansonsten nehmen sie weiterhin die besten Primus-Alben auf, die nicht von Primus selbst stammen. „Bubble Gum“ ist ein sehr lebendiges Album, das auch mal in Text und Stil Boybands („Fake It Till You Make It“) persifliert. Man sollte den Humor dieser Band mögen, ansonsten kann man De Staat nicht gänzlich genießen. Ich mag ihn und genieße, Tanzpop hin oder her. Mein Bedarf an Kurzweil bedankt sich artig für die Reverenz.

   Auf dem Niveau können’se gerne noch etwas bleiben.

   Reinhören: Es gibt ein gewohnt seltsames Video zum eröffnenden „KITTY KITTY“, im Übrigen helfen Amazon.de und TIDAL womöglich weiter.

7. Kuhn Fu – Chain The Snake

   Wir bleiben in den Niederlanden.

   Von dort, aus Groningen nämlich, kommen außer De Staat auch Kuhn Fu. Weil im deutschen Sprachraum der Name „Kuhn“ vielleicht Vergleiche weckt, die nicht unbedingt angemessen sind, sei hier darauf hingewiesen, dass der Name eigentlich falsch ist, denn der Gitarrist und Sänger dieses Quartetts heißt Christian Kühn. Nach zwei Alben, die ebenfalls irgendwas mit „Kuhn“ hießen, ist „Chain the Snake“ nun das dritte Studiowerk der seit dem letzten Album „KUHNSPIRACY“ (2017) lediglich am Schlagzeug umbesetzten Gruppe.

   In „Traktus“ wird auf Deutsch geflucht, ansonsten ist der mal komödiantische („Wolf’s Muckenkogel“), meist aber wenigstens irgendwie schräge („Marco Messy Millionaire“) Gesang auf Englisch gehalten. Weil das einfallslos ist, spielt die Band dazu um so bemerkenswertere Musik: Es wird, kräftig unterstützt von Ziv Taubenfeld an der Bassklarinette, bläserorientierter Jazzrock hervorgebracht, der wieder einmal in guter, alter RIO-Tradition steht. Versetzte Rhythmen („Gargamel“) treffen auf crimsonesque Stücke („Gustav Grinch“)

   Auf den „Babyblauen Seiten“ befand Siggy Zielinski im März 2019, Kuhn Fu seien „ein heißer Tipp für die Freunde von Avant-Jazz-Punk-Prog“. Ich fühle mich angesprochen und bin nicht enttäuscht.

   Reinhören: Das komplette Album gibt es als Stream bei TIDAL und Bandcamp, bei letzterer Anlaufstelle sowie bei Amazon.de auch auf physischem Tonträger zum Verkauf.

8. Inter Arma – Sulphur English

   Inter Arma ist zwar Latein, bezeichnet jedoch ein recht haariges Quartett aus Richmond. Diesem sei bescheinigt, dass es auf seinem seltsam benannten Studioalbum „Sulphur English“ Sludge Metal spielt, der so gut ist, dass sogar ich ihn mag.

   Schrilles Pfeifen, dumpfe Schläge von fern: Mit „Bumgardner“ beginnt „Sulphur English“ rätselhaft, bevor nach einer Minute schleppender Doom Metal einsetzt. Lyrics gibt es noch nicht, wohl aber im folgenden „A Waxen Sea“, in das „Bumgardner“ übergeht, wenngleich man sie akustisch kaum versteht: „I raise my hands to the sea beyond, intoxicated by the winds that whip up from her fair shores“, genau so klingt das hier Gehörte auch. Schönklang? Pah, Gebrüll – inmitten des Stücks gar: Gekreisch – zu Instrumentalrudelbums! Man hat ja hier einen Ruf zu verlieren (einen schlechten).

   Wer jetzt noch nicht tot aus dem Sessel gefallen oder panisch aus dem Fenster gesprungen ist, dem sei versichert, dass das Album dieses Niveau bis zum Ende durchhält, mitunter bereichert von Zwischenspielen wie einem unerwarteten, ausgedehnten Psychedelic-Hardrock-Gitarrensolo („Citadel“), Doom- („Blood on the Lupines“) und Shoegazemomenten („Howling Lands“). Dabei schweifen sie auch schon mal aus – das längste Stück „The Atavist’s Meridian“ ist mitsamt Spannungsaufbau und Klimax über zwölfeinhalb Minuten lang -, keinesfalls aber lassen sie es dabei langsam angehen. Inter Arma halten sich nicht mit Bitten auf, sie verteilen „reinigende Kopfnüsse“ (Jake Walters) und das zu Recht.

   Dass das warme „Stillness“, getragen von Schlagzeug und Akustikgitarre, in seiner ersten Hälfte neben den Spätalben von Pink Floyd nur aufgrund seiner seltsamen Unruhe besonders auffallen würde, widerspricht dieser Erkenntnis nicht, denn die zweite Hälfte erinnert wieder daran, womit wir es hier zu tun haben. Mich amüsiert der geschriene Titel des Stücks. Anscheinend gibt es auch eine Text-Klang-Schere.

   „Sulphur English“ ist ein lautes, brutales Album. Es hat seinen Platz in dieser Liste redlich verdient. Bitte nicht schießen!

   Reinhören: Zu „Howling Lands“ gibt es ein Musikvideo, ansonsten könnten Amazon.de, TIDAL und Bandcamp.com weiterhelfen.

9. Drahla – Useless Coordinates
   „Have you ever seen a neon globe flicker?“ (Stimulus for Living)

   Weniger brutal geht Drahla, eine britische Postpunkband, zu Werke. Nach einigen kürzeren Veröffentlichungen hat sie es 2019 endlich geschafft, ihr Debütalbum „Useless Coordinates“ einer überraschten Öffentlichkeit zu präsentieren. Ihre Herkunft hat unter anderem den Vorteil, dass Sängerin Luciel Brown die schönere Form des Englischen von sich gibt, nämlich das Britische mit herrlich gedehnten Vokalen. Selbst schuld, wer den US-amerikanischen Dialekt wertschätzt, denn hier entgeht ihm was. Die Dame ist nie laut und aufgeregt, immer eher locker-luftig. Fein.

   Und die Musik selbst taugt auch was. „Gilded Cloud“ etwa weist ein langes, immer wieder unterbrochenes intro auf. „Serenity“ führt den stiltypischen Sprechgesang ein, erstmals sind hier auch die Saxophoneinwürfe von Gastmusiker Chris Duffin zu hören, die später immer wieder vorkommen. Mitunter („Serotonin Level“) denke ich an diejenige Besetzung von Van der Graaf Generator, in der noch David Jackson mitspielen wollte, obwohl wir uns hier in einem ganz anderen Genre bewegen. Auch im folgenden „Pyramid Estate“ spielt das Saxophon neben dem dominanten Bass – den ich bei Postpunkplatten sehr schätze – eine gewichtige Rolle und bekommt sogar eine Solopassage. Anderswo („Stimulus for Living“, „Primitive Rhythm“) versucht sich die Band an Grunge. Fast bin ich der Ansicht, Sonic Youth zu hören. Ich mag Sonic Youth.

   Das im Internet als zentrales Stück der Platte beschriebene „React/Revolt“ ist ein aus anderen Gründen erfreuliches: Saxophon und Bass leiten mit instrumentalem Free Jazz ein, bevor nach zweieinhalb Minuten gitarrengetriebener Postpunk übernimmt, wie er auch später („Serotonin Level“) wieder zu hören sein wird. Das ansonsten recht normal postpunkende „Twelve Divisions of the Day“ überrascht mittig mit einem erstaunlich lauten und druckvollen Teil mit angenehm schrägen Zwischentönen. Keine Sorge, eingeschlafen wäre ich auch sonst nicht. Dass Drahla aus der eher linken „Szene“ stammen, ruft das letzte Lied „Invisible Sex“ nochmals in Erinnerung, in dem es mit bedrückender Stimmung um erfundene Geschlechter geht. In Berlin könnte man damit auch erfolgreich werden.

   Insgesamt dominieren hier allerdings vergleichsweise lange Instrumentalpassagen, die für die gelegentlich sehr grünen Texte mehr als entschädigen. Platten wie diese höre ich selten wegen ihres lyrischen Anspruchs, aber die Melodien, die Melodien! Da sieht man (also: sehe ich) auch darüber hinweg, dass Lieder und Album vergleichsweise kurz ausfallen. Bonuspunkte gibt es im Übrigen für das schön schlechte Coverbild, das darauf hinweist, was drin ist. So was wird heutzutage ja viel zu selten gemacht.

   Reinhören: Das Album gibt es auf Amazon.de, Bandcamp.com und TIDAL.

10. Boltzmann Brain – Spacesquid Brain

    Ein Boltzmann-Gehirn, darüber informieren verschiedene Publikationen, bezeichnet das menschliche Gehirn, das in einem beliebig großen Universum in einem beliebigen Zeitraum irgendwann durch quantenphysikalische Zusammenhänge unweigerlich entstehen wird. Boltzmann Brain kommen trotzdem aus Ilmenau. Das Universum erlaubt sich eigenartige Scherze.

    Dem Namen des Albums entsprechend haben wir es hier mit Spacerock zu tun, allerdings nicht in seiner unverfälschten Form, denn Boltzmann Brain mögen das Spiel mit den Stilen und lassen sich vom Krautrock ebenso inspirieren wie vom 70er-Fusion. Schon „Goodbye, Mr. Clooney“ (neuneinhalb Minuten lang), das erste der nur vier Stücke, beginnt mit einem langen experimentellen Instrumentalintro und gewährt erst nach über viereinhalb Minuten Laufzeit etwas Entspannung. Eine stark verzerrte Stimme spricht energiegeladen Texte, die ich erst mal nachlesen müsste, aber nicht will. Das erinnert mich an Faust und ich bin bereits entzückt. Eher an der Frühphase von Can ist das folgende „Infinity“ orientiert, das auf eine Jazzgrundlage aufgebaut ist. Der Sänger dreht allmählich durch, bellt und brüllt mal punkig, mal grungig, mal bluesig unverändert verzerrt ins Mikrofon. „I tried to see / what you showed to me“, ach so, naja.

    Punkig ist auch „Sucqmah“, das anfangs aus zu Punkrock durchgeführten Elektronikexperimenten besteht, sich aber anschließend dem Jazzrock zuwendet. Das Stück ist instrumental. Das Internet behauptet, der Text zum Lied laute „oh“, aber das ist natürlich kein Text und das Internet sollte sich schämen. Falls jemand nicht so viel Zeit hat, wissen Boltzmann Brain Rat: „Until“ ist , musikalisch betrachtet, eigentlich eine Zusammenfassung der ersten drei Stücke mit ein bisschen Text drin. Lang sind die Texte auf „Spacesquid Brain“ allerdings allesamt nicht. Das macht nichts, dafür ist Spacerock auch nicht so gut geeignet.

    Reinhören: Amazon.de hat Schnipsel und Bezahlstream, Möglichkeiten zu Kauf und Komplettstream gibt es ansonsten auf Bandcamp.com.

11. BIG|BRAVE – A Gaze Among Them

    Die Stadt Montréal kennen wir Musikliebhaber vor allem daher, dass Godspeed You! Black Emperor sowie ein halbes Dutzend personell verwandter Gruppen, zumeist mit Postrockhintergrund, sich dort beheimatet sehen. Bei mehreren von ihnen spielt unter anderem Thierry Amar (Bass und Kontrabass) mit.

    Selbiger gastiert auch auf „A Gaze Among Them“, dem vierten Vollalbum von BIG|BRAVE aus derselben Stadt, zurzeit anscheinend bestehend aus Robin Wattie (Gitarre, Bass, Gesang), Mathieu Ball (Gitarre) und Loel Campbell (Schlagzeug). Das Album besteht aus fünf Stücken, grundsätzlich ein gutes Zeichen.

    Dass BIG|BRAVE trotzdem keinen schwermütigen Postrock aufnehmen, sondern sich etwas abseits tummeln, tut der Abwechslung ja durchaus gut. Mehr als einmal werde ich trotz des extrovertiert-aufgedrehten Gesangs an Sigur Rós‘ „Brennisteinn“ erinnert. Ich höre Noiserock, Postmetal und Psychedelic Rock, umwoben von und verflochten mit Gitarrendrones. Das zweite und zweitlängste Stück „Holding Pattern“ fällt dabei fast ein wenig aus der Reihe: Es beginnt ambient, geht dann aber wieder in beklemmend elektronische Psychedelic mit einem ungewöhnlichen, aber nicht störenden Stampfbeat über. Wenn ich etwas kritisieren müsste, dann, dass die Abmischung von „A Gaze Among Them“ für einen etwas verwaschenen Klang sorgt, der die gedachte Punktzahl aber auch nicht deutlich senkt. Erfreulich ist es jedoch, dass ich das gar nicht muss und es deswegen auch sein lasse.

    Reinhören: Amazon.de, TIDAL und Bandcamp.com sind von mir empfohlene Reinhör- und zum Teil auch Kaufgelegenheiten.

12. The Warlocks – Mean Machine Music

    Von einer Band, die so heißt, wie sie heißt, weil The Velvet Underground irgendwann auch mal so hießen, wird schon vor dem Hören einiges erwartet, jedenfalls von mir. Dass sie ein Album herausbringt, das „Mean Machine Music“ heißt, verstärkt diesen Effekt.

    Dass „Mean Machine Music“ von The Warlocks trotzdem keine Kopie von Lou Reeds „Metal Machine Music“ ist, verzeihe ich ihr gern, denn ihrer Vorbilder ist sie sich trotzdem bewusst. Die gemeinsame Liebe zu Rock & Roll habe sie zusammengeführt, behauptet die Biografie auf der Bandcampseite, aber dahinter steckt mehr als Elvis Presley. „Rock & Roll“ legt die Band auch großzügig aus, denn während ich die wohl bekannteste Rock-and-Roll-Band, die nur ein Album lang wirklich „Rock & Roll“ – eines der Lieder hieß sogar so – zu spielen versucht hat, im Nuschelgesang ebenso wiedererkenne wie in den monotonen Rhythmen, die den Fuzz- und Droneschüben zugrunde liegen, ist vieles auf „Mean Machine Music“ doch eher dem Postpunk zuzuordnen, woran der grollende Bass, der mal von Sänger und Frontmann Bobby Hecksher, meist aber von Christopher DiPino bedient wird, seinen angemessenen Anteil einzufordern wohl berechtigt wäre.

    Genau genommen ist „Mean Machine Music“ sogar zwei Alben, denn das Album ist sowohl in seiner normalen als auch in einer reduzierten, instrumentalen Version (also ohne Gesang) zu hören; nach „Tribute to Hawkwind“, das auch genau so klingt, wie es heißt, beginnen die reprises jedes der fünf Stücke. In der Beschreibung ist dazu, frei übersetzt, zu lesen:

    Inspiriert von allem zwischen Stereolab, Krautrock und Death-Rock präsentiert dieses Album fünf neue Kompositionen und sucht diese Lieder dann für instrumentale Wiederaufnahmen erneut auf, die tiefe Schichten voller Melodie und Atmosphäre offenbaren!

    Das mit der „Melodie und Atmosphäre“ klappt tatsächlich sehr gut. Der erste Teil des Albums begeistert mit dem Rückgriff auf den besseren Teil der Rockmusik der 1960er Jahre, der zweite Teil wiegt sich groovend ins Gehör und ins Innere. Ein Album zum Schwelgen.

    Reinhören: Wie inzwischen gewohnt stehen Amazon.de, TIDAL und Bandcamp.com bereits bereit. Offenbar ist die Instrumentalversion von „Tribute to Hawkwind“ jedoch nicht überall enthalten, ich empfehle darauf zu achten.

13. Die Goldenen Zitronen – More Than a Feeling
    „Ihr dürft hier bald gar nichts mehr dürfen!“ (20x20)

    Dass die Goldenen Zitronen, vor vielen Jahren Spaßpunkband, wenig später Punksatiriker, seitdem Elektrotanzwasweißich, immer noch neue Sätze finden, die sie noch nicht vertont haben, überrascht mich auf jedem Album wieder. Dem sei beigefügt, dass auch Überraschungen vorhersehbar sein können. Die letzten paar Studiowerke haben mich tatsächlich etwas ermüdet zurückgelassen: Zu festgefahren schienen die Hamburger Schüler in ihrer Achtzigerästhetik.

    Auf „More Than a Feeling“, Album Nummer 13, gelingt ihnen jedoch der textliche und melodische Brückenschlag zwischen ihren jüngeren Werken und Glanztaten wie „Schafott zum Fahrstuhl“. Dichte Spät-80er-Elektronik gibt es auch weiterhin, ansonsten hat die Gruppe ihre musikalischen Grenzen in dem eigenartigen Dreieck zwischen Trip-Hop, Indie-Pop („Nützliche Katastrophen“) und dem, was textlich klischeehaft albern und musikalisch den Punkrock verspottend jedem Genre trotzt und was ich daher Zitronenstil nennen möchte („Katakombe“), anscheinend noch längst nicht abschließend abgesteckt. Textlich sind sie unbeirrt in Hochform, wie man nicht erst in „Mauern bauen (testweise)“ belustigt feststellen darf: „Was meinen sie mit ‚Volk‘? (…) Meinen sie damit, dass sie (…) um die Schweine, die sie essen wollen, die Schritte, die sie marschieren wollen, etwas herum bauen wollen?“ Dazu wundervolle Neologismen wie „Mitdemschwanzwedelung“ („In der Schleife“) und der einstmals enttäuschte Hörer (ich) kehrt freudig zurück.

    Ihre deutliche politische Haltung – heutzutage ist ja alles eine Haltung – fließt freilich aus jedem Moment auf diesem Album, beginnend bei „Es nervt“, vorgetragen von „LaToya Manly-Spain von der Schwarzen Feministischen Bewegung“ („musikexpress“), die die Vereinnahmung ihrer Positionen seitens der Guten kritisiert, gipfelnd im Abschlussstück „Die alte Kaufmannsstadt, Juli 2017“, in dem die ausgeuferten G20-Demonstrationen vor zwei Jahren zusammengefasst werden: „Wer vom Fach war, der wusste, was passieren würde.“ Die Goldenen Zitronen müssen es wissen, sie waren als musikalischer act mittendrin. Fraglich ist, ob die Demonstranten die hier vorgetragene Kritik an ihrer Berechenbarkeit als eine solche verstehen würden.

    „More Than a Feeling“ bläst dem immerhin nur scheinbar müde gewordenen Zitronenschiff also wieder Wind in die Segel. Ihm sei allzeit eine Handbreit Wasser unter dem Kiel zuteil.

    Reinhören: Zu „Es nervt“ gibt es ein gewohnt seltsames Video. Des Weiteren sind Amazon.de und TIDAL sehr freundlich zu interessierten Konsumenten, andere Streamingdienste bitte ich bei Bedarf selbst zu konsultieren.

14. Per Wiberg – Head Without Eyes

    Bei Durchsicht meiner bisherigen Bestenlisten habe ich überrascht festgestellt, dass unter denjenigen Bands, von denen ich annahm, sie wären bereits darin vorgekommen, womit ich jedoch falsch lag, auch die schwedische Progmetalgruppe Opeth ist. Aus naheliegenden Gründen ändere ich das auch heute nicht, denn das diesjährige Album von Opeth – „In Cauda Venenum“ – ist noch gar nicht erschienen. Stattdessen möchte ich ein wenig in ihrer Geschichte herumwühlen.

    Diese ist geprägt von stetigem Wandel: Bereits drei Jahre vor Veröffentlichung ihres Debütalbums „Orchid“ (1995) war das letzte Gründungsmitglied David Isberg nicht mehr dabei, seitdem führt Gitarrist und Sänger Mikael Åkerfeldt die Band an. 2005 stieß Keyboarder Per Wiberg dazu, der drei Live- und zwei Studioalben lang dabei blieb. Neben seiner Aushilfe bei anderen Künstlern und seiner Mitgliedschaft bei den Spiritual Beggars hatte er jetzt sogar noch Zeit, ein erstes Soloalbum aufzunehmen. Es heißt „Head Without Eyes“ und ist nicht schlecht.

    Im Internet wird es für seinen Abwechslungsreichtum gewürdigt und das nicht unberechtigt. In sechs Stücken, teilweise („Anywhere the Blood Flows“) über 11 Minuten lang, höre ich vor allem atmosphärisch dichten Hard-/Spacerock. Wer Hawkwind mag, dem sollte „Head Without Eyes“ gleichfalls gefallen. Anderswo gibt es mal Doom („Pile of Nothing“), mal Nick-Cave-taugliche Musik mit dazu passenden lyrics zu genießen: „I don’t trust the light anymore“ („Fader“) – so muss das sein. Der Pressetext zum Album schwafelt was von Van der Graaf Generator und Talk Talk, aber Presseschreiber interessieren sich auch meist nicht besonders für Musik.

    Wer einen Kopf hat, der höre. Gucken muss er ja nicht, das Coverbild ist ohnehin keines der schöneren dieses Jahres.

    Reinhören: TIDAL hat – wie oft – einen Komplettstream im Sortiment, für Kauf und Reinhören scheint Amazon.de geeignet zu sein.

15. Magma – Zëss

    Hurra! Magma sind im fünfzigsten Jahr ihres wenigstens ideellen Bestehens zurück und führen ein Werk mit sich, an dem seit wenigstens 1977 gearbeitet wurde.

    Das jahrzehntelange Perfektionieren bereits live aufgeführter Rohfassungen hat dem erfreuten Rezensenten bereits einige sehr schöne Musikalben dieser Gruppe zu Gehör gebracht. Sollte es jetzt womöglich das letzte Mal sein? Vor inzwischen zehn Jahren hatte Bandchef und ‑gründer Christian Vander in einem Interview mitgeteilt, „Zëss“ werde das letzte Stück sein, das er jemals aufnehmen werde. Inzwischen hat er diese Einschätzung zwar revidiert, aber ihn daran zu messen erscheint mir trotzdem nicht verkehrt. Magma haben sich selbst von Anfang an – mit einer kurzen Unterbrechung („Merci“, 1984) – immer wieder zu übertreffen versucht und sind damit selten gescheitert.

    „Zëss“ ist, vielleicht gibt es auch deshalb erst im September eine nachgeschobene Vinylausgabe, ein einziges Stück von 37:57 Minuten Länge. Inhaltlich gehe es, das lässt sich herausfinden, um griechische Mythologie und um den letzten Tag vor dem großen Nichts. Zumeist lässt die Gestaltung der Alben von Magma ja Schlüsse auf die ihnen zugrundeliegende Mythologie zu und auch diesmal ist der Schriftzug „Zëss“ ungefähr so gestaltet, wie man Texte eben so gestaltet, wenn man einen Bezug zu Griechenland herstellen will. Der Untertitel von „Zëss“, sogar auf dem Album selbst zu lesen, ist „le jour du néant“, also „der Tag des Nichts“. Christian Vander, sonst vor allem am Schlagzeug sitzend, zieht es in „Zëss“ seit über vierzig Jahren vor zu singen, seine Vertretung übernimmt Morgan Ågren von Mats/Morgan. Neben sieben weiteren Vokalisten, darunter die anscheinend unverwüstliche Isabelle Feuillebois, sowie den zurzeit nur noch sechs Magmamusikern selbst nahm auch das Prager Philharmonieorchester an der Aufnahme teil. Theatralik stand Magma schon immer gut.

    Apropos Untertitel: Das Stück besteht aus sieben Teilen, die ausnahmsweise neben einem kobaïanischen auch einen französischen Titel tragen. Das letzte dieser sieben Teile heißt „Dümgëhl Blaö (Glas Ultime)“, was, wie zuvor schon „Šlağ Tanz“ (2015), wahrscheinlich nur im Deutschen witzig klingt. Ich bin unvermindert froh darüber, dass Magma mit wenigen Ausnahmen darauf verzichten, die Sprache ihres Heimatlandes Frankreich zu der ihren zu machen. Schön ist es auch, dass auf „Zëss“ anfangs die Stärken der klassischen Magma-Phase, nämlich das Düstere und Hymnische, wieder über das allzu Beschwingte („Félicité Thösz“, 2012) siegen. Popmusik ist nicht von Dauer.

    „Ẁöhm dëhm Zeuhl stadium“, untertitelt als die „Hymne des Nichts“, läutet das Album insofern sehr willkommen ein, nämlich getragen mit Klavier und tonlosem Chorgesang. Nach zweieinhalb Minuten setzt der Chef persönlich mit warm vorgetragenem Kobaïanisch ein, jedoch nur kurz, denn der Chor übernimmt schnell wieder. „Da Zeuhl Ẁortz dëhm Ẁrëhntt“ überrascht dann doch: Zu einem monotonen Klavierrhythmus und treibendem Jazzschlagzeug wird ein französischer Monolog gehalten. Ich bin verwirrt, zumal es nicht mal scheußlich, sondern sogar sehr stimmig klingt. Christian Vander fehlt vielleicht das Kratzig-Kühle, das ich bislang für eine Voraussetzung gehalten hatte, um französischer Sänger sein zu dürfen. Der nahtlose Übergang in „Dï Ẁööhr Sprašer“, „la voix qui parle“ („die sprechende Stimme“), fällt auch nur durch den Wechsel der Sprache auf, denn ohne Stilbruch fährt der Sänger, immer orchestraler begleitet, auf Kobaïanisch fort, das immer wieder, vielleicht nicht zufällig, wie eine wenigstens gelungene Parodie des Deutschen klingt: „Und wir am werden Stürmen sein“, was man trotz des gerollten Rs wahrscheinlich aber ganz anders schreibt. Die zweite Hälfte dieses Teils wird im Wesentlichen bei gehaltenem Klavierrhythmus mit Scatgesang bestritten. Niemand soll behaupten, Magma hätten ihre Jazzwurzeln verdrängt.

    Nach einem kurzen hymnischen Zwischenspiel mit erneutem textlosem Chorgesang schließt „Štreüm Ündets Ẁëhëm“ an, in dem das Orchester, wohl überwiegend streichend, endlich einmal aufdrehen darf. Dem Klavierrhythmus wird hier ein vorübergehendes Ende gesetzt, Blasinstrumente übernehmen. „Zëss Mahntëhr Kantöhm“ ist eine Fortsetzung von „Dï Ẁööhr Sprašer“ mit einem noch dichteren Orchester und dominantem Chor. Einen Stilwechsel kann erst „Zï Ïss Ẁöss Štëhëm“, in dem der Chor Jesus Christus – Sanctus! Sanctus! – besingt, wieder aufweisen, was nicht nur textlich auffällt, denn man kennt Magma nicht unbedingt als besonders christliche Band. Tatsächlich scheint „Zëss“ andauernd jubelnder und fröhlicher zu werden. Und das Blöde ist: Mir gefällt das sogar.

    Aber Moment: Plötzlich verstummen die Instrumente. Wenig Orchester und ein zurückhaltendes Klavier bestimmen das abschließende „Dümgëhl Blaö“, das beinahe als Schlager durchginge, wenngleich als außergewöhnlich beschwörender und überdies auf Kobaïanisch gesungener. Zwar wird so der Bogen zum Beginn des Albums geschlagen, aber dieses Herausreißen aus dem Beschwingten erfolgte doch etwas unversehens.

    Mein Fazit? Nun, „Zëss“ ist selbst im sowieso nicht gerade gewöhnlichen Gesamtwerk von Magma ein auffälliges Album, das konsequent auf dem auf den letzten paar Alben eingeschlagenen Weg fortschreitet, ohne den Ursprung aus den Augen zu verlieren. Als Einstieg in den Zeuhl mag es ungeeignet sein, aber Spaß macht’s dann eben doch. Sollte es das letzte Studioalbum Magmas bleiben, so war es wenigstens ein würdiger Abschied.

    Reinhören: Überrascht stelle ich fest, dass sowohl Stream als auch Amazonschnipsel sich zurzeit noch rar machen beziehungsweise gemacht werden. Auf YouTube gibt es jedoch eine Wiedergabeliste mit einer etwas älteren, aber bereits sehr guten Aufführung von „Zëss“.

    Was sagt der Kalender? Ah, spät dran. Dann machen wir den Rest im Schnelldurchlauf:

16. Pelican – Nighttime Stories

    Diejenigen, die sich an energiegeladenem instrumentalem Postmetal erfreuen können, verleitet die Ankündigung eines neuen Albums der vier Herren von Pelican gelegentlich zu Ausdrücken der Freude, die auch an „Nighttime Stories“, ihr angriffslustig riffendes, doomendes und dröhnendes sechstes Studioalbum, nicht verschwendet sind. Amazon.de.

17. Lost in Kiev – Persona

    „Persona“ ist effektverzierter, gitarrengetriebener Konzept-Postrock aus Frankreich mit genau richtig eingesetzten gesprochenen Texten, für den tief in den Archiven von Russian Circles und Explosions in the Sky gewühlt wurde und der 2019 zu den bisher besten der Dekade gezählt werden kann. Bandcamp.

18. Spotlights – Love & Decay

    Hinter diesem unauffälligen Titel verbirgt das Trio aus New York schön dichten Doom/Shoegaze, der es sich, verfeinert mit bemerkenswert sanftem Gesang, auf dem optimalen Platz zwischen Schwere und Melodie gemütlich gemacht hat. Bandcamp.

19. Lost World Band – Spheres Aligned

    Nach Aufnahmen in Moskau und New York erfreut diese russische Band den Freund klassischen Progressive Rocks sowie östlicher Folklore mit einer gelungenen Kombination aus beidem, dargeboten mit Flöte, Geige, brummendem Bass, schneidender Gitarre und einer angemessenen Menge an schön zurückhaltenden Vokaleinlagen. Bandcamp.

20. Karakorum – Fables and Fairytales

    Fast bleiben wir im Genre: Karakorum kredenzen eine vortreffliche Creme aus Retroprog, Canterbury und Classic Rock in einer Darbietung, die mit perlendem Bass und rauchigem Gesang besticht. Bandcamp.

21. Labirinto – Divino Afflante Spiritu

    Heißt italienisch, kommt aber aus Brasilien: Das im Februar veröffentlichte „Divino Afflante Spiritu“, aus unklaren Gründen mit Großbuchstaben vor jedem Wort, vereint bretternden Postmetal mit endlich mal passendem Gesang, nämlich heiserem Growling, obwohl das Album weitgehend instrumental stattfindet. Bandcamp.

22. The Moth Gatherer – Esoteric Oppression

    Was dieser Liste ja auch noch gefehlt hat, war ein wenig Postmetal, und The Moth Gatherer servieren ihn auf einer reichhaltig gefüllten Platte mit Hauptgängen in den Geschmacksrichtungen Drone, Ambient und Blackmetal mit gebrüllten lyrics („The Drone Kingdom“); da verzeiht man auch das Übernehmen der schrecklichen Unsitte, ein Album mittels fadeout einfach auszublenden („Phosphorescent Blight“), statt sich ein gutes Ende zu überlegen. Bandcamp.

23. Cities of Mars – The Horologist

    Einen noch für den Weg: Das schwedische Trio Cities of Mars veröffentlichte im April 2019 ihr zweites Volllängenstudioalbum „The Horologist“, beworben als eine Art Konzeptalbum über die mythische Geschichte des Planeten Mars, auf dem sie – manchmal ein bisschen zu ausschweifend und monoton („The Last Electric Dream“), aber dennoch beachtenswert – dem Hörer einen hervorragenden smoothie aus Stoner Rock und Sludge präsentieren, wenngleich mein Lieblingsstück auf dem Album – „Work Song“, das sich auf ein mehrstimmiges Folk-intro stützt und allmählich ausufert – eigentlich gar nicht ins Konzept passt. Bandcamp.

Mehr – und die Rückschau auf die letzten paar Jahrzehnte in der Musik – gibt es wie gewohnt in etwa einem halben Jahr an gewohnter Stelle zu lesen.

Man bleibe einander gewogen.

‘Musik 12/2018 – Favoriten und Analyse’ weiterlesen »]]> Ach je, schon wieder haben wir es mit einem Jahresende zu tun! In einer Zeit schwindender Gewissheiten bleibt jedenfalls die, dass dies eine gute Gelegenheit ist, um zum zweiten Mal in diesem Jahr auf die empfehlenswertesten Musikalben 2018 zurückzublicken. Während die Jugend immer noch Podcasts hört, die doch heutzutage eigentlich Phonecasts heißen müssten, gebe ich mich lieber der wahren Kultur hin. „Nicht jedes Gequiek“, befand einmal Ulrich Erckenbrecht, „ist Musik“. So halte ich es selbstverständlich ebenfalls.

Der Kalender hinderte mich erneut nicht daran, im vergehenden Halbjahr ungeduldig und darum vorzeitig auf die aktuellen Studioalben von Abraham, Árstíðir, Monophonist, VAK und Träden hinzuweisen. Kunden, die das kauften, kauften auch…

Zum Glück sind noch genug andere Musikalben übrig geblieben, nämlich die folgenden. Fangen wir an.

1. Neues von heute.

1. Spurv – Myra

   Wenn wir es hier schon mit solchen Temperaturen zu tun haben, dann wollen wir wenigstens auch die richtige Musik dazu hören. Spurv – das bedeutet „Spatz“ auf Norwegisch – ist daher eine durchaus ansprechende Formation aus Oslo, deren jüngstes Studioalbum „Myra“ allerdings bereits im Mai 2018 erscheinen durfte. Als Gastmusiker sind auf „Myra“ unter anderem Mitglieder von Ulver zu hören. Nicht immer sind solche Hilfsarbeiten ein Versuch des namedroppings, das haben Spurv nicht nötig. Auf dem Coverbild knuddelt eine Frau ein Rentier. Ich wäre sehr albern, leitete ich daraus etwas über Norwegen ab.

   Trotzdem erfüllen Spurv wenigstens das Klischee, dass Musikgruppen aus der Gegend bitteschön vor allem so was wie Postrock zu spielen haben, denn in Norwegen ist es bekanntlich immer dunkel. So auch hier: Zwar nennen sich die Musiker selbst eine Postmetalband, ich aber weigere mich, mich dieser Selbstbezeichnung anzuschließen, und verorte sie stur im Shoegaze, Abteilung Instrumentalmusik. Tja! Zu hören gibt es flächige Gitarren mit Cello und Geige. Aus solchen einfachen Zutaten sind sehr gute Alben gemacht und auch „Myra“ ist ein sehr gutes Album.

   Flächig geht es gelegentlich nicht nur in die Breite, sondern auch in die Höhe, so etwa im beinahe doomtauglichen „Fra Myrtempelet“ und im fantastischen „Fra dypet under stenen“, das, obwohl es auf ein Verglühen hincrescendiert, mit entspanntem Klavier ausklingt. Huch! In „Allting får sin ende, også natten“ lassen die Musiker Heidegger zu Klavierbegleitung über die Sterblichkeit des Menschen dozieren, anschließend bricht Postrockgewitter („Post-Metal“) los.

   Eigentlich schade, dass normale Spatzen nur so blöde Piepgeräusche machen.

   Reinhören: Auf Bandcamp.com gibt es einen Komplettstream, auf Amazon.de Hörproben und Kauf.

2. Kōenji Hyakkei – Dhorimviskha
   „Veedem quidhas twlliees immidavally“ (Phlessttighas)

   Nachdem die französische Ausnahmeerscheinung Magma das John-Coltrane-Gedächtnisgenre Zeuhl – wohl ungefähr „Söhl“ ausgesprochen; verrückte Franzosen immer! – erfunden und eine Zeitlang allein ausgefüllt haben, entstanden irgendwann auch außerhalb Frankreichs erste Musikprojekte, die diesem Stil etwas abgewinnen konnten, etwa Univers Zéro aus Belgien. Nicht alle übernahmen die Kunstsprache Kobaïanisch oder den vielstimmigen Chorgesang, ihnen allen sind aber die dominante, jazznahe Rhythmik und das Spiel mit der hypnotischen Wiederholung gemein. Bis heute bleibt Frankreich der Mittelpunkt der internationalen Zeuhlszene, als starker Konkurrent hat sich aber inzwischen Japan herausgestellt.

   In Japan, regelmäßigen Lesern meiner Rückschauen sowieso längst als Land der positiv bekloppten Musik bekannt, gründete Schlagzeuger und Sänger Tatsuya Yoshida bereits 1985 das Duo Ruins, dessen Musik mit Text zu beschreiben nicht ganz einfach ist, Zeuhl auf Koks in der Achterbahn träfe es aber ganz gut. Weil so ein Duo einen japanischen Musiker aber nicht auslastet, ist Tatsuya Yoshida nebenbei auch noch anderweitig beschäftigt, unter anderem in Projekten mit Mitgliedern der gleichfalls bisher nicht durch wenig Aktivität aufgefallenen Acid Mothers Temple. Außerdem gründete er 1991 die Band Kōenji Hyakkei, von deren Gründungsmitgliedern nur noch er selbst mitmacht, obwohl sie auf „Dhorimviskha“, ihrem ersten Studioalbum seit 2005, schon wieder zu sechst ist.

   Weil man zu sechst auch andere Musik machen kann als zu zweit, unterscheidet sich dieselbe auf „Dhorimvishka“, was bestimmt irgendwas heißt, recht deutlich von dem, was von Ruins normalerweise zu hören ist. Neben diesen und Magma höre ich hier jedenfalls, vor allem in den textlosen Gesangspassagen, auch Yes. Natürlich gibt es hier weitgehend, bis in das abschließende Titelstück hinein, auch Zeuhlrhythmik und meist komisch überdrehten repetitiven Gesang mit und ohne Text, zumeist von Sängerin „Ah“, zu hören, aber Funk und Jazz kämpfen hart um die Aufmerksamkeit des Hörers. In „Levhorm“ meine ich gar Latinmusik auszumachen. Das für Bandverhältnisse ungewöhnlich ruhig groovend beginnende „Palbeth Tissilaq“ woanders als im reinen Jazzrock zu verorten schiene mir auch falsch.

   Klar: Wer Magma nicht mag, der wird mit „Dhorimviskha“ voraussichtlich auch nicht zufrieden sein. Wer aber gelegentlich eine Dosis Zeuhl vertragen kann, den werden Kōenji Hyakkei kaum enttäuschen. Den Versuch ist es wert.

   Reinhören: Amazon.de hat Download und Hörproben im Sortiment.

3. Body/Head – The Switch
   „Scream to the wind“ (Last Time)

   Wir wechseln elegant das Land: Body/Head sind ein US-amerikanisches Gitarrenduo. Wer der Körper und wer der Kopf ist, weiß ich nicht. Das ist angesichts der Herkunft der beiden Musiker aber auch völlig unerheblich, denn wenigstens einen Namen kennt man: Kim Gordon war von 1981 bis 2011 Teil der erfreulichen Band Sonic Youth, die mit ihrer Trennung von Thurston Moore zu existieren aufgehört hat, seit 2012 ist sie mit Bill Nace zusammen auf musikalischen Pfaden unterwegs. Bill Nace wiederum kennt man bisher nur vom 2013er Debütalbum von Body/Head, „Coming Apart“, aber man sollte ihn sich vermutlich endlich mal merken.

   Dass Body/Head trotz dieses Neuanfangs und der minimalen Besetzung – offiziell sind nur Gesang (Kim Gordon) und zwei Gitarren (beide) als Beteiligte genannt – eigentlich wie eine Fortsetzung von Sonic Youth klingen, überrascht kaum. „The Switch“ ist ein minimalistisch-experimentelles Album voller „No Wave“. Das hat man ja auch schon länger nicht mehr gehört. Enthalten sind fünf Stücke, aber die haben es in sich.

   Die Gitarre schwingt und schweigt im eröffnenden „Last Time“, nach drei Minuten ertönt gedehnter Gesang. Es klingt wie die frühen Kraut-Psychedelic-Experimente und ich würde mir einen Experimentalfilm mit dieser Untermalung vermutlich aus Prinzip gern ansehen. Wieso gerate ich eigentlich in letzter Zeit immer wieder an dieses Avantgarde-Zeug? Mir soll’s ja auch recht sein. Unbeachtet schwellen die Instrumente zu Kammermusik mit Streicherstakkato an. Unwillkürlich denkt man darüber nach, was die Beatles aus der heutigen Studiotechnik gemacht hätten, wenn sie noch intakt wären. In „You Don’t Need“ wird die Kammermusik fortgesetzt. Es baut sich eine bedrohliche, dichte, beinahe industrielle, wie von einem alten Tonband abgespielt klingende Atmosphäre mit dünnem, fast untergehendem, aber wieder krautigen Gesang auf. Damals war Gesang ja auch selten gut. Das Stück endet plötzlich.

   Es folgt „In The Dark Room“: Der Beginn klingt wie der Verbindungsaufbau eines alten Modems, geht dann aber über in eine vergleichbar sterile Umgebung. Genau so würde ich einen dunklen Raum auch vertonen, wenn ich ein bisschen Ahnung von Stimmung und Musikmachen hätte. Elektronisch erzeugte Klangeffekte, darunter ein unklares Kratzen, lassen mich abermals aufhorchen, wie es eigentlich immer passiert, wenn ich mich an das noch immer ziemlich geile „asia“ von boris (hier entlang) erinnert fühle. Hier gibt es keinen Gesang, hier gibt es nur Stimmung. Hui! „Change My Brain“ ist anfangs eigentlich fast das gleiche Stück, aber mit noisiger Gitarre statt bloßer Effekte. Nach zwei Minuten setzt abermals der melodiefreie Gesang Kim Gordons ein. Gegen 4:30 Minuten intensiviert sich dieser aber erstmals auf dem Album in einer Art Refrain, bevor der Instrumentalteil wieder einsetzt. Irgendwas ist mit meinem Hirn bereits jetzt passiert. „Change My Brain“ ist 10:41 Minuten lang und damit eigentlich immer noch zu kurz.

   Zum Schluss – „Reverse Hard“ – haut das Duo dem Hörer noch einmal Dronegewitter, dann wieder industrielle Elektronik um die Ohren. Nach fast fünf Minuten ertönt Gesang, der wie durch ein Wasserglas gesungen klingt, dazu schneidende Gitarren. Nach sechs Minuten ist es vorb- nein, doch nicht, ein neuer Teil beginnt: Eine verzerrte Gitarre breitet eine Wüste vor dem geistigen Auge aus. Kakteen entstehen, hin und wieder ein bedrohliches Lebewesen, hier gespielt von einem Bass, der wahrscheinlich auch wieder so ein Gitarreneffekt ist. Erneut undeutlicher „Wasser“-Gesang. Das Stück wird zum Ende hin schneller, die Stimme bellt nun eher als sie singt. Das Stück verklingt instrumental mit verzerrter Elektronik.

   Was war das? „The Switch“ braucht unbedingt einen zweiten, wenn nicht gar einen dritten Hördurchlauf, bevor es sich erschließt. Ich weiß es zu würdigen, dass hier oberflächlich nur wenig passiert, während sich das Album kaum merklich ins Nervensystem bohrt. Es muss ja nicht immer scheppern.

   Reinhören: „The Switch“ gibt es auf Bandcamp.com und TIDAL als Komplettstream, auf Amazon.de auszugsweise und zum Kauf.

4. H E X – H E X

   Apropos Scheppern.

   H E X, die anscheinend mit Leerzeichen geschrieben werden möchten, sind eine Schweizer Band und heißen wie ein Album von Bark Psychosis, aber das kann Zufall sein. Musikalisch und auch sonst ist wenig Gemeinsamkeit festzustellen, sieht man davon ab, dass ich beide Bands zu kennen nicht für Zeitverschwendung halte.

   Die Band selbst nennt ihre Musik „Psychedelic Industrial“, was sich eigenartig genug vorstellen lässt. Dominiert wird das Album, das anscheinend wie die Band heißt und sogar nur aus vier (wenn auch vergleichsweise langen) Stücken zusammengesetzt ist, allerdings von einem mitunter monotonen groove, der vor allem (uns) von Faust und Can Begeisterte verzückt. Die Musik ist ziemlich dicht und klingt manchmal wie eine überwiegend instrumentale Variante von Laibach mit weniger gothic. Jau.

   Überwiegend instrumental? Naja: In „Collider“ taucht erstmals kaum verständlicher Gesang auf, viel zu leise, um verstanden zu werden, was Absicht sein könnte. „Highrise“ ist wieder ein Gesangsstück, jedoch wird auch hier der Gesang von der Industrial-Wucht schier erdrückt und dient daher vielmehr als melodischer Gegenpunkt. Apropos „Collider“: Lässt sich dieses Liedlein noch als Postpunk kategorisieren und gräbt „Process“ tief im Industrial, so vermeidet der dronegeladene Postrock, den man sonst auch von Isis so oder so ähnlich schon mal gehört hat, ein Schwarzweißbild, was das Kategorisieren betrifft. Ich gäbe für so etwas grundsätzlich Bonuspunkte, wenn ich hier überhaupt irgendwelche Punkte verteilte.

   Da ich darauf aber gern verzichte, bleibt mir in Reintext die Erkenntnis, dass „H E X“ eine willkommene Abwechslung in der sonst doch sehr gitarrenrockorientierten Liste dieses Semesters ist. Man sollte aber in der richtigen Stimmung sein – für Frühling oder gar Sommer ist das hier nichts, auch wenn’s bereits im Mai dieses Jahres erschien. Zu heute passt es allerdings ausgezeichnet.

   Reinhören: Stream und Kauf stellen H E X via Bandcamp.com bereit, ansonsten mag’s Amazon.de tun.

5. Prairie – After the Flash Flood

   Wir bleiben bei Drones. Bei Prairie, so ist im Internet zu lesen, handelt es sich um „das Projekt“ des aus Brüssel stammenden, aber in den Niederlanden wurzelnden Multiinstrumentalisten und Produzenten Marc Jacobs, der live noch mehr Musiker um sich schart und zuvor bereits Musik beim Berliner Verlag Shitkatapult, der zwar schön heißt, mir aber bisher namentlich unbekannt war, unterbringen konnte. Wenn das hier jedoch Scheiße ist, dann kann Marc Jacobs daraus Gold machen und gehört erst recht erwähnt.

   Eine Eiswüste türmt sich auf, von fern donnert floydesque Perkussion auf und verklingt: Mit „Flash Flood“ beginnt das Album „After the Flash Flood“ ungefähr wie angenommen, hat man erst einmal einen Blick auf das Coverbild geworfen. Das Thema „Eiswüste“ wird später auch mit Geräuschen berstenden Eises („Hard Water:Cracked Ice“) nochmals in Erinnerung gerufen. Der geneigte Rezensent kommt nicht umhin, ein wenig zu frieren, was derzeit – Mitte September – keine Selbstverständlichkeit, dafür jedoch sehr angenehm ist.

   Der Rest des Albums, der nach „Flash Flood“ ertönt, steht diesem hinsichtlich der Intensität und Dichte nicht nach; mal wird mit Sprachfetzen und Störgeräuschen eine beklemmende Atmosphäre geschaffen („Raindeaf“), mal breiten Prairie mit vielschichtigen drones abermals eine, nun ja, akustische Prärie vor dem Hörer aus. Auch leise, mitunter indisch angehauchte Momente finden sich auf dem Album („A Permanent War Economy“, „Elephants Will Rise Again“). Was jedoch nicht auftaucht, ist Gesang. Brauch’mer des? Nein, in diese Stimmung reinzusingen wäre gehässig.

   „After The Flash Flood“ belohnt Geduld mit Tiefe. Wer keine solche (also Geduld, nicht Tiefe) mitbringt, der möge dieses Album beim unvermeidlichen Kauf all meiner Empfehlungen auslassen. Allen anderen möge es ein Genuss sein wie mir.

   Reinhören: Auf Bandcamp.com gibt es – ungewöhnlicherweise – nur Auszüge aus „After the Flash Flood“ zu hören, Amazon.de und TIDAL besorgen den Rest.

6. Oh Sees – Smote Reverser

   Endlich mal wieder eine Band mit Geschichte – obwohl die gar nicht besonders lang ist.

   Von 1997 bis 2003 existierte das kalifornische Punkrockduo Pink and Brown, bestehend aus den beiden schon zuvor aufeinander getroffenen Musikern John Dwyer (Gesang, Gitarre) und Jeffrey Rosenberg (Schlagzeug). Ersterer war ebenfalls ab 1997 als Solomusiker unter dem Projektnamen Orinoka Crash Suite (kurz OCS) tätig, von 2001 bis 2005 außerdem mit der Garagenrockband Coachwhips beschäftigt. 2002 gründete er zudem Zeigenbock Kopf, eine vorgeblich deutsche Partyband mit Schwulenimage, die vermutlich bis heute existiert.

   Nach der Auflösung von Pink and Brown trat Jeffrey Rosenberg vorübergehend OCS bei, das offizielle Debütalbum „1“ wurde 2003 veröffentlicht. John Dwyer machte danach erst allein, dann mit Schlagzeuger Patrick Mullins weiter und nahm so bis 2005 drei weitere Alben auf. Anschließend wurde Sängerin Brigid Dawson Bandmitglied, von 2006 bis 2007 hieß die Band erst The Ohsees, was eine mögliche Aussprache von „OCS“ zu sein scheint, dann The Oh Sees, schließlich bis 2016 Thee Oh Sees. Das „Thee“ wurde 2017 fallen gelassen, es erschien erst „Orc“ als Oh Sees, dann „Memory of a Cut Off Head“ als OCS. Wie die Band aktuell heißt, wage ich gar nicht nachzuschlagen, als The Oh Sees wurde im Mai 2018 jedenfalls das noch aktuelle Album „Smote Reverser“ veröffentlicht, das, zählt man nur die Studioalben und nicht auch die EPs, das 21. dieser Gruppe seit 2003 ist, was recht sportlich ist. Ich mag aber keinen Sport.

   Womit ich hingegen eine Menge anfangen kann, ist – das sollte bekannt sein – gute Musik. Und „Smote Reverser“ ist durchaus nicht schlecht darin, solche zu bieten. In meinen Notizen zum Album steht „ordentlich Groove“. Ordentlich! Im Oktober dieses Jahres wurde „Moon Bog“, vom „Rolling Stone“ als Weltraumballade beschimpft, von mir als Montagsmusik ausgewählt, aber obwohl sich auf „Smote Reverser“ mit „Last Peace“ noch mehr Stilverwandtes finden lässt, greifen Oh Sees auf jede Menge Erfahrung und damit auch Vielfalt zurück: Dank der zurzeit beiden Schlagzeuger rhythmisch aufgeladener Progressive Metal („Sentient Oona“), Elektronik, die mitunter verspielt sein darf („Anthemic Aggressor“), Stoner/Hardrock („Enrique El Cobrador“, „Abysmal Urn“) und der seit über zwanzig Alben irgendwie vorhandene Garagenrock funktionieren hier großartig zusammen. Andere Bands – gern aus Großbritannien – kriegen nicht mal zwanzig Jahre lang mehr als einen Stil hin.

   Reinhören: Auf TIDAL und Bandcamp.com ist neben anderen Alben von Oh Sees auch dieses zu finden.

7. Fire Down Below – Hymn of the Cosmic Man
   Everything I’ve ever known means nothing“ (Ignition/Space Cruiser)

   Im Jahr 2016 veröffentlichte die belgische Stoner-/Psychedelic-Rock-Band Fire Down Below ihr Debütalbum „Viper Vixen Goddess Saint“, das von Kritikern als nicht schlecht wahrgenommen wurde. 2018 folgte das Folgealbum „Hymn of the Cosmic Man“, in dem der Stil weitgehend beibehalten, aber um Spacerock erweitert wurde. Wie sollte es bei diesem Titel auch anders sein?

   Die hier gehörte Musik erinnert mich anfangs ein wenig an das klar unterschätzte „Lulu“, allerdings ohne Gesangsbeitrag. Wie dieses ist auch „Hymn of the Cosmic Man“ ein Konzeptalbum, es geht textlich im Wesentlichen um einen recht traurigen Herrn, der sich im Weltall, vermutlich von der nackten Dame auf dem Coverbild, gefangen fühlt. Musikalisch dominiert grollender Space/Thrash Metal mit kräftig verzerrter Gitarre, also so, wie ich ihn mag. Gelegentlich („Ascension“) darf es aber auch mal einfacher Hardrock sein.

   Ab dem zweiten Stück „Ignition/Space Cruiser“ ertönt auch Gesang, der zwar recht gewöhnlich (also beinahe stadiontauglich) daherkommt, aber trotzdem nicht den Eindruck erweckt, sich besonders an Radiohörer zu richten. Dafür spricht auch das abschließende „Adrift in a Sea of Stars“, das mit seiner Länge von über elf Minuten im derzeitigen Formatradio nicht mal zwischen zwei Werbepausen passen würde. Das Internet findet stilistische Übereinstimmungen mit Tool und Kyuss. Ich kann das verstehen.

   Beim „Angry Metal Guy“ heißt es:

   If you like your prog psyched up, and your stoner rock proggy, this is your album.

   Passt.

   Reinhören: Bandcamp.com ist eine gute erste Anlaufstelle, ansonsten könnten Amazon.de und TIDAL nützlich sein.

8. Rolo Tomassi – Time Will Die And Love Will Bury It

   Rolo Tomassi, benannt nach einer Figur aus dem Film L.A. Confidential, ist ein englisches Mathrockquintett, das seit seiner Gründung im Jahr 2005 mehr Alben, Singles und EPs veröffentlicht hat als manch ältere Band in drei Jahrzehnten und mit „Time Will Die And Love Will Bury It“ ein fantastisches Shoegaze-nahes Studioalbum unter die Leute zu bringen versucht. Die Genrekollegen 65daysofstatic, mit denen Rolo Tomassi auch schon mal zusammen (bzw. nacheinander) aufgetreten sind, haben vor einigen Jahren eines ihrer Stücke remixt. Die Welt ist klein.

   Wobei „Shoegaze“ auch zu einfach gedacht ist: Nachdem der instrumentale opener „Towards Dawn“ ebenso wie das leichtgängige Lied „Aftermath“ mich nachsehen ließen, was Toc.Sin eigentlich gerade machen (leider nichts mehr), und ich mich also gerade in einer entspannten Stimmung befinde, brüllt mich die Band in „Rituals“ mit Gitarrengeschepper und Growlgeschrei an. Huch!

   „The Hollow Hour“ macht nach einem gefälligen (wenn auch hektischen) Postrockintro genau so weiter. Zeit wird sterben und so klingt das auch. Selbst schuld, wer seine Rezensionen nach gerade mal zwei Stücken für einfach hält. Das Gesangsduo aus James und Eva Spence (vermutlich verwandt) schaltet im Weiteren zwischen „zuckersüßen“ (Quelle: Internet) vocals und Screamo-Aggression wie selbstverständlich um, Schönklang prägt „Time Will Die and Love Will Bury It“ nur als Alibi. So wütend muss man erst mal sein.

   Eine Verschnaufpause gewährt erstmals das siebte Stück „A Flood of Light“, das für wenige Takte am Anfang und am Ende eine ambient-Landschaft errichtet, bevor erneut der Zorn („Whispers Among Us“) durchbricht. „Risen“ beendet das Album mit Gesang und Klavierklängen dann beinahe versöhnlich.

   Hui!

   Reinhören: Wenig überraschend ist, dass auch dieses Album auf Bandcamp.com (leider nur noch als CD und Download) zu haben ist, zum Reinhören eignen sich aber auch Amazon.de und TIDAL.

9. The STOCK – Humanize
   „The white light is dancing like a morse code“ (Kronos)

   Komischer Name, komisches Coverbild.

   The STOCK ist, wie man herausfinden kann, ein Trio aus Bad Camberg, das in Hessen liegt und trotzdem auf Fotos ganz gut aussieht. Anscheinend hat es seit seiner Gründung im Jahr 2010 bisher erst ein einziges Album aufgenommen, nämlich dieses. Auf „Humanize“, als „Langzeitprojekt“ nach dreijähriger Produktionszeit Anfang 2018 erschienen, werden drei Stücke von elfeinhalb bis etwas über 20 Minuten geboten. Schon wieder nichts fürs Radio.

   Dessen ungeachtet versuchen die drei Musiker es mit solidem Alternative Rock mit mehr gesprochenen als gesungenen lyrics. Dass sie musikhistorisch einigermaßen bewandert sind, lässt sich allerdings nicht leugnen, vor allem in der süd- und westdeutschen Musik der 1970er Jahre scheint man zu Hause zu sein. Das, was anderswo Krautrock geschmäht wird, klingt auf „Humanize“ gar nicht so furchtbar. Gut: über den nach meinem Empfinden zu sehr in den Vordergrund gemischten Gesang von Rainer Ludwig ließe sich trefflich streiten, aber so ist das im klassischen Krautrock ja auch.

   Dass staubtrockener Stoner Rock („Kronos“) das Album eröffnet, soll darüber nicht hinwegtäuschen. Das zweite Stück, „Proletarian Suicide“ (wundervoller Titel auch), klingt streckenweise nach einer Countryversion von Faust, ist insbesondere also schlagzeug- und rhythmusgetrieben. Auch das abschließende „Puzzles“ beginnt mit krautig-elektronischen Klangexperimenten, die immer wieder aufgegriffen werden, kokettiert aber durchaus auch mit bowiesquem Artpop. Dem gesamten Album „Humanize“ ist dennoch eine Ungeschliffenheit zu eigen, die für alle Fälle eine Brücke zur Garagenmusik offen hält. Man weiß ja nie. Menschlich klingen The STOCK jedenfalls auch ohne Hilfe. Kann man auch mal hören, so was.

   Reinhören: Auch The STOCK veröffentlichen Musik auf Bandcamp.com.

10. Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs – King of Cowards
    „I talk a lot.“ (Gloamer)

    Apropos „komischer Name“: Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs haben auch einen, den sogar die Band selbst gelegentlich als „Pigsx7“ abkürzt, etwa bei der Auswahl ihrer Webdomain. Beim Schreiben ihres 2018er Albums „King of Cowards“ in einer umgebauten Scheune auf dem Land seien, behauptet die Band, tatsächlich auch Schweine anwesend gewesen.

    Anders als auf dem Vorgängeralbum „Feed the Rats“ gehen Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs hier nicht mehr vor allem auf Länge, keines der sechs Stücke ist über neun Minuten lang. Erstmals in der Band ist Schlagzeuger Chris Morley, der zuvor unter anderem für Gnod trommeln, hihatten usw. durfte. Beim „Guardian“ sprach man mit Bezug auf „King of Cowards“ von „zugänglichem Metal“, aber das ist ja noch keine qualifizierte Aussage. Geht es nach Sänger, Keyboarder und „kreativem Schwamm“ (Andreas Schiffmann) Matt Baty, so ist „King of Cowards“ ein Konzeptalbum über die sieben Todsünden, die auch als Piktogramme auf dem Coverbild zu sehen sind, was zahlenmäßig doch erstaunt. Da hätte es gern ein Stück mehr sein dürfen.

    Was anderswo mal Sludge, mal „zugänglicher Metal“ heißt, heißt bei mir dann doch eher Psychedelic/Hardrock. Hinter schweren, schleppenden Rhythmen und gelegentlich einer schreienden Gitarre spielen Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs zwischen Motörhead und Hawkwind, der heisere Gesang beziehungsweise – in „Gloamer“ – das heisere Gesprech darf sich über viel Hall freuen oder, je nach Vorliebe, ärgern. Ich ärgere mich nicht, ich höre und empfehle weiter.

    Schwein gehabt.

    Reinhören: Stream und Kauf haben Bandcamp.com und Amazon.de anzubieten, Kunden von TIDAL bekommen ebenfalls einen Stream.

11. Sanguine Hum – Now We Have Power

    Vor elf Jahren, im Juli 2007, veröffentlichte die Joff Winks Band, gegründet von dem auch im Jazz nicht unbekannten Musiker Joff Winks, das einzige Album in voller Länge unter diesem Namen, nannte sich anschließend ein paarmal um und ist inzwischen ein Trio namens Sanguine Hum. Das diesjährige Album von Sanguine Hum heißt „Now We Have Power“ („Jetzt haben wir Kraft“), ist das Nachfolgealbum von „Now We Have Light“ („Jetzt haben wir Licht“, 2015) und lässt neugierig werden, was die drei Herren künftig noch alles haben werden.

    Derzeit haben sie vor allem die Fähigkeit, gute Melodien mit ausreichender Fähigkeit zur Instrumentenbedienung zu verbinden. Gelegentlich denke ich an Genesis aus der Zeit, bevor Phil Collins sich für einen akzeptablen Sänger hielt, aber wirklich qualitativ hochwertig klingt das ja nun auch nicht, also nehme ich das zurück. Joff Winks ist hingegen ein Sänger, der sich ein bisschen nach zeitgenössischen Popsängern, also nicht übermäßig interessant, anhört, sich aber ganz gut in den Bandkontext einfügt. Musikalisch präsentiert selbiger vor allem dichte Klaviermelodien (gespielt von Matt Baber), entspannend und angenehm zum Genießen. Ein wenig Jazz schwingt immer mit, auch wenn die Handlung hinter den Texten – ein Mann ist von einer riesigen schwebenden Blase runtergefallen – vergleichsweise hanebüchen ist. Aber ist das wichtig?

    Die beschwingte stilistische Mischung, in der ich die Einflüsse von atmosphärischem Artrock, sanftem Canterbury-Prog, dem „klassischen“ Prog und Jazz zu entdecken glaube, lässt alle textlichen Konzepte zweitrangig erscheinen. Stellenweise scheinen die geschmackvollen Piano‑, Synthesizer- oder E‑Piano-Beiträge die führende Rolle zu übernehmen. Sobald die Gitarre hinzukommt, herrscht wieder das perfekte Gleichgewicht in den Arrangements, das in seltenen Fällen sogar zu rockigeren Momenten führen kann. Gelegentlich (wie in „Skydive“) sind zudem Vibraphonklänge zu vernehmen, die natürlich den Leichtigkeitsfaktor des Gebotenen bedeutend erhöhen. In zwei Stücken sorgt zudem ein Gasttrompeter für jazzige und kammermusikalische („Flight of the Uberloon“) Akzente.

    Eben.

    Reinhören: Mit Amazon.de, Bandcamp.com und TIDAL gibt es hierzu hinreichend viele Gelegenheiten.

12. Self Defense Family – Have You Considered Punk Music

    Schon mal über Punkmusik nachgedacht?

    Das ist schön, aber hier nicht ganz so wichtig, denn mit rohem Gekloppe hat „Have You Considered Punk Music“, das diesjährige Studioalbum von Self Defense Family, höchstens thematisch etwas zu tun: Sänger Patrick Kindlon, der beim Singen immer ein bisschen verzweifelt klingt, sprach andernorts, das Album handle davon, „sich mit einer Sache intensiv zu beschäftigen“, wobei man bemerkte, „dass sich der Rest der Welt einen Scheißdreck dafür interessiert“. Punk, yo.

    Nee, das hier ist Indie (was immer das schon wieder ist). Vergleiche sind diesmal recht einfach zu ziehen, denn Self Defense Family sind stolz auf ihre Vorbilder; so heißt es etwa in „Have you considered anything else“:

    You’re big on wordplay
    Into the arms of Nick Cave (…)
    You want new thoughts
    Kate Bush on ready

    Das sind nur zwei der Namen, die genannt werden, und sie beide passen zur relativ melancholischen Grundstimmung. Man solle das Album „als Verb im Präteritum begreifen“, schwafelte ein Banause für die „VISIONS“ und hat damit natürlich völlig Unrecht, denn „Have You Considered Punk Music“ findet jetzt statt, immer jetzt, so post der Punk und so psychedelic der Rock auch sein mag. Nach über dreißig gemeinsamen Veröffentlichungen kennt man seine Richtung und/oder Pappenheimer. Es ist, so viel sei noch geschrieben, ungefähr die meine.

    Reinhören: Es gibt zurzeit (Mitte Dezember 2018) noch Stream und Kauf von LP und/oder „digitalem Album“ (also so Dateien) via Bandcamp.com, ansonsten wie üblich Amazon.de bzw. TIDAL konsultieren.

13. Tangled Thoughts of Leaving – No Tether

    Wir bleiben im Genre, wechseln aber den Kontinent: Das in Australien heimische Quartett Tangled Thoughts of Leaving (Gitarre, Bass, Schlagzeug, Klavier) veröffentlichte im Juli 2018 nach fast drei Jahren ohne neues Album ihr neuestes namens „No Tether“.

    In den bisher zehn Jahren ihres Bestehens haben Tangled Thoughts of Leaving sich in einer Szene eingerichtet, in der es schwer scheint, noch positiv herauszustechen, aber die gemeinsamen Touren und Aufnahmen mit Kollegen wie Russian Circles und sleepmakeswaves haben gezeigt, dass es auch im gelegentlich von außen ausgelutscht wirkenden Psychedelic/Postrock noch möglich ist, aufzufallen. „Doom Jazz“, „Post-Jazz“ gar, wird die hier zu hörende Musik im Internet auch genannt, aber Doom klingt anders.

    Den Jazzanteil kann aber selbst ich nicht leugnen, gelegentlich ausgedehnte Klavierpassagen („Inner Dissonance“, „Binary Collapse“) lassen das mit ihrer Intensität kaum zu. Dazwischen bleibt die Musik dicht und effektgeladen („The Alarmist“) und voller überraschender Wechsel zwischen Flächigkeit und ordentlich Wumms. Wem das alte Laut-Leise-Spiel jemals zu langweilig wird, der hat keine Seele mehr. Vor einigen Tagen sprach Bela B. im Interview mit der „ZEIT“ darüber, dass die allgemeine Verfügbarkeit von Musikstreaming der Musik dieselbe genommen habe, aber zum Glück haben Tangled Thoughts of Leaving das noch nicht gelesen.

    „Cavern Ritual“ beeindruckt mich mit genau richtig eingesetzten Längen, die Spannung wird bis zum Ende des Stückes an der Berstgrenze gehalten. Gelegentlich denke ich hier an die letzten Siebzigeralben von King Crimson und gerate ein wenig ins Träumen. – Apropos Ende: Auch das zwölfeinhalbminütige Titelstück („No Tether“), mit dem „No Tether“ endet, schafft es noch einmal, eine beklemmende Atmosphäre nicht nur aufzubauen, sondern auch zu halten. Postrock ist Musik zum Film im Kopf. Dieser hier ist in Schwarz-Weiß gedreht und ein wahres Kunstwerk.

    „In diesen Höhlen“, schrieb jemand auf „a closer listen“, könne man sich „leicht verirren“. Es bleibt aber immer das Licht am Ende des Tunnels. Nur Mut!

    Reinhören: Bandcamp.com, Amazon.de, TIDAL. Weiter im Text.

14. Wang Wen – Invisible City

    Postrock zum Dritten? Aber gern!

    Woher eine Band, die sich Wang Wen (eigentlich 惘闻) nennt, kommen mag, bedarf keiner großen Erklärung, welche Art von Musik sie macht, womöglich aber doch. Sie sei die „führende Postrockband“ ihres Landes, spekulieren Medien, aber das ist ja auch wieder zu kurz formuliert.

    Das Sextett hat unter anderem schon gemeinsam mit pg.lost Musik aufgenommen und veröffentlicht, was ja auch ein Qualitätskriterium sein kann. Aus dem Tonausgabegerät schwillt jedenfalls flächiger Psychedelic/Postrock, bei dem sich mir Vergleiche mit Pink Floyd anbieten, zu denen ich nicht Nein sage, obwohl ich Pink Floyd hin und wieder als zähes Gewaber wahrnehme. Immerhin singt Roger Waters hier nicht.

    Überhaupt wird wenig gesungen, denn „Invisible City“ ist ein weitgehend instrumentales Album, sieht man vom stark verzerrten und somit für uns alte Leute nicht mehr verständlichen Gesang in „Stone Scissors“ ab. Im osteuropäisch anklingenden „Lost in Train Station“ wird auch ein wenig gesprochen. Als Instrument kommt unter anderem das Horn zum Einsatz, gemeinsam mit einem Klavier oder etwas, das klingt wie ein Klavier, lebt unter anderem „Silenced Dalian“ von Tiefe statt von Instrumentalwänden. Von wegen, Postrock geht nur mit Brachialgitarren! – Ich meine am Ende von „Stone Scissors“ auch ein wenig typisch asiatische Klänge (vgl. Jambinai) auszumachen. Bei „Sputnikmusic“ wurde „Invisible City“ als exzellent bewertet. Ich schließe mich vorbehaltlos an.

    Reinhören: Ist ja 2018, also sind Wang Wen mitsamt ihrer Musik auch auf Bandcamp.com zu finden. Amazon.de scheint derzeit leider keine Hörproben zu haben, Kunden von TIDAL hingegen werden ebenfalls fündig.

15. Toby Driver – They Are the Shield

    Den Herrn hatte ich ja auch ganz vergessen. Obwohl ich vor neun Jahren das damals neue Album seiner Band maudlin of the Well empfahl und deren Nachfolgeformation Kayo Dot ab und zu mal in meiner Wahrnehmung auftauchte, blieb Toby Driver weitgehend unauffällig. Das scheint schade zu sein, denn wenn das, was er in der Zwischenzeit so angestellt hat, die Qualität von „They Are the Shield“ – wovon ich ausgehe – wenigstens teilweise erreicht, muss ich demnächst wohl etwas nachholen.

    Grundsätzlich treibt sich der Musiker, der hier von fünf Gästen (davon zwei Violinisten) unterstützt wird, nach wie vor in eher ruhigen musikalischen Gewässern herum. Ich höre weitgehend Ambientmusik, der durchaus nicht üble Gesang sucht die Nähe zu Bands wie a‑ha einer‑, Peter Gabriel und Ian Curtis andererseits. Das ist alles gar nicht so seicht und die Musik ist es noch weniger: Mit dank lang gehaltener Noten ausgebreiteten Klangflächen beginnt „They Are the Shield“ mit dem imposanten „Anamnesis Park“, dem längsten Stück auf dem Album. Wer die späten Talk Talk oder die wenigstens mittleren Pink Floyd mag, der wird sich hier bereits pudelwohl fühlen. Wie dieses Stück zeichnet sich auch das folgende, „Glyph“, durch allerlei Streicherklänge aus. Erstmals macht sich eine enorme Melancholie bemerkbar. Auch „470 Nanometers“ findet eher im Artrock statt, wenn auch weiterhin in einer angenehm unaufgeregten Art. Das Solowerk von Steven Wilson – nur deutlich besser – erscheint mir als geeigneter Vergleich.

    „Scaffold of Digital Snow“ ist wieder etwas ruhiger, setzt sich selbst aber mit dem leichten Spiel mit Misstönen beinahe in RIO-Gegenden. Das hätte ich nicht erwartet, heiße es aber herzlich willkommen. Bridget Bellavia, mir sonst bisher unbekannt, steuert unpeinlichen Gesang bei, Toby Driver hält sich diesmal etwas zurück. Wieder anders ist „Smoke-Scented Mycelium“: Das Schlagzeug stolpert vorwärts, im Hintergrund verzerren Geigen. Es gibt keinen offensichtlichen Refrain, das Warten darauf schürt in beachtlichem Maße die Spannung. Mit ähnlicher Technik, wir erinnern uns, arbeiteten früher auch maudlin of the Well. Apropos „früher“: Ich höre hier auch Anklänge an Nico. Ein tiefes Danke demjenigen, der mir erklären kann, warum.

    Mit dem nickcaveesquen „The Knot“, mit gerade mal 4:12 Minuten Laufzeit dem kürzesten Stück auf „They Are the Shield“, klingt das Album aus und fast wieder an. Das einzig Willkommene an digitalen Darreichungsformen ist bekanntlich, dass man nicht so lange warten muss, um wieder von vorn anzufangen.

    Reinhören: Leider nur als CD und Stream gibt es „They Are the Shield“ auf Bandcamp.com zu kaufen, Vinyl gibt Amazon.de her. Kunden von TIDAL werden auch bedient.

16. Julia Holter – Aviary

    Julia Holter, ungefähr in meinem Alter, ist eine US-amerikanische Musikerin mit theoretischer Ahnung von („Sie selbst machte ihren Abschluss in Elektronischer Musik am California Institute of the Arts“, Wikipedia) und praktischer Erfahrung mit Musik: „Aviary“ ist ihr inzwischen achtes Studioalbum.

    Es war auch wirklich höchste Zeit, das Album (das es immerhin auch als Doppel-LP gibt) ist mit fast 90 Minuten an Musik sozusagen randvoll; und keine Minute ist verschwendet. Von einer Autorin des „Guardian“ wurde das hier Gehörte in die Nähe der sowieso unerreichten The Velvet Underground gerückt, weil es mitunter dröhne, aber das ist selbst im Vergleich zu meinen eigenen Vergleichen, die ich manchmal ziehe, zu wenig hilfreich. The Velvet Underground haben ja nie Musik gemacht, die man guten Gewissens widerspenstigen Kammerpop nennen könnte.

    „Aviary“ hingegen klingt genau so, wie man sich widerspenstigen Kammerpop vorstellen sollte: Schon vom ersten Moment an („Turn the Light On“) durchsetzt eine ordentliche Portion an RIO/Avant die eigentlich sanfte Musik. Das ausgelutschte, abgeklapperte, durchgenudelte (kann fortgesetzt werden) Imaginärgenre „Singer/Songwriter“, obwohl’s ja nur eine Tätigkeitsbeschreibung ist, lernt hier endlich eine neue Nuance kennen. Nicht schlecht. „I Shall Love 2“, das überraschend in der Albumsabfolge vor „I Shall Love 1“ steht, und „Words I Heard“ waren, wie herauszufinden ist, Singles zu diesem Album. Schade, dass die meisten Radiosender so verschnarcht sind. Die Lieder aber wirken unruhig, als fürchteten sie einen heraufziehenden Sturm. Gelegentlich („Chaitius“) rufen Orgelklänge eine sakrale Stimmung hervor, dann klingt „Aviary“ fast wie eine rauschfreundlichere Variante von Anna von Hausswolff. Ihre sechs Mitmusiker (überwiegend Streicher und Bläser) leisten gute Arbeit, das sind hier keine Instrumente zum bloßen Selbsterhalt, das ist feine Kunst. Die deutsche Bezeichnung für ein aviary ist „Vogelhaus“. Der Rabe ist hier aber näher als der Papagei. Nimmermehr.

    Reinhören: Außer auf Bandcamp.com – allmählich mache ich mir Sorgen darum, was passiert, wenn Bandcamp mal die Tore schließt – ist „Aviary“ auch auf TIDAL zu hören und auf Amazon.de zu kaufen.

17. Me El-Ma – Bowing Crosses

    In den 1970-er Jahren, so viel erfährt man aus halbwegs sicheren Quellen, war Me El-Ma, ein israelischer Schlagzeuger, in der Progressive-Rock-Gruppe Atmosphera, die legendär gewesen sei, von der ich aber trotzdem bisher nichts kenne, aktiv. Anschließend verschlug es ihn zunächst zu anderen Musikern, dann nach Deutschland und 2002 schließlich wieder zurück nach Israel, wo er immer noch aktiv ist. „Bowing Crosses“ dürfte also ein Soloalbum – mit Gesang von Virja, was ein Frauenname zu sein scheint – sein.

    Im Onlineforum „Progressive Ears“ wurde darüber spekuliert, dass „Virja“ stattdessen auch „VirJA“, virtueller Jon Anderson also, heißen könnte. Die gesangliche Nähe zwischen Virja und besagtem früherem Sänger von Yes möchte ich auch gar nicht abstreiten, obwohl ich nicht so weit wie einige Diskussionsteilnehmer gehen würde, die hier eine Personalidentität annehmen. Gerade das fünfminütige „Please do as You please“ – Großschreibung anscheinend beabsichtigt – wäre auf „Relayer“ seinerzeit kaum aufgefallen, obwohl Me El-Ma rhythmisch noch über die Experimente der offensichtlichen Vorbilder hinausgeht; und immer nur so weit, dass es noch nicht zu viel des Guten wird. Das muss man heutzutage ja auch mal positiv anmerken.

    Bei den Vorbildern für seine Polyrhythmik scheint sich der Musiker vielmehr bei den 90er-„ProjeKcts“ von King Crimson („Perception Perfection Satisfaction“, Titelstück „Bowing Crosses“) zu bedienen. Vieles ist recht technisch, kühl und geradezu Kopf verdrehend verworren – nicht ohne sich selbst wieder aufzulösen. Dafür braucht man mehr als bloß einen Kopfhörer, dafür braucht man Talent; und gerade in Kombination mit dem Gesang, den King Crimson selbst nur auf dem Album „Lizard“, auf dem Jon Anderson selbst gastierte, in dieser Weise in ihre damals noch weniger ausgereiften Arrangements einfließen lassen konnte, ist das trotz der Wiedererkennungen ein überraschend originelles Werk geworden, von denen es klar zu wenige gibt.

    Für „mehr vom selben“ ist er sich selbst in Albenlänge zu schade: Wenn er nicht gerade avantgardesque Rockspektakel veranstaltet, spielt Me El-Ma in den ruhigeren Momenten („Eternity Heart“) auch mal Artpop – und auch das großartig: Es guckt mal David Bowie, mal Kate Bush um die Ecke. Anderen Bands nachzueifern ist unkreativ? Theoretisch ja, praktisch kann es begeistern. Wenn schon „klingt wie…“, dann wie „Bowing Crosses“!

    Reinhören: Bandcamp.com scheint zurzeit die alleinige Vertriebsplattform für „Bowing Crosses“ zu sein (und bietet leider nur die „digitale“ Version ohne Tonträger an).

18. Earth Ship – Resonant Sun

    Kommen wir nun zu etwas völlig anderem.

    Earth Ship waren auch schon mal in Deutschland und sind es wahrscheinlich auch immer noch, denn es handelt sich um ein Berliner Trio (Gitarre/Gesang, Schlagzeug, Bass). „Resonant Sun“ ist ihr inzwischen fünftes Album und sicherlich kein schlechtes, sofern man mit stark verzerrten Gitarrenriffs und ungestümem „Gebrüll“, wie man es früher nannte, kein großes Problem hat: Earth Ship sind eine technisch versierte Sludgeband und haben nicht vor, das zu verstecken. Auf dem Coverbild macht ein Wolf im Kapuzenpulli ein selfie von sich. Versteh‘ ich nicht.

    Dass das Album mit „A Handful of Flies“, einem, um es zurückhaltend auszudrücken, schwer zu schlagenden Stück, beginnt, ist vielleicht der einzige Kritikpunkt, denn die anderen sieben (bis neun) Stücke erreichen dessen Qualität nicht ganz, aber der musikalische Kern bleibt erhalten: Wahnwitzige Gitarrensoli und selten cleaner, meist heiser geschriener Gesang liegen über basslastigem Stoner-Metal mit wenig Doomeinsatz. Die Zahl der enthaltenen Liedlein ist abhängig vom Format, in der „digitalen Version“ ist unter anderem auch eine (wenig bereichernde) Coverversion von „Children of the Revolution“ enthalten, die ich nach Konsum (nicht: Genuss) für verzichtbar halte. Konzentrieren wir uns aber auf das Gute, nämlich auf die Grundausstattung von „Resonant Sun“, so bleibt genug übrig, was es zu würdigen gilt:

    (…) wummernder E‑Bass trifft auf dynamisches Schlagzeugspiel trifft auf sägende Gitarren trifft auf beinharte Reibeisenstimme.

    Wohl dem, der jetzt trotzdem nicht an Torfrock denkt.

    Reinhören: Auf Amazon.de gibt es Hörproben, wie auch auf TIDAL sind die zuvor erwähnten Bonustitel hier verfügbar. Nur Bandcamp.com lässt sie weg. Ich enthalte mich einer Wertung.

19. PinioL – Bran Coucou

    Apropos Metal – oder doch nicht? Ich bin jedenfalls ein bisschen enttäuscht von mir: Ich hatte angenommen, ich hätte zu PoiL in der Vergangenheit schon etwas geschrieben, dem scheint aber nicht so zu sein.

    Dann hole ich das kurz nach: PoiL ist ein französisches Trio, das bis 2014 drei an schrägem Avant-Zeuhl reiche Studioalben, danach die ersten beiden Studioalben noch mal zusammen („L’ire des papes / Dins o cuol“) veröffentlicht hatte. Anschließend taten sich die drei Herren mit dem einheimischen Quartett ni, das bisher nur ein einziges „volles“ Album („Les insurgés de Romilly“, 2015) mit ähnlich verrückter Musik veröffentlicht hatte, zusammen und nennen sich in dieser Formation PinioL, was zwar unvernünftig ist, weil die Reihenfolge der Buchstaben nicht mehr stimmt, aber wenigstens ganz gut klingt. In dieser Formation nennen sich die Musiker ein „abscheuliches Monster, das vor nichts Angst hat“. Puh!

    Unvernünftig, aber ganz gut klingend ist das hier Gehörte insgesamt und sowieso, was so weit geht, dass selbst der französische (das ist doch Französisch, oder?) Gesang sich hier nicht mal in der Scatform scheiße anhört. Das eröffnende „Pilon Bran Coucou“, das anscheinend also als „Titelstück“ durchgehen könnte, wiegt den Rezensenten zwar erst mal in Sicherheit, indem PinioL eine sich steigende Krautrocksalve im Stil einer leider so nie passierten Allianz von Neu! mit Faust abfeuern, bevor sie einen abrupten Wechsel in eine Art 80er-Avantdisco vollziehen, die auch später („Mimolle“) noch mal aufgegriffen wird. Ganz schön viel „Avant“ für ein Album? Ja, eben! – Wer bei dieser Beschreibung an vergleichbar irre französische Musikgruppen denkt, dem kann ich versichern, dass er damit nicht allein ist. Mir kommen sowohl Pryapisme als auch Sebkha-Chott in den Sinn, allerdings zeigen sich PinioL weniger an Brachialität interessiert als Letztgenannte. An Gitarren ist „Bran Coucou“ dennoch nicht arm, in Stücken wie das vierzehnminütige Mathcore-Brett „Shô Shin“ oder dem nur zum Schein erfreulich jazzrockigen „François 1er“ bekommt die doppelte Rockbandbesetzung (zwei Gitarren, zwei Bässe, zwei Schlagzeuge, sechs Mikrofone, ein Keyboard) hinreichend viel Gelegenheit, die unvergessenen The Dillinger Escape Plan nicht mehr ganz so schmerzlich vermissen zu lassen, was sogar vorübergehend gelingt. Direkt vorm Einschlafen sollte man es aber wahrscheinlich trotzdem nicht hören. Meine Nerven!

    Ob das Projekt PinioL von Dauer sein wird, ob es also zu weiteren Alben kommen wird, wird sich zeigen müssen. Für kommenden März wollen ni erst einmal wieder allein eines rausbringen. Mindestens das empfehle ich jedenfalls genauestens zu beobachten; und „Bran Coucou“ natürlich auch. Im kommenden April treten die zweieinhalb Bands in Berlin sozusagen zusammen auf. Das könnte interessant werden.

    Reinhören: Amazon.de (natürlich), TIDAL (natürlich), Bandcamp.com (natürlich).

20. Soft Machine – Hidden Details

    Vor fünfzig Jahren, 1968 also, veröffentlichten die nach dem visumsbezogenen Ausstieg Daevid Allens vorübergehend zum Trio gewordenen Soft Machine, neben Caravan eine der beiden Nachfolgebands der Wilde Flowers, ihr Debütalbum, das sich musikalisch im Psychedelic Rock verorten ließ und damit damals ganz dem Zeitgeist entsprach. Aufgrund vertraglicher Verpflichtungen fanden sie sich anschließend für weitere Alben zusammen, wechselten aber mehrfach die Besetzung. Der hierbei größte Einschnitt war vermutlich die Trennung von Robert Wyatt, der nach dem vierten Album Soft Machine verließ, deren zusehends jazzorientiertere Ausrichtung (ohne Gesang) er als sangesfreudiger Schlagzeuger nicht mehr unterstützen wollte, und Matching Mole gründete, was ein Wortspiel mit „machine molle“ und gar nicht mal so blöd ist. Im Juni 1973 fiel er aus einem Fenster und seitdem gibt es Matching Mole nicht mehr.

    Soft Machine haben aber bis heute weiter gemacht, wenn auch unter wechselnden Namen, die allesamt mit „Soft“ begannen. Obwohl das letzte Gründungsmitglied Mike Ratledge bereits während der Aufnahmen zu „Softs“ (1976) die Band verlassen hatte, nannte man sich irgendwann Soft Machine Legacy und seit 2015 schließlich wieder Soft Machine. Das dienstälteste Mitglied John Marshall saß immerhin seit 1971 für mehrere Versionen der Gruppe an Schlagzeug und Perkussion, was ja im Jahr 2018 doch schon erwähnenswert ist. „Hidden Details“ ist also das erste Studioalbum unter dem Namen Soft Machine seit dem mauen „Land of Cockayne“ von 1981; damals bestand die Band aus John Marshall und Karl Jenkins, die beide vor ihrem Beitritt bei den leider inzwischen aufgelösten Nucleus spielten.

    Wer die Bandgeschichte hinreichend aufmerksam verfolgt hat, der ahnt inzwischen vermutlich, wie „Hidden Details“ wohl klingt: Seit spätestens 1971 steht den Jazzern bei Soft Machine kein Gegengewicht mehr entgegen, sie können sich also nach Herzenslust austoben. „Hidden Details“ ist ein solides instrumentales Jazzrockalbum mit – dem auch schon seit Jahrzehnten aktiven Bassisten Roy Babbington sei Dank – viel groove, das die Wurzeln der Band in Ehren hält. Ob in der mal quirligen, mal („Ground Lift“) flehenden Gitarre, ob in den gelegentlich avantgardistischen „experimentellen“ Ausbrüchen („Life on Bridges“), an denen Saxophonist/Flötist/Pianist Theo Travis (zuvor unter anderem bei Gong und diversen Projekten von Steven Wilson, derzeit auch bei The Tangent aktiv) womöglich nicht unschuldig ist: der canterbury sound begleitet „Hidden Details“ ohne Unterlass. Die Brücke zum Altwerk schlagen Neueinspielungen von „The Man who Waved at Trains“, ursprünglich auf „Bundles“ von 1975 erschienen, und „Out-Bloody-Rageous“ vom fantastischen „Third“ (1970). Abgerundet wird das Album nicht zuletzt von dem von Theo Travis und dem dritten Altmitglied John Etheridge, immerhin seit 1975 an Bord, geschriebenen Bonusstück „Night Sky“, das, sanft und ausladend Sonnenaufgangslandschaften malend, das (wenigstens „digitale“) Album abschließt.

    Was wir hier haben, ist also sicherlich nicht das schlechteste aller Alterswerke. Besondere Überraschungen im Jazzrock zu erwarten wäre inzwischen kaum noch von Erfolg gekrönt, aber wer mit dieser Spielart der Musik etwas anfangen kann, der ist bei Soft Machine im Jahr 2018 so gut aufgehoben wie seit langer Zeit nicht mehr. Das ist doch auch mal schön.

    Reinhören: Man ist nie zu alt für Bandcamp.com; und für Amazon.de und TIDAL sowieso nicht.

21. Domadora – Lacuna

    Auf dem diesjährigen Studioalbum der Franzosen gibt es funkelnden heavy psych in ausladender Jamform mit angriffslustiger Gitarre zu hören, dessen einziger Negativpunkt zu sein scheint, dass ich ihn noch nicht live erleben konnte; aber Konserve ist ja auch mal schön. Bandcamp.

22. Yuka & Chronoship – Ship

    Eines der besten Symphonic-Prog-Alben des ausklingenden Jahres 2018 legt ausgerechnet die japanische Gruppe um Sängerin und Keyboarderin Yuka Funakoshi vor, die auf dem Konzeptalbum über die Argonautensage alle Register zwischen Camel und Rush zu ziehen imstande ist. Amazon.de.

23. Car Crash Weather – Secondary Drowning

    Weitgehend instrumentaler Progressive Metal mit mal bretternden, mal sinfonischen, in „The End“ sogar stark von New Wave beeinflussten Eindrücken, die bleiben. Bandcamp.com.

24. Umphrey’s McGee – It’s Not Us

    Wer (wie ich) tanzbarer Indie-Rock-Musik aus kulturell sonst eher abgehängten Staaten etwas abgewinnen kann und ganzjährig nichts gegen die mittels ihrer entstandene gute Laune einzuwenden hat, der ist auch im Winter mit „It’s Not Us“ mit Sicherheit glücklich zu machen. Amazon.de.

25. Automatism – From The Lake

    Auf „From The Lake“, dem aktuellen Musikalbum des Stockholmer Quartetts Automatism, ist im Studio improvisierter, jedoch leider nachbearbeiteter, stellenweise recht dreckiger und rundum gelungener Psychedelic Rock ohne jeden Gesang, dafür mit drei Gastmusikern, zu hören. Bandcamp.com.

26. Argos – Unidentified Dying Objects

    Dass der Canterbury noch nie für überragende Sänger bekannt war, kommt den deutschen Ausnahmetalenten Argos nur gelegen, die auf ihrem fünften Studioalbum „Unidentified Dying Objects“ eigentlich auch nur das machen, was sonst auch machen (nämlich guten Canterbury Style mit dem szenetypischen Humor hervorbringen), das aber in noch immer steigender Qualität und gleichbleibender Freude am Spiel. Bandcamp.com.

27. Homunculus Res – Della stessa sostanza dei sogni

    Ebenfalls Canterbury, diesmal jedoch mit nicht mal furchtbarem, sondern sehr angenehm melodischem, teilweise sogar mehrstimmigem Gesang in der Landessprache, bringen Homunculus Res aus Italien mit, wobei sie zweifelsohne auch das Gesamtwerk von Gentle Giant und Caravan mindestens schon mal gehört haben. Bandcamp.com.

28. a broken sail

    Die allsemestrige Dosis Postrock vervollständigt am Ende des Jahres 2018 das Debütalbum des australischen Instrumentalquartetts a broken sail, das die Welt in fünf Stücken zwischen zwei und zwölf Minuten Länge – leider momentan nicht als physischer Tonträger zu haben -, die Titel wie „tall buildings collide“ (2018 geht das endlich wieder) tragen, um langsam dahintreibenden Shoegaze mit wärmend fließendem Bass bereichert. Bandcamp.com.

29. Interpol – Marauder

    Interpol, eine dieser erst vor wenigen Jahren populären Indie-Rock-Bands mit schneidenden Gitarrenmelodien, gehört zu den weniger verwüstlichen ihrer Gattung und beeindruckt 2018 mit ihrem immerhin sechsten Studioalbum „Marauder“, auf dem selbst einem Holzohr wie mir sich schwer entzieht, warum Joy Division ein häufig gewählter Vergleich bei denen sind, die beruflich gern Bands miteinander vergleichen. Amazon.de.

30. Art Brut – Wham! Bang! Pow! Let’s Rock Out!

    In gewohnt exaltierter Manier singt Eddie Argos gelegentlich beziehungs‑, oft – zum Teil sogar auf Deutsch – berlinbezogene Lieder voller Selbstreferenzen („She Kissed Me (And It Felt Like a Hit)“), begleitet von einer wieder einmal umbesetzten Band, die mit unverminderter Spielfreude die bandeigene Vorstellung von Indie-Rock nicht bloß spielen, sondern leben: „Everyone’s lookin‘ at the ticket machine / like it’s the most complicated thing that they’ve ever seen“, hihi. Amazon.de.

So viel zu diesem Jahr. Und früher?

2. Gutes von gestern.

• Vor vierzig Jahren erschien neben dem Debütalbum der damals noch enorm produktiven Sängerin Kate Bush auch das einzige Album der Band Babylon, die in einer Zeit des vorübergehend sterbenden Progressive Rocks vielleicht einfach nur zu spät dran waren; andererseits blieb ihnen so ein Schicksal als schreckliche 80er-Popband erspart, wie es anderen zeitgenössischen Gruppen, darunter Yes, deren schlimm benanntes Tormato schon den folgenden Ärger erahnen ließ, leider widerfahren ist. Die französische Zeuhl-Institution Magma war mit Attahk immerhin auch schon auf dem Weg dorthin, kam einem endgültigen Versumpfen aber mit ihrer Auflösung zuvor.
• Vor dreißig Jahren, die „neue deutsche Welle“ blühte fröhlich vor sich hin, sang der später als (großartiger) Schriftsteller bekannt gewordene Max Goldt als Teil des Duos Foyer des Arts auf dem Album Ein Kuss in der Irrtumstaverne unter anderem von dem Zusammenspiel von Penis und Vagina, was manche (hier: mich) bis heute amüsiert. Seriöser ging es bei Terminal Cheesecake zu, deren EP Bladdersack nicht nur den Grundstein für ihre Karriere, sondern auch den für Wiiija Records legte, die danach unter anderem auch Therapy? bekannt machten und heute trotzdem nicht mehr existieren. So schnell kann’s gehen.
• Vor zwanzig Jahren war der Prog zwar schon beerdigt, erfreute sich im Untergrund aber noch bester Gesundheit: Fred Frith etwa, einer der Gründer von Henry Cow, ließ sich nach deren Trennung in New York nieder und nahm an ungezählten musikalischen Projekten teil, darunter an der von ihm gegründeten Experimentalgruppe Massacre (nicht mit der gleichnamigen Death-Metal-Band zu verwechseln), die 1998 schließlich ihr zweites Studioalbum Funny Valentine veröffentlichte. Sein Landsmann und zeitweiser Mitmusikant Robert Wyatt – der mit dem Fenster – blieb in Europa, sang und blechblies gelegentlich für andere Kollegen und überraschte den Markt mit einer Neuabmischung seines Albums Dondestan von 1991 namens Dondestan (revisited). Während Musik aus Deutschland 1998 Kraut & Rüben (WIZO) blieb, brachten auch die Finnen es auf beachtliche Leistungen: Mit ihrem eigentlichen Debütalbum Pingvin machten Ektroverde, wie erstaunlich viele andere finnische Bands auch ein Nebenprojekt von Circle, mit ihrem jazzgefärbten Postrock von sich reden. Dass seit 2003 kein neues Album mehr von ihnen erschienen ist, lässt aber leider nicht auf weitere Aufnahmen hoffen.
• Vor zehn Jahren – apropos Postrock – stand selbiger in voller Blüte: Nicht nur die famosen Sigur Rós bereiteten mir, wie schon damals erläutert, mit ihrem ungewöhnlichen Með suð í­ eyrum við spilum endalaust Vergnügen, auch Misuse (inzwischen anscheinend inaktiv), Maybeshewill (inzwischen leider aufgelöst) und Russian Circles (immerhin noch existent) spielten mit neuen Alben auf. Am anderen Ende der Skala debütierte die Post-Hardcore-Band La Dispute mit Somewhere at the Bottom of the River Between Vega and Altair, mittendrin bahnte sich das, was regelmäßig „Indie“ genannt wird, als sei das eine Stilbeschreibung, seinen Weg: Konstantin Gropper setzte als Get Well Soon mit Rest Now, Weary Head! You Will Get Well Soon Nuancen, Stephen Malkmus (vorher bei Pavement) nahm gleich zwei Alben auf, nämlich Real Emotional Trash mit den Jicks und Lookout Mountain, Lookout Sea mit den Silver Jews. Auf ein Album, nämlich Narrow Stairs, beschränkten sich Death Cab for Cutie. Der Autor dieser Zeilen nutzte das Jahr weniger sinnvoll und fing bereits im Juni mit diesen Jahresrückschauen an. Das haben wir jetzt alle davon.

Das soll erst mal reichen. Ich bitte wie üblich um weitere Empfehlungen und wünsche ansonsten eine gute Reise – ich warte hier.

Kommentare

• Hirnfick 2.0 » Musik 06/2019 – Favoriten und Analyse schrob am 11. Juli 2019 dies: […] Dezember 2018 befand ich „Bran Coucou“, das anscheinend bisher einzige Album von PinioL, für angenehm […]

‘Musik 06/2018 – Favoriten und Analyse’ weiterlesen »]]> Kaum ist es mal schier unerträglich warm geworden, schon ist wieder ein halbes Jahr vorbei. Das kann nur eines bedeuten: Es ist wieder Zeit für die besten Musikalben des ersten Halbjahres 2018. Dass seit der letzten Rückschau sowohl Mark E. Smith und mit ihm wohl auch The Fall als auch Dennis Edwards (The Temptations) und Jon Hiseman (Colosseum, Colosseum II, JCM) sich für immer aus der Musik und voraussichtlich auch aus der Welt der Lebenden verabschiedet haben, mahnt zur Eile. Wer weiß, wie viele Künstler sterben, während ich dies hier schreibe?

Sicherheitshalber griff ich der Liste bereits vor: Die aktuellen Studioalben von awakebutstillinbed, Messa und den beiden Davids Cross und Jackson bleiben Teil der diesjährigen Empfehlungen, auch das Debütalbum „Danger Dance“ von Noseholes, deren titellose EP mich Anfang Januar zu einer Rezension veranlasste, ist erwartungsgemäß gut geworden.

Was sonst noch los war, folgt sofort.

1. Hören, was gut ist.

1. møl – JORD

   Zu Beginn gilt es, erst mal die Gehörgänge freizublasen. Hierfür bieten sich møl aus Dänemark eigentlich an.

   Auf ihrem ersten Vollzeit-Studioalbum „JORD“ – voraus gingen zwei EPs – ignoriert das Quintett gekonnt die vermeintliche Genregrenze zwischen Postrock und Black Metal, was mich als Genreignoranten in mehrfacher Hinsicht erfreut. Im Internet ist von „Blackgaze“ als Genre die Rede und spätestens hier sollten auch Verfechter einfachster Schubladisierung erkennen, dass ihr Treiben mitunter grotesk wirkt.

   Zu Beginn („Storm“) höre ich auch tatsächlich erst einmal Postrock, bevor unversehens das Gewitter losbricht. Im späteren Verlauf des Albums („Ligament“) wird es immer mal wieder beachtliche Postrockmomente geben, dominant ist aber die Selbstbeschreibung der Band als „ein zerschmetterndes Nichts“. „Jord“ ist das dänische Wort für Erde, als erdig wäre das Album aber nur unzureichend beschrieben. Anderswo schrieb jemand, es handele sich um „rasendes Geschrammel mit dank Keyboard (…) orchestraler Note“ und das ist verdammt richtig.

   Ich solle erwarten, am Jahresende „JORD“ auf vielen Album-des-Jahres-Listen zu finden, kündigte das britische Musikmagazin „noizze“ an. Ich greife dem hiermit um mehrere Monate vor, ich Punk.

   Reinhören: Freundlicherweise (naja, eigentlich: wie beinahe schon üblich) stellen møl „JORD“ via Bandcamp.com für Kauf und Stream zur Verfügung.

2. Black Space Riders – Amoretum Vol. 1

   Wir bleiben erst mal beim Krach. Die Münsteraner Hardrockcombo Black Space Riders ist langjährigen Lesern meiner Musikkritiken nicht unbekannt, schon 2015 befand ich, dass es bei dieser Band mitunter vieles zu entdecken gebe. Auch ihr fünftes Album „Amoretum Vol. 1“ – ich erkenne immerhin ein Muster in der Benennung ihrer Alben – ist von Flachheit weit entfernt. „Amoretum“ ist dabei ein Kofferwort aus den lateinischen Wörtern für die Liebe und den Garten. Soll es „Liebesgarten“ bedeuten? Auszuschließen ist es nicht.

   Beim Hören von „Amoretum Vol. 1“ denke ich in Übereinstimmung mit den gelegentlich zu lesenden Vergleichen mit Hawkwind an Motörhead: Die beiden weiterhin in der Band beschäftigten Sänger (ich konnte bisher nicht ermitteln, wer am Mikrofon nun wer ist), die beide auch die Keyboards bedienen, tragen hier heiseren Gesang, gelegentlich („Lovely lovelie“, „Fire! Fire! Death of a giant“) auch Growling bei. Auch sonst hat sich bis auf einen Wechsel am Bass nicht viel geändert: Unverändert gehen die Musiker einer Tätigkeit nach, die Freunde von Spacerock, Hardrock und Psychedelic Rock gleichermaßen erfreuen mag. Dass „Amoretum Vol. 1“ außerdem „tanzbar“ sei, ein Wort, das ich als Musiker als Beleidigung empfände, ist dabei eine dennoch zutreffende Feststellung.

   Zumal sie, wenn sie nicht gerade hardrocken, newwaven: Aus der Vorbereitung für diese Rückschau entnehme ich eine Notiz meinerseits, dass ich außer an Motörhead auch an die Smiths gedacht habe, als ich „Amoretum Vol. 1“ hörte, und da ich sonst eigentlich nie an die Smiths denke, könnte das an diesem Album liegen.

   Marek Protzak schrieb:

   Wer sich von der Musik der BLACK SPACE RIDERS irgendwas mit kathartischer Transzendenz und einen Fluchtweg in den Schlaghosen-Orbit erhofft, geht auch 2018 leer aus.

   Und das, um an ungeeigneter Stelle ein Politikerzitat anzubringen, ist auch gut so. „Amoretum Vol. 2“ soll jedenfalls noch 2018 erscheinen. Ich vermute, es wird großartig sein.

   Reinhören: Bandcamp.com, versteht sich.

3. Anna von Hausswolff – Dead Magic

   „Who is she / to say goodbye?“ („The Mysterious Vanishing Of Electra“)

   Vorläufig ist’s genug des Krachs, denn wenn man immer nur Krach hört, verliert man den Sinn für das Schöne. Dabei gibt es so viel mehr als Gitarrenriffs und Geschrei, zum Beispiel Pfeifenorgeln.

   Eine solche, aufgrund ihrer Verwendung in Kirchen oft als sakral klingend wahrgenommen und hier tatsächlich in der Kopenhagener Marmorkirken herumstehend, ist das bevorzugte Instrument von Anna von Hausswolff, schwedische Sängerin, Pianistin und Künstlertochter, die seit 2010 ab und zu Alben veröffentlicht, die Namen wie „Ceremony“, „Singing from the Grave“ oder „Dead Magic“ tragen. Alles deutet auf Gothic Rock hin, aber bei Gothic Rock denke ich an The Cure und HIM und werde ein bisschen ungehalten.

   Allerdings ist das auf „Dead Magic“, auf dem außer ihr neun weitere Musiker, darunter ihr Produzent Randall Dunn, überwiegend an Saiten‑, sonst an Tasteninstrumenten zu hören sind, Aufgenommene zur Beruhigung auch nur bedingt geeignet. Wie wiederkehrende Leser vielleicht inzwischen wissen, mag ich ja herausragende Stimmen, dabei ist das Genre beinahe zweitrangig. Selbst Sarah Lesch, einer, nüchtern betrachtet, auch nur wenig anstrengenden Schlagersängerin, kann ich aufgrund ihrer Stimme etwas abgewinnen. Und verdammt, Anna von Hausswolff ist wirklich gut darin, eine herausragende Stimme zu haben. Wer einen Vergleich haben möchte, der nehme Kate Bush ohne das überdrehte Quietschen ihrer frühen Alben, Björk ohne die fürchterliche Exaltiertheit ihrer sämtlichen Alben oder finde sich einfach damit ab, dass manche Stimmen einmalig scheinen.

   In fünf Liedern, von denen zwei über zwölf Minuten lang sind, lässt die Inhaberin dieser Stimme ihr Talent brillieren; von sanft beruhigend über beschwingten Poprock („Ugly and Vengeful“) bis hin zur stimmlichen Begleitung A Silver Mt. Zion nicht unwürdigen Drone-Postrocks („The Truth, The Glow, The Fall“) ist auf „Dead Magic“ alles zu finden, immer begleitet von der Orgel, die das stimmlose „The Marble Eye“ sogar als einziges Instrument bestreiten darf. Dass das, was sie selbst „Begräbnispop“ nennt, von fröhlicher Popmusik weit entfernt sei, obwohl die Künstlerin in Interviews mitunter mitteilte, Aufnahmen ließen sie stets fröhlich zurück, möchte ich nicht bestreiten, wohl aber, dass das Album doch aufgrund der Instrumentierung und der Titel bestimmt ziemlich deprimierend klinge. Fast ist das Gegenteil der Fall. Gerade die erste Single „The Mysterious Vanishing Of Electra“, eigentlich ein Gedicht ihres längst verstorbenen Landsmannes Walter Ljungquist, sprudelt vor eigener Energie dermaßen über, dass sie auf den Hörer überspringt. Der ungemein extrovertierte Gesang, nicht nur für Verehrer Courtney Swains einen zweiten und dritten Hördurchlauf wert, tut sein Übriges. Boah! Waren die Vorgängeralben noch merklich zurückhaltender, greift Anna von Hausswolff hier in die Vollen und legt die sprichwörtliche Latte um etliche Meter höher.

   Ich wage zu schreiben: „Dead Magic“ wird jedenfalls dort, wo es sich einfindet, ein einmaliges Album im noch jungen Jahr 2018 bleiben. Wer sonst wird es nicht nur wagen, sondern auch schaffen, aus einem uncoolen Instrument so ein prachtvolles und dabei noch konstantes Werk zu schaffen? Ich bin bewegt, man sehe es mir nach.

   Reinhören: Zur erwähnten Single gibt es ein Video, ansonsten wissen Amazon.de, Bandcamp.com und TIDAL zu helfen.

4. Pipapo – Kristov in der Allee der Kosmonauten

   Als ich mich auf der Bandcampseite von Turbine Stollprona herumtrieb, um aufgrund ihrer Liedtitel („Jens Müller wollte unbedingt ihren Vater anrufen“, auf so was muss man ja auch erst mal kommen) das Album „Effekthascherei“ genauer zur Kenntnis zu nehmen als zuvor, stieß ich dort auf weitere Namen von Musikgruppen ähnlichen Typs und anscheinend auch ähnlichen Humors. Unter diesen Gruppen sah ich Pipapo und war spontan amüsiert.

   Pipapo ist ein Leipziger Duo, bestehend aus einem Schlagzeuger und einem Gitarristen, und seine Musik ist rein instrumental. Ich würde trotz meines Holzohrs neben der genannten Besetzung außerdem einen Bass erkennen, jedoch ist darüber nichts überliefert. Ob die Besetzungsliste sonst überhaupt zutreffend ist, ist unklar, denn die Liste der Musiker, die die Lieder gerecordet haben, unterscheidet sich hinsichtlich der dort notierten Initialien sehr. Mit Liedtiteln wie „Ramo Zepol at Tankstelle Bockwurst“ und „Goofy is not a Metalband, ok?“ bin ich nichtsdestotrotz versucht, dem Duo komödiantisches Interesse nachzusagen, Texte zum Nachweis gibt es jedoch nicht. Woher der Titel des Albums stammt, ist mir unklar, das Berliner Studio, in dem es aufgenommen wurde, heißt jedoch „Allee der Kosmonauten“. Nur ein Kristov ist nicht auszumachen.

   Auf die Ohren bekomme ich hier eine gelungene, von der Band „Mathrock“ genannte Melange aus Psychedelic Rock und Jazzrock, weitgehend instrumental dargeboten, obwohl gelegentlich undeutliche Rufe oder auch Lachen (was is’n der Plural eines Lachens?) ertönen, wobei die Musiker angeblich von einem sonst nicht weiter erwähnten Juri K. unterstützt werden. Das macht sich bestimmt gut im Lebenslauf. Es sind „math pop prog post chemistry“ im Internet herumliegende Stichwörter für „Kristov in der Allee der Kosmonauten“. Es folgere daraus, wer will, was er will.

   Reinhören: Via Bandcamp gibt es Kauf, Stream und T‑Shirts.

5. Plurals – Tri Tone

   Zum Jahresende 2015 war ich ungeahnt begeistert von Boris‘ überragendem Album „asia“. Ich hatte nicht angenommen, dass mich so bald noch mal ein Album so sehr fesseln würde. „Tri Tone“ von Plurals aus Südengland gibt sich trotzdem große Mühe, es zu schaffen.

   Auf ihrer (nach liberaler Schätzung) siebzehnten Veröffentlichung „Tri Tone“, veröffentlicht erst im März 2018, sind Plurals – daher womöglich der Titel des Albums – erstmals zu dritt, eines ihrer Mitglieder scheint ihnen abhandengekommen zu sein. Wie sie es so lange geschafft haben, von mir nicht bemerkt zu werden, verstehe ich selbst nicht. Da habe ich was nachzuholen.

   Aber erst einmal gilt es, den beim Musikgenuss eher lästigen Verstand abzuschalten, so gut es eben geht. Wie schon auf vorigen Alben sind auf „Tri Tone“ zwei Stücke, angeblich das Ergebnis dreistündiger aufgenommener Ideenfindung, zu hören, die jeweils über 23 Minuten lang sind und so beide LP-Seiten ganz gut füllen. Es gibt nur Vinyl oder Download. CD-Spießer sind hier nicht willkommen. Wer aber die Geduld für Vinyl hat, der wird belohnt. Überhaupt ist „Tri Tone“ sehr entschleunigend, wobei innig das wohl noch bessere Adjektiv ist. Die gespielten Drones lassen nicht viel action außer gelegentlichen Misstönen zu. „Bas Fond“, was auf Französisch laut Internet „unten“ heißt, baut sich langsam auf, begleitet von einem kammermusikalisch klingenden, grummelnd kratzenden Fundament werden den restlichen Instrumenten wenige Töne, diese dafür lange anhaltend, entlockt. Kein Schlagzeug, wofür auch? Dass überhaupt nichts passiere, ist allerdings eine Fehlannahme; die anschwellenden und abebbenden Töne, gerade auch gepaart mit dem durchdringenden Brummen, hinterlassen schon nach wenigen Minuten (bei mir waren es etwa acht) eine erstaunliche Gänsehaut, die die sich immer weiter verdichtende Musik tatsächlich nicht nur halten, sondern sogar mehren kann. Hui! Ich mag das.

   Dass „Bas Fond“ zwischendrin auch mal nach futuristischer Fabrikhalle klingt, fällt daher auch nur auf, wenn man mittendrin reinschaltet. Wer macht denn auch so was? In der zweiten Hälfte wird die Reibefläche schrittweise erhöht, aus der Wolkenreise über einer glänzenden Fabrik wird ein heraufziehendes Gewitter über verrosteten Schornsteinen. Man bleibt gespannt, wie es wohl ausgehen wird. Die Band selbst bleibt unentschlossen: Als „Bas Fond“ (etwas langweilig mit fade-out) verklingt, ist das Gewitter zwar überstanden, die Fabrik aber ist nicht mehr dieselbe, sie scheint in Flammen zu stehen. Hoffentlich ist niemandem etwas passiert.

   Im direkten Vergleich damit wirkte „Sun Lock“, das auch nicht ganz so klingt, wie es heißt, beinahe sakral, wenn nicht in den ersten Minuten immer wieder ein Paukendonner erschölle. Man meint die Sonne über einer Kapelle während einer Messe aufgehen zu sehen. Musik, die wie Naturgewalten klingt, bleibt eine Rarität, was ich bedaure. Bei bloßem Schönklang belassen es Plurals aber nicht, sondern auch diesmal, beginnend ab etwa sechs Minuten, errichten sie zunächst fast unbemerkt, aber zusehends deutlicher eine disharmonische Dystopie mit einem verzweifelten Geiger mit verstimmtem Instrument in einer zerstörten Stadt. Ich weiß nicht, ob die Band sich das so gedacht hat, aber ein guter Künstler erklärt sein Werk nun mal nicht. Nicht zum ersten Mal auf „Tri Tone“ fühle ich mich zur Hälfte von „Sun Lock“ an besagtes „asia“ erinnert, der „Talkative Lord“ scheint nicht weit entfernt, seine blecherne Stimme ist im Sturm zu vernehmen. Was er sagt, ist unverständlich, aber es klingt beinahe menschlich; oder bilde ich mir das ein? Mit seiner Rede klingt auch er selbst ab, als würde er sich auflösen oder, wie es die religiöse Mythologie vorschlägt, erleuchtet. Zum Abschied spendieren Plurals mir noch einmal eine Gänsehaut.

   Ein bisschen erleuchtet fühle ich mich nach den fast 49 Minuten, die das Album dauert, jetzt allerdings auch selbst – erleuchtet und unglaublich erschöpft. Ich bin glücklich. Doch, das trifft es.

   Reinhören: Wer sich den Spaß unbedingt selbst verderben möchte, der kann vor dem Kaufen via Bandcamp.com dort auch das Album in ganzer Länge anhören.

6. Bardo Pond – Volume 8

   Noch eine Reise? Noch eine Reise!

   Auch Bardo Pond zählen hier nicht zu den völlig Unbekannten, erst im Januar dieses Jahres feierte ich das Ergebnis ihrer Zusammenarbeit mit Acid Mothers Temple und Guru Guru, um es mal angemessen seltsam auszudrücken, voll ab. Ihr neuestes Studioalbum, diesmal wieder im Alleingang eingespielt, klingt zwar beinahe selbstverständlich weniger durchgeknallt, aber auf keinen Fall eintöniger.

   Weitgehend instrumental arbeiten die fünf US-Amerikaner auf „Volume 8“, Fünf ist auch die Anzahl der enthaltenen Stücke, die es zusammen auf etwa vierzig Minuten bringen. Ausschweifungen halten sich hier also bis kurz vor dem Ende in Grenzen. Hippieesque mit fernöstlichen Anklängen ist „Volume 8“ bereits ab den ersten Takten von „Kailash“. Genres verbieten sich weiterhin. Wer Schubladen will, der mag keine Musik. Ich mag „Volume 8“.

   „Flayed Wish“ fließt zäh aus den Boxen wie ein entspannender Trip, was das Album sowieso ganz gut beschreibt. „Power Children“ ist eine instrumentale Hippieballade, die der Wahrnehmung von Bardo Pond als (im weitesten Sinne) Psychedelic-Drone-Band eine sonst fast vergessene Nuance anfügt. Ihm folgt mit „Cud“ ein ähnliches Stück, in dem eine unverzerrte E‑Gitarre als einziges zu hörendes Instrument die Stimmung auf entspannendem Niveau halten darf.

   Der Höhepunkt und gleichzeitig der perfekte Kontrast zu „Cud“ aber steht am Ende: Das fast siebzehnminütige „And I Will“ frisst sich krautig mit heftig fuzzender Gitarre ins Ohr, Flöte und entrückter Gesang tragen selbst noch etwas dazu bei, dass man die musikalischen späten 60-er Jahre noch nicht vergangen glaubt. Die nehmen doch alle Drogen. Wie machen die das? Man sollte meinen, 17 Minuten seien lange, aber ich merke gar nicht, wie das Stück voranschreitet. Als es verklingt, kommt das jedenfalls überraschend und viel zu früh. Aber wofür gibt es denn die Wiederholen-Taste?

   Das Album, steht im Internet, versetze den Hörer in einen anderen Bewusstseinszustand. Das halte ich für untertrieben.

   Reinhören: Auch Bardo Pond sind nicht nur auf Amazon.de, sondern auch auf Bandcamp.com zu finden.

7. Sopor Aeternus & The Ensemble of Shadows – The Spiral Sacrifice

   „Ich brauch ein neues Aug‘, einen neuen Sinn“ (Everything is an Illusion)

   Die Band („Musikprojekt“, Wikipedia) nennt sich selbst den ewigen Schlaf mitsamt dem Ensemble der Schatten. Wer errät das Genre?

   Wenn ein Musiker erst einmal in der deutschsprachigen Wikipedia auftaucht und der Artikel nicht von mir erstellt wurde, dann ist er entweder schon sehr lange im Geschäft, macht furchtbare Musik oder will sich selbst im vermeintlich richtigen Licht darstellen. Auf Sopor Aeternus & The Ensemble of Shadows trifft im hektischen 21. Jahrhundert, relativ gesehen, erstere Annahme zu: Seit der Gründung im Jahr 1989 erschienen zwischen keinem und drei offizielle Veröffentlichungen beliebiger Länge und Qualität. 1994 wurde ein Album namens „…Ich töte mich jedesmal aufs Neue, doch ich bin unsterblich, und ich erstehe wieder auf: in einer Vision des Untergangs…“ auf die Öffentlichkeit losgelassen, die enthaltenen Lieder tragen Titel wie „Tanz der Grausamkeit“ und „Im Garten des Nichts“. Nicht sehr fröhlich, die Combo.

   Aber man muss ja auch nicht immer nur fröhlich herumspringen. Über den Gründer von Sopor Aeternus & The Ensemble of Shadows weiß man in der deutschsprachigen Wikipedia, dass er heute „allgemein als Frau“ lebe, wie auch immer man sich das vorzustellen hat. Ich wusste nicht mal, dass Frauen „allgemein“ anders leben als ich, vom gelegentlichen Aufsuchen eines Pissoirs abgesehen.

   Einem insgesamt eher anstrengend zu lesenden Interview mit Frontperson Anna-Varney Cantodea, was natürlich ein Künstlername ist, entnehme ich, dass die genaue Besetzung auf diesem Album eigentlich keine große Rolle spielt, denn Kreativität und somit künstlerische Identität von Sopor Aeternus & The Ensemble of Shadows ist ein Ein-Personen-Spiel.

   Gemessen daran ist das hier zu Hörende aber fantastisch, und das nicht nur im textlichen Sinne. „The Spiral Sacrifice“ ist, trotz des Coverbildes, erfreulich action-armer Kammerprog mit Streichern, wie ich ihn so zuletzt nur von den nicht minder fantastischen Eclipse Sol-Air gehört hatte. Zu dem ebenfalls ungewöhnlichen, aber zur vorliegenden Musik gut passenden Gesang, der in zehn der insgesamt 19 Stücke zu hören ist, gesellt sich zusätzlich ein schön grummelnder Bass, was insbesondere Kopfhörerbenutzern das zusätzliche Etwas geben könnte. Mit Eclipse Sol-Air verbindet die Band auch eine andere Gemeinsamkeit, nämlich die häufiger mal wechselnde Sprache. Überraschenderweise haben hier manchmal Lieder mit einem deutschen Titel englischsprachige lyrics und andersherum. Thematisch geht es um Tod, Abschied und dergleichen, was sich durch die Bandgeschichte wie ein roter Faden, der sich irgendwo durchzieht, zieht, wenn auch deutlich weniger theatralisch als zum Beispiel die auf andere Art hörenswerten Untoten. Das klingt womöglich jetzt nach einem Verriss, ist aber gar nicht so gemeint.

   „The Spiral Sacrifice“ sei „möglicherweise“ das letzte Album, ist im oben verlinkten Interview zu lesen. Falls das zutreffen sollte, ist es zumindest kein übler Abgang; falls nicht, bleibt es doch ein Album, das nicht gehört zu haben ein bisschen bedauerlich wäre.

   Reinhören: Das ist momentan auf Amazon.de und TIDAL möglich.

8. Man Mountain – Infinity Mirror

   Die allsemestrige Dosis instrumentalen Postrocks wird weiter vergrößert von Man Mountain. Über Postrock heißt es aus Kreisen, deren Banausentum hier allenfalls abschätzige Würdigung verdient haben soll, dass er immer gleich klinge. Ich teile diese Auffassung nicht, denn selbst in jenen Poströcken, die mit zwei bis vier Gitarren, Schlagzeug und Bass Wände aufbauen und wieder einreißen, kann von Gleichform keine Spur sein. Diese Musik hört man nicht, man fühlt sie.

   Womit ich zu „Infinity Mirror“ komme. Man Mountain aus ausgerechnet den USA (Michigan, heißt es) ist ein Quartett mit zwei Gitarren, einem Schlagzeug und einem Bass. Es gilt das alte Laut-Leise-Spiel, kaum besonders anders dargeboten als üblich, aber vielleicht gerade deshalb eine Erwähnung hier wert. Dauert ja auch nicht lange: Die sechs Stücke sind in 38 Minuten vorbei. Das passt noch rein. Mehr vom selben also? Natürlich!

   Trotzdem (oder: deswegen) wird auch „Infinity Mirror“ nach einem langen Tag mit Mogwai und Meniscus nicht so schnell langweilig. Wer hier keinen Unterschied hört, dem kann ich nicht helfen, zu beschreiben jedenfalls ist und bleibt er schwer. Allein der Bass könnte vielleicht etwas lauter sein. Irgendwas ist ja immer. Kopfhörer sind jedenfalls Pflicht. Zuwiderhandlung wird mit Tzk-tzk-Geräuschen bestraft.

   Reinhören: Man schaue hierzu bei Bandcamp vorbei.

9. Vvlva – Path of Virtue

   „History has shown: many good ones were killed.“ (Cryptic Faith)

   Was weiß man schon über Aschaffenburg? Oft nicht viel, aber zumindest die dortige Musikszene scheint etwas Aufmerksamkeit zu verdienen. Aus ihr nämlich entsprang das Quintett Vvlva, das man trotzdem hoffentlich wie „Vulva“ und nicht wie „Wlwa“ aussprechen soll, denn das klänge irgendwie bescheuert. Am Bass steht Dr. Michael Hock, also jemand mit aktiv genutztem Doktortitel, weiß das Internet. Von wegen Fachkräftemangel!

   Das könnte man allerdings selbst dann von der Musik nicht behaupten, jedenfalls überwiegend nicht. Die nämlich ist genau so 70er-beseelt wie man sich das vorstellt, wenn man diese Wortschöpfung zum ersten Mal liest: Auf „Path of Virtue“ spielen Vvlva einen angenehm unmodernen Blues-/Hardrock mit nach Orgel klingenden Keyboards und natürlich Fuzzgitarre. So spiel’n die Deutschen – die Deutschen, die spiel’n so. Dass sich in meinen Rezensionen diese Stile vermehrt wiederfinden, werte ich als Zeichen, dass gerade eine Retrorock-Welle durch die Musikwelt schwappt. Irgendwo muss das ja herkommen. Man würde Deep Purple und Uriah Heep Unrecht tun, behauptete man, „Path of Virtue“ klinge wie Deep Purple mit ganz anderem Gesang oder wie Uriah Heep überhaupt, sonst würde ich genau das jetzt tun.

   Nein, mit Schubladen und „klingt wie“ haben Vvlva höchstens aus Versehen was zu tun. In „Dieb der Seelen“ wird (leider zum einzigen Mal auf „Path of Virtue“) auf Deutsch gesungen, anderswo gibt es musikalische Überraschungen: Dominieren in der ersten Hälfte des Albums noch alte Meister, so wagt sich die Band später in verspielte Ecken. Das Titelstück „Path of Virtue“ etwa, das ich aufgrund seiner Qualität für so etwas wie den Anspieltipp des Albums halte, wird mit einer Art Kirmeswalzermelodie eingeleitet, bevor die Band nach einer halben Minute kraftvoll alles zu geben scheint, was sie hat. Sänger Tobias Ritter trägt im inbrünstigen Postpunkstil einen Refrain vor, der dem sonst eher bewegungsarmen Rezensenten ein wenig Mitgewackel auf dem Stuhl entlockt, dazwischen brillieren die Instrumentalisten mit energiereicher Siebzigerei. Dass zum Abschluss des Albums mit „Second Voice“ ein lahmes Classic-Rock-Liedlein ertönt, dessen wenigstens erste Hälfte ich zu überspringen empfehle, trübt den Eindruck kaum. Die anderen sieben Stücke kann einem ja niemand mehr nehmen.

   „Path of Virtue“ sei, heißt es, das Debütalbum von Vvlva. Davon bitte gern mehr!

   Reinhören: Vvlva sind, man ahnt es, außer auf Amazon.de auch auf Bandcamp.com zu finden.

10. Shob – Karma Obscur

    Seit einiger Zeit beginne ich Wochen gern damit, meine Leser mit Musik zu bereichern, auf dass der Montag etwas von seinem Schrecken verliere. Im April dieses Jahres traf es Shob, was laut Onlineübersetzer ein russisches, wahrscheinlich aber ein völlig frei erfundenes Wort sowie der Künstlername eines französischen Bassgitarristen ist.

    Für „Karma Obscur“, nach „Pragmatism“ (2015) das erst zweite veröffentlichte Album des Herrn Shob, hat er sich prinzipbedingt eine Vielzahl an Gästen ins Studio bestellt oder sie sonstwie auf das Album bekommen. Ich zähle insgesamt 17 beteiligte Musiker, wobei diese natürlich nicht gleichzeitig überall zu hören sind. Sängerin Laurène Pierre Magnani aus eingangs verlinktem Stück scheint etwa nur dort zu hören zu sein, der Rest der Stücke ist gesanglos, obgleich in der Besetzungsliste zumindest auch Monkey D’Beasty (die Schreibweise scheint Absicht zu sein) als Beatboxer zu lesen ist. Über die einzelnen Gäste ist nur wenig zu finden, die Ausnahmen scheinen aber vor allem im Jazzrock aktiv zu sein.

    Das spiegelt sich auch auf „Karma Obscur“, anscheinend ein Wortspiel mit „Camera obscura“, wider, in dessen musikalischem Inhalt, man höre insbesondere „The right move“, weitgehend Instrumentalfunk mit deutlichem Jazzeinschlag gespielt wird, was die Anwesenheit zweier Trompeter, eines Saxophonisten und eines Posaunisten sicherlich begünstigt. Dass die Musiker dazwischen (etwa gegen Ende von „Straight Ahead“) auch mal hart rocken oder dem Mathrock („Except I’m 65“) frönen, im Titelstück „Karma Obscur“ gar crimsonesque ans Werk gehen, ist dabei so beachtens- wie hörenswert.

    Andere Rezensenten beschreiben „Karma Obscur“ im unerklärten Konjunktiv als „Funk-Prog für die anspruchsvolle Hörerschaft mit einem unermüdlich komplex groovenden Bassgitarristen“ zusammen. Das kann man so gelten lassen.

    Reinhören: Schwierig – warum nicht mal über Bandcamp?

11. Hinds – I Don’t Run

    And all these random melodies sound again“ (Finally Floating)

    Spanien ist nicht nur für seine Lebensmittel, seine Siestas und seine bedauerliche Innenpolitik bekannt, sondern ist auch in meinen halbjährlichen Rückblicken bisher ein wenig zu kurz gekommen. Das soll sich mit Hinds nun ändern. Hinds („Hirschkühe“) hießen bis 2014, weiß das Internet, Deers („Hirsche“), aber die ungeahnt unhöfliche und mir unbekannterweise bereits jetzt unsympathische kanadische Musikgruppe The Dears hielt das für keinen so guten Namen.

    Die Umbenennung hatte aber nicht nur negative Folgen (wahrscheinlich war in der Folge etwas organisatorischer Aufwand vonnöten), sondern auch positive: Die Hinds sind seit ihrem Bestehen – anfangs als Duo, inzwischen als Quartett – eine ausschließlich von Frauen geführte Gruppe. Dass diese ihr aktuelles Album ausgerechnet „I Don’t Run“ nannte, was sämtliche Vorurteile über Frauensport… aber ich schweife ab.

    Der Titel des Albums verrät es bereits: Trotz teilweise landessprachlicher Anfänge ist die hier dominante Sprache Englisch. Das finde ich gut, denn gesungenes Spanisch steht in meiner absteigend nach Rümpfigkeit sortierten Naserümpfliste nur aufgrund des Italienischen nicht an erster Stelle. Aber auch musikalisch ist das, was auf „I Don’t Run“ zu hören ist, nicht zu verachten: Was von der Band selbst (oder wenigstens ihrer Vermarktungsabteilung) „Garagenpop“ genannt wird, hört sich wie eine sehr sommertaugliche Surfrockvariante mit einer gehörigen Portion von heutigen Jugendlichen schon wieder fast vergessener Indiegaragenmusik (The Hives, The Strokes und so weiter).

    Dass die Hinds wenigstens gesanglich noch ein wenig Riot-Grrrl-Pathos hinzufügen, indem sie den mal ein- („New For You“), mal mehrstimmigen („Finally Floating“) Gesang nicht popstarhaft in das ansonsten Gehörte einflechten, sondern ihn als schrillen Kontrapunkt präsentieren, rundet „I Don’t Run“, wie ich meine, erst ab. Wer zu lange nichts von The Velvet Underground gehört hat, dem dürften Hinds ebenso große Befriedigung verschaffen wie all jenen, die deren späte Nachfolger im Geiste leider verpasst haben. Es lebe Spanien, sozusagen.

    Reinhören: Wie auch die Vorgängeralben gibt es „I Don’t Run“ auf Bandcamp.com zum Stream und Kauf in vielerlei Formaten.

12. Brother Grimm – Home Today, Gone Tomorrow

    „Who put ‚Sax‘ in ‚Saxony‘?“ (Still Afraid of Germany)

    „Home Today, Gone Tomorrow“ ist beileibe kein Märchen. Der Interpret Brother Grimm, der zwar wirklich Grimm, nicht jedoch wirklich Brother heißt, kommt ausgerechnet aus Berlin, macht aber Musik, die gar nicht klingt wie Musik aus Berlin. Im blöde herumgenrenden Web kann man (hier: jemand von seiner Plattenfirma „NOISOLUTION“ aus ebenfalls Berlin) sich zwischen „Geisterhausblues“ und „Albträume[n] in Fuckmoll“ gar nicht so recht entscheiden. Will man es? Ich will es nicht.

    Stattdessen höre ich so unvoreingenommen wie möglich, was Brother Grimm mir zu erzählen hat. Das ist leichter, wenn man sich erst Notizen zum Album macht und dann ein wenig Hintergrundgeschichte recherchiert. Zum Glück bin ich Profi; wenngleich sich meine Professionalität zu meinem eigenen Bedauern auf das bloße Hören beschränkt, Brother Grimm aber ist Macher.

    Was es ist, das er macht, in wenige einfache Begriffe zu fassen ist aber auch für mich nicht leicht, denn auch „Home Today, Gone Tomorrow“ ist ein Album der Vielfalt. Brother Grimms gebrochener und dennoch intensiv-warmer Gesang verleiht jedem Lied eine beachtliche Intimität, gewiss ist sonst nichts, nicht mal die Richtung, die im nächsten Moment eingeschlagen werden wird. Irgendwo im musikalischen Geflecht zwischen Scott Walker, David Bowie und Nick Cave suchte man nicht allzu verkehrt, begäbe man sich denn überhaupt auf eine Suche.

    Das eröffnende „A Letter to Bob“ bin ich als Akustikdoom zu beschreiben versucht, „Sharp’s the Word“ hingegen als Noiserock mit mehr als nur ein bisschen Bluesbeifügung. Moll und Blues: Häkchen dran. Das gilt für die beiden erstgenannten ebenso wie die folgenden Stücke. Mit „The Black Lodge“ folgt aber erst einmal ein Instrumentalstück, düstere („Geisterhaus-“?)Elektronik mit gelegentlichen Ausbrüchen. Fröhlich wird es auf „Home Today, Gone Tomorrow“ auch nicht mehr, da können noch so viele Titel wie „Aloha“ auftauchen. Wie auch „Echoes“ ist dieses eher betrüblich. Wer dazu tanzt, ist selbst schuld. Unbedingt hörenswert ist der Freistilteil in der Mitte von „Aloha“ aber trotzdem, begleitet von unheilvollen Akkorden. Aloha!

    Die musikalische Weltreise von Brother Grimm setzt das Weltmusiklied „Born Under Punches“ fort, mit dem angejazzten „Still Afraid of Germany“ wird es beinahe ein wenig radiotauglich, obwohl ich annehme, dass gängige Radiosender Lieder ohne Mitklatsch‑4/4‑Takt gar nicht erst anhören wollen. Das Titelstück, eine erschreckend gefällige Ballade mit Gitarre und klopfendem Bass, geht schließlich über in einen „Hidden Track“, eine recht noise-umklammernde Coverversion von ausgerechnet David Bowies „Heroes“, deren Darbietung aufgrund des herausgenommenen Tempos und der Instrumentaleskalation beinahe bedrohlich wirkt und deswegen ein stimmiger Abschluss für ein Album ist, das genau auf dieses versteckte Stück hingearbeitet zu haben scheint. Passt!

    Reinhören: Ratet mal!

13. Vantomme – Vegir

    Kommen wir von einem Einzelkämpfer zu einer Zusammenarbeit.

    Der belgische Pianist, Komponist, Produzent, Mellotronist (u.a.) Dominique Vantomme hat für sein diesjähriges Album „Vegir“, auf dem kein Gesang stattfindet, mindestens gleichwertig prominente Unterstützung gefunden. Während am Schlagzeug der vergleichsweise unbekannte Jazzschlagzeuger Maxime Lenssens sitzt, steht Michel Delville (The Wrong Object, douBt, Machine Mass) an der Gitarre, gleichfalls meist im Jazz und dessen Spielarten aktiv. Nicht aus Belgien, eigentlich nicht einmal aus dem Jazz stammt hingegen der Mann am E‑Bass und am Chapman Stick, nämlich der umtriebige Tony Levin (King Crimson, Liquid Tension Experiment, Stick Men).

    Mit dessen dominantem, melodischem Bass ist konsequent während des gesamten Albums zu rechnen, was im Jazzrock – und darum handelt es sich bei „Vegir“ – grundsätzlich ein gutes Zeichen ist. Die Grundstimmung ist entspannt, gar smooth, auch wenn Michel Delville von vornherein („Double Down“) den Groove mit mancher verspielter, mitunter temporeicher Freiform bereichert. Gelegentlich fühlt man sich so an die 80er- und Mitt-90er-Aufnahmen von King Crimson und deren ProjeKcts erinnert. Außer Jazz- und gelegentlich („Agent Orange“) auch Postrock darf sich der Schubladenfreund auch auf RIO/Avant („Sizzurp“) freuen, dargeboten mit Professionalität einer- und Freude am Experimentieren andererseits. Immer bloß Jazz, so schön er auch ist, wäre unter dem Niveau der vier Musiker, sie müssen niemandem mehr beweisen, dass sie Regeln beherrschen. Sie zu überwinden ist die wahre Kunst.

    „Vegir“ sei, schrieb Thoralf Koß anderswo, ein „progressives Jazz-Rock-Album voller Harmonie und Experimente“ und das ist fast noch ein bisschen untertrieben. Eines jedenfalls ist es unbedingt: Nicht schlecht.

    Reinhören: Auf YouTube gibt es diverse Videos, unter anderem eines, auf dem die Musiker beim Spielen von „The Self Licking Ice-cream Cone“ zu sehen sind. Das gesamte Album in voller Länge gibt es via Bandcamp.com und Amazon.de als Stream und Kauf, leider aber nicht auf Vinyl.

14. Sammal – Suuliekki

    „Suuliekki“ heißt auf Finnisch „Mündungsfeuer“. Trotzdem hat sich das finnische Quintett Sammal für sein drittes Album ein wenig Zeit gelassen, der Vorgänger „Myrskyvaroitus“ wurde immerhin schon 2015 veröffentlicht. Bemerkt habe ich die Band jedoch selbst erst 2018, das auf „Suuliekki“ enthaltene „Ylistys ja kumarrus“ läutete im April eine Woche ein.

    Von einer „kauzigen“ und „pittoresk schrulligen“ Gruppe ist im Web die Rede, wenn versucht wird, Sammal zu beschreiben, was meinem ersten Eindruck durchaus entspricht. Das könnte mit dem Gesang zu tun haben, der nach dem Intro im Titelstück einsetzt und in der Landessprache stattfindet, was eigentlich sehr gut, aber doch ungewöhnlich klingt und „Suuliekki“ einen beinahe folkigen touch verleiht. Auf mindestens einem Pressefoto zum Album stehen die fünf mehrheitlich haarigen Herren folgerichtig in einem Wald herum. Warum sich auf dem Coverbild zwei Pinguine anscheinend prügeln, weiß ich aber nicht.

    Die Musik selbst allerdings ist weit von Volksmusik entfernt, stattdessen höre ich Neoprog mit viel Keyboard (wer auch die leider aufgelösten Beardfish mag, der möge sich hier eingeladen fühlen), manchmal („Vitituksen valtameri“, was für eine faszinierende Sprache!) auch mit etwas mehr Gitarre. „Neoprog“ ist aber vielleicht auch etwas hoch gegriffen, denn, wie sich das für skandinavische Bands gehört, bringen Sammal eine gehörige Portion retro mit. Hatten wir schon einen Vergleich mit Uriah Heep? Hier haben wir noch einen.

    „Am Ende“, schrieb „Mario“ für das „HandwrittenMag“, seien Sammal aber „einfach nur Sammal“, für einen Geheimtipp seien sie jedenfalls zu schade. Dem kann ich beipflichten und hoffe, hiermit meinen Beitrag zur Verbesserung geleistet zu haben.

    Reinhören: Auf Bandcamp.com kann man das Album zwar hören und kaufen, aber leider zurzeit nur als „digitales Album“, also als flüchtige Kopie. Für Anspielen und handfeste Tonträger rate ich zu Amazon.de.

15. Chromium Hawk Machine – Annunaki

    Keine Sorge: Mit Enten hat „Annunaki“ nichts zu tun. Die eigentlich anders geschriebenen Anunnaki waren, glaubt man ausnahmsweise den Inhalten der Wikipedia, vielmehr die mesopotamischen Götter der Unterwelt.

    Um so erstaunlicher ist es, dass ausgerechnet eine Space-Rock-Gruppe ein Album dieses Titels aufnimmt, denn mit dem Weltall hat die Unterwelt ja nur bedingt etwas zu tun. Chromium Hawk Machine aus den USA sind das Ergebnis einer Zusammenarbeit von Helios Creed, Gitarrist von Chrome, und Nik Turner, mit einer Unterbrechung bis 1984 bei Hawkwind an Saxophon und Flöte tätig. Das könnte den Bandnamen erklären. Mit ihnen in der Band ist Jay Tausig an Schlagzeug, Synthesizern und Bass, der aber, so weit ich das herausgefunden habe, nie in einer Gruppe gespielt hat, die irgendwas mit „Machine“ hieß. Vorn auf dem genreüblich schrecklichen Coverbild prangt jedoch vor allem der Name Nik Turners in genreüblich schrecklicher Schrift, der dort als einziger der drei Musiker komplett in Großbuchstaben zu lesen ist. Ehre, wem Ehre gebührt. Laut Internet ist „Annunaki“ bereits seit 2017 zu haben, die Bandcampseite zum Album behauptet aber, die Veröffentlichung sei erst am 28. Februar 2018 erfolgt. Ich bin mal mutig und nehme es in diese Liste auf.

    Das Album beginnt mit hektischem RIO/spacigem Jazzrock unter bestmöglicher Ausnutzung der Stereotechnik, nicht unähnlich der Hochphase von Gong, vermengt mit Sprachfetzen: „Cosmic Explosion“, bereits eine Viertelstunde lang, ist genau das, was sein Titel behauptet. Erstmals erscheint (verzerrter) Sprechgesang, den sich auf dem Album Nik Turner und Helios Creed teilen, wie anderswo zu lesen ist. Ich wage keine Zuordnung, stelle aber fest, dass Spacerock und Sangeskunst miteinander tendenziell eher mittelgut harmonieren.

    „Time and Terraforming“ und „Buttercups and Poppeyfields“ sind nervöser Industrial/Noise/Stoner Rock mit Flöte, Saxophon und Klimax, vermutlich war hier eher der Chrome-Teil federführend. Im „Titelstück“ – naja, „Annunaki Come“ – wird wieder mehr gesprochen als gesungen, was gut ist, denn der Sänger orientiert sich auch hier an den Gong der 1970-er Jahre. Daevid Allen war nie ein besonders überragender Darbieter von Melodien. Bei „Another System (The Adam is Born)“ handelt es sich um eine Art melodischen Spacefolk, mein Hirn assoziiert sofort Circulus, aber auch The Moody Blues; es folgt ein ausgedehnter Instrumental-Industrial-Teil mit zusehends stärkerem Jazzfundament.

    Überraschungen? Aber gern! „Crying Moon, Dying Sun“ ist der schwer schleppende Gegensatz zum vorherigen Stück. Es ist 32:26 Minuten lang. Andere machen mit dieser Zeit ein ganzes Album voll. Es gibt groovenden Bass und schneidende Gitarre, etwa zur Hälfte auch ein wenig Can in ihrer besonders rohen Frühphase und vergleichbar krautig-elektronische Zeitgenossen. „They’re Buying Time“ und „My Fuzzy Fantasy“ sind schließlich zwei schön groovende, luftige Spacerock-Kleinode mit (wiederum) Flöteneinsatz zum Abschluss des Albums. Auch „My Fuzzy Fantasy“ kommt nochmals auf beinahe 20 Minuten Dauer, insgesamt bekommen Chromium Hawk Machine hier eine Stunde und 46 Minuten und damit zwei CDs voll, ohne dabei irgendwelche Längen zu erzeugen, die man lieber schnell überspringen möchte.

    Da wäre jedes Reinhören beinahe verschwendet. Wer es denn unbedingt trotzdem tun möchte: Bandcamp.com steht zur Seite.

16. Neurosenblüte – Disziplin AKUT

    Im Sommer 2016 tauchte erstmals die bizarre Hamburger Musikgruppe Neurosenblüte in meinem Wahrnehmungsfeld auf. Ich freute mich damals über eine „Rezension, die sich sozusagen von allein schreibt“, indem ich einfach den Werbetext zum Album übernahm.

    Auch diesmal haben sie selbst einen geschrieben. Auch diesmal ist er besser als alles, was ich dazu schreiben könnte:

    Auf DISPLIZIN AKUT verzichten wir auf jeglichen Gesang und liefern ein etwa einstündiges Instrumentalbum, das sich wieder mal unsittlich quer durch die Musik fummelt.

    Neben Reihentechniken und freier Atonalität gibt es natürlich wieder reichlich krumme Dinger, Polymetrik aus dem stevesten Reich, eine klassische „Sweet“, die sich nicht gewaschen hat und ein wenig improvisierten Schabernack, als nervenerodierende Intermezzi.

    Auf der Bandcampseite zum Album ist außerdem zu lesen:

    Comes in a nice „Kartonstecktasche“.

    Welches andere Album kann das schon von sich behaupten?

    Reinhören: Na gut, einmal Bandcamp geht noch.

    War es das schon? Fast! Weitere Alben im Schnelldurchlauf:

17. Cabbage – Nihilistic Glamour Shots

    Trotz textlicher Ärgernisse – so scheint „Molotov Alcopop“ etwa ein Loblied auf Molotowcocktails zu sein – ist „Nihilistic Glamour Shots“ wenigstens musikalisch undoofer Postpunk (beziehungsweise Country, „Exhibit A“) mit 70er-Charme. Amazon.de.

18. Malady – Toinen toista

    „Toinen toista“ ist epischer (allein „Nurja puoli“ ist bereits 23 Minuten lang!), mitunter crimsonesquer Psychedelic Rock aus Finnland mit Flöte, Streichern und unpeinlichem Gesang in der Landessprache. SoundCloud, TIDAL, Amazon.de.

19. le_mol – Heads Heads Heads

    Hier gibt es instrumentalen, um Soundscapes herum entwickelten Postrock aus Wien mit großen Vorbildern zu hören: Das dritte Stück, auf dem es dann endlich auch einmal etwas lauter wird, heißt „le_mol fear Mogwai“, aber die beiden Österreicher arbeiten daran, selbst eine Furcht einflößende Gitarrenband zu werden. Bandcamp.com.

20. BlackWater HolyLight

    Die US-amerikanische Damencombo BlackWater HolyLight spielt auf ihrem Debütalbum einen erstaunlich dunklen Bluesrock mit Postpunkanleihen, der trotz des Bandnamens doch erfreulich unchristlich heraufdonnert. Bandcamp.com.

21. Hot Snakes – Jericho Sirens

    Kalifornische, energetische Rockmusik, der man ihre sommerliche Herkunft begeistert anhört. Bandcamp.com.

22. Demob Happy – Holy Doom

    Was aussieht wie Doom und heißt wie Doom, ist manchmal gar kein Doom, sondern beatlesquer Sommerrock – und damit jetzt gerade genau das Richtige. Amazon.de, TIDAL.

23. DDENT – Toro

    Ausgerechnet Franzosen errichten unter Zuhilfenahme instrumentalen, fantastisch dröhnenden Post-Metals mit flirrenden Gitarren bunte Klangwelten, die gelegentlich den Ausbrüchen Meniscus‘ wenigstens ähneln. Bandcamp.com.

24. Black Moon Circle – Psychedelic Spacelord

    In einem einzigen fast 47-minütigen Stück exerzieren die mir zuvor unbekannten Norweger Black Moon Circle gemeinsam mit den Synthesizern des Øresund Space Collectives den im Hardrock der 1970er Jahre verwurzelten, psychedelisch gejammten Spacerock mit Gesang, Orgel und Geige (Geige!) vortrefflich durch. Bandcamp.com.

Und sonst so? 2018 erst mal nichts, in den letzten Jahrzehnten dafür eine Menge!

2. Alt und schön.

• Vor 40 Jahren:

  1978, nach dem Hardrock und vor dem New Wave, befand sich die Musikwelt in einer Kreativität fördernden, weil instabilen Phase. Der in großen Schüben erfolgende Umbruch in der Musik rückte einstige Konstanten aus dem Blickfeld, Cans zehntes Studioalbum Out of Reach hieß insofern schon ganz richtig. Ausgerechnet die Rolling Stones zollten auf Some Girls sowohl dem Punk („Shattered“) als auch der Discomusik („Miss You“) Tribut. Die im Vorjahr gegründete italienische Punk- und spätere New-Wave-Band Decibel veröffentlichte unter dem Namen Punk ihr Debütalbum, ließ aber später leider kein Album namens „New Wave“ folgen. Während sich wenigstens Jethro Tull mit Heavy Horses noch bedingungslos treu blieben, ob nun im Guten oder im Schlechten, war das Ende der Veränderungen noch längst nicht erreicht: In England nahm die Punkband Warsaw ihr erst 1994 veröffentlichtes Debütalbum auf, beschloss aber noch während der Aufnahmen eine Namensänderung. Sie sollte fortan als Joy Division bekannt werden.

• Vor 30 Jahren:

  Zehn Jahre später war außerhalb des undergrounds nicht mehr viel Bewegung zu verzeichnen: Während dort Skinny Puppy mit VIVIsectVI verstörten, die kurzlebige Thrash-Metal-Band Realm mit Endless War debütierte und die arbeitswütige Post-Punk-Gruppe The Fall ganze zwei Alben (The Frenz Experiment und I Am Kurious Oranj) veröffentlichte, implodierte das, was oft als „Deutschrock“ verallgemeinert wird: Die noch nicht gänzlich zu einer lauteren Schlagerband verkommenen Toten Hosen vertonten auf Ein kleines bisschen Horrorschau die ungefähre Handlung von „Uhrwerk Orange“, die Droogs von den Die Ärzte – das „Die“ sei, heißt es, Teil des Bandnamens und damit nicht zu deklinieren – hingegen ließen ihre Karriere im gleichen Jahr mit einem mittelgroßen Knall (Das ist nicht die ganze Wahrheit …, Nach uns die Sintflut, anschließend Auflösung) ein vorläufiges Ende nehmen.

• Vor 20 Jahren:

  Die inzwischen, geringfügig umbesetzt, wieder vereinten Die Ärzte veröffentlichten 1998 auf 13 das bis heute einzige Lied ihrer Karriere, das ihnen bis heute peinlich ist. Es wäre falsch, sie dafür anzuprangern, denn auch der Autor dieser Zeilen durchlebte im selben Jahr eine im Nachhinein recht peinliche Phase, prall gefüllt mit den gerade aktuellen Werken von Madonna, WestBam, Space Frog, Fatboy Slim, Music Instructor und dergleichen. Dass 1998 außerdem Tortoise mit TNT und Ruins mit Vrresto unbedingt hörenswerte Alben veröffentlichten, konnte ich nicht ahnen. Zum Glück hat sich das später gelegt.

• Vor 10 Jahren:

  2008 begann der Aufstieg der anscheinend bis heute bestehenden Rockband 1000 Robota, die im selben Jahr eine EP (Hamburg brennt) und das Album Du nicht er nicht sie nicht auf den Markt werfen ließen. Seit 2010 gab es jedoch kein weiteres Album von ihnen. Auch Cogs herrliches Sharing Space blieb das letzte Album vor deren Auflösung. Gerade erst angefangen haben auch die deutschen Postrockwunder Dear John Letter mit Between Leaves | Forestal, dem ich „zeitnah“, wie es auf Neudeutsch heißt, eine Rezension gewidmet hatte. Ob sie noch existieren, weiß ich leider nicht, einige der Mitglieder machen mit Carpet jetzt jedenfalls nicht mehr ganz so gute Musik. Weiterhin existieren ihre Landsleute von Blackmail, die 2008 das Album Tempo Tempo veröffentlicht haben, und auch die Macher des Albums Violently Delicate, die israelischen Musiker von Eatliz, sind bis heute zusammen, wenn auch nach mancher Umbesetzung längst nicht mehr so berauschend wie noch vor einem Jahrzehnt. Man wird sehen, wie ich in zehn Jahren darüber urteile.

Für heute jedenfalls ist hier Schluss – meinen Dank an alle ausdauernden Leser.

Wie üblich gilt: Habe ich ein Album übersehen, freue ich mich unter Umständen – so lange Phil Collins nicht mitspielt – über einen Hinweis. Der zweite Teil wird, ebenfalls wie üblich, voraussichtlich am Jahresende folgen. Hoffentlich macht das Jahr in dieser Qualität weiter!

Kommentare

• Hirnfick 2.0 » Kurzkritik: Merzbow, Keiji Haino, Balazs Pandi – An Untroublesome Defencelessness schrob am 20. April 2019 dies: […] einer Redepause intensiviert sich ein Fabrikhallen-industrial, wie ich ihn unter anderem bei Plurals schon zu hören das Vergnügen […]
• Hirnfick 2.0 » Kurzkritik: le_mol – White Noise Everywhere schrob am 31. Mai 2020 dies: […] Furcht einflößende Gitarrenband ist das Wiener Shoegazeduo le_mol entgegen meiner Vermutung bisher nicht geworden, obwohl es auf seinem vierten Album mitunter doch recht bedrohlich zugeht: […]

‘Musik 12/2017 – Favoriten und Analyse’ weiterlesen »]]> Ein seltsames Jahr 2017 ist fast zu Ende und hat in seiner zweiten Jahreshälfte noch schnell ein paar einflussreiche Musiker, darunter die Hälfte von Can (Jaki Liebezeit und Holger Czukay), John Abercrombie, Walter Becker und Charles Manson, den jeweils nächsten Tag nicht mehr erleben lassen. Zum Glück wachsen immer wieder neue Musiker nach, die sich auf alte Tugenden besinnen. Von einigen von ihnen soll heute anlässlich des zweiten Teils der besten Musikalben 2017 die Rede sein.

Da der erste Teil merklich kürzer als üblich geraten war, blieb für den zweiten natürlich eine Menge Musik übrig. Vorzeitig befasst hatte ich mich seit Juli bereits mit den aktuellen Alben von Ex Eye, OHHMS, Hundredth, Reflections in Cosmo, Igorrr, L’Effondras und The Narcotic Daffodils. Dennoch war das Jahr noch produktiv genug für eine lange Liste an noch unausgesprochenen Empfehlungen.

Nämlich für diese:

1. Lang und breit.

1. Bröselmaschine – Indian Camel

   Bevor Helge Schneider sich dem Klamauk, wie man heute so schön sagt, opferte, war die Profession, mit dem ihn die Menschen wohl am meisten verbanden, die einigermaßen seriöse Musik, für die er heute zu Unrecht vergleichsweise wenig bekannt ist. In den 1970-er Jahren etwa spielte er in der schon namentlich ziemlich cannabisumwölkten – im Wortsinne – Krautrockband Bröselmaschine, zu der er später, zuletzt im Jahr 2005, gelegentlich wieder zurückkehrte.

   Die Band Bröselmaschine aus ausgerechnet Duisburg, aus deren Mitte vor allem der Gitarrist Peter Bursch, dessen Lehrbücher zwecks Erlernens des Gitarrenspiels wohl eine gewisse Bekanntheit erlangt haben, sich immer mal wieder auf allerlei Bühnen zu sehen ist, hatte ihr viertes und bis dato letztes Studioalbum „Graublau“ 1985 veröffentlicht, seitdem gab es zwar noch manche Konzerte, jedoch keine neuen, allgemein erhältlichen Stücke mehr. Mit „Indian Camel“ wurde dieser Umstand nun korrigiert: 32 Jahre nach dem Vorgängeralbum hat sich eine siebenköpfige Besetzung, darunter die erst 2014 eingestiegene Sängerin Liz Blue, mit drei Gästen, zu denen auch Helge Schneider am Saxophon statt, wie einst, als Organist gehört, zusammengefunden, um einen vertonten Haschtag – nicht: hashtag – aufzunehmen, der diese Rückschau angenehm entspannt einleiten darf.

   Dass mit „Children of the Revolution“ ein Lied von T.Rex, mit denen Bröselmaschine vor Jahrzehnten bereits gemeinsam aufgetreten waren, als Coverversion auf „Indian Camel“ zu finden ist und bei der Gelegenheit als prima Rockmusikstück auch beredt Zeugnis über die Wandlungsfähigkeit der Gruppe ablegt, ändert nichts an der Eigentümlichkeit, die „Indian Camel“ umgibt. Im Titelstück wird wie auch an anderer Stelle – passend zum Namen – Indisches mit Weltmusik und Blues mit akustischer Gitarre verbunden. Irgendwo im Web ist von einem „hypnotischen Trip“ die Rede, von einer „Nummer für die Geschichtsbücher“ gar, und ich mag angesichts mancher klanglicher Grausamkeit des Jahres 2017 da auch gar nicht widersprechen.

   Reinhören: Schnipsel gibt es auf Amazon.de, den Rest auf TIDAL.

2. Ulver – The Assassination of Julius Caesar
   „Sigh, my heart, but do not break“ (Coming Home)

   Über den altrömischen Feld- und Kriegsherrn Julius Cäsar, anfangs bestechender, schließlich erstochener Herrscher des Römischen Reiches kurz vor der sog. „Zeitenwende“, ist manches gesichert bekannt, manches jedoch romantisierte Erfindung. Der Romantisierung selten verdächtigt wird das norwegische Sextett Ulver, das seinen anfänglichen typisch skandinavischen Black Metal schon bald nach seiner Gründung diversifizierte. Sein diesjähriges Studioalbum „The Assassination of Julius Caesar“, anderswo als das „einzige relevante Depeche-Mode-Album“ des Jahres bezeichnet, schafft das Kunststück, gleichzeitig für Metal- und Pop-Blogs von Interesse zu sein, wofür die Musik nicht einmal unbedingt etwas kann.

   Tatsächlich wird hier klanglich tief in die New-/Dark-Wave-Kiste gegriffen. Den gezogenen Vergleich teile ich persönlich nicht, denn wo Depeche Mode zäh wabern, haben es Ulver mehr mit düsterem Dröhnen. In einer einfacheren Welt wäre dies hier vermutlich schlicht „elektronische Tanzmusik“, aber dieses Etikett ist seit der Discowelle untauglich geworden. Ich höre die jüngste, düsterste Inkarnation von Crippled Black Phoenix („So Falls The World“) ebenso wie – in den freiförmigeren Momenten – Faust und Neu! („Rolling Stone“). Textlich ist die Zeit der Cäsaren nur ein Teil des Umfassten, es geht um mancherlei prominenten Tod der vergangenen Jahrzehnte und Jahrtausende, darunter auch die Morde der „Family“ des vor kurzem verstorbenen Charles Manson („1969“). Anspruch darf es ja immer auch noch sein.

   Natürlich täuscht das nicht darüber hinweg, dass Ulver hier eine Kiste entstauben, die man meist lieber geschlossen lässt, nämlich die der musikalischen 80-er Jahre, aber sie tun es mit Stil und ohne Käsekeyboards, was allein schon eine Erwähnung wert wäre; dass Ulver es insgesamt schaffen, dass mir ein Album, dessen Inhalt anderswo schlicht als „Synthie-Pop“ beschrieben wird, gut gefällt, tut ein Übriges. Das Beste allerdings bleibt, dass nicht abzusehen ist, wie das Nachfolgealbum klingen wird, denn Ulver bleiben ungern stehen. Ich jedenfalls empfehle ein kurzes Innehalten zwecks Genusses dieses Albums.

   Reinhören: Ulver streamen auf Bandcamp.com, aber auch Amazon.de ermöglicht kurzes Anhören und Kauf.

3. Gnod – Just Say No To The Psycho Right-Wing Capitalist Fascist Industrial Death Machine

   Gelegentlich schlendere ich durch Geschäfte, die tatsächlich Filialen besitzen, also „offline“ existieren, und schaue dort die einschlägigen Vinylangebote an. Manchmal begegne ich interessanten Neuauflagen sehr geschätzter Altwerke, selten aber auch mir bis dahin völlig unbekannte Alben, deren Aufmachung allein mich neugierig macht. So ging es mir auch bei „Just Say No To The Psycho Right-Wing Capitalist Fascist Industrial Death Machine“ von Gnod: Würde das Enthaltene wirklich so liebenswürdig schlecht sein wie es den Anschein hat?

   Überraschend stellt sich heraus: Das ist tatsächlich der Fall. Gnod – Debütalbum: „Ingnodwetrust“, Spaß an der Sache bringen die Musiker also mit – ist eine britische Band, der trotz ihrer Selbstbeschreibung als „Psych-Electronic-Combo“ und ihrer Herkunft von manchen Rezensenten das Etikett „Krautrock“ angeheftet wird, was über das Prinzip der Etikettierung selbst manches aussagt. Musikalisch stecken außer Faust und Can hier nämlich durchaus andere Überraschungen drin: Trotz beachtlichen Wortreichtums ist das Gebotene im Prinzip prima Postpunk.

   Man möge sich von dieser schlichten Beschreibung nicht irreleiten lassen, denn Gnod, eine „Band unheiliger Kakophonie“ (Benjamin Bland, „Drowned in Sound“) geben in der Tat mehr Musik preis als die Genrekollegen Sleaford Mods, deren karges Tun regelmäßigen Lesern bereits im Juli begegnet sein könnte, und machen auch vor einem Genreübergriff in den Industrialbereich nicht Halt. Thematisch wie musikalisch ist „Just Say No To The Psycho Right-Wing Capitalist Fascist Industrial Death Machine“ ein Album der totalen Verweigerung, griffige Mitbrüll-Protestmusik ist hier nicht zu erwarten. Gnod begegnen ihrer feindlichen Umwelt stattdessen mit fünf teils langen Stücken („Stick In the Wheel“ ist über 12 Minuten lang) in recht unterschiedlicher Manier: „Bodies For Money“ beginnt mit jaulender Gitarre und klassischem Garagen-Punk, geht dann über in einen beinahe jazzigen Mittelteil, in dem der Refrain ungeduldig klingend gesprochen wird, eskaliert schließlich aber anschwellend in ein fabelhaftes Instrumentenspektakel. Während das zehnminütige „People“ auch mit seinem erneut total durchdrehenden Endteil eher im New Artrock zu Hause ist, bewegen sich „Paper Error“ und „Real Man“ augenscheinlich im schlichten Punkrock, fallen aber auf den zweiten Blick beziehungsweise Hör dadurch auf, dass die Band neben dem, was vielleicht anderswo Geschrammel hieße, eher einen psychedelisch-repetitiven Hardrock spielt, der in der Klischeepunkkneipe nicht verstanden würde. Sänger Neil Francis drängt sich niemals in den Vordergrund, was eine angenehme Abwechslung zu manch anderer Brüllpunkband, etwa aus Düsseldorf, darstellt.

   „Stick In the Wheel“ schließlich vermengt vor allem in den ersten drei Minuten Postpunk mit Industrial, um dann plötzlich einen instrumentalen, „krautigen“ RIO/Avant-Teil einzuläuten, der so schnell verschwunden wie gekommen ist, um Platz für acht Minuten ausgedehnten Elektrojazzes zu machen, der (vielleicht unbewusst) rhythmisch Talk Talks einmaliges „Desire“ ebenso zitiert wie lateinamerikanische Tänze. Ein Stock im Rad der Genrefetischisten? Möglich wär’s. Einfach „Nein“ sagen? Ich sage „Ja“ – jedenfalls zu Gnod.

   Reinhören: Stream und Kauf stellt die Band auf Bandcamp.com zur Verfügung, auf YouTube kann man einen Auszug aus einem ihrer Liveauftritte ansehen.

4. Circle – Terminal

   Die wuselige Gruppe Circle ist jedenfalls mir zuerst Ende 2011 begegnet. Die umtriebige finnische Band überrascht nach wie vor mit einer enormen Veröffentlichungsfrequenz: Seit der Gründung im Jahr 1991 erschien eine Vielzahl an EPs, Live- und Studioalben, man benannte sich für die Dauer eines Albums (nämlich „Frontier“ von 2013) in Falcon um und wieder zurück. „Terminal“ ist der erstaunlich lange erwartete Nachfolger des 2015 veröffentlichten Albums „Pharaoh Overlord“ und nach konservativer Schätzung – also abzüglich des teilweise aus älteren Singles zusammengesetzten „Kollekt“ – das 31. Studioalbum der Band.

   Momentan hat sie sieben Mitglieder, nach wie vor an Bord ist Gründer, Bassist und Sänger Jussi Lehtisalo, der sich neben Circle als Mitglied oder wenigstens Gast noch verschiedene andere Bands (darunter die beachtlichen Kirvasto, Grumbling Fur und Ektroverde) hielt oder noch hält. Andere zeitgenössische Musiker bringen es nicht einmal auf eine einzige, sind aber bekannter und beliebter. Kreativität wird nicht mehr belohnt. Das ist schade für Circle, denn so entgeht ihnen eine Menge verdienter Aufmerksamkeit.

   Natürlich gibt es auf „Terminal“, man möge nicht von plötzlichem Identitätsverlust ausgehen, gewohnte Circle-Kost, nämlich vorzüglichen Stoner- und Spacerock, der auch diesmal wieder nicht klingt wie etwas, was man schon hundertmal gehört hat. Intensive, hypnotisch-repetitive Rhythmen mit ebenso intensivem Gesang (und Geschrei) des unverändert großartigen Mika Rättö dominieren die knappe Dreiviertelstunde Laufzeit, durchsetzt mit spannenden Einfällen; in „Rakkautta al dente“ etwa scheint auch mal folkiger Mittelaltermetal durch.

   Eigentlich ist auf „Terminal“ also alles wie immer – und es ist wie immer prima.

   Reinhören: Auf Amazon.de kann man in „Terminal“ hinein- und es auf TIDAL vollständig hören.

5. Bask – Ramble Beyond

   Wir wechseln nun wieder das Land und mit ihm den Kontinent: Aus Nordamerika, nämlich North Carolina, stammt das Quartett Bask, was auf Deutsch entweder „Sonnen“ und „Aalen“ oder gar nichts bedeutet, weil das Übersetzen von Eigennamen ja immer so eine Sache ist. Erfahrene Sprachbenutzer wissen, dass mit so Sachen besser nicht leichtfertig verfahren werden sollte.

   Auf „Ramble Beyond“ gibt es in sechs Stücken, naturgemäß allesamt nicht gerade in Supermarktradioformat, donnernde Musik zu hören, die weitgehend als einigermaßen psychedelischer Hard-/Stoner-Rock („unverfälschter Rock“ schreibt Nadine Schmidt auf „Metal.de“) zu identifizieren ist, wenngleich „The Lonesome Sound“ passenderweise eher als allerdings recht energiereicher Bluesrock durchgehen mag. Ab Beginn („Asleep in the Orchard“) vernehme ich erfreut, dass der Gesang hier nicht unnötig dominant gemischt ist, sondern sich stattdessen sozusagen als stimmliche Leadgitarre in das Gesamtkonzept einfügt. Es herrschen melodiefreudige Gitarrenspiele und Rhythmus, als seien Post- und Hardrock eine Allianz eingegangen, die jedenfalls ich so reif und kantenlos auch noch nie wahrgenommen habe. Ich mag das.

   Andreas Schiffmann notierte zu „Ramble Beyond“:

   „Ramble Beyond“ ist (…) ein in sich stimmiges, nachhaltiges und episches, vor allem aber sehr eigenständiges Werk im Kontext des andauernden Vintage-Rock-Treibens, irgendwo zwischen Prog, Post und Weltraum, falls das Sinn ergibt.

   Das kann ich so stehen lassen.

   Reinhören: Bandcamp.com stellt Stream und Kauf zur Verfügung.

6. The Electric Family – Terra Circus

   The Electric Family ist ein 1996 von Tom Redecker gegründetes kommunenähnliches – daher wohl der Name – Musikprojekt, an dem sich immer mal wieder verschiedene Musiker aus unterschiedlichstem Umfeld, darunter die mittlerweile verstorbenen Volker „Mist“ Kahrs (Grobschnitt) und Hagen Liebing (unter anderem Die Ärzte), beteiligt haben. „Terra Circus“ ist nach einer Veröffentlichungspause von etwa zehn Jahren das fünfte Studioalbum der Band, die neben ihren Eigenkompositionen auch gelegentlich Lieder anderer Künstler neu einspielen. Auf „Terra Circus“ sind es zwei – aber fangen wir vorn an.

   „Vorn“, das ist in diesem Fall das eröffnende „Movin‘ “, das eingängiger, aber sehr gefälliger Mitwippbluesrock ist. Fast wäre es radiotauglich, wäre das Stück nicht doppelt so lang wie Radiosender es heutzutage zulassen. Der Gesang wirkt auf mich etwas überpathetisch, aber daran soll es nicht scheitern. Es folgt die erste Coverversion: „Lucrecia, My Reflection“ ist genau das, wovon der musikalisch erfahrene Leser sofort beim Lesen ausgeht, wenn auch mehr an Elvis Presley oder dem Blues-/Country-Rock von Bela B als an den Sisters of Mercy orientiert. Anders Becker entlockt der Elektronik manches Space-Zirpen, ein ausgedehntes Gitarrensolo bestimmt die zweite Hälfte des Stücks.

   Auch „When Dizzyness Comes Around“ lässt sich die Vorliebe der Musiker für Artverwandtes deutlich anmerken: Velvet Undergrounds oft vergessenes „Squeeze“, die Soloalben von Bela B und die ersten zwei Alben von Roxy Music existieren hier prächtig nebeneinander. Das folgende „Mary, Mary, so Contrary“ ist ebenfalls eine Coverversion eines Klassikers, allerdings eines noch älteren, denn das Original erschien auf dem offiziellen Debütalbum „Monster Movie“ der Krautrockpioniere Can. Die verrückte Psychedelik dieses Originals weicht in der Version von The Electric Family einer sommerlich-leichten Stimmung, was zum übrigen Album fraglos gut passt. Eigenständigkeit geht eben auch mit Coverversionen.

   „Landmark Visions II“ ist sozusagen die Fortsetzung von „Landmark Visions“ vom 2002 aufgenommenen „Ice Cream Phoenix“, diesmal jedoch nicht ganz so lang. Die bei The Electric Family allgegenwärtige Gitarre soliert, leider nur sehr kurz, hier angenehm disharmonisch. Apropos „sehr kurz“: „Santuario“ ist ein nicht einmal drei Minuten langes elektronisches Zwischenspiel, das ungefähr so klingt, wie man sich indische Housemusik vorstellen würde, wenn man – wie der Schreiber dieser Zeilen – Housemusik nicht so gut kennt. „Terra Circus“ endet schließlich mit „Name the Dreamboat“, das abermals schön ungeduldiger Gitarrenbluesrock ist, aber sich eines Postpunkeinschlags nicht erwehren kann. Statt Gesangs wird hier gesprochen – nicht die einzige Gemeinsamkeit mit den unvergleichlichen The Fall und allein schon ein Grund, in „Terra Circus“ einmal bewusst hineinzuhören.

   Reinhören: Und zwar entweder auf Amazon.de oder auf TIDAL.

7. The Hirsch Effekt – Eskapist
   „Lustlos, achtlos / fällt ihm denn nicht mal was Neues ein?“ (Xenophotopia)

   Das bedauerlicherweise aus Hannover stammende Trio The Hirsch Effekt, für das sich bezahlte Schreibschergen irgendwann einmal das Nonsensgenre „Artcore“ überlegt haben, hat mich mit jedem seiner ersten drei Alben in doppeltem Sinne vom Stuhl gehauen. Feinsinn ist langweilig.

   Nach dem Abschluss der „Holon“-Trilogie im Jahr 2015 weigerte sich die umbesetzte Gruppe, sich völlig neu aufzustellen. Warum auch? „Eskapist“, der Titel deutet es an, ist eine Flucht nach vorn, eine Verbindung zwischen den orchestralen Teilen der ersten und dem wilden Brett der letzten „Holon“-Platte. Die Titel sind so gewohnt kryptisch wie die Melodien, surreale Grafik ist zu sehen und zu hören.

   Es wird also dem Djent, dem technischen Metal, dem Math-Wasauchimmer gefrönt. Gesang, Geschrei, Growls wechseln einander ab, ohne unabsichtlich peinlich zu sein. Die Stücke – auch das kennt man von früher gehen zum Teil ineinander über. Von den zwölf enthaltenen Kleinoden greife ich einfach mal quasi willkürlich sechs heraus, die trotzdem beispielhaft für die ganze Band stehen: Da wäre „Xenophotopia“, das textlich und eben auch melodisch immer noch an „Holon“ anknüpft; das 42 Sekunden lange Artpop-Instrumental „Coda“, das „Natans“ und „Berceuse“ verbindet; das fast zweiminütige „Tardigrada“, das gegen Ende vermutlich absichtlich wie eine leiernde Schallplatte klingt; das Streicherstück „Nocturne“, das als Einleitung „Aldebaran“ voransteht; das Artrocklied „Inukshuk“ mit dann doch wieder typisch bretterndem Bandsound zum Ende; endlich „Lysios“, das 14:14 Minuten feinsten Metals bietet, von den Musikern allerdings mit steigender Laufzeit zu einem wahren RIO-Feuerwerk hochgepeitscht wird. Die Lust am Lärm ist eine reiche, soll aber keineswegs verbergen, dass das „Eskapist“ beherrschende Thema die Fassungslosigkeit über eine Gesellschaft, die nur mehr existiert statt lebt, ist: „Warum kommt es mir so vor, als ob die halbe Welt einfach Schafe zählt?“ („Berceuse“), was die richtige Frage zum immerwährend richtigen Zeitpunkt ist und bleibt.

   Zum Abschluss von „Eskapist“ verblüffen The Hirsch Effekt nochmals mit einer ihrer trotzdem typisch dystopischen Wunderlichkeiten, mit denen ihre Studioalben, stets als Gesamtwerk konzipiert, meist enden: „Acharej“ ist eher im New Age als in der wilden Gitarrenmusik zu Hause, der sauber, also ungebrüllt, intonierte Text ist genau das Erwartete, was auch immer man erwartet, wenn man „Acharej“ liest, von The Hirsch Effekt aber bisher nichts kannte: „Kein Zurück mehr (…) ich bin der Einzige hier.“ Ob der Nachfolger von „Eskapist“ wohl daran anknüpfen wird?

   Die Vinylversion von „Eskapist“ kommt mit einer CD-Beilage und aufgedruckten Texten, was gleich zweimal praktisch ist: Man muss die LP nicht selbst digitalisieren und kann, sofern man nicht gerade in feiner Gesellschaft ist, auch ungestraft mitbrüllen. Immer nur filigran zu sein ist nicht befreiend.

   Reinhören: Angemessen deprimierende Videos zu „Lifnej“, „Berceuse und „Inukshuk“ hat die Band selbst auf YouTube zur Verfügung gestellt oder stellen lassen oder so.

8. Katie Von Schleicher – Shitty Hits

   Katie Von Schleicher – mit Schmidtchen Schleicher, bekannt aus der Folklore, vermutlich weder verwandt noch verschwägert – ist eine junge US-amerikanische Künstlerin, die seit 2015 – ihr eigenproduziertes eigentliches Debüt „Silent Days“ von 2012 einmal außer Acht gelassen – alljährlich einen Tonträger befüllt mit dunkelster Popmusik, von der „Spex“ etwas übertrieben „Rumpelkammerpop“ genannt, veröffentlicht beziehungsweise veröffentlichen lässt. Es mag die Echtheit von „Shitty Hits“ augenscheinlich beschädigen, dass es, anders als seine beiden Vorgänger, nicht (oder noch nicht) auf Audiokassette erhältlich ist, denn eigentlich ist so eine Kassette für ein Album wie „Shitty Hits“ die ideale Darreichungsform.

   Auf „Shitty Hits“ ist entgegen des Titels weder etwas scheiße noch ein wirklich radiotauglicher Hit, stattdessen wird über die Dauer von elf Stücken eine drückende, aber doch intime Atmosphäre aufgebaut, mal bedrohlich knarzend („Nothing“), mal verletzlich („Mary“); selbst das tatsächlich beatlesque „Life’s a Lie“ – „Portishead treffen auf die Beatles“ untertitelte man beim „Guardian“ dieses Album und wurde damit eigentlich niemandem gerecht – besitzt eine klangliche Sperrigkeit, die mit Worten zu beschreiben nicht eben eine einfach zu lösende Aufgabe ist. Zola Jesus – die hatte ich hier schon mal – würde sich in meinem Kopf gern als Vergleich bewerben, also verweise ich erst einmal auf sie.

   Die Künstlerin fasst auf ihrer Bandcamp-Seite die enthaltene Musik derzeit so zusammen:

   Die Lieder sind schrecklich und müssen partout so laut sein.

   Man kann sie aber auch leise hören.

   Reinhören: Naja, Bandcamp halt.

9. Nick Prol & The Proletarians – Loon Attic

   Bei Nick Prol schreiben sich die Namenswitze sozusagen von allein, deswegen macht er gleich selbst einen: Als selbstbenannter „Lärmmacher“ steht er dem Quartett The Proletarians vor, das neben ihm aus zwei Dritteln des Experimental-Rock-Trios The Mercury Tree (das dritte Drittel, Oliver Campbell, ist auf „Loon Attic“ allerdings als Gast zu hören) sowie Dave Newhouse von den Muffins besteht. Er selbst, Nick Prol, hat wohl kein reiches Bandportfolio vorzuweisen, das aber auch nicht nötig: „Loon Attic“ wurde von ihm ursprünglich allein aufgenommen, die Proletarians wurden erst für die Neuaufnahme zwecks Veröffentlichung ins Leben gerufen.

   Als Musik, die denen gefällt, die „Loon Attic“ mögen, empfiehlt Bandcamp.com außer den vermutlich wenig überraschenden The Mercury Tree auch Bent Knee und Aquaserge. Ich selbst – beim Versuch, die unglaublich vielseitige Musik auf „Loon Attic“ zu ordnen – entdecke Cheer-Accident, Utopianisti, Primus, Henry Cow und Caravan; will sagen: schlicht ist nicht. Jazz-Artrock, Canterbury („8th Wonder“), Hardrock („Nameless“) und nicht auf bloßes Ufftata zu reduzierende Zirkusmusik überraschen in jedem Takt. Zu den weiteren Gastmusikern auf „Loon Attic“ zählen unter anderem Dave Willey (Hamster Theatre, Thinking Plague), der in „8th Wonder“ diverse Instrumente bedient, und Thymme Jones (Cheer-Accident; Schlagzeug, Trompete und Moog in „Shiny and Round“), was dann auch wieder großartig passt.

   Was man an „Loon Attic“ offensichtlicherweise kritisieren könnte, wenn man das denn möchte, ist, dass statt weniger umfangreicher lieber viele kurze Stücke enthalten sind: Die insgesamt 23 Lieder sind mit nur zwei Ausnahmen jeweils (oft deutlich) unter vier Minuten lang. Umso erfrischender ist es zu hören, was die Musiker aus der kurzen Spielzeit herausholen können. Das Verständnis von Musik als Komik ist in den letzten Jahrzehnten der Professionalisierung vieler Genres leider ein wenig abhandengekommen. Nick Prol trägt seinen Teil dazu bei, dass der Canterbury-Stil (cf. Matching Mole) mehr ist als eine bloße klangliche Einsortierung: „Loon Attic“ ist – im einfachen Wortsinne – ein komisches Album. Prima!

   Reinhören: Anscheinend werden Interessierte derzeit nur auf Bandcamp.com fündig.

10. Black Country Communion – BCCIV
    „Sometimes quick and sometimes slow“ (The Crow)

    Zurück zu etwas erdigerer Musik.

    Von 2009 bis Anfang 2013 existierte eine Hardrockband namens Black Country Communion, die mit Glenn Hughes (vorher bei Deep Purple und Black Sabbath), Jason Bonham (unter anderem bei UFO, Foreigner und Led Zeppelin), Derek Sherinian (Dream Theater) und dem Bluesrock-Solisten Joe Bonamassa das abgenutzte Etikett „Supergroup“ trotzdem nicht zu Unrecht trug. Nachdem Black Country Communion sich infolge des Soloerfolges von Joe Bonamassa nach ihrem dritten Studioalbum „Afterglow“ vorübergehend getrennt hatten, das Nachfolgeprojekt California Breed jedoch schnell ein Ende gefunden hatte, dauerte es nur wenige Monate, bevor eine erneute Zusammenarbeit der vier Musiker für das Jahr 2017 bekannt gegeben wurde. Das Ergebnis heißt schlicht „BCCIV“ (über den Namen müssen hier keine weiteren Worte fallen) und ist ein Hören durchaus wert.

    Dass die Beteiligten sich das Recht auf eine Inszenierung als das, was man im Schnodderrock „Poser“ nennt, längst verdient haben, wissen sie und lassen dieser Inszenierung mit großen, ausladenden musikalischen Gesten („The Cove“) freien Lauf. Der Blues- und Folk-Anteil ist gering, krachender Hardrock („Sway“) überwiegt. Das soll natürlich nicht heißen, dass Joe Bonamassa nicht an den Liedern mitgewirkt hätte: In seinem passend betitelten „The Last Song for My Resting Place“, das so klingt, wie es heißt, ist sogar eine Fiddle zu hören. Der Mann versteht sein Handwerk und bleibt prägnant: „BCCIV“ ist mehr Deep Purple als AC/DC und das ist, wie ich einfach mal annehmen möchte, auch sein Verdienst.

    „BCCIV“ ist ein erfreuliches Album, die Wiederkehr von Black Country Communion erfolgte ohne erkennbaren Qualitätsverlust. Warum andere zeitgenössische Musikgruppen das nicht auch schaffen, weiß ich nicht. Ich könnte mich darüber gesondert aufregen, aber ich habe mir fest vorgenommen, über Musikalben, die nicht gut sind, im hier gegebenen Rahmen keine weiteren Zeilen zu verschwenden, weshalb ich das jetzt auch einfach lasse. Keineswegs lassen sollte jedoch jeder Leser ein Reinhören in „BCCIV“.

    Reinhören: Wer TIDAL-Abonnent ist, der wird dort fündig, ansonsten gibt es Amazon.de.

11. Boris – Dear
    „Nobody wants to pick up that nostalgia“ (Memento Mori)

    Boris sind zurück und tragen ihre Drones aus limitierten Kleinstauflagen (siehe „asia“) mit ihrem erst 22. Studioalbum „Dear“ wieder in die Masse, sofern man bei der Zielgruppe, die hier bedient wird, überhaupt von „Masse“ sprechen sollte und nicht von Klasse.

    Von Zugänglichkeit kann weiterhin keine Rede sein, das überlassen die drei Japaner dann doch ihren Alter Egos, die gelegentlich zumindest gefällige Standard-Rockalben veröffentlichen. Beim Hören von „Dear“ derweil fühle ich mich immer wieder an das hörenswerte „Soused“ von Sunn O))) erinnert, denn hier treffen Gitarrenerdwälle auf entrückten, wenn auch merklich weniger exaltierten Gesang als ihn Scott Walker auf vorgenannter Scheibe zum Besten gab: mal geflüstert, mal gerufen, aber immer hallend, denn Hall ist gut.

    Keine Zeit zum Ausruhen: Es brodelt, poltert und dröhnt, von irgendwo zerreißt ein Schlagzeug die Augenblicke. Rockmusik? Unsinn: „DEADSONG“ ist ein Lied, aber was für eines! Wie ein auf halber Geschwindigkeit abgespieltes, leierndes Tonband, das absichtlich neu eingespielt wurde, ist dieses Stück angenehm verwirrend. Mit dem unvermittelt einsetzenden „Absolutego“ wird das Ohr desjenigen, der weniger Experimente gewohnt ist, mit einer doch recht gut abgehenden Fassung einer Lenny-Kravitz-trifft-Rammstein-Fiktion (im Internet werden Alice in Chains genannt und damit hat das Internet völlig recht) vorübergehend zurückgewonnen, bis es schließlich merklich an Geschwindigkeit verliert und in Schreien über schleppendem Rhythmus ausklingt. Die Abwechslung zwischen Brummen mit Gesang (großartig auch: „Kagero“), Art- („Biotope“) und avantgardesquem Noiserock wirkt dabei nicht einmal zerrissen, sondern um so stimmiger.

    „Easy Listening“? Bei Liedlängen zwischen vierdreiviertel („Memento Mori“) und fast 12 („Dystopia – Vanishing Point“) Minuten ist davon nicht auszugehen. Wo Boris draufsteht, ist, pardon!, Boris meist auch drin – auch 2017 wirkt das noch besser als jedes Qualitätssiegel; jedenfalls, so lange es das Qualitätssiegel „ohne Phil Collins“ noch nicht gibt. Ein durchweg schlechtes Album von Boris existiert nicht. Isso.

    Reinhören: Wer bis hierhin durchgehalten hat, der ahnt, was kommt – ein Link zu TIDAL und ein Link zu Amazon.de nämlich.

12. Lunatic Soul – Fractured
    „And the broken hearts will not break through my mind“ (Battlefield)

    Wenn schlechte Musiker nicht ausgelastet sind, weihen sie Möbelhäuser ein oder fangen die Schauspielerei an. Wenn hingegen gute Musiker nicht ausgelastet sind, rufen sie neue Musikprojekte ins Leben. Mariusz Duda, Sänger und Bassist der polnischen Progressive-Rock-Band Riverside, die erst 2016 das seltsame Album „Eye of the Soundscape“ veröffentlicht hat, gehört zweifellos letzterer Gruppe an. Sein hauptsächliches Nebenprojekt heißt Lunatic Soul.

    Falls man annimmt, dass nicht alles, was so Musiker tun, in einer frei erfundenen Gedankenwelt stattfindet, so ist Lunatic Soul ein wesentlich intimeres Projekt als Riverside. Dass letzterer Band 2016 der Gitarrist Piotr Grudziński ebenso wie in den Jahren zuvor diverse Menschen aus Mariusz Dudas Umfeld mittels Sterbens abhandengekommen war, ist laut verschiedenen Interviews einer der Gründe, warum das Konzeptalbum „Fractured“, das, passend zum Titel, größtenteils ziemlich zerbrechlich („Anymore“) klingt, so eine nachdenkliche Stimmung verbreitet.

    Die Ohren – die Seele sowieso – werden auf „Fractured“ mit einem merkwürdigen Jazz-Elektro-Dance-Rock, der Musikhörer, die schon etwas länger dabei sind, an die frühen 1990er Jahre erinnert, konfrontiert, der oft nach The Notwist und Depeche Mode, manchmal (etwa im Titelstück) auch nach Eloy klingt. Als Quintessenz des Albums aber mache ich „A Thousand Shards of Heaven“ aus, das nicht nur mit traurigen Streichern, sondern auch mit einem Text überzeugt, der schon beim Lesen Fragiles zeigt:

    You can say that I am yearning
    for something that’s already gone
    but I am not a prisoner

    Uff.

    Reinhören: Warum nicht mal Amazon.de oder TIDAL? Zum ganz guten „Anymore“ (YouTube), zum Titelstück und zu „Moving On“ (YouTube) gibt es im Übrigen auch offiziell scheinende Musikvideos.

13. The Dream Syndicate – How Did I Find Myself Here?

    Im Jahr 1963 gründete der US-amerikanische Komponist und Musiker La Monte Young das Theatre of Eternal Music, ein Kollektiv zur Umsetzung minimalistischer Kompositionen, in deren Fokus Drones standen. Zu den frühen Mitgliedern des Ensembles gehörten die späteren Velvet-Underground-Musiker John Cale, Angus MacLise und Sterling Morrison ebenso wie Terry Riley. Das Theatre of Eternal Music löste sich erst 2003 auf, war bis dahin aber längst auch unter dem Namen The Dream Syndicate bekannt geworden, was vermutlich mit der Serie von frühen Musikaufnahmen namens „Inside the Dream Syndicate“ zu tun hat.

    1981 stellte der aufstrebende Gitarrist Steve Wynn gemeinsam mit seiner damaligen musikalischen Weggefährtin Kendra Smith eine Band zusammen, die sich infolge einer Anregung des Schlagzeugers Dennis Duck eben The Dream Syndicate nannte. Das ist in so Tauschbörsen manchmal etwas verwirrend: John Cale spielt hier nicht mit. Bassistin Kendra Smith sang auf dem hörbar von Neil Young und natürlich The Velvet Underground beeinflussten Debütalbum, mit dem The Dream Syndicate den „Paisley Underground“, eine Art musikalischer Szene in Los Angeles, die den Psychedelic Rock, den Pop und vor allem die Velvet Underground der 1960er Jahre kultisch verehrte, sozusagen unabsichtlich aus der Taufe hoben, das famose „Too Little, Too Late“ und verließ die Band bereits 1983, der Rest der Gruppe blieb nach Personalwechsel bis 1989 aktiv, um dann 2012 von Steve Wynn wieder ins Leben gerufen zu werden. Aus der letzten Besetzung von 1989 übrig geblieben sind neben ihm Dennis Duck und der 1984 eingestiegene Bassist Mark Walton, neu hinzugekommen ist Gitarrist Jason Victor.

    Im Februar 2017 wurde das erste neue Studioalbum von The Dream Syndicate seit 1988 angekündigt, es erschien schließlich im September unter dem Namen „How Did I Find Myself Here?“. Verlernt haben sie nichts, das Quartett schafft es noch immer, die Musik von damals nicht nur zu konservieren, sondern aufzubereiten: Die späten The Velvet Underground, später bekanntlich vorzüglich imitiert von den Dandy Warhols, standen hier hörbar Pate, im Titelstück klingt auch mal Pink Floyd an. Im Oktober kürte ich das Lied „80 West“ zur Montagsmusik und hatte mir dabei schon etwas gedacht, denn dessen Kontrast zwischen bassgetrieben schepperndem Indierock und den guten, alten Drones bringt „How Did I Find Myself Here?“ komprimiert auf den Punkt. „Like Mary“ ist tatsächlich noch älter, es entsprang frühen Bandproben und wurde erst nach über 30 Jahren für dieses Album erstmals offiziell aufgenommen.

    Heimlich ist auch Kendra Smith wieder zurück: Das letzte Lied „Kendra’s Dream“ wurde nicht nur von ihr (laut Internet als Bewusstseinsstrom) verfasst, sondern wird auch von ihr vorgetragen. Dass mich das Lied in der ersten Hälfte auffallend an „All Tomorrow’s Parties“ erinnert, mag zum Teil an Kendra Smiths tiefer gewordener Stimme liegen, vor allem aber wahrscheinlich an der musikalischen Darbietung selbst, die nach einem ziemlich rockigen Album noch trippiger, noch mehr am Funk orientiert ist.

    Ich habe „How Did I Find Myself Here?“ einem Härtetest unterzogen, indem ich es ausgerechnet auf dem Weg nach Hannover erstmals hörte. Ich hatte beim Aussteigen immer noch gute Laune, das Album hat den Test also bestanden. Endlich mal wieder ein würdiger Vertreter für mein bevorzugtes Topalbenattribut „Geile Scheibe“ und eventuell durchaus mein Album des Jahres 2017.

    Reinhören: Die Plattenfirma selbst hat sämtliche Stücke des Albums auf YouTube hochgeladen, woraus ich folgere, dass es dort komplett zu hören empfohlen ist.

14. Pingvinorkestern – Look – no hands!
    „Close / close / close the door!“ (Happy)

    Auch beim Pingvinorkestern haben wir es – das ist tatsächlich nur Zufall, schschwör – mit einer Band zu tun, die sich zumindest geringfügig mit der Modernisierung alter Meister befasst: Das im Internet als „exzentrisch“ bekannte Penguin Cafe Orchestra, das ursprünglich von 1972 bis 1997 existierte und sich nach dem Tod ihres Gründers Simon Jeffes in verschiedenen Besetzungen verschiedene Namen gab, inspirierte das personell unabhängige schwedische Quintett zu seinem Namen.

    An der Besetzung fällt auf, dass alle fünf Musiker sowohl slagverk als auch ukulele spielen. Popmusik sieht zum Glück ganz anders aus. Laut Selbstbeschreibung spielt das Pingvinorkestern „poporientierte postmoderne Kammermusik mit humoristischen Untertönen“, was sich irgendwie nach dem Original anhört, aber diese Band hier ist anders, erinnert sie mich doch viel mehr an die gloriose Kammerrockband broken.heart.collector. Man möge allerdings auch hier darauf verzichten, mit dem Genreetikettendrucker unvorsichtig zu hantieren: Abwechslung muss sein!

    Dem Penguin Cafe Orchestra nicht unähnlich sind immerhin das Titelstück und „Stora moerdarbacken“, was immer das heißen mag: RIO und instrumentale Klezmermusik finden hier wie selbstverständlich zueinander. Bei „Stay“, „Free Fall“ und „Save Me“ handelt es sich um beachtlichen Artpop mit Gesang, wobei insbesondere letzteres Stück mit nach meinem unmaßgeblichen Geschmack wunderschönem Chorgesang überzeugt. Am kraftvollen und stilistisch überraschenden Rockstück „Happy“ kann ich nur kritisieren, dass es mit unter zwei Minuten deutlich zu kurz ist.

    Folk- und Countryfreunde werden womöglich mit „Walk Slowly“ und „Honk“ höchst zufrieden sein, unsereins kommt zu einem anderen Zeitpunkt wieder herein: „If You’re a Dreamer, Come In“ klingt mal wieder so, wie es heißt: Die Band baut mit reichlich Perkussion eine psychedelische, nahezu pinkfloydesque Wunderwelt auf, aus der man am Ende mit einem Türklingeln aufgeschreckt wird. Humor? Oh ja.

    Reinhören: Stream und Kauf gibt es via Bandcamp.com.

15. Cobra Family Picnic – Magnetic Anomaly

    Ein Album wie eine Mondlandung, das sich in die Reihe der Musikalben, die so heißen, wie sie klingen, ganz gut einreiht, haben die fünfeinhalb US-Amerikaner von Cobra Family Picnic im Mai 2017 hervorgebracht. Groovender, in den 1960er Jahren wurzelnder Spacerock mit elektronischem Flirren, schwebendem Gesang und hypnotischem Bass, irgendwo nahe Hawkwind einer- und Baby Woodrose andererseits angesiedelt, bestimmt die 38 beziehungsweise (in der aus unklarem Grund etwas längeren CD-Fassung) 47 Minuten.

    „Magnetic Anomaly“ ist allerdings auch ein Album der Gegensätze, was den drei Zwischenspielen namens „Interplanetary Travel“, die wohl eine Art Rahmenhandlung darstellen sollen, geschuldet ist, die, wie der versierte Mathematiker und/oder Informatiker weiß, fälschlich als „001“, „011“ und „111“ nummeriert sind und verschieden schwere Klanglandschaften abbilden. In „Interplanetary Travel 011“ ertönt sogar Vogelgezwitscher, was im Weltraum gleich mehrfach merkwürdig ist. Der Gesamtqualität von „Magnetic Anomaly“ schadet diese rüde Unterbrechung jedoch nur geringfügig.

    Der Schreiber dieser Zeilen jedenfalls verbrachte die 47 Minuten Spielzeit von „Magnetic Anomaly“ völlig losgelöst von der Erde und empfiehlt, den nun entstandenen Ohrwurm schnellstmöglich wieder zu vergessen und sich stattdessen auf die Verstandesreise zu begeben, die „Magnetic Anomaly“ ist.

    Ganz famos.

    Reinhören: Ich schlage abermals Bandcamp.com vor, Amazon.de ist aber auch in Ordnung.

16. Hibushibire – Freak Out Orgasm!

    „Alter!“

    Das war die erste Notiz, die ich beim Anspielen der vorliegenden Musik verschriftlicht habe, und wiederholte Leser meiner Texte nehmen vermutlich zu Recht an, dass ich nicht ohne einen guten Grund dazu neige, meine Sprache altersmäßig dermaßen weit zurückzudrehen, aber es gibt tatsächlich musikalische Werke, denen eine sonstwie erwachsene Sprache nicht gerecht würde.

    Wenn ein Tonträger schon „Freak Out Orgasm!“ heißt, dann erwartet man meist entweder eine Frank-Zappa-Reverenz oder andersartig total durchgeknallten Hörgenuss. Hier haben wir es mit Letzterem zu tun, was ich gut finde, weil ich total durchgeknallte Hörgenüsse mag und Frank Zappa nicht.

    „Hibushibire“ heißt laut Quellen, deren Japanisch zumindest besser ist als meines, ungefähr „Geheimnis der Taubheit“, was ich nicht verstehe, weil ich bislang annahm, Geheimnisse seien nur dann als Geheimnisse qualifiziert, wenn man sie nicht per Lautsprecherwagen durch rege wuselnde Großstädte transportiert und sie überdies mit „Achtung, hier kommt ein Geheimnis!“ anmoderiert, wobei das Japanische natürlich eine dermaßen hintersinnige Sprache ist, dass „Hibushibire“ in einem, glaubt man dem virtuellen Waschzettel zu „Freak Out Orgasm!“, alten japanischen Pornodialekt – ich finde es etwas schade, dass mir gerade kein alter deutscher Pornodialekt einfällt, von Sächsisch einmal abgesehen – auch „Ausrastorgasmus“, „freak out orgasm“ also, heißen kann. Japaner sind merkwürdig. Die drei hier beteiligten Musiker „heißen“ Chang Chang, Ryu Matsumoto und 821, was ein so schöner Name ist, dass ich ernsthaft hoffe, niemals eine Frau zu finden, die möchte, dass ich ihrem Kind einen Namen gebe, denn sonst wird das Kind mich später hassen, und bei „Freak Out Orgasm!“, fünf Jahre nach der Gründung des Trios veröffentlicht, handelt es sich laut verschiedenen Quellen entweder um das Debütalbum oder um den/die/das Debüt-EP der Gruppe, also noch nicht einmal ein richtiges Album, aber in einer Zeit, in der Musikalben ohnehin kaum noch mehr als eine halbe Stunde lang sein müssen, insbesondere dann nicht, wenn es um irgendwelche Geldesel geht, die es zu melken gilt, weshalb wenig „Musik“ auf so viele separate Verkaufseinheiten verteilt wird wie es irgendwie möglich ist, ohne dass die Schar der Anhänger allzu schnell verärgert ist und ihr Taschengeld nicht mehr herausrückt, sind EPs von 39:18 Minuten Länge schon aus wirtschaftlicher Sicht bemerkenswert. Wie lang das erste Vollzeitalbum wohl sein wird? Wie lang ist so eine japanische Vollzeit?

    Die vier enthaltenen Stücke, angeblich an nur einem Tag aufgenommen, heißen „Lucifer’s My Friend“ (die Krautrockband ähnlichen Namens ist an dieser Stelle völlig egal), „Hallucination Valley Blues – Flying Shiva Attack – Hallucination Valley Blues (Reprise)“, „Trepanation Breakdown“ und „Deep Throat River Holy Mountain High“, wobei letzteres Stück mit fast 20 Minuten Länge eigentlich zusammengefasst schon völlig reichen würde, um jedem Leser dieses Absatzes, der einen mit dem meinen vergleichbaren musikalischen Vogel hat, sozusagen die Ohren wässrig zu machen (oder wie heißt das, wenn man eifrige Lust auf etwas zum Hören statt etwas zum Essen bekommt?), weshalb ich es jetzt nochmals höre und davon erzähle, warum mir dabei, um juvenil zu bleiben, voll einer abgeht: Weil es nämlich den mit aufgedrehtem Lautstärkeregler gespielten Stilmix aus psychedelisch fuzzgetränktem Bluesrock, japanischer Folkmusik und ungezügeltem RIO/Avant, der Hibushibires Debütwerk ausmacht, nicht bloß wiederholt, sondern auf die Spitze treibt, indem nämlich zunächst wie einst bei den Beatles fernöstliche Klänge ertönen, den ein textloser Chor begleitet, dann eine nervöse Gitarre über Bass und Schlagzeug soliert, bevor Gitarrist und Sänger Chang Chang in einer mir unbekannten Sprache so etwas wie Strophen zu den zuvor gehörten fernöstlichen Klängen singt. Die effektgeladene Gitarre walzt nach Abschluss dieses Gesangsteils das sich aufbäumende und hektisch um sich schlagende Schlagzeug mit schlichter Lautstärke sozusagen einfach platt. Sieben Minuten sind vorüber: Nach einem kurzen Intermezzo wettstreiten die entfesselten Instrumente, per Studionachbearbeitung abermals um hierzulande eher selten anzutreffende Instrumente wie Zurna und Santur erweitert, bis zur Klimax (Ohrgasmus eben) darum, welches wohl das dominante bleiben mag. Es folgt die Ruhe vor dem erneuten Sturm, ein Klangteppich mit Perkussion, von dem eine unbestimmte Gefahr ebenso auszugehen scheint wie eine unbestimmte Hoffnung, zu dem sich nach einiger Zeit wieder der textlose Chor gesellt. – Schnitt! Unbekannte Instrumente spielen eine beruhigend-hypnotische Melodie, deren Rhythmus man gerade zu finden glaubt, als das gesamte Instrumentalinventar ohne lange Vorrede wieder völlig durchdreht und jeden Gedanken an eine Orientierung vergessen lässt. Wer braucht Takte, wenn er stattdessen auch den Verstand verlieren kann? Es bratzt und hupt und brettert und knattert herrlichst und scheinbar ohne jeden Halt, bis plötzlich das Schlagzeugmotiv völlig unbemerkt wieder eine Regelmäßigkeit entwickelt hat und die letzte Strophe aufgrund der überhaupt nicht an etwas Zurückhaltung zu denken scheinenden Instrumente mehr gerufen als gesungen wird. Dem an schließt sich ein energiegeladenes Hardrocksolo, das nur so lange an Black Sabbath erinnert, bis einem der Name dieser Band wieder eingefallen ist, denn sofort zerstreut die Sprengung der Hardrockklischees mittels instrumentaler Eskalation die Irritation. „Deep Throat River Holy Mountain High“ endet mit einem Ausblenden der Melodie vom Anfang und ist laut Plattenfirma ein „repräsentatives Lied“ von Hibushibire, das oft auf Konzerten gespielt werde. Ich empfinde plötzlich das unbedingte Verlangen, mich davon eines Tages selbst zu überzeugen, falls ich bis dahin meine Sprache wiedergefunden habe. Alter!

    Als Einflüsse nennen die Musiker unter anderem Can, Acid Mothers Temple und deren Nebenprojekte, King Crimson, Hawkwind und Träd, Gräs och Stenar. Wem das – wie mir – weder fremd noch unheimlich ist, der wird mit „Freak Out Orgasm!“ auf eine fantastische Weise voll auf seine Kosten kommen.

    Reinhören: Videos, Stream und Kauf empfehlen sich über Bandcamp.com.

17. Buffy Sainte-Marie – Medicine Songs
    „And now our history gets written in a liar’s scrawl“ (Bury My Heart at Wounded Knee)

    Zur Abwechslung haben wir es hier mit Musik zu tun, die älter ist als sie klingt: Buffy Sainte-Marie wurde im Februar 1941 in einem kanadischen Reservat für Cree-Indianer geboren und ist seit ihrer Kindheit musikalisch aktiv. In den 1960er Jahren hing sie, so will es die Legende, mit anderen jungen kanadischen Künstlern herum, darunter Leonard Cohen, Neil Young und Joni Mitchell, die sie vermutlich nicht unbeeindruckt ließen. In den folgenden Jahrzehnten schrieb Buffy Sainte-Marie manches Lied und veröffentlichte – mit einer sechzehnjährigen Pause bis 1992 – manches Album. 2017 gesellte sich „Medicine Songs“ hinzu, auf dem sich auch Lieder befinden, die von ihr schon vor Jahrzehnten erstmals gespielt wurden. Von einem bloßen kommerzorientierten „Best-of“-Album zu reden liegt mir aber fern.

    Buffy Sainte-Marie klingt wie eine indianische Rockversion von Joni Mitchell und/oder Joan Baez: Es gibt sitztanztaugliche Folkmusik mit typisch indianischen Gesängen, mal elektronischer („The War Racket“, „Power in the Blood“), mal akustischer, dylanesque gar (etwa „Universal Soldier“ und „My Country ‚tis Of Thy People You’re Dying“, eine Art kanadisches Volkslied, das Buffy Sainte-Marie bereits 1966 aufgenommen hatte); es gibt Schlager („Fallen Angels“ oder das für Menschen, die Amerika mit den USA gleichsetzen, ungewöhnliche „America The Beautiful“), aber auch mal Gitarrenrock („Bury My Heart at Wounded Knee“, „Generation“). Mitunter ähnelt das der Musik, die in Deutschland in den 70ern und frühen 80ern („Starwalker“) oder ein halbes Jahrzehnt später („The Priests of the Golden Bull“) in die Hitparaden geschossen wurde („Pop“), aber für Radio klingt das viel zu prima.

    Zweifellos sind dem Radio Liedtexte in fremden Sprachen auch egal (immerhin spielt man dort auch gleichgültig „Walk On The Wild Side“), sonst wäre Buffy Sainte-Marie für die öffentliche Wahrnehmung vermutlich auch zu kritisch: Textlich befassen sich die „Medicine Songs“ wie auch der überwiegende übrige Teil des Gesamtwerks der Sängerin mit der Verständigung zwischen Indianern und dem weißen Mann. Protestmusik eben – nur aus einer anderen Perspektive als der Westen das möglicherweise gewohnt ist. Jaja: Wer hört schon den Texten zu? Texte sind nur spannend, wenn sie gegen den Richtigen gerichtet sind. Trump. „Nazis“ und so. Aber doch nicht gegen uns!

    Ach, ach.

    Reinhören: Wie wär’s mit TIDAL?

    Keine Sorge, wir sind bald fertig. Ich fasse mich jetzt ein wenig kürzer, so viel Zeit haben wir ja alle nicht mehr.

18. Yowie – Synchromysticism
    Yowie (allein der Name schon!) spielen instrumentalen Frickel-Shoegaze mit schweißtreibendem Schlagzeugspiel, wovon es fraglos so manchen Vertreter geben mag, weshalb kleine Perlen wie diese immer wieder ein Leuchten hervorbringen, was ja gerade im Winter nicht unwillkommen ist. Amazon.
19. Godspeed You! Black Emperor – Luciferian Towers
    Die vielköpfige kanadische Postrockinstitution begründet mit Musik gewordenem französischem Kino zwischen Drama und Tierdokumentation auch in diesem Jahr wieder, warum auf sie an langen Winterabenden nicht verzichtet werden sollte. TIDAL.
20. Mediabanda – Bombas en el aire
    Endlich mal Latinomusik, die zu gut ist, um bloß Telenovelas zu untermalen, weil sie nicht nur ziemlich gut abgeht, sondern überdies für Radiotauglichkeit deutlich zu ambitioniert ist, was sich nicht nur aus Prinzip, sondern auch und gerade beim Hören sehr angenehm auswirkt. Amazon.
21. Kaiser Franz Josef – Make Rock Great Again
    Hardrock aus natürlich Österreich, der sich bei AC/DC, den White Stripes und den Strokes ebenso bedient wie bei den einschlägigen Vertretern der absurden Britpopwelle vor ein paar Jahren; was, freilich, eher wie 2007 als wie 2017 klingt, aber von diesem 2007 kann es noch nicht genug geben. Amazon.
22. Monolord – Rust
    Aus Schweden, Gegend der dunklen Metalbands, stammt auch die dunkle Doom-Metal-Band Monolord, deren aktuelles Album „Rust“ erst im September erschien und sich mit schleppenden Rhythmen und vielfacher Verzerrung exemplarisch für eine Vorführung als Antwort auf die gelegentlich zu stellende Frage, was man an solcher Musik eigentlich so gut finde, eignet, denn die Mitwippwahrscheinlichkeit ist hier genretypisch bemerkenswert hoch. Bandcamp.
23. Kettlespider – Kettlespider
    Auf ihrem zweiten, trotzdem nach sich selbst benannten Studioalbum brilliert das australische Instrumentalquintett Kettlespider mit jazzkompatiblem, dennoch gitarrenfokussiertem Progressive Rock, der in den ruhigen Momenten King Crimson, in den energetischeren Rush nicht einfach kopiert, sondern im Fluss aus bravourösen Rhythmen mitziehen lässt. Bandcamp.
24. In Search Of Sun – Virgin Funk Mother
    Dass ich Spaß an dem habe, was Jeavestone einmal recht treffend als „Prog’n’Roll“ beschrieben, bei Quatschjournalisten vermutlich „Alternative Rock“ hieße und ungefähr klingt wie hüpfende, krummtaktige Sommerhits von Leuten, die ihr bevorzugtes Instrument noch selbst spielen und nicht am Computer simulieren, bestätigen 2017 die Briten von In Search Of Sun, die mit ihrem „ungestümen Genre-Cocktail“ (Marco Götz, „METAL HAMMER“) auch an kälter werdenden Abenden eine gewisse Freude an Bewegung aufkommen lassen. Amazon.
25. I Am the Manic Whale – Gathering the Waters
    Wer glaubte, dass das Thema Retroprog in Yes’scher Tradition 2017 keine große Rolle mehr spiele, der unterschätzte die Begeisterung immer neuer Musiker für die alten Meister, wie auch die vier Herren von I Am the Manic Whale, einer sehr schön heißenden britischen Band mit ausgewiesener Freude an der Musik von Big Big Train, (den alten) Yes, Rush und Artverwandten, auf ihrem erfreulichen Zweitling „Gathering the Waters“, der bei aller Siebzigerei frisch und knackig aus dem Kopfhörer schallt, bereichernd belegen. Bandcamp.
26. Pere Ubu – 20 Years in a Montana Missile Silo
    Auch nach 42 Jahren weiß die musikalische Konstante – inzwischen zum Nonett angewachsen – die bewährte, aber niemals langweilige Verbindung aus Bluesrock, Rock’n’Roll und Avantgardesquem, die von Tom Waits bis Henry Cow eigentlich beinahe alles, was einigermaßen, aber noch nicht übertrieben schräg ist, als hörbaren Einfluss vereint, zu einem Genuss zu machen, was wohl auch an der wandlungsfähigen Stimme des letzten verbliebenen Bandgründers David Thomas liegen mag, dessen Vokalkünste allein schon eine Kenntnisnahme empfehlen. Amazon.
27. Lesser Men – Biding Time
    Die Musik auf „Biding Time“ ist im Kern melodischer Brüllmetal zwischen Dream Theater, Tool und A Silver Mt. Zion („2305“), der die innere Verzweiflung des Hörers (lies: Verfassers dieser kurzen Rezension) ausreichend anregen, dass er sich zum Mitbrüllen animiert fühlt, leider kenne ich aber den Text (und die Melodie) noch nicht gut genug, habe mir aber vorgenommen, das in nächster Zeit bei sich bietender Gelegenheit zu korrigieren. Bandcamp.
28. Ufomammut – 8
    Das ziemlich italienische, ziemlich bärtige Stoner-Doom-Metal-Trio mit dem wohlklingenden Namen Ufomammut weiß auch nach achtzehn Jahren Bandgeschichte auf ihrem aus acht Stücken bestehenden achten Studioalbum, der Einfachheit zugunsten schlicht „8“ („Acht“) benannt, noch positive Überraschungen bereitzuhalten. Bandcamp.
29. The Flying Eyes – Burning Of The Season
    The Flying Eyes präsentieren soliden, modernen Rock’n’Roll mit angenehm bretternder Gitarre, galoppierendem Schlagzeug und genreuntypisch unpeinlichem Gesang und sind eine wertvolle Ergänzung für den Plattenschrank jedes Musikfreundes, der findet, dass diese Gitarrenbands heutzutage insgesamt viel zu viel Popmusik machen. Bandcamp.
30. Orpheus Nine – Transcendental Circus
    Das beste Transatlantic-Album des Jahres 2017 haben Orpheus Nine veröffentlicht: Retro-Prog mit deutlicher Canterburynote kann auch frisch und unpeinlich klingen – gern mehr davon. Bandcamp.

So! Was machen wir jetzt? Ah, richtig: Eine Rückschau auf fuffzich Jahre Musikgeschichte. Das fällt mir jedes Mal ein bisschen schwerer, weil der Abstand zwischen heute und vor 50 Jahren mir immer kürzer vorkommt. Alt zu werden ist anstrengend, man möge es mir nicht nachmachen.

2. Alt und stark.

• Vor 50 Jahren:

  Über 1967 muss man musikalisch nicht mehr viele Worte verlieren, denn das meiste (Beatles, Velvet Underground, Beach Boys) ist zur Genüge bekannt. Ansonsten geschah unter anderem dies: Im Fernsehen lief „Daktari“, die Musik zur Serie wurde so beliebt wie die Serie selbst. Marvin Gaye erholte sich noch von dem Erfolg seiner Coverversion von „I Heard It Through the Grapevine“ und ließ erst einmal das zusammen mit der jungen, allerdings nicht mehr allzu lange lebenden Sängerin Tammi Terrell aufgenommene Album United veröffentlichen. Der Schnulzensänger Neil Diamond nannte sein zweites, nicht allzu übles Vollzeitalbum, auf dem die meisten Lieder, die man von ihm halt so kennt, drauf sind, „Just For You“, die Bee Gees ihr drittes irritierenderweise Bee Gees‘ 1st. Auch die Sängerin Nico, die 1966 im Film „Chelsea Girls“ mitgespielt hatte, begann im gleichen Jahr mit Chelsea Girl ihre, wie ich finde, zu kurze Solokarriere, während Leonard Cohen offenbar gar nicht wusste, dass er noch bis 2016 eine Menge Musik machen würde, und sein ebenfalls 1967 erschienenes Debütalbum schlicht Songs of Leonard Cohen nannte. Lustig wäre es gewesen, hätte er einfach jedes Album so genannt, denn es waren ja in der Regel allesamt seine Lieder. Dann eben nicht.

• Vor 40 Jahren:

  1977, das Jahr des untergehenden Progressive Rock, zerrieben von Punk- und Discomusik? Fast! Die natürlich britische Band England, die es seit wenigen Jahren gab, zeigte mit ihrem ersten und letzten regulären Album Garden Shed noch einmal, dass es ein Fehler sein würde, Drei-Akkorde-Musik dem elegischen „Prog“ der späten Sechziger vorzuziehen, ist damit jedoch leider nicht besonders weit gekommen. Univers Zero debütierten mit 1313, Van der Graaf Generator kaschierten den Weggang von David Jackson und Hugh Banton, indem sie den Generator aus ihrem Namen strichen und mit dem Neumitglied Graham Smith an der Violine und dem Altbassisten Nic Potter das stimmige The Quiet Zone / The Pleasure Dome präsentierten. Peter Gabriel verarbeitete seinen Ausstieg bei der nervigen Inselband Genesis inzwischen, indem er mit dem langweilig benannten Album I seine Solomöglichkeiten zu erforschen begann. Mit dem fünften Album namens So (1986) hörte er dann auch endlich auf, seine Alben einfach nur durchzunummerieren.

• Vor 30 Jahren:

  Wer hat zwei Daumen und möchte nicht mehr über die Unmusik der 1980er reden? – 1987 war selbst dort, wo einst Großes geschaffen worden war, so scheußlich wie erwartet: Yes widerten die Welt mit Big Generator an, Michael Jackson vertonte sein Bad, selbst Marillions letztem Album mit dem fantastischen Sänger Fish namens Clutching at Straws wohnte kein Zauber mehr inne. Aus der Deckung traute sich Enya, deren Debüt leider genau so hieß, jedoch machten Pop Will Eat Itself (Box Frenzy) und Värttinä (Debütalbum Värttinä) Hoffnung, dass das nicht alles gewesen sein würde.

• Vor 20 Jahren:

  Na also, es ging doch: Die verrückten Japaner Acid Mothers Temple & the Melting Paraiso U.F.O. entfernten 1997 den Genitivapostroph aus ihrem Bandnamen und veröffentlichten drei Alben, Morphine überzeugten auf dem erfolgreichen Like Swimming noch einmal mit ihrem unvergleichlichen jazz noir, die irgendwie ähnlichen Tindersticks legten das feine Curtains vor. In Kanada entfalteten sich Godspeed You! Black Emperor mit ihrem ersten Album F♯ A♯ ∞, das von zeitgenössischer Kritik für seine, verglichen mit dem Rest der 1990er, bemerkenswerte Schönheit gewürdigt wurde, die schottischen – mehr oder weniger – Genrekollegen Mogwai debütierten mit Mogwai Young Team. Schönheit ist ja immer auch eine Frage der Relation: Die einstigen Anarchopunks Chumbawamba landeten mit Tubthumper und dem Quasi-Titellied „Tubthumping“ einen ärgerlichen Welthit, hinter dem ihre übrigen Werke zu Unrecht fast verschwanden und heute so gut wie vergessen sind. Konsequent veröffentlichte ebenfalls 1997 die englische Band Blur, die so heißt wie das Geräusch, das man macht, wenn man sie hört, ihr fünftes Album, das so heißt wie das Geräusch, das man macht, wenn man es hört, nämlich Blur.

• Vor 10 Jahren:

  Ein neues Jahrtausend, eine neue Musik. „Neu“? Nun ja, es wurde vieles schon gesagt, nur noch nicht von jedem: Starcastle waren mit Song of Times wieder zurück und machten – wenn auch auf beachtlich hohem Niveau – immer noch den Progressive Rock der 1970er nach, Rush spielten auf Snakes & Arrows Musik, die nach Rush klingt, und Porcupine Tree, deren Frontmann Steven Wilson ich die Behauptung, es sei jede Musik schon gemacht worden, eigentlich entliehen habe, setzten auf Nil Recurring ihren damals aktuellen Stil einfach fort. Mit Fornika stagnierten auch Die Fantastischen Vier, auf den folgenden Alben ging es erschreckend schnell bergab. Wagemutiger zeigte sich Nick Cave, dessen gewaltige Noiserockband Grinderman 2007 eindrucksvoll im Studio debütierte, ebenso wie das Augsburger Postrockwunder Dear John Letter, dessen handgeklebte EP2007 auch heute noch, obwohl die Band längst Carpet heißt und mich langweilt, einen Ehrenplatz in meinem ausgedünnten CD-Regal hat.

Durch? Durch! Die nächste Rückschau wird es, falls nichts dazwischenkommt, etwa zur Halbzeit 2018 an dieser Stelle geben. Ich hoffe, 2018 wird in musikalischer Hinsicht mindestens genau so interessant wie 2017 werden.

Nun bleibt es mir eigentlich nur, mich bei allen Lesern für die Geduld, bis hierhin gelesen zu haben, zu bedanken und ihnen eine ertragreiche Reise durch das hier Vorgestellte zu wünschen. Wie immer bitte ich um Ergänzung, sollte ich ein interessantes Album vergessen haben – ich reiche es dann gegebenenfalls später nach.

Kommentare

• Hirnfick 2.0 » Kurzkritik: Tony Conrad & Faust – Outside the Dream Syndicate schrob am 30. Juni 2018 dies: […] Jahr 1963 entstand, wie aufmerksame Leser längst wissen, in den USA das von La Monte Young geführte Theatre of Eternal Music, ein Kollektiv von Musikern, […]
• Hirnfick 2.0 » Musik 12/2018 – Favoriten und Analyse schrob am 26. Dezember 2018 dies: […] neun Minuten lang. Erstmals in der Band ist Schlagzeuger Chris Morley, der zuvor unter anderem für Gnod trommeln, hihatten usw. durfte. Beim „Guardian” sprach man mit Bezug auf „King of Cowards” […]

‘Musik 06/2017 – Favoriten und Analyse’ weiterlesen »]]> Ach, wie haben sich die Leute doch gefreut, als das für Musiker erstaunlich tödliche Jahr 2016 ein Ende nahm. Ich wartete mit der musikalischen Jahresrückschau 2016 also sicherheitshalber bis Januar – und am Tag darauf wurde der Tod John Wettons vermeldet. Ebenso hat dieses Jahr bisher Chuck Berry, Allan Holdsworth und sicher noch ein paar bemerkenswerte Musiker sozusagen auf dem Gewissen. Das macht doch alles keinen Spaß mehr.

Und wie immer, wenn ich den Spaß zu verlieren meine, hilft – der Ironie bin ich mir bewusst – Musik, den rechten Pfad wiederzufinden. Es folgen konsequent die primasten Musikalben des ersten halben Jahres 2017 abzüglich der bereits zuvor thematisierten neuen Alben von Buckethead, Pontiak und All Them Witches. Ich empfehle alles Weitere den jeweiligen Artikeln zu entnehmen.

Es gibt diesmal ein paar Besonderheiten zu vermelden: Verzichtet wird diesmal aus Motivationsgründen auf die Rückschau auf die letzten 40 Jahre sowie ab sofort auf die „Schrott“-Rubrik, denn das Leben ist zu kurz, um sich mit schlechter Musik zu beschäftigen. Man verzeihe mir die ausnahmsweise Kürze der Hauptliste – am Ende des Jahres gibt es um so mehr nachzuholen. Die Rezession macht vor niemandem Halt.

Gerade deshalb: Einen Kopfsprung gewagt!

1. Hörstu!

1. Endless Floods – II

   Im November 2014 erschien mit „The Endless River“ das letzte und mit großem Abstand langweiligste Studioalbum der sicherlich nicht ganz unbekannten Artrockband Pink Floyd. Mit diesem Album haben Endless Floods nichts gemeinsam.

   Vielmehr handelt es sich bei diesen um einen Abkömmling der französischen Drone-Metal-Gruppe Monarch (auch: Monarch!), mit der sie zwei Mitglieder, aber auch stilistische Besonderheiten teilen. Dem unbestreitbaren Fakt, dass französischer Gesang in guter Musik höchstens ironisch etwas zu suchen hat, steht beruhigend entgegen, dass auf „II“, dem zweiten Vollzeitalbum von Endless Floods, nicht besonders viel gesungen wird, was das Album selbst um so intensiver macht.

   In den drei – na gut, zweieinhalb – Stücken auf „II“, von denen das erste („Impasse“) allein über 24 Minuten lang ist, geht es nämlich recht dicht zu. Kolossale Drones, die sich langsam aus dem Lautsprecher schieben, werden von einem geisterhaften Schlagzeug und verzerrten, Gänsehaut erzeugend verzweifelten Schreien, zu denen es bestimmt auch irgendwo einen nachlesbaren Text gibt, begleitet. Gegen Ende des Stücks, das zwischendurch so langsam wird, dass es beinahe zum Stillstand kommt (zum ersten Mal recht früh nach etwa vier Minuten), nimmt die Gitarre doch ein wenig Fahrt auf, was vom seltsamen zweiminütigen Interludium „Passage“ (im Wesentlichen gänzlich unaufgeregtes Fingerpicking) nur kurz unterbrochen wird.

   „Procession“, mit 19:30 Minuten Laufzeit abermals recht lang, macht musikalisch da weiter, wo „Impasse“ aufgehört hat: Unterlegt von einem Grollen, diesmal jedoch ohne weitere Stimmbeteiligung, errichtet die Rhythmusabteilung von Endless Floods ein drohendes Fundament, über dem die Gitarre sich endlich auch einmal auf kurze Noise-Ausflüge – soll heißen: ordentlich verzerrter Krach – begeben darf. Insgesamt jedoch sind diese sicherlich nicht die Essenz von „II“, sondern es ist die schiere Emotionalität, die Drone-Metal wie dieser sie nun einmal besitzt. Intimität ohne Gesäusel. Ich mag das.

   Reinhören: „II“ gibt es zurzeit als Download und auf Vinyl-LP sowie Kassette zu kaufen, auf Bandcamp.com gibt es weitere Informationen sowie einen vollständigen Stream vom Album.

2. The Tiger Lillies – Cold Night in Soho
   „If you want to win, take heroin!“ (Heroin)

   Das britische Dark-Cabaret-Trio The Tiger Lillies ist mittlerweile seit 28 Jahren nicht nur existent, sondern auch recht produktiv: „Cold Night in Soho“ ist ihr mittlerweile 30. Studioalbum und das erste seit vielen Jahren, das keine Vertonung bekannter Literatur ist. Nun sind die drei Herren bei Weitem keine Gute-Laune-Combo und haben sich daher auch diesmal ein Thema ausgesucht, das nicht eben einen Anlass zum Feiern lässt: Sänger und Texter Martyn Jacques schrieb, so wird behauptet, Erinnerungen an das Soho der 1980-er Jahre, als die Tiger Lillies ihre ersten gemeinsamen Auftritte absolvierten, auf, bevor auch dort die Gentrifizierung einsetzte.

   Dieses noch nicht „klinisch gereinigte“ (Andy Gill) Soho scheint Lou Reeds New York nicht unähnlich gewesen zu sein: Schwermütig beginnt das Album mit Bluesgesang zu nachdenklicher Klavierbegleitung, „Salvation Army“ beschreibt die Zustände in Soho als von Drogendealern, Prostituierten und Gottlosigkeit bestimmt. Auf den Straßen tummeln sich Alkoholiker („Let’s Drink“), Erfrorene („In The Winter“, „Just Another Day“), Ziellose („Ticking of the Hours“), an und trotz ihrer Religion Verzweifelte („The First Day“, „Go“), Diebe („Soho Clipper Blues“) und Drogensüchtige („Screwed Blues“, „Heroin“). In diesem Stadtbezirk, das steht außer Frage, möchte man nicht wohnen müssen.

   Transportiert wird die Erzählung in tiefem Blues, melancholischem Walzer („You Wouldn’t Know“) und der bandtypischen Zirkusmusik („Heroin“) mit Falsettgesang, der auf „Cold Night in Soho“ auch schon mal überraschend aggressiv („Dance Floor“) daherkommt. Im bisherigen Schaffen der Tiger Lillies ist dieses Album nicht besonders ungewöhnlich, weshalb „Cold Night in Soho“ als übermäßig herausragendes Album zu bezeichnen sicherlich aus rein musikalischer Sicht unpassend wäre, jedoch ist und bleibt der Anspruch, den ich an ein Album stelle, um bedeutsam genug zu sein, dass es mir besonders gut gefällt, und „Cold Night in Soho“, eine musikalische Geschichte auf durchaus immer noch hohem Niveau, erfüllt dieses Kriterium mit Bravour. In den schweren Momenten im Leben kommt diese Musik gerade recht.

   Reinhören: Für einen Komplettstream möge sich TIDAL anbieten, für Stream und Kauf selbst steht auch das Angebot von Amazon.de zur Verfügung.

3. Pryapisme – Diabolicus Felinae Pandemonium

   Ein Priapismus ist, latinisiert benannt, eine schmerzhafte Dauererektion. Natürlich stammt eine Band dieses Namens – hier Pryapisme geschrieben – aus Frankreich.

   Die fünf Musiker, eine der verrücktesten Bands der Welt, nennen sich auf ihrer wunderschönen Website, die voller Katzenbilder und schlimmer Farben ist, eine Rokokocore-Band und haben im Februar dieses Jahres ein derzeit (Stand: 4. Juni 2017) noch nicht auf ihrer Bandcamp-Seite verfügbares neues Studioalbum namens „Diabolicus Felinae Pandemonium“, was auf Deutsch nach Grammatikkorrektur ungefähr „das teuflische Pandämonium der Katze“ bedeutet. Korrekterweise ist das derzeitige Bandlogo anscheinend auch eine 8‑Bit-Regenbogenkatze mit einem umgedrehten Kreuz auf der Stirn, was zu einer Band wie dieser, die mit vermeintlichen Tabus umgeht wie kaum eine zweite, hieß das Debütalbum doch „Rococo Holocaust“, großartig passt.

   Musikalisch haben wir es hier, wie der Banause sofort erkennt, mit einem schrecklichen Lärm zu tun. Über zehn Stücke hinweg wird überwiegend instrumental (in „La Boetie Stochastic Process“ ist vorübergehend sexualisiertes Stöhnen zu hören) so etwas wie Genres nicht bloß ignoriert, sondern rücksichtslos in Scherben schlägt, immer wieder unterbrochen von Miauen und Schnurren der beiden Bandkatzen La Belette und Styx. Vergleichbare Bands? Ha! Pryapisme pürieren Digital Hardcore, Spacerock, Mathrock, Jazzrock und Progressive Metal – und das oft („A La Zheuleuleu“) schon binnen anderthalb Minuten – und gießen das Gebräu in einen dampfenden Kessel, der von des Trans-Siberian Orchestras längst legendärem „Wizards in Winter“ über Atari Teenage Riot bis zum Penguin Cafe Orchestra alles, was es während seiner Herstellung berührt hat, in Flammen setzt. Dass das Stück „C++“ mit der gleichnamigen Programmiersprache nicht mehr zu tun hat als mit eigentlich allem anderen, überrascht den Rezensenten da auch nicht mehr im Geringsten.

   Was die Band dem irritierten Genießer damit (und mit den Katzen) eigentlich sagen möchte, bleibt unerklärt und auch deshalb Teil der Faszination. Genres, Schubladen, Kategorien – alles Quatsch. Eine schmerzhafte Erektion bekommt man davon nicht, nur vorübergehend fühlt sich der Kopf ein wenig wattig an. Das legt sich vielleicht irgendwann.

   Reinhören: Auf Amazon.de gibt es die üblichen Ausschnitte zu hören, auf Bandcamp.com einen Einblick in das bisherige Schaffen der Gruppe. Das komplette Album können zurzeit unter anderem TIDAL-Kunden streamen.

4. Kairon; IRSE! – Ruination

   Kairon; IRSE! ist eine junge finnische Band, deren Name zwar sehr schön sperrig ist, aber angeblich, glaubt man den Musikern selbst, keinerlei relevante Bedeutung hat, sondern lediglich so nervig aussehen soll wie möglich. Skandinavischer Humor trifft den meinen mitunter durchaus.

   Mit dem im Februar 2017 erschienenen „Ruination“ veröffentlichte Svart Records nun ihr zweites Studioalbum, das zumindest leichter auszusprechen ist als der Erstling „Ujubasajuba“, im Gegensatz zu diesem verzichtete das Quartett für „Ruination“ auch weitgehend auf Improvisationen, sondern verbrachte laut eigener Aussage zwei Jahre mit Komposition und Abmischung. Leichte Kost aber bleibt hier fern; es ist, als wäre diese Band auch dann gut, wenn sie sich professionalisiert. Verrückt!

   Auf die Ohren gibt es eine feine Mischung aus Shoegaze („Sinister Waters I“), Hardrock inklusive jaulend riffender Gitarre („Starik“) und dem guten alten progressiven Jazzrock der 1970-er Jahre mit recht kühlem Gesang, den man aus Hallgründen bedauerlicherweise nur schwer versteht. Gastmusiker Andreas Heino setzt mit Saxophon und Klarinette stiluntypische Akzente, selten begleitet von Violineneinsatz des Sängers Dmitry Melet.

   Die im „Guardian“ gewählten Vergleiche – Yes, King Crimson, Gentle Giant, Ornette Coleman, Fairport Convention – entfachen des Musikfreunds Begeisterung keineswegs zu Unrecht, und oft ist „Ruination“ das alles gleichzeitig und klingt trotzdem so frisch und modern wie nur wenige andere jazzrockbeeinflusste Alben dieses noch recht jungen Jahres. Kairon! Irse!

   Hörnse rein: Das komplette Album liegt derzeit (8. Juni 2017) für Stream und Download auf Bandcamp.com herum, für CD und Vinyl ist Amazon.de nicht ungeeignet.

5. Sleaford Mods – English Tapas
   „Brexit loves that fucking Ringo“ (Dull)

   Gleiches Jahrzehnt, andere Szene.

   Das englische Duo Sleaford Mods stammt aus Nottingham (ha, reingefallen!) und macht minimalistischen Postpunk mit Anspruch. Das diesjährige Studioalbum „English Tapas“ landete in der britischen Hitparade, seit jeher ein etwas weniger schlechter Indikator für gute Musik als es die hiesige ist, immerhin auf Platz 12. Der Bandname hat zwar mit der Modbewegung (vgl. The Who) durchaus etwas zu tun, die Musik jedoch nur ein bisschen.

   Vokalist Jason Williamson und Klangerzeuger Andrew Robert Lindsay Fearn (wie man als Engländer halt so heißt) nämlich haben es mit Gitarrenmusik nicht so, weite Teile des Albums bestehen stattdessen aus geringer Rhythmusuntermalung, also Bass und etwas Schlagzeug, zur gewaltigen Stimme Jason Williamsons, was trotzdem noch so klingt, dass es ohne zu zögern Bands wie Art Brut, The Fall und tatsächlich, in den etwas weniger zurückhaltenden Momenten („Army Nights“), auch die Smiths ins Gedächtnis ruft.

   Ganz Punk sind Sleaford Mods in ihren mit starkem nordenglischem Dialekt vorgetragenen (zumeist gerappten) zeit- und szenekritischen Texten, deren Themenspanne vom „Brexit“ und seinen Protagonisten („Dull“, „Moptop“) über die Pleite der Kaufhauskette BHS („B.H.S.“) bis hin zu nostalgisch verklärten Früher-war-alles-besser-Musikhörern („Just Like We Do“) reicht; was mich einerseits zwar trifft, andererseits aber auch nicht gerade abstößt. Ich werde wunderlich, vermute ich.

   Reinhören: Zu meiner Überraschung gibt es Videos zu „Moptop“ und „B.H.S.“ mit einander recht ähnlicher Handlung, ansonsten möge Amazon.de oder TIDAL herhalten.

6. Thinking Plague – Hoping Against Hope

   Das trotz ausbleibender personeller Überschneidungen gelegentlich als zumindest stilistischer Nachfolger von Henry Cow benannte Musikprojekt Thinking Plague ist nun auch schon seit über drei Jahrzehnten in wechselnder Besetzung aktiv. Wenngleich die Abstände zwischen zwei Alben – das Vorgängeralbum „Decline and Fall“ fand hier im Juni 2012 meine nicht ganz ungeteilte Aufmerksamkeit – nicht mehr die Kürze von einst haben, so bleibt die Musik doch packend.

   Das könnte auch daran liegen, dass die schon angesprochene Besetzung sich ausnahmsweise nicht nennenswert geändert hat. Neben Gründungsgitarrist Mike Johnson und so weiter ist auch die bemerkenswerte Sängerin und Akkordeonistin Elaine Di Falco, die schon auf dem Vorgängeralbum mit ihrem schräge Kontrapunkte einführenden statt bloß die Melodie begleitenden Gesang die sowieso schon prima RIO-Kompositionen letztlich veredelt hat, noch an Bord. Der inzwischen ebenfalls langjährige Bassist Dave Willey, der auch unter eigenem Namen bereits sehr ähnliche Musik veröffentlichen ließ, setzt mit donnernd grollendem Bass schließlich genau die richtigen Akzente in einem Album, das streckenweise („Thus Have We Made the World“) den Genreursprung im Jazz nicht zu übertönen, sondern zu betonen versucht.

   Die renommierte Plattenfirma Cuneiform, die auch „Hoping Against Hope“ vertreibt, erklärt das Album ungefähr so:

   Wolken schaukeln über einen sturmverhüllten Himmel, aber während sie kurzzeitig seltene Scherben aus Blauem freigeben, lauern meist noch schwärzere, düsterere Graus hinter den Nebeln. (…) So viel diese Musik auch abverlangen mag, so ist sie doch gemacht worden, um einfach und, noch wichtiger, wunderschön zu klingen.

   Und genau das tut sie.

   Reinhören: Bandcamp.com oder Amazon.de.

7. Orchestra Of The Upper Atmosphere – ϴ3
   „Time opens the mind, time opens the door.“ (Synaptic)

   Von einer Musikgruppe, die sich Orchestra Of The Upper Atmosphere nennt, Bemerkenswertes zu erwarten ist sicherlich kein besonders gewagtes Unterfangen. Dass mir die mehrköpfige britische Combo um den Multiinstrumentalisten Martin Archer trotz umjubelter Liveauftritte mit Damo Suzuki erst mit ihrem dritten Studioalbum „ϴ3“, also „Theta 3“ (ein großes Theta sieht, das halte ich dem Benenner zugute, ja fast wie eine Null aus) – der Vorgänger von 2014 hieß selbstverständlich „ϴ2“ – ins Netz geraten sind, ist insofern so schade wie erstaunlich.

   Wie schon die beiden Alben davor kommt auch „ϴ3“ auf zwei CDs daher, von denen eine vermutlich aus typografischen Gründen „kleines Alpha“ und eine „großes Omega“ heißt. Eine Vinylversion scheint es nicht zu geben. Enthalten sind jeweils zehn Stücke, deren Titel meist irgendetwas mit Astronomie zu tun haben. Klar: Wer als Orchestra Of The Upper Atmosphere gemeinsam musiziert, der schwebt nicht nur musikalisch in höheren Sphären. Zu sphärischer Musik passt natürlich auch eine ausladende Besetzung, und so ist das Orchestra Of The Upper Atmosphere hier ein Septett, unterstützt von drei Streichern und einem Posaunisten.

   Von Klassik ist hier, ungeachtet der Posaune, nichts zu hören, stattdessen treibt man sich auf dem weiten Feld zwischen Kammer‑, Kraut- und gongesquem Spacerock sowie elektronisch geprägtem Jazz herum, nicht ohne auch mal einen Abstecher in den Blues („Solar Prominences“) oder den Freejazz (das erfrischend freiförmige Ende von „Pororoca“) zu machen. Zweifellos fällt „ϴ3“ in die genrelose Kategorie jener Alben, für deren Genuss einander eine gute Reise zu wünschen nicht falsch wäre, auch, wenn es mitunter gilt, auf dem Flug klanglichen Asteroiden („Circumzenithal“, „Pororoca“) auszuweichen. Die Musik schwirrt derart einnehmend am wohlgesonnenen Hörer vorbei, dass ihm nur wie durch einen Schleier überhaupt wahrnimmt, dass – auch hier lassen Gong grüßen – erst nach der Hälfte der ersten CD in „Anisotropic Shapes“ so etwas wie Gesang, es ist eher ein fernes Flüstern, einsetzt. Frau frostlake, trotz des interessanten Künstlernamens außerhalb des Bandkontexts bisher kaum musikalisch in Erscheinung getreten, macht ihre Sache wirklich gut.

   „ϴ3“ gehört zu den bisher wenigen Alben des Jahres 2017, die ihre eigene Stimmung nicht nur selbst mitbringen, sondern die des geneigten Rezensenten dabei völlig ignorieren. Schlechte Laune? „ϴ3“ hören! Bestens drauf? „ϴ3“ hören! Melancholisch? Richtig: „ϴ3“ hören! Übrig bleibt ein einziges Gefühl: Man ist irgendwie zufrieden mit der Welt. Das ist ja auch nicht schlecht.

   Reinhören: Auf der Website zum Album gibt es zurzeit (25. Juni 2017) neben einer Kaufmöglichkeit auch einen zwölfeinhalbminütigen Auszug aus der hier enthaltenen Musik zu hören.

8. Faust – fresh air

   Von den zwei konkurrierenden Fausts ist diese (Eigenschreibweise derzeit: faUSt) die offenbar derzeit im Studio aktivere. Seit sich die Wege von Hans-Joachim Irmler, der seitdem mit einer eigenen Formation von Faust aktiv ist oder war, und den beiden anderen noch aktiven Faust-Gründungsmitgliedern nach über dreißig Jahren der musikalischen Zusammenarbeit um das Jahr 2002 herum wohl endgültig getrennt haben, sorgt zumindest letztere Formation weiterhin regelmäßig für frischen Wind.

   2011 befasste ich mich mit „something dirty“, dem damals aktuellen Studioalbum dieser Formation, den Nachfolger „j US t“ hingegen habe ich leider weitgehend verpasst. Sicher ist jedenfalls, dass mit Alter und Besetzungsreduktion keine Milde eintritt, was nicht nur von Anhängern der Krautrockikonen, sondern auch von Verantwortlichen offenbar geschätzt wird: Die Hamburger Plattenfirma Bureau B, das auch andere Größen der deutschen elektronischen Musik vertrieb und vertreibt, ist auch für dieses Album zuständig.

   Anders als die vorherigen Alben wurde „fresh air“ in Teilen jedoch nicht in den Bandstudios in Los Angeles und Austin – man kommt auch als Krautrockikone offenbar durchaus in der Welt herum – aufgenommen, das Titelstück und das letzte Stück „Fish“ nämlich entstammen im WFMU (ein nichtkommerzieller Hörfunksender in New Jersey) entstandenen Aufnahmen.

   Komponiert wurde aber auch im Studio wohl eher nebenbei. Bandfranzose Jean-Hervé Péron erwähnte einmal, auf „fresh air“ habe die Band sich an Cadavre Exquis versucht, einer im Surrealismus beheimateten Methode zum Erreichen kreativer Höhepunkte, indem die einzelnen Künstler von den Ergebnissen ihrer Mitstreiter nichts wissen. Wer annimmt, dass das zu schwer erträglicher Musik führte, der unterschätzt Faust sehr, denn „fresh air“ klingt zwar erwartungsgemäß nicht weniger sperrig als vorherige Alben der Band, dabei aber keineswegs unzugänglicher als zum Beispiel The Velvet Underground, deren „The Black Angel’s Death Song“ ich in der Klangsammlung auch wiederzufinden meine, oder die früheren Genrekollegen Can.

   Als Gäste sind aus „fresh air“ unter anderem die Sängerin (hier vielmehr: Erzählerin) Barbara Manning und der mit ganz anderer Musik (Die Krupps) bekannt gewordene Jürgen Engler zu hören, es werden mal ein polnisches Gedicht, mal französische oder englische Texte rezitiert, während die Instrumentalisten mit reichlich Perkussion hypnotisch-repetitiv („Birds of Texas“) bis dissonant-aggressiv („Lights Flicker“) draufloskrauten. Alt und verbraucht wird es bei Faust wohl niemals geben, man prescht auch 46 Jahre nach dem Debütalbum noch in eine einzige Richtung, nämlich voll durch die Wand. „fresh air“ ist kein Album mit Ecken und Kanten, es ist ein Album aus Ecken und Kanten. Wer braucht schon Popmusik?

   Reinhören: Auf Soundcloud gibt es momentan eine Vorschau auf das Album, auf TIDAL einen Komplettstream zu hören.

9. Samsara Blues Experiment – One with the Universe
   „Think about the promises we made!“ (One with the Universe)

   Von wegen „Blues“!

   Das Berliner Trio Samsara Blues Experiment feiert im Jahr 2017 sein zehnjähriges Bestehen und veröffentlichte passend dazu, wenn auch wohl unabhängig davon sein viertes Studioalbum „One with the Universe“, das erste mit dem 2014 eingeführten Bassisten Hans Eiselt. Die Selbstbeschreibung besagt, die Gruppe spiele „eine Mischung aus Stoner Rock, Psychedelic Blues, indischem Raga und Folkmusik“ und liegt damit gar nicht mal völlig daneben.

   Aufgebaut sind die fünf Stücke auf „One with the Universe“, wie Pseudonymus „Mr. Omen“ richtig feststellte, wie schon das Coverbild quasi wie ein Liebesspiel: Je länger die Spielzeit andauert, desto intensiver wird das Gehörte. Beginnt „Vipassana“ noch mit Meeresrauschen und anschwellenden Psychedelia, so wird schon zwei Minuten später früher Hardrock wie ein Teppich ausgebreitet, rauen Gesang eingeschlossen. Von einem Quickie lässt sich bei immerhin zehn vollen Minuten Dauer allein des ersten Stücks freilich nicht sprechen. Um bei der Metapher zu bleiben: Zum Höhepunkt kommt die Band trotzdem immer wieder; und wenn wie in „Glorious Daze“ (ein hervorragend drogenumwölkter Titel auch) die Energie bis zum Bersten anschwillt, um sich in einem Crescendo von beachtlicher Dichte zu entladen, dann ist das auf mehr als eine Art schön.

   Den ollen Wortwitz vom Ohrgasmus möchte ich schon aus Stilgründen hier nicht noch weiter abnutzen, aber worauf ich hinaus will, sollte sich aus meinen Schilderungen auch quasi von allein ergeben: Colour Haze, Led Zeppelin, Elvis Presley und die späten Beatles, mehr muss es gar nicht sein.

   Reinhören: Auf Bandcamp.com darf zurzeit nach Herzenslust gestreamt werden.

10. The Universe by Ear
    „Make it look like an accident!“ (Make It Look Like An Accident)

    Schon wieder eines dieser Musikalben ohne einen anständigen Titel! Aber für das Debüt-Vollzeitalbum – nach dem vorab veröffentlichten und dieses Album eröffnenden Stück „Seven Pounds“ vom Juli 2016 – mag es noch angehen.

    The Universe by Ear ist ein Schweizer Trio, das von „20 Minuten“ als „der nächste Urknall“ oder wenigstens als „Prog-Supergroup“ bezeichnet wird, was einigermaßen übertrieben ist, denn vorherige Erfahrungen aus einer lokalen Frank-Zappa-Coverband etablieren noch keinen Starstatus. Nichtsdestotrotz schwappte sich die Welle, die The Universe by Ear in Basel zum Schwingen brachten, augenscheinlich bereits bis nach Australien.

    In einer ihrer Selbstbeschreibungen üben die Musiker sich nicht in Zurückhaltung:

    Drei wagemutige Basler Musiker haben sich zusammengefunden, um den Rock dorthin zu führen, wo bislang keiner einen Fuss auf den Boden gesetzt hat: in eine komplexe, farbenfrohe, überraschende, harte, melodiöse Landschaft und in einen Kosmos, in dem improvisierter Freifall neben durchstrukturierter Form existiert.

    Und sie haben damit sogar Recht. Das Klanguniversum bereisen sie tatsächlich hörbar weit: Aus King Crimsons „Larks‘ Tongues in Aspic“ (sämtliche Teile), Stoner- und Spacerock, aber auch den späten Beatles („Repeat Until Muscle Failure“, „Dead End Town“), Jazzrock und Canterbury sowie Desert Rock (noch mal „Dead End Town“), veredelt mit irrwitzigen Instrumentaleskapaden („Ocean/Clouds/Prism“), kreieren die Schweizer ihr ganz eigenes erstes musikalisches Ausrufezeichen. Der Gesang ist freilich nicht der besonderen Rede wert, stilistisch passend orientiert man sich hier überwiegend an den einschlägigen Krautrockbands, aber es wird ja nicht immer nur gesungen; von Anfang an, schon in der zweiten Hälfte von „Seven Pounds“, erfreuen ausgedehnte bass- und schlagzeuglastige Instrumentalpassagen des Hörers Ohren. Mein Album des Jahres scheint gefunden, aber ich lasse mich ja gern überraschen.

    Pseudonyma „Eva Maria“ kommentierte auf „20 Minuten“:

    Unhörbar sorry. Ist wahrscheinlich therapeutisch für die Musiker und ein Taxitiket zur Einlieferung in die Psychi für alle die es sich antun das hören zu wollen

    Ach, „Eva Maria“: dir entgeht was.

    Reinhören: Einen Komplettstream gibt es auf Bandcamp.com, Videos zu einigen Stücken auf YouTube.

Habe ich was vergessen? Natürlich habe ich was vergessen!

2. Kurz und würzig.

1. The Jesus and Mary Chain – Damage and Joy

   The Jesus and Mary Chain präsentieren zehn Jahre nach ihrer Reformation ein großartiges Garagenrockalbum, das Anhängern von The Velvet Unterground, den Strokes und Sonic Youth ein breites Grinsen auf’s Gesicht drückt. Amazon.

2. Disperse – Foreword

   Hinter dem unauffälligsten Gesang des Jahres versteckt sich überraschend vertracktester Progressive Metal, für den ein einziger Hördurchlauf geradezu lächerlich wenig ist. Bandcamp.

3. At the Drive-In – in•ter a•li•a

   Die Nachfolgeprojekte, darunter die unvergesslichen The Mars Volta und Antemasque, sind offenbar allesamt gescheitert, also machen die Musiker von At the Drive-In weiter mit dem, was sie am besten können: Energiegeladene Rockmusik mit Punk- und Indiecharme, gefeiert von der Fachpresse und auch von mir trotz einschlägiger Werkkenntnisse für überraschend gut befunden. Amazon.

4. Nova Collective – The Further Side

   Instrumentaler Symphonic-Prog wie in der guten alten Zeit. Bandcamp.

5. Les Discrets – Predateurs

   Sphärische Film-Noir-Musik zweier Franzosen mit Indie-Rock- und Trip-Hop-Hintergrund. Bandcamp.

Das war es schon? Vorerst ja – aber das Jahresende steht ja schon wieder bald bevor und mit ihm die Jahresrückschau, nächstes Mal wieder in alter Pracht. Ich freue mich darauf und ihr solltet das auch.

Bis bald!

Kommentare

• Hirnfick 2.0 » Musik 12/2017 – Favoriten und Analyse schrob am 27. Dezember 2017 dies: […] der erste Teil merklich kürzer als üblich geraten war, blieb für den zweiten natürlich eine Menge Musik […]
• Hirnfick 2.0 » Kurzkritik: Sonar – Black Light schrob am 3. Februar 2018 dies: […] Records kennen regelmäßige Leser meiner Musikbesprechungen möglicherweise als die Plattenfirma von Thinking Plague. Wer – wie ich – auf diese Angabe üblicherweise kaum achtet, falls nicht eine […]

‘Musik 12/2016 – Favoriten und Analyse’ weiterlesen »]]> Wie, was, 2016 ist schon lange vorüber? Zum Glück habe ich gewartet. Das könnte man für schlecht halten, aber statistisch gesehen ist es gut, denn 2016 hat nicht nur die Ankündigung der baldigen Auflösung von The Dillinger Escape Plan, sondern auch eine ganze Reihe an Toden auf der Rechnung, darunter nicht nur diverse ehemalige Politiker der F.D.P., sondern vor allem auch Musiker. Nach Wolfgang Rohde (früher mal Die Toten Hosen), Hagen Liebing (früher mal Die Ärzte) und Chris Squire, dem letzten in der Band verbliebenen Gründungsmitglied von Yes, sowie vielen anderen hat es vor einigen Wochen schließlich auch den großartigen Greg Lake erwischt, und auch für Leonard Cohen wäre es zu spät, seinem letzten Album „You Want It Darker“ einen gebührenden Preis zu verleihen, über das andererseits jedes geschriebene Wort sowieso und ohnehin Blasphemie gliche.

Schon früher im abgelaufenen Jahr allerdings schien es mir nicht verfehlt, lobende Worte über einige der großartigsten Musikalben des Jahres zu finden, darunter katie deys flood network, MaidaVales Tales of the Wicked West, misophonia von Electric Orange sowie das Debütalbum von Moon Circle.

Im Folgenden findet ihr, was bis jetzt noch fehlte, nämlich die bislang noch unrezensierten Alben des Jahres. Vielleicht ist ja was für euch dabei?

1a. Starker Stoff

1. Arbor Labor Union – I Hear You
   „I live in a song / I dance when it’s played.“ (Volume Peaks)

   Das fängt ja gut an.

   Die Gartenarbeitervereinigung – prima Bandname auch – aus Atlanta bereicherte die Welt im Mai 2016 mit ihrem Zweitling „I Hear You“ und damit mal eben mit einem dieser Alben, die mich meine Wahl zum Album des Jahres noch mal ernsthaft überdenken lassen. Vermutlich ist es mit „cool“, sofern der Begriff zusagt, nicht völlig unzureichend beschrieben, Spaß macht es auf jeden Fall, und das ab der ersten Sekunde: „Mr. Birdsong“ beginnt stimmig mit instrumentaler Vogelimitation, bevor es ordentlich zur Sache geht.

   Stilistisch bewegen sich Arbor Labor Union im dreckigsten der Garagenrocks (meinten Sie: Röcke?), irgendwo zwischen Pearl Jam und den Dandy Warhols bis hin zu einer erstaunlichen Ähnlichkeit zu den ersten zwei monoton-hypnotischen Platten von The Velvet Underground („I Am You“), wenn nicht gerade der hier ebenfalls vollkommen überdrehte – also fast wie früher – Postpunk („Radiant Mountain Road“) die Führung übernimmt, der gleichfalls das Monoton-Hypnotische gar nicht erst zu verbergen versucht. Macht euch auf treibende Gedanken gefasst. Der hektisch-verwirrte Gesangsstil des Frontmanns Here Orr (ich würde annehmen wollen, hier handelt es sich um einen Künstlernamen) passt großartig zu der pulsierenden Instrumentalarbeit. Vergleiche, wenn’s denn nötig scheint: Mark E. Smith, Julian Casablancas, Doug Yule (und das ist positiv gemeint). Bingo.

   Die Plattenfirma der Arbor Labor Union heißt „Sub Pop“ und ich habe wirklich schon mal weniger passende Namen von Plattenfirmen gesehen. Arbor Labor Union, ich höre euch. Und das wirklich gern.

   Reinhören: Auf Bandcamp.com gibt es „I Hear You“ nicht nur als schickes rosa Vinyl („Loser Edition“, ohne Punkattitüde geht es nicht), CD und blaue Kassette zu kaufen, sondern auch als kostenlosen Komplettstream. Ich kann dazu durchaus raten.

2. Ziguri – onetwothreefour
   „Die Explosion in deinem Kopf lässt Paradies und Hölle bersten.“ (Apricot Brandy III)

   Günter Schickert ist wohl ein Vertreter dessen, was gemeinhin ein Urgestein genannt wird: Seit der ersten Hälfte der 1970er Jahre spielte und spielt er mal zusammen mit Klaus Schulze, mal solo (zuerst 1974 mit „Samtvogel“), mal mit eigenen Gruppen weitgehend instrumentalen Krautrock im Stil der Berliner Schule. Als „handgemachten Dancefloor“ bezeichnet den Stil zumindest die Plattenfirma Sireena Records, was irgendwie auch stimmiger scheint.

   Ziguri, laut Internetinformationen (sagt man das noch so?) in der Sprache der Tarahumara der Name des halluzinogenen Peyote-Kaktusses, ist eine dieser eigenen Gruppen, deren Geschichte bis in die auslaufenden 1980-er Jahre zurückreicht. Das Trio aus Günter Schickert (Gitarre, Blasinstrumente, Gesang), Udo Erdenreich (Bass, Gesang) und Dieter Kölsch (Schlagzeug, Gesang) spielt bis heute anscheinend in der Ursprungsbesetzung miteinander, was zumindest eine fruchtbare kreative Zusammenarbeit suggeriert.

   Wobei der Krautrock ja schon immer unter seinem Etikett zu leiden hatte; Kraut ist oft im Wortsinne drin, Rock hingegen bleibt aus. So natürlich auch hier: Das Geschehen wird bestimmt von tranciger Instrumentalmusik im besten Sinne, mal dem Postrock nahe („Radio Bilsga“), mal eher dem, was die Welt der Psychedelia so hergibt („Skykiss“). Dass die drei Herren sich selbst nicht furchtbar ernst nehmen, schlägt mindestens ein auf YouTube zu findendes Video zum Stück „SunSonsSans“ (manchmal auch mit Leerzeichen geschrieben) vor, und das merkt man über die gesamte Länge des Albums hinweg.

   Wobei das Album ja eigentlich wiederum zwei Alben in einem ist bzw. sind: Die drei Bonusstücke „Hotel Babel“, „DiaLekT“ und „Apricot Brandy III“ sind Reste von alten Aufnahmen von 1993 und 1996, wobei das gleiche Stück unter dem Namen „Apricot Brandy“ bereits auf dem Debütalbum zu hören war und offensichtlich eine Überarbeitung von „Apricot Brandy“ von „Samtvogel“ ist; „Apricot Brandy III“ ist auch das einzige der drei Stücke, an denen Günter Schickert wieder beteiligt ist, die anderen beiden sind stattdessen in völlig anderer Besetzung und mit Sängerinnen aufgenommen worden. Nichtsdestotrotz sind sie als musikalische Zusammenfassung von „onetwothreefour“ nicht völlig deplatziert, bilden sie doch dessen stilistische Bandbreite ganz gut ab. „Hotel Babel“ ist eine Vertonung eines Gedichts des mir bislang unbekannten Dichters Guillaume Apollinaire als groovender Jazzrock mit reichlich Trompete, „DiaLekT“ mag man mit seinem afrikaartigen Trommelrhythmus und dem seltsamen Hintergrundgesang wohl eher unter Weltmusik einsortieren, wenn auch als solche, deren Erschaffer vom Spacerock zumindest schon mal was gehört haben. „Apricot Candy III“ schließlich könnte mit seinem bühnensketchartigen Aufbau einerseits und der Elektronikverliebtheit andererseits – überall flirrt, klirrt und zwitschert es – auch von Grobschnitt oder Can stammen, mit deren Interimssänger Damo Suzuki die drei Musiker bereits eine Bühne teilten.

   Die drogenschwangeren 1970er denken gar nicht daran, aufzuhören. Das ist ein gutes Zeichen.

   Reinhören: Neben besagtem Video gibt es auf Dieter Kölschs YouTube-Kanal noch manch weiteren Ausschnitt aus „onetwothreefour“, auf Amazon.de kann man ebenfalls überall mal reinhören. Viel Vergnügen.

3. Ahkmed – The Inland Sea

   Kommen wir von ein bisschen Postrock zu richtigem Postrock, nämlich zu „The Inland Sea“ von Ahkmed, die trotz des Namens ein australisches Trio sind und deren Debüt „Distance“ Anlass zur Freude gab. Dass die Plattenfirma Elektrohasch (Colour Haze u.a.) durchaus nicht für besonders schlechte Musik bekannt ist, sollte sich bereits herumgesprochen haben, ansonsten hilft „The Inland Sea“ bei der Ruffestigung sicherlich erneut.

   Mit fünf Stücken von zwischen zehn und zwanzig vollen Minuten Länge gefällt „The Inland Sea“ schon oberflächlich, und der Schein trügt diesmal nicht: Ich höre Stoner Rock, aufgelockert durch Drones und das Ganze in einen brodelnden Postrockkessel gekippt. Weitgehend instrumental findet „The Inland Sea“ statt; ein Teil der Platte hat durchaus Gesang, aber der geht nicht nur unter, weil’s erstens mit ordentlich Hall versehen ist und zweitens der Rest den Geist entführt, sondern dabei auch noch ziemlich gut ab, und das schon ab dem ersten Takt: „Kaleidoscope“ beginnt mit reichlich fuzz vom Gitarristen Carlo Iacovino, der schon bald von einem sehr eigenartigen Perkussionsrhythmus und einem kaum hörbaren, wohl aber spürbaren Bassfundament unterstützt wird, dessen Erzeuger, der neue Bandbassist Finn Rockwell, nach etwa der Hälfte der Zeit einen getrageneren Zwischenteil solistisch einleiten darf, bevor seine beiden Mitmusiker erneut einsteigen, dem Bass jedoch einigen Freiraum lassen, um sich zu entfalten, was hier keineswegs irgendwelche wilden Eskapaden bedeuten soll. Die Band lässt sich nicht beirren, hier werden Melodien eben auch mal zehn (oder mehr) Minuten lang wiederholt. Langweilig? Nein, nein, „Kaleidoscope“ ist schon ein treffender Name. „Dreamland“ hätte es aber auch getroffen.

   Das folgende Titelstück mag sich zum Reisen wohl eignen: Die plötzlich schneidende Gitarre und der treibende beat leiten allmählich über in eine neue Traumsequenz, bevor das Stück erneut anschwillt. Einzelne Wortbeiträge von Schlagzeuger John-Paul Caligiuri schallen unwirklich aus der Farbenwelt. Auch in „Last Hour of Light“ sind vier Minuten dem Spacerock mit Gesang (Pink Floyd gehören überhaupt viel häufiger mal derart unaufdringlich gewürdigt) gewidmet, bevor ein ungewöhnlich cleanes (also erfrischend unverzerrtes) Gitarrenriff, das mit seiner Eingängigkeit diesen elenden Suchtfaktor nochmals potenziert, sich unbeirrt in den Verstand des unbewaffneten Hörers ergießt, während es mal im Vordergrund, mal im Hintergrund trommelt, blubbert und vor allem fließt. Nach wiederum etwa der Hälfte des Stücks soliert erneut der Bass; Zeit zum Ausruhen? Die nächsten Minuten verbringt man jedenfalls im Schwebezustand, bevor die Geräuschkulisse quietschend eine Notbremsung einlegt. Keine Angst, es geht gleich weiter: „Pattern of Atolls“ spendiert der Gitarre, die den Hörer mit einer anderen, aber wieder grandiosen Melodie auf eine weitere Reise zu schicken beabsichtigt, eine Extraportion Effekte. John-Paul Caligiuri trägt erneut für wenige Augenblicke unwirklich scheinenden Gesang bei, ach was: Sprechgesang, bevor es erneut in höhere Sphären geht. Moment, war da was? Die kurze Ablenkung durch’s Drübernachdenken wird bestraft: Das Stück reißt plötzlich ab und macht einem wütend klingenden Intermezzo Platz, in dem Schlagzeug und Bass geradezu Kriegslärm zu simulieren scheinen, während John-Paul Caligiuri Verse deklamiert. Müsste ich unbedingt etwas an „The Inland Sea“ auszusetzen haben, ich wählte die unverständlichen Texte und würde das sofort wieder zurücknehmen wollen, denn wenn man auf eines hier auf keinen Fall achten sollte, dann sind es die Texte. Mit „The Empty Quarter“ schließlich beenden Ahkmed „The Inland Sea“ stilvoll, mit einer Viertelstunde feinsten Postrocks ohne besondere Vorkommnisse, mit einem sehr angenehmen letzten trip also.

   „The Inland Sea“ ist unbegreiflich intensiv. Geile Scheibe.

   Reinhören: Auf Bandcamp.com gibt es Stream und Kauf.

4. T E Morris – Newfoundland (And Of That Second Kingdom Will I Sing)
   „Do you feel like you’re at home?“ (A Year In The Wilderness)

   Her name is Calla sind hier längst Stammgäste, erst Ende 2015 fanden sie an dieser Stelle lobende Erwähnung und auch ihr aktuelles Album „Newfoundland (And Of That Second Kingdom Will I Sing)“ – dieser Name! – ist erneut eines, das in gewohnter Qualität Gewohntes, bezaubernd und zerbrechlich wie es eben nur die sechs Musiker aus Leeds hinbekommen, bietet.

   Moment – steht da nicht ein anderer Name auf dem Titelbild? Doch: Veröffentlicht wurde „Newfoundland“ zwar über die gewohnten Vertriebskanäle von Her name is Calla, seinen Namen auf’s Album ließ jedoch Tom Elliot „T E“ Morris, Sänger und Gitarrist und Pianist und Synthesizer- und Banjospieler von Her name is Calla, schreiben. Dass trotzdem die gleiche Besetzung zu hören ist und augenscheinlich T E Morris nur innerhalb des Bandkontextes Musik veröffentlicht, lässt den Rezensenten zwar einigermaßen verwundert zurück, schmälert aber die weitere Bewertung der zu hörenden Musik keinesfalls. Gehen wir also davon aus, dass da, wo T E Morris draufsteht, grundsätzlich Her name is Calla drin ist, so gibt es allerdings einen bitteren Beigeschmack: Während die Band selbst laut sozialen Medien fleißig an neuem Material (also: Musik) arbeitet, wird „Newfoundland“ zumindest das letzte, wie auch immer man das definieren möchte, Soloalbum von T E Morris sein, der im November das Ende seiner Solokarriere bekanntgab. Möge es ihm wohl ergehen.

   Die Annahme, dass traurige Menschen bessere Musik machen, findet auf diese Weise allerdings zumindest eine bedrückende Bestätigung. Zu einem Jahr wie 2016 passt dieses Album wie kaum ein zweites; überhaupt:

   It’s a sad and beautiful world.

   Dies, was sonst?, ist die Begleitmusik dazu.

   Reinhören: Wie bislang ist auch diesmal Bandcamp.com eine exzellente Anlaufstelle für’s Streamen und Kaufen.

5. Autumnal Blossom – Spellbound

   Bleiben wir im Genre, bleiben wir beim Wunderschönen.

   Autumnal Blossom kommen aus Rheinland-Pfalz und bestehen im Wesentlichen aus Pia Darmstädter (Flöte, Gesang, Tasteninstrumente), die mit Poor Genetic Material auch ganz anders kann, nebst fünfköpfiger Herrenband. Das Internet vergleicht die auf „Spellbound“ zu hörende Musik mit der grandiosen russischen Musikgruppe iamthemorning. Das ist nicht die schlechteste Referenz.

   Von Anfang an wird eine intime Stimmung aufgebaut: „Because I Could Not Stop For Death“ ist Pia Darmstädters Stimme über sanft wolkigen Klängen, was sich ungefähr anhört, als hätte Nico zur Abwechslung mal keine Drogen vor’m Musizieren genommen oder als hätten die Raveonettes versehentlich den Verzerrer zu Hause gelassen. „Memories Of A Child“ leitet anschließend den zweiten und längsten von insgesamt drei Teilen – hier: „Diaries Of An Estranged Voyager“ – ein. „Spellbound“ ist immerhin auch ein Konzeptalbum. Passend zum Titel hört man hier eine Spieluhr, außerdem Flöte, Gesang und Klavier. Ich bin versucht, den Genreaufkleber „Folk“ aus der Schublade zu holen.

   Überhaupt würde sich der Folk auf „Spellbound“ wie zu Hause fühlen, und er könnte den Folkrock gleich mitbringen, wenn es etwa gegen Ende von „Memories Of A Child“ kaum überraschen würde, spränge gleich Ian Anderson wie ein Derwisch vor das Mikrofon und sänge den gleichen Text; es fiele nicht einmal auf. „One day seemed as long as a lifetime / in this never-ending dream“, jawohl.

   „Paradise“, der letzte Teil (und auch das letzte Stück) von „Spellbound“, setzt abermals einen Kontrast: Im Gegensatz zum Liedtitel wirkt die Musik hier eher bedrohlich, gar postapokalyptisch. Dröhnen, Brummen, kalte Mechanik dominiert das Geschehen (habe ich schon Nico erwähnt?). Allein: Es gibt Hoffnung. „Paradise is not so far away / paradise is here every day“, trotzdem und vor allem. Die wenigen Popmomente auf „Spellbound“ (vgl. „My Blood“) geraten immer noch überdurchschnittlich gut, auch, wenn der schwebende Gesang hier oft ein wenig deplatziert wirkt – und gerade das macht seinen Reiz aus. Zusammengefasst mag die Eigenbeschreibung von der Website zum Album aber auch genügen:

   „Spellbound“ ist eine Mischung aus Geschichte, Fiktion und Realität – nie vergessene Episoden eines Lebens – durch Erinnerung unsterblich – ein Tagebuch, in dem sich der Zuhörer wiederfinden kann – ein Buch der Hoffnung – ein Ja zum Leben.

   Kann man so stehen lassen.

   Reinhören: Es kann neben Amazon.de auch, unter anderem, TIDAL als Hörprobenursprung genutzt werden.

6. King Gizzard & The Lizard Wizard – Nonagon Infinity
   „Loosen up, tighten up, fuck shit up, don’t forget about it“ (Robot Stop)

   Genug des Schwelgens, es darf wieder gepfeffert werden. King Gizzard & the Lizard Wizard stammen aus Australien und erlauben sich mit „Nonagon Infinity“, ihrem achten Studioalbum und dem einzigen aus dem Jahr 2016, eine kurze Pause, bevor sie sich daran machen, ihre Ankündigung, 2017 ganze fünf Alben zu veröffentlichen, in die Tat umzusetzen. Eilig gilt es also dieses Album zu besprechen, bevor es zu spät ist.

   Dabei gibt es allerdings ordentlich zu tun, denn King Gizzard & the Lizard Wizard geben sich mit Schubladen lieber nicht ab. Mr. Bungle, die Melvins, Primus, Indierock, Punkrock und sogar Zeuhl („Invisible Face“) drängen sich hier so dicht aneinander, dass man sich beinahe bemüßigt sieht, ein wenig mit den einschlägigen Gliedmaßen zu wackeln, während man immer noch nicht ganz versteht, was da eigentlich gerade auf einen niederprasselt.

   Dies im Übrigen schon ab dem ersten Moment: „Robot Stop“ prescht voran, als würden sich Hawkwind am Punkrock versuchen. Ein kurzer orientalisch klingender Einschub setzt schon hier einen Kontrapunkt. „Robot Stop“ geht direkt über in „Big Fig Wasp“, das ein wenig das Tempo drosselt, bevor mit „Gamma Knife“ abermals das Thema von „Robot Stop“ aufgegriffen wird. Wer jetzt annimmt, dass „Nonagon Infinity“ seinen Namen doppelbödig trägt, der hat vollkommen Recht: Die neun Lieder bilden nicht nur ein einziges zusammenhängendes, sondern der Schluss des letzten Liedes „Road Train“ passt auch noch ganz gut zum Beginn von „Robot Stop“, man könnte „Nonagon Infinity“ also durchaus ohne merkliche Unterbrechung in Wiederholung hören.

   Die Gefahr, dass man es irgendwann nicht mehr hören kann, ist dabei zwar möglich, aber King Gizzard & the Lizard Wizard versuchen Langeweile durch immer neue Ideen zu vermeiden: Das vierte Stück „People-Vultures“ variiert das Ursprungsthema bereits ausreichend ins Spacige, um den Übergang in das völlig andere „Mr. Beat“, das sozusagen den Geist des psychedelischen Hardrocks der 1970er Jahre atmet, Klischee-Synthieorgel selbstverständlich eingeschlossen. Stu Mackenzies Gesang fügt sich hier natürlich nahe den Beatles ein, einzig der hektische Refrain setzt einen Kontrast. Mit „Evil Death Roll“, das wiederum das Thema aus „Robot Stop“ variiert, wird dieser Ausflug aber auch schon wieder beendet, erstmals gesellt sich hier zum Ende hin Jazzrock zur Genremischung hinzu, auf die Spitze getrieben im folgenden Liedduo aus „Invisible Face“ und „Wah Wah“, das hüpfenden Fusion nahtlos integriert. „Wah Wah“ zitiert melodisch aus KISS‘ „I Was Made For Loving You“, eine Absicht mag Versehen sein, und tatsächlich zieht das Tempo hier wieder merklich an, bevor das Album mit „Road Train“ zu „Ende“ geht und mich einigermaßen ratlos zurücklässt.

   Zum Glück muss ich hier keine Punkte vergeben. Fest steht: „Nonagon Infinity“ ist wirklich beeindruckend. Wie beeindruckend? Nun, das bleibt dem geneigten Leser überlassen.

   Reinhören: Stream und Kauf gibt es mal wieder auf Bandcamp.com – immer wieder.

7. Crobot – Welcome To Fat City
   „Who paid your debt to be here?“ (Not For Sale)

   Crobot, ihrem Namen zum Trotz, haben zu meiner großen Freude mit dem Pandarapper Cro nichts Weiteres gemein. Ihre Hintergründe liegen ein wenig im Dunklen, die Legende will es, dass ihre Gründer einst in einer anderen Musikgruppe zusammen spielten, sich aber vor wenigen Jahren entschlossen, als Crobot zusammen zu spielen. Inspiration für das neue Album „Welcome To Fat City“, so behaupten die derzeit vier Herren, sei Hunter S. Thompson gewesen, was mal eine angenehme Abwechslung zu dem üblichen namedropping mit irgendwelchen Allerweltsbands ist.

   Musikalisch ist „Welcome To Fat City“ eigentlich ein prima Sommeralbum. Mein timing war auch schon mal besser. Desert Rock in der dreckig-bluesigen Variante wird gespielt, Mundharmonika („Easy Money“) eingeschlossen. Wolfmother und Led Zeppelin sind willkommene Vergleiche für Leute wie mich, die auf so Musik immer nur eher zufällig aufmerksam werden. Das ist dann oft ziemlich erfreulich.

   „Welcome To Fat City“ nimmt keine Gefangenen. Chris Bishops Gitarre geht auf Frontalkurs, während die Rhythmusabteilung aus Paul und Jake Figueroa alles niederwalzt, was sich ihr in den Weg stellt, um final Platz zu schaffen für Brandon Yeagleys extrovertiert-aufgeputschtes Rockorgan. Springt, ihr Narren, und wahrlich, zum Stillsitzen animiert „Welcome To Fat City“ keineswegs, vielmehr findet man sich schon nach wenigen Minuten wild luftgitarrend unter dem Kopfhörer wieder, statt hier endlich mal was zu schreiben. Verzeihung, aber: Boah, geht das gut ab.

   Ich bin versucht anzunehmen, „Crobot“ sei in irgendeiner von mir nicht aktiv verstandenen Sprache ein Synonym für das, was in anderen Sprachen schlicht coolness heißt. (Ohne zu unterstellen, dass das Referenzstück für coolness, Lou Reeds unübertroffenes „Kicks“ nämlich, auch nur ansatzweise so ähnlich klingt, versteht sich.)

   Reinhören: Warum nicht mal auf Amazon.de oder TIDAL?

8. Friends of Gas – Fatal Schwach
   „Definiert / durch keinen Kern“ (Einknick)

   Irgendwann im Laufe des noch jungen Jahres 2017 bemühte sich ein unklar Bekannter um meine Teilnahme an einem Konzert der grundbekloppten Dadaband HGich.T. Es war sehr, sehr furchtbar, vor allem musikalisch. Mit furchtbaren Texten hingegen habe ich schon deutlich weniger Probleme, ein minimalistisch-elektronisches Klanggewand ist auch nicht immer zu verachten, wie jene Leser, die hier trotzdem immer wieder einmal reinschauen, sicherlich bereits wissen.

   An ungewohnter Stelle, nämlich bei NEØLYD, wurden mir die Friends of Gas, eine junge fünfköpfige Gruppe aus München, über deren Namen Nadine Lange vom elenden „Tagesspiegel“ sich im Oktober 2016 bereits entsetzt ausließ (Gas gehe doch mal so überhaupt nicht!), ins Bewusstsein katapultiert, die vieles macht, was ich mag, nämlich zum Beispiel Postpunk mit deutschen Texten.

   Es sind die Fehlfarben eine sich aufdrängende Assoziation, weil auch Sängerin Nina Walser mit einer ähnlichen Gesangstechnik (nämlich: keiner) aufzuwarten weiß wie Peter Hein und stattdessen dem nicht abgeneigten Hörer mit ihrer markanten heiser-rauchigen Stimme und mitunter steigender Intensität („Template“, „Einknick“) emotionsgeladenen Nihilismus entgegenschleudert, als müsste sie ihr Leben mit ihm verteidigen; konsequent wird deren „Es geht voran“ in „Kollektives Träumen“ nicht nur zitiert, sondern mit der harten Realität konfrontiert: „Es geht nach vorne, es geht voran; Geschichte wird gemacht, doch nicht von mir und nicht von dir“, weil es ja immer auch so ein Problem mit doppelten Textböden gibt.

   Die Klangbasis für diese Vokalaggression bildet ein krautrockiges – möge die inflationäre Genreverwendung das Genre als Begriff bald erübrigen! -, hartes Fundament aus pochendem Bass und schneidender Gitarre, so 80er zwar, aber doch ohne einen Anflug von Alterung, worum man es nebenbei ein wenig beneidet. Aufgewühlt hinterlässt „Fatal schwach“ den Fühlenden bedingungslos, ein Frustabbau in sieben Liedern. Famos!

   Reinhören: Von offizieller Seite gibt es ein paar Videos, das ganze Album liegt auf Amazon.de sowie TIDAL herum.

9. Crippled Black Phoenix – Bronze
   „Now we set fire to the sky, sick of war and sick of fighting“ (Champions of Disturbance)

   2012 machte ich den Fehler, ein Album von Crippled Black Phoenix schlicht ermüdend zu nennen, denn das bleibt beim Publikum haften. Ich weiß doch, dass sie es besser können, ist „We Forgotten Who We Are“ von, allerdings, einem anderen ihrer Alben doch auch nach Jahren eines dieser Stücke, an dem ich mich irgendwie nicht satthören kann.

   2016 erschien mit „Bronze“ nunmehr ein neues Album der gewohnt reformierten haarigen Gruppe um Justin Greaves, der außerhalb der Bühne, wie man so liest, den Großteil der Bandwerke quasi allein einspielt; vom letzten Album „White Light Generator“ (2014) ist ungewohnterweise auch der Posten des Sängers mit Daniel Änghede besetzt geblieben, was in dieser Combo durchaus bemerkenswert ist. Auch sonst ist „Bronze“ ein eher ungewöhnliches Album, ein ziemlich dunkles, düsteres nämlich, selbst im nicht gerade von jauchzendem Frohsinn geprägten Crippled-Black-Phoenix-Universum.

   Der gewohnt druckvolle Alternative Rock der Band findet in „Bronze“ ein Postmetalgegenstück. Getragene Melodien sind ihrer Sache diesmal nicht, dies allerdings sozusagen mit Ansage: „In the beginning there was darkness“; wie ein Weltraumepos beginnt „Dead Imperial Bastard“ mit einer gesprochenen Einleitung, die Schlimmes erahnen lässt. Tatsächlich entwickelt sich über die nächsten fünf Minuten ein Instrumentalstück, das Pink Floyds – Ping! – „Echoes“ nicht nur erahnen lässt, wenn auch wie auf einem kargen, verlassenen Wüstenplaneten aufgenommen. Das hysterische Gelächter am Ende (auch dies wohl eine Anleihe an deren „Meddle“-Album) leitet über in das erste richtige Lied mit dem nicht minder unfröhlichen Titel „Deviant Burials“, in dem alle acht gegenwärtigen Bandmitglieder mal so richtig losriffen dürfen, bevor bassdröhnende Psychedelic mit Countryunterton die Wilden vorübergehend zähmt. Daniel Änghede gibt hierbei den etwas jammerigen, nuschelnden Indie-Rock-Frontmann, als hätte Brian Molko versehentlich Singen gelernt und/oder als sei’s Josh Homme, dessen Bands mir andererseits auch recht egal sind. Nicht spaßig? „No fun“, das nächste Stück, beginnt abermals mit Sprach-samples, der anschließende Gesang ist hingegen recht angenehm in den Hintergrund gemischt, so dass der Mark erschütternde Bass die Kontrolle behalten kann. Ist Progressive Metal ohne Quietschkeyboards noch Progressive Metal? Ach, Genres, drauf geschissen, im nächsten Lied „Rotten Memories“ haben wir sowieso schon wieder was anderes im Ohr (ich würde beinahe Metallica oder Kid Rock anführen wollen, aber das würde Crippled Black Phoenix wiederum Unrecht tun).

   Kleinkram, Großkram. „Champions of Disturbance (pt. 1 & 2)“, nebenbei ein Mittelfinger für Liedlängenanalysten, ist mit 9:02 Minuten das zweitlängste Stück auf „Bronze“ und hüllt den trotz allem erstaunten Hörer in eine perlende Synthie-Groove-Decke mit wahnwitziger Perkussion ein, bis es nach vier Minuten zur ersten Eruption kommt, nur um direkt überzuleiten in Teil 2, dessen galoppierender Rhythmus ihm dermaßen das Hirn verknotet, dass er den längst eingeprägten Gesang fast wie hinter Schleier wahrnimmt. Grandios und eigentlich allein schon den Kauf so was von wert. – Aber es geht ja noch weiter, erst einmal etwas ruhiger („Goodbye then“), bevor es mal wieder eine Überraschung gibt: „Turn to Stone“ ist ein Joe-Walsh-Cover im zumindest angemessenen Classic-Rock-Gewand. Mit „Scared and alone“ (gesungen, fast gesäuselt, von Belinda Kordic) finden Crippled Black Phoenix auf ihre Spur zurück, noch etwas zerbrechlich, aber schnell wieder Kraft tankend, um in „Winning a Losing Battle“ (9:14 Minuten) abermals dem dunklen Indie-Rock zu huldigen. Abschließend gibt es mit „We Are The Darkeners“ ein Lied auf bzw. in die Ohren, das seinen Namen zu Recht trägt, denn heller wird es mit weinender Gitarre und Postpunkattitüde nicht mehr. Ein weiteres Sprach-sample beschließt die musikalische Bronzezeit. Was bleibt, sind Melancholie und Düsternis.

   Ist ja auch mal schön.

   Reinhören: Bandcamp.com stellt – mit Ausnahme zweier Bonuslieder – einen Komplettstream zur Verfügung.

10. Giraffe Tongue Orchestra – Broken Lines
    „Now you have a choice to suck up what they give you“ (Back to the Light)

    Alles furchtbar traurig 2016? Nein, nicht alles, auch der Spaßrock hat sich keine Pause gegönnt; zum Beispiel erschien mit „Broken Lines“ das Debütalbum der Supergroup Giraffe Tongue Orchestra.

    Das Giraffe Tongue Orchestra besteht zurzeit aus derzeitigen und früheren Mitgliedern von Alice In Chains (William DuVall, Gesang), Mastodon (Brent Hinds, Gitarre), Ben Weinman (The Dillinger Escape Plan, ebenfalls Gitarre), Pete Griffin (Dethklok, Bass) und Thomas Pridgen (The Mars Volta, Schlagzeug). Daraus sollte keinesfalls gefolgert werden, was da am Ende für Musik rauskommt – meine erste Assoziation beim Anspielen von „Broken Lines“ nämlich hieß, Anglophonie zum Trotz, Die Ärzte, die musikalisch jedenfalls auf ihren neueren Alben tatsächlich so Momente haben.

    Na, noch alle Leser da? Gut, denn meinen ersten Eindruck revidierte ich schon schnell, als aus dem Anspielen ein Anhören wurde und sich das, was Giraffe Tongue Orchestra dem Genießer eigentlich mitteilen wollen, in einer fast verstörend sich einbrennenden Melange aus Mr. Bungle, Faith No More, Bad Religion sowie dann und wann etwas Meshuggah und mancherlei Mathrock in den Kopfhörer respektive Lautsprecher ergoss. Bei quasi massentauglichen Liedlängen von stets unter sechs Minuten bleibt die Frage, ob die Zeit zur Entfaltung denn wohl reiche.

    Und das tut sie tatsächlich: Polyrhythmische Rockkracher („Crucifixion“, „No One Is Innocent“ u.a.) beherrschen „Broken Lines“, gefüttert von wenigen ruhigen Momenten („All We Have Is Now“), in denen William DuVall mich vorübergehend fast ein bisschen langweilt (ist eben einfach nicht meine Musik), aber eben auch nur fast, denn nach wie vor überwiegt das Rockige. „Broken Lines“ ist kein Album zum Nachdenken, keines, das sich erst beim aberdutzendsten Durchlauf erschließt, wer Musik also unbedingt als Kopfsache begreifen möchte, der ist hier falsch. (Es ist ja nun nicht so, dass mir solches nicht gelegentlich auch als Vorwurf begegnet.) Solide und ausreichend spannend für einen kleinen Fingerzeig ist „Broken Lines“ aber allemal. Ich zeige dann mal drauf.

    Reinhören: Amazon.de. TIDAL. Weiter im Text.

11. Axon-Neuron – Metamorphosis
    „The future is confused through the fragments of the past“ (Shattered)

    Was sind das eigentlich für Liedtitel? „Shattered“, „Erasure“, „Silence“, immerhin auch „Kafka“; wollen Axon-Neuron hier Übles heraufbeschwören? Nein, im Gegenteil!

    „Metamorphosis“ ist ein Progressive-Rock-Album aus ausgerechnet den USA, das trotz aller Verneigung vor den Klassikern nie anbiedernd oder gar angestaubt klingt, obwohl es gleichzeitig die meisten Klischees schon vor dem ersten Hören erfüllt: „Metamorphosis“ ist ein Doppelalbum aus zweimal acht Stücken, wobei jedes der beiden Teilalben, das zweite etwas ausdauernder als das erste, mit einem Präludium („Prelude“) beginnt und einem Postludium („Postlude“) endet. Das klingt nach Klassik? Oh, ja, und zwar in einem Ausmaß, das mir das „Death Defying Unicorn“, eines dieser anderen klassikorientierten Progressive-Rock-Alben, fast konkurrenzlos zum Album des Jahres 2012 machte, denn auch „Metamorphosis“ erhält seine Stärke durch etwas, was längst als abgeschrieben galt; durch den Jazzrock nämlich.

    Wobei das erste „Prelude“ kompositorisch zunächst einmal an das zu Unrecht fast vergessene Penguin Cafe Orchestra erinnert, bevor es sich im Stile alter Sinfoniewerke (als, Verzeihung!, Klassikbanause würde ich Smetana als ungefähre erste Verbindungsstelle setzen wollen) ausbreitet. Es dominieren Saiteninstrumente. Dass das nur die Einleitung ist, wird in „Euclid“, in das das Präludium übergeht, deutlich, in dem Bandgründer und Multiinstrumentalist Jeremey Poparad seine Gitarre Arpeggien über einem soliden Bandfundament singen lässt, bevor Sängerin Amanda Rankin zu Schlagzeug‑, Bass- und Glockenspielbegleitung irgendwas über parallele Linien singt, die niemals einander schneiden, was leider schon vor mir jemanden zu der Feststellung verleitete, dass wir es hier wohl mit Mathrock zu tun haben. Vergleiche so weit: Stolen Babies, Bent Knee (allerdings weit weniger verrückt) und Thinking Plague. RIO/Avant ist bei Axon-Neuron jedenfalls offenkundig willkommen. Im folgenden Stück „Suspicions“ wiederum haben wir es mit etwas Jazz zu tun, der sich mit verschlepptem Rhythmus langsam zu einem veritablen Progressive-Metal-Stück entwickelt, das noch dazu immer schneidender wird, nur um dann überzugehen in die anfangs balladeske Grundstimmung von „Shattered“, das, wie sollte es anders sein?, sich in einen ziemlich verspielten Progressive Metal ergießt. „Koan“ ist ein leider recht kurzes, um so überzeugenderes Jazzstück mit Canterbury-Anklängen; wie der Canterbury Sound auf „Metamorphosis“ sowieso immer mal wieder unklar hervorblitzt, ebenso vielleicht auch der Jazzmetal von Weltpinguintag oder Panzerballett („Eyes“, „Summit“).

    Auch auf Teilalbum Nummer zwei geht es vielfältig zu, ohne dabei bemüht zu klingen. Das Zusammenspiel zwischen Band und Orchester sorgt für fantastische Augenblicke und noch fantastischere Stimmungen. Wo sonst findet man Klassik und Avantrock so gekonnt verwoben wie in „Kronos“, das klingt, als würde man mit gebrochenem Herzen ausgelassen tanzen gehen? Wo sonst wird man so verzwirbelt weggeblasen wie in „Kafka“?

    „Metamorphosis“ ist zweifellos großartig. Ich bin sehr gespannt, was in den folgenden Jahren noch von dieser Band zu erwarten ist.

    Reinhören: Ach was, Komplettstream, und zwar auf Bandcamp.com.

12. Jambinai – A Hermitage

    Was wäre ein Jahresrückblick ohne einen anständigen „WTF!“-Moment? Unvollständig wäre er. Zum Glück kommt Abhilfe aus Südkorea.

    Das asiatische Land war 2016 vor allem wegen explodierender Taschentelefone, nicht jedoch wegen seiner musikalischen Exportprodukte in den Nachrichten zu sehen. Das ist zwar durchaus verständlich, denn der letzte namhafte südkoreanische Musiker, der reichlich Beachtung und Zuspruch bis in die hintersten Ecken des Internets fand, war vor einigen Jahren Psy, dessen ärgerliches „Gangnam Style“ eigentlich manchen Anlass zur pauschalen Schlechtfindung koreanischen Pops gäbe. Nun ist Jambinai allerdings erfreulicherweise auch keine Popband.

    Im Kern handelt es sich um ein Trio, das sich vage im musikalischen Terrain von tesa einer- und Tool andererseits aufhält, für „A Hermitage“ noch unterstützt durch Hyeseok Oh (Schlagzeug) und Ignito (Rap; dazu gleich noch etwas mehr). Die drei wesentlichen Bandmitglieder spielen nicht etwa nur Gitarre und Bass, sondern außerdem Haegeum, Piri und Geomungo, das eine Art tieftönende Zither und eines der Leadinstrumente in den meisten Stücken ist. Wir lernen beim Hören von „A Hermitage“ also quasi nebenbei ein wenig über koreanische Musikkultur statt der immergleichen Neuinterpretation westeuropäischer Einfälle. Das ist ja auch schön, Musik sollte ja immer mehr bleiben als bloßes Geräusch.

    Dabei ist „A Hermitage“ selbst an Geräuschen nicht arm. Schon das eröffnende „Wardrobe“ ist ein Klangspektakel mit stampfendem Rhythmus zu metallischen Schreien (großartig: Ilwoo Lee) und mit 3:07 Minuten eigentlich viel zu kurz. Spätestens im folgenden „Echo of Creation“ gibt es kein Halten mehr: Das ungewohnte, aber überragend gute Zusammenspiel aus fordernder Zither und jaulender Geige, hinter dem die dagegen ankämpfende Gitarre völlig untergeht, endet abrupt nach nur einer Minute, um ein wenig schöne, gar: psychedelische Atmosphäre zum bedächtigen Mitschwingen zu schaffen, bis die Lust am Krach in Gestalt von Hyeseok Oh wieder alles in Scherben trommelt. Die fünf Koreaner haben, wenn ich’s mal so schreiben darf, Hummeln im Hintern. Ich mag Hummeln.

    Es ist ja nicht so, dass sie nicht auch ganz anders könnten: Das siebenminütige, instrumentale „For Everything That You Lost“ könnte, wäre da nicht der offenkundige Einschlag von asiatischer Folklore, auch von einem der zahlreichen Nebenprojekte der Mitglieder von Godspeed You! Black Emperor stammen, Laut-Leise-Spiel inbegriffen. Überwiegend ist einfacher Postrock ihre Sache aber nicht, wie bereits das folgende „Abyss“, abermals getragen von der unverwechselbaren Geomungo, beweist, das die ziemlich einmalige Musik von Jambinai mit dem Sprechgesang des koreanischen Rappers Ignito, natürlich in der Landessprache, verbindet – und das klingt sogar für den verwunderten Rezensenten, der andererseits auch schon wirklich furchtbaren Rap gehört hat, als wäre es die offensichtlichste aller möglichen Kombinationen.

    „Abyss“ bleibt aber eine Ausnahme auf „A Hermitage“, denn im Weiteren sind den Koreanern ihre Instrumente wieder wichtiger als ein gutes Gespräch. „Deus Benedicat Tibi“ klingt ziemlich unchristlich, es springt vom Duett aus Schlagzeug und Haegeum, das an sich schon klingt, alswürde gleich etwas explodieren, ohne weitere Vorwarnung über in ein Free-Jazz-Durcheinander, dem nur die Rhythmusabteilung eine lose Form zu geben vermag. So, jetzt drehen wir mal kurz durch. Danach darf sich auch kurz ausgeruht werden: „The Mountain“ gönnt anfangs ein wenig Entspannung, findet aber schon nach wenigen Minuten den beat wieder und schließt herrlich noisig dröhnend, was mich an manche japanische Postrockband erinnert. Asien, du bist wirklich seltsam. – Die musikalisch begleitete Geräuschcollage „Naburak“ sticht selbst auf „A Hermitage“ noch als reichlich seltsam hervor, das letzte Wort auf „A Hermitage“ hat aber „They Keep Silence“, das einzige Lied im Wortsinne, in dem die Musiker den Untergang der Fähre Sewol im April 2014 verarbeiten; nicht etwa klagend, sondern aggressiv, was dem Gefühl der meisten Südkoreaner, geht es um das Unglück, zumindest deutlich näher sein dürfte.

    „A Hermitage“ ist, Gesellschaftskritik eingeschlossen, große Kunst im besten Sinne. Es lohnt sich, sich ihr mit Neugier zu nähern.

    Reinhören: Auf YouTube gibt es ein Video zu „They Keep Silence“, auf Amazon.de sind die gewohnt zu kurzen Tonschnipsel zu hören. Das ganze Album, wie gewohnt, mag man nach Belieben per TIDAL streamen.

Könnt ihr noch? Gut, ich beeile mich:

1b. Kurz und knackig

• Gong – Rejoice! I’m Dead!

  Eine im Durchschnitt verjüngte Combo tritt – wenn auch weniger durchgeknallt – auf dessen Geheiß das Erbe Daevid Allens auf gewohnt hohem Niveau an und debütiert mit einem starken Album mit ungewohnt deutlichem Canterbury- und Symphonic-Prog-Einschlag.

• Neurosis – Fires Within Fires

  Endlich mal ein Album von einer Band, die spielt, wie sie heißt, das heißt, wie es klingt.

• Gandalf’s Fist – The Clockwork Fable

  Eine bemerkenswerte weitgehend britische Musikcombo mit albernem Namen und Progressive-Rock-Hintergrund vertont gemeinsam mit Leuten, die das beruflich machen, eine fantastische Retro-Prog-Dystopie über eine postapokalyptische Welt als Hörspiel in drei Akten alias CDs.

• Oranssi Pazuzu – Varahtelija

  Wenn die oben empfohlenen Neurosis euch noch zu wenig Druck aufbauen, könnten Oranssi Pazuzu aus der Heimat des bösen Metals, Finnland nämlich, euren Ansprüchen kraftvoll genügen.

• Asteroid – III

  In einem enorm vielschichtigen Stoner-Rock-Album machen Asteroid aus Örebro vieles richtig, was andere in die Beliebigkeit treibt, indem sie nicht bloß nach Schema F den heavy psych abspulen, sondern dem Hörer mit dem Auftürmen immer neuer Schichten einige Aufmerksamkeit abverlangen, für die er dann allerdings auch reich belohnt wird.

• pg.lost – Versus

  Dieses Album besteht aus höchst angenehmem instrumentalem und obendrein schwedischem Postrock in der Breitwandversion, der seine sozusagen geistige Verwandtschaft mit Artrock („Along the Edges“) und Metal („Versus“) nicht zu verbergen versucht, sondern stolz als Jagdtrophäen über dem Kamin präsentiert.

So weit zu den guten Nachrichten. Gibt es auch schlechte? Natürlich: Wir blieben auch 2016 nicht von scheußlichem Schund verschont. Früher haben die Leute sich aus Selbsthass irgendwas aufgeschnitten, heute rate ich ihnen stattdessen zu einem dieser Produkte:

2. Würg!

• The Claypool Lennon Delirium – Monolith of Phobos

  Claypool! Lennon! Leider aber auch nur: Delirium!

• Fire! Orchestra – Ritual

  Dieses Ritual ist höchstens ein müder Funke.

• Hattler – Warhol Holidays
  Warhol würde vor Langeweile gleich ein zweites Mal sterben.
• Archive – The False Foundation
  Als Sammlung von Kinderliedern vielleicht gerade noch erträglich, leider mag ich keine Kinderlieder.
• Donny McCaslin – Beyond Now
  David Bowies Zöglinge führen seine Tradition der öden Popmusik gnadenlos fort.
• Dungen – Häxan
  Bei allem geschichtlichen Firlefanz, der hinter diesem Album steht, haben sich Dungen dennoch wahrlich keinen Gefallen mit ihrem ersten Instrumentalalbum getan.

Wie immer beenden wir den Rückblick des Jahres mit ein wenig Geschichte:

3. Es war ja nicht alles schlecht.

• Vor 40 Jahren:

  Im Jahr 1976 wurde das erst seit fünf Jahren bestehende Mahavishnu Orchestra für ein paar Jahre auf Eis gelegt, Gitarrist und Gründer John McLaughlin widmete sich in den kommenden Jahren anderen musikalischen Projekten. Als das Mahavishnu Orchestra 1984 neu formiert wurde, gab es eine andere Band, die ebenfalls 1976 gegründet wurde, schon gar nicht mehr, nämlich Joy Division, deren Nachfolger New Order völlig andere Musik hervorbringen. Bis heute die immer gleiche Musik kommt indes von BAP, gleichfalls seit 1976 im Geschäft; was nicht unbedingt sein müsste. Vielleicht war die Zeit für einen musikalischen Umbruch aber auch einfach reif, denn sowohl die neuen Alben von Bob Dylan (Desire) als auch Soft Machine (Softs) blieben mau. Einzig das von John Cale produzierte Debüt- und gleichzeitig letzte Studioalbum der jungen Artrockband The Modern Lovers, die zu diesem Zeitpunkt schon gar nicht mehr existierte, das vier Jahre nach seiner Entstehung endlich eine Plattenfirma fand, ließ aufhorchen, bot es doch eine erstaunlich eigenständige Rockmusik zwischen den Rolling Stones und natürlich The Velvet Underground, wenig gefälligen Gesang eingeschlossen. So was wird heute ja gar nicht mehr produziert.

• Vor 30 Jahren:

  1986 waren The Velvet Underground allerdings trotzdem noch nicht vergessen; mit Another View veröffentlichte Verve Records, deren Mutterkonzern MGM 1969 den Fehler machte, die wenig Umsatz erzeugende Band aus ihrem Vertrag zu entlassen, eine Sammlung von übrig gebliebenen Liedern, die es zum Teil auf Loaded (1970), zum Teil in Lou Reeds Solowerk schafften. Sonic Youth hielten die Fahne des dissonanten Noiserocks 1986 selbst noch hoch, das dritte Album EVOL gehört nicht zu ihren schlechtesten. Die Luft für die Alten wurde allerdings zusehends dünner: Dem letzten Auftritt der Smiths und der Auflösung von Asia und Neu! stand die jeweilige Gründung von Bands wie Roxette und No Doubt entgegen. Die gleichfalls 1986 gegründeten Pixies und Slint versteckten sich scheu hinter den neuen Musikalben von Nazareth, AC/DC, Judas Priest und Metallica. Es waren merkwürdige Zeiten.

• Vor 20 Jahren:

  Zehn Jahre später war die Situation keineswegs übersichtlicher geworden. Take That lösten sich auf, die keineswegs irgendwie besseren Backstreet Boys veröffentlichten derweil ihr Debütalbum. Die Mädchenschwarmmusik war zeitweise wie eine Hydra – und ihre Köpfe wurden immer größer. Klein fing 1996 Eminem an, dessen Infinite den Grundstein für eine damals noch kaum abzusehende Karriere sein sollte. In der Vergangenheit wühlten Neutral Milk Hotel, deren Debütalbum On Avery Island die Brücke vom Garagenrock zum Indie-Rock nicht nur schlug, sondern gleich noch einzementierte. Noch offensichtlicher nahmen The Brian Jonestown Massacre die Siebziger auf’s Korn; Their Satanic Majesties‘ Second Request war nicht nur namentlich mehr als nur eine bloße Verneigung vor dem völlig unterschätzten Rolling-Stones-Album ähnlichen Namens. Inzwischen hatten drei der Mitglieder der angenehm verrückten Alternative-Metal-Band Mr. Bungle sich unter dem Namen Secret Chiefs 3 zusammengetan und mit First Grand Constitution and Bylaws wiederum ihr Weg weisendes Debütalbum veröffentlicht; auch 2017 kann von einer Auflösung noch immer nicht die Rede sein, mindestens ein neues Album ist für 2017 geplant. Das ist recht willkommen.

• Vor 10 Jahren:

  2006 erlebte der Postrock eine neue Hochzeit: Long Distance Calling wurden gegründet und Mogwai veröffentlichten mit Mr. Beast einen Genreklassiker. Wer lieber laute und böse Musik hören wollte, der musste auf das Debütalbum von Nick Caves neuer Band Grinderman noch bis 2007 warten, konnte sich bis dahin aber immerhin mit dem Thrash-Metal-Album Ever-Arch-I-Tech-Ture der belgischen Band Axamenta behelfen, dessen Schubladeneinsortierung empfehlenswerterweise niemanden vorurteilsbedingt vom Reinhören abhalten sollte. Wer keine Überraschungen mag, dem kredenzten 2006 wenigstens The Strokes mit First Impressions of Earth Bewährtes, nämlich – guten Hitparadenplatzierungen zum Trotz – gewohnt Gutes, mithin erstmals als „Parental Advisory“ Gekennzeichnetes, was in den prüden, aber erschreckend schießwütigen USA sicherlich irgendwas bedeutet, hierzulande aber schon fast einer Auszeichnung gleichkommt. Wer hier ankommt, der hat es geschafft. The Strokes jedenfalls haben es.

Damit ist das musikalische Jahr 2016 – zumindest von meiner Seite aus – endlich abgeschlossen. Ergänzungen werden, wie gewohnt, gern gesehen, ansonsten hoffe ich, dass auch diesmal etwas für euch dabei war. Die nächste Rückschau kommt bestimmt, 2017 wirkt diesbezüglich vielversprechend.

Freuen wir uns darauf!

Nachtrag: Wenige Stunden nach der Veröffentlichung dieses Artikels wurde bekannt, dass John Wetton verstorben ist. Ich möchte meine vorherige Einschätzung diesbezüglich korrigieren.

Kommentare

• Hirnfick 2.0 » Musik 06/2017 – Favoriten und Analyse schrob am 1. Juli 2017 dies: […] das für Musiker erstaunlich tödliche Jahr 2016 ein Ende nahm. Ich wartete mit der musikalischen Jahresrückschau 2016 also sicherheitshalber bis Januar – und am Tag darauf wurde der Tod John Wettons vermeldet. […]
• Hirnfick 2.0 » Kurzkritik: awakebutstillinbed – what people call low self​–​esteem is really just seeing yourself the way that other people see you schrob am 19. März 2018 dies: […] trotz größerer Unterschiede nicht völlig anderswo zu verortenden Friends of Gas habe ich vor einem Jahr bereits entsprechend gewürdigt. Interessant ist das hier Gehörte daher durchaus und zumindest ein […]

‘Musik 06/2016 – Favoriten und Analyse’ weiterlesen »]]> Es ist ein halbes Jahr vorbei, und schon der Disziplin (eine sonst überschätzte Tugend) wegen wird es daher Zeit, einmal die ersten sechs Monate der musikalischen Neuerscheinungen – all jene also, derer ich bis Ende Juni habhaft werden konnte – Revue passieren zu lassen, wohl wissend, dass all das von vornherein von vielen Toden und mittlerweile auch der Auflösung von Beardfish überschattet wird.

In diesem für die Musik doch eher merkwürdigen Jahr gibt es auch gute Neuigkeiten: Beak> drohte es nicht mehr zu geben, aber Ende März wurde eine Neubesetzung angekündigt. Das zwischendurch erschienene Album „Couple in a Hole“, im Wesentlichen eine Skizzensammlung und deshalb hier nicht interessant, ist jedenfalls noch im alten Miteinander aufgenommen worden. Keinesfalls gesonderte Erwähnung finden hier auch die bereits anderweitig empfohlenen neuen Alben von Kula Shaker und Karokh, die allerdings weiterhin uneingeschränkt hörenswert sind.

Im Juni zweifelte Dirk Peitz auf „ZEIT ONLINE“ daran, dass es eine gute Idee sei, Konzertbesucher per Beschluss davon abzuhalten, das Konzert nur durch ihre Smartphonebildschirme wahrzunehmen. Möge Dirk Peitz sich weiterhin mit seichter Popmusik herumschlagen, die ein fragwürdiges Klientel anlockt! Euch ist derweil viel Spaß mit folgenden Glanzstücken zu wünschen:

1. Super-Scheiben.

1. Neurosenblüte – ganz frisch
   „Es ist und ist und ist einfach / und ist und ist.“ (Immer dieses Jetzt)

   Endlich mal eine Rezension, die sich sozusagen von allein schreibt!

   Auf der Mailingliste „progrock-dt“ kündigte die Hamburger Band Neurosenblüte – allein der Name schon! – ihr diesjähriges Minialbum „ganz frisch“ wie folgt an:

   Was drin ist:
   ‑Acht Titel mit einer Gesamtspielzeit von ca. 30 Minuten
   ‑Front- und Backcover zum Selberbasteln (oder ‑backen)
   ‑Texte mit Verstand
   ‑Texte ohne Verstand
   ‑Takte zum Kopfrechnen
   ‑Ganzton‑, Zwölftonzeug
   ‑langweiliges, normales Dur/Moll-Zeug
   ‑Dinge, die klingen wie Verspieler
   ‑echte Verspieler

   Das kann ich ruhigen Gewissens so stehen lassen. Ich höre Krautrock und vor allem viel King Crimson. Die Herren haben noch Großes vor sich, wie mir scheint. Ich wünsche viel Erfolg.

   Reinhören: Auf Bandcamp.com lässt sich „ganz frisch“ anhören und – leider nur als Download – kaufen.

2. DeWolff – Roux-Ga-Roux

   DeWolff – der Leser möge sich erinnern – ist ein immer noch junges Trio, dessen Mitglieder gegenwärtig noch immer weit von ihren 30ern entfernt sind und dem man ein fehlendes Profil schon jetzt nicht attestieren kann:

   Die Musiker selbst bezeichnen ihren Stil als „psychedelischen, elektrifizierten, fuzzgetränkten, ekstatischen, hart groovenden Space-Rock‑n’-Roll”.

   Nun also gibt es nicht nur ein neues Livealbum namens „Live & Outta Sight“, sondern auch ein neues Studioalbum: „Roux-Ga-Roux“.

   Ein roux-ga-roux oder rougarou ist, so teilt’s die Wikipedia mit, ist ein Blut saugendes Fabelwesen aus indianischer Folklore, das irgendwie mit dem Werwolf zusammenhängt, womit man bei DeWolff ja eigentlich auch hätte rechnen können. Die „VISIONS“ nennt Teile des Albums versumpft und meint das wahrscheinlich positiv.

   Zu tun haben wir’s hier allerdings nicht mit Sumpfmusik, sondern mit feinstem Bluesrock, die Rede ist von Deep Purple und Led Zeppelin als Anhaltspunkte und das ist nicht mal besonders falsch. Die psychedelische Spielrichtung des Bluesrocks, wie sie in den 1970ern populär war, findet in DeWolff nach wie vor einen willkommenen Fürsprecher. Ich bin willens, hier und da auch etwas von Hendrix und ein bisschen von den Doors anklingen zu hören, und bin restlos begeistert. Starke Scheibe, wie man auf Neudeutsch sagt.

   Reinhören: Auf YouTube gibt es ein thematisch passendes Video zu „Sugar Moon“, Amazon.de hat halbminütige Schnipsel zum Rest des Albums im Portfolio.

3. Jupiter Jones – Brüllende Fahnen
   „Flimmernde Pupillen werfen Chaos zurück“ (Lauf.Forrest.Lauf!)

   Jupiter Jones? Hier? Aber ja! Glaubt mir: ich bin mindestens so entsetzt wie ihr.

   Dabei ist die meiste Musik solcher Deutschrockbands vor allem wegen des Sängers schaurig, ein ungeeigneter Sänger (zum Beispiel Phil Collins) kann selbst die theoretisch beste Band zu einem jämmerlichen Häuflein Popmusikanten degenerieren. Jupiter Jones sind mir insofern vielleicht auch deshalb zum ersten Mal positiv aufgefallen, weil sie für „Brüllende Fahnen“ mit ihrem neuen Sänger Sven Lauer zusammengearbeitet haben, der hier selbst für meine gequälten Ohren ungemein passend klingt.

   Was wird hier musikalisch dargeboten? Nun, neben dem wohl genrebedingten Liebeslied „70 Siegel“ hört man eine interessante Mischung aus moderner Elektronik und erdigem Deutsch- und Indierock, als hätten die Musiker neben, dies teilten sie dem Publikum jedenfalls mit, den Arctic Monkeys auch Die Goldenen Zitronen sowie The National zu ihren Musen erkoren. (Ich habe zumindest das jetzt nicht überprüft.)

   Die „VISIONS“ spekulierte sichtlich befremdet, alte Fans hätten an den Dissonanzen im Titelstück vermutlich schwer zu knabbern, das Radiobegleitmagazin „musikexpress“ ist naturgemäß geradezu schockiert über die Abkehr von der Art Musik, die einstmals „Frühstücksfernsehzuschauern“ (ebd.) bekannt zu werden vermochte, mich indes begeistern die krummen Akzente. Dabei übertreiben Jupiter Jones es nicht übermäßig, zur Avantgarde mag’s nicht reichen; allein: Wenn bewährter Gitarrenrock (noch so eine Assoziation: Die Toten Hosen, erfreulicherweise nicht textlich) auf nach vorn preschendes Schlagzeug trifft, nicht begleitet, sondern übertönt von einem geradezu absichtlich introvertiert wirkend singenden Sänger, und all das häufig so, dass man sich dann doch mal ans Mitzählen der Takte macht, weil etwas merkwürdig erscheint, dann funktioniert hier irgendwas richtiger als da, wo der „musikexpress“ Jupiter Jones offensichtlich gern sehen würde.

   „Grausam“ sei „Brüllende Fahnen“, da sich „kein einziger Song mit Hitpotenzial“ darauf befinde, befand ein übermäßig ungehaltener Hörer auf Amazon.de, und wenn wir uns nun alle einmal gemeinsam vor Augen führen, wie Alben, auf denen „Songs“ mit „Hitpotenzial“ zu hören sind, insgesamt so klingen (Phil Collins!), dann ist allein das fünf Sterne wert.

   Ich kaufe ja gern mal das Gegenteil.

   Reinhören: Warum nicht mal auf TIDAL?

4. De Staat – O
   „I’ve got 99 solutions but the blues got none.“ (Blues Is Dead)

   Oh! De Staat, eine hocherfreuliche Combo aus einem hocherfreulichen Land, sind nach wie vor aktiv.

   Es beginnt wie einst ein grauenhaftes Album von ausgerechnet Muse mit seltsamen Instrumentalfanfaren, wird dann aber deutlich besser. „Peptalk“ ist Selbstironie in Musikform. „We’re gonna have some fun tonight, tonight“, dargeboten in einer offensichtlich absichtlich schrägen Gruppengesangsnummer. Seit „Sweatshop“ („Machinery“, 2011) haben sie nichts verlernt.

   Ansonsten channeln De Staat mal Primus („Make The Call, Leave It All“), mal die Pet Shop Boys, schwingen im Kosmos von Tanzpop („Baby“), New Wave und Groove herum, ohne sich dabei in irgendwelche Grenzen zwängen zu lassen. „Blues Is Dead“ ist eine Bluesrocknummer, die die üblichen Verdächtigen (Gary Moore und so weiter) als bekannt voraussetzt, aber den besungenen Stil als endlich begraben deklariert: „Hip-hip hooray, the blues is dead“. Hatte noch jemand angenommen, dass „O“ eins der üblichen bierernsten Indie-Rock-Alben ist, so weiß er es spätestens jetzt besser; beziehungsweise:

   Unter den Dingen, die sich im De-Staat-Kosmos nicht geändert haben, ist auch, dass die Holländer mit ihrer Mischung aus Pop-Appeal, Kunstanspruch, Ironie und hemmungsloser Beklopptheit nach wie vor völlig unverwechselbar und eigenständig sind.

   Den Witz mit der „runden Sache“ haben schon zu viele Leute vor mir gemacht, was mir natürlich jetzt die Pointe ruiniert; und aber jedenfalls: „O“? O ja!

   Reinhören: Amazon hat Halbminüter, zu „Make The Call, Leave It All“ gibt es ein beknacktes Studio- und zu „Get On Screen“ ein minder weniger beknacktes Livevideo. Viel Vergnügen.

5. Daevid Allen Weird Quartet – Elevenses

   Die, so behauptet es ein Hinweis auf der CD-Umhüllung, „letzten Aufnahmen“ des verstorbenen Daevid Allen, einst Mitgründer von Gong, die erfreulicherweise weiterhin existieren, und Soft Machine sowie letztes Urmitglied der Erstgenannten, fanden nicht zusammen mit dem Rest einer dieser beiden Bands statt, sondern in einem Quartett, das sich immerhin standesgemäß das Daevid Allen Weird Quartet nennt.

   Nun ist die Vermutung, es handele sich tatsächlich um Herrn Allens „letzte“ Aufnahmen, nicht nur geringfügig falsch, sondern trotz der vermutlich starken Vermarktungswirkung fernab der Tatsachen, sind doch seine Beiträge zum Album, wie das Internet weiß, zwischen 2006 und 2008 und somit mindestens drei Jahre vor seinem tatsächlich letzten Album, „soundbites 4 tha reVelation 2012“, entstanden. Auch das Quartett selbst ist eigentlich nicht neu, es nahm noch vor 2006 unter dem Namen Weird Biscuit Teatime – auch hier eine Anspielung auf das 70-er-Werk von Gong – bereits „DJDDAY“, ein krautiges Space-Rock-Album, auf und änderte seinen Namen erst für die Veröffentlichung dieses Albums, nachdem Daevid Allen, der zuvor dem fast fertigen Album seine Zustimmung gegeben hatte, gestorben war, weil die Plattenfirma das gern so haben wollte. Klar: Daevid Allen kennt man, aber wer war noch mal Don Falcone? Wenn es nicht gerade merkwürdige Namen trägt, nennt sich das „Kollektiv“ allerdings Spirits Burning, umfasst auch schon mal Mitglieder von Hawkwind und lädt Steven Wilson, Nic Potter und weitere Größen des Progressive Rocks zum Spielen ein. Weird.

   So weit zum Schlechten, denn das alles allerdings ist Schall und Rauch, insbesondere des Wortspiels wegen: „Elevenses“ ist pure Kraut- und Drogenmusik, psychedelisch im besten Sinne und obendrein dermaßen gespickt mit der guten alten Hippieorgel, dass man sich beim Hören beinahe wieder jung (und bekifft) fühlt. Musikalisch hat Daevid Allen 1970 seit seiner Ankunft nie verlassen.

   Bereits das zweite Stück „Imagicknation“ wirkt wie direkt einem der frühen Space-/Krautrockalben entnommen, der Geist von Can, Amon Düül (II) und eben Gong weht durch jede der fast vier Minuten, „Grasshopping“ ist ein instrumentaler Trip durch eine sehr bunte Tropenwelt – oder vielleicht doch Gras? – und auch „God’s New Deal“, bis dato nur als eins der vielen Gedichte Daevid Allens bekannt, atmet in seiner bemerkenswerten Zusammensetzung aus Zirkusmusik, Folk und beatlesquem Psychedelic Rock die Aura der Blumenkinder ein.

   Lässt man einmal die zumindest unglückliche Vermarktung außer Acht, ist „Elevenses“, was Alben von und mit Daevid Allen schon immer ausgezeichnet hat: Freakig im besten Sinne, drogenschwanger, farbenfroh und nie auch nur nahe dem Ernst; wohl auch, weil 2008 sein Krebstod noch nicht absehbar war. „Elevenses“ als sein Vermächtnis zu bezeichnen wäre sicherlich nicht in seinem Sinne gewesen. Ich schlage daher vor, es als das zu betrachten, was es eigentlich ist: Ein durchaus beachtliches Psychedelic-Rock-Album aus dem – wie treffend – Allen’schen Klangkosmos für jeden, der Gong und alles aus deren musikalischem Umfeld zu schätzen weiß.

   Reinhören: Es möge ein Verweis auf Amazons Hörproben vorübergehend genügen.

6. Hawkwind – The Machine Stops
   „The secret lies within us / deep inside the human mind“ (King of the World)

   Apropos Hawkwind.

   Im Dezember 2015 starb Lemmy Kilmister, seines Zeichens nicht nur Gründer und Frontmann von Motörhead, Phil-Collins-Bewunderer und Bourbontrinker, sondern zur positiven Abwechslung zudem insgesamt vierter Bassist der Hardrockband Hawkwind von 1972 bis 1975, die mit nur einer Pause von wenigen Monaten Dauer seit 1969 sozusagen durchgehend aktiv ist und somit neben Pink Floyd und ähnlichen Gruppen aus jener Zeit zu den Pionieren des Spacerocks gezählt werden kann, wenn man das unbedingt möchte.

   Dass von der Urbesetzung von Hawkwind nur mehr Gitarrist/Sänger/Keyboarder Dave Brock übrig ist, der in diesem Jahr 75 Jahre alt wird, macht „The Machine Stops“ trotz des klischeehaft schaurigen Coverbildes um so interessanter. Die Band selbst ist 2016 zu sechst, wobei Neuzugang Haz Wheaton lediglich in den letzten beiden Stücken am Bass zu hören ist. Ansonsten servieren Hawkwind hier weitgehend bewährte Kost, allerdings auch mit bewährt hohem Standard und mit einem erwähnenswerten Hintergrund: Es stand die gleichnamige Kurzgeschichte des Erzählers Edward Morgan Forster von 1909 Pate, in der die Menschheit, deren sämtliche Bedürfnisse von einer riesigen Maschine befriedigt werden und deren Kommunikation bevorzugt über „Sofortnachrichten“ stattfindet, nach ein paar unangenehmen Zwischenfällen unterirdisch leben muss; diejenigen Menschen, die Zweifel an der Quasigöttlichkeit der Maschine haben, gelten als Ausgestoßene und werden von ihren Mitmenschen entsprechend geringgeschätzt. Inwiefern Edward Morgan Foster das Smartphonezeitalter damit vorhergesehen hat, füllt sicherlich so manchen wissenschaftlichen und pseudowissenschaftlichen Aufsatz, soll allerdings auch gar nicht das Thema dieser Rezension sein. Vielleicht nur dieser Gedanke: Vieles, was wir als Fiktion kennen, ist eigentlich gar keine.

   So. Zur Musik.

   Mit „All Hail the Machine“ geht es bereits stilecht los: Blubbernde Synthesizer leiten über in einen technischen, hektisch flimmernden Rhythmus aus allerlei Verzerrtem, es spricht ein Erzähler exaltiert von der Großartigkeit der Maschine – „Blessed is the machine! Blessed is the machine!“ -, bis schließlich viele Stimmen durcheinander rufen: „All hail the machine!“ Der Hörer weiß so auch ohne Kenntnis von der Kurzgeschichte, worum es wohl geht. Fein.

   Wie es sich für ein anständiges Konzeptalbum gehört, wird diese Einleitung mit dem ersten richtigen Lied, das den Namen „The Machine“ trägt, überblendet. Neben dem knackigen Bass, hier von Jonathan Darbyshire, der sich gelegentlich Mr Dibs nennt, gespielt, fällt mir ein musikalischer Rückgriff in den Postpunk der 1980-er Jahre auf, wenn auch etwas frischer klingend, dominiert vom Gitarrenspiel und Gesang Dave Brocks. Das Punkige legt die Band auf „The Machine Stops“ nie völlig ab, selbst in „Synchronized Blue“, das die Wurzeln der Band in der psychedelischen Musik der späten 1960-er Jahre noch einmal deutlich werden lässt; auch das großartige „King of the World“ schlägt in eine ähnliche Kerbe, angereichert mit den genre- und bandüblichen elektronischen Effekten, die dem Lied eine entrückte Atmosphäre verleihen. Zwei weitere Lieder sind eigentlich Soloaufnahmen zweier Bandmitglieder: „Hexagone“, eher eine Spaceballade als ein Spacerockstück, wird allein von Phillip Reeves alias Dead Fred, nebenberuflich Keyboarder bei Inner City Unit, intoniert und instrumentiert, das orientalisch anmutende „The Harmonic Hall“ von Niall Hone (sonst Gesang, Keyboards und Synthesizer).

   Ihr merkt es vielleicht schon: „The Machine Stops“ macht Spaß, weil es nur selten in Spacerockklischees versinkt, dann aber immer so, dass man es für Selbstironie halten könnte. Es sind die kleinen Details, die es zu einem sehr angenehmen Erlebnis machen. Natürlich agieren Hawkwind hier weit von dem Spacerock entfernt, den zum Beispiel Gong (hatten wir ja gerade) oder Pink Floyd in ihren besten Zeiten gemacht haben, aber genau das ist es, was diesem Jahr noch gefehlt hat.

   Es möge die Maschine Hawkwind noch lange nicht angehalten werden!

   Reinhören: Wie wäre es mit TIDAL? Ansonsten hilft Amazon.de gern weiter.

7. Tonbruket – Forevergreens

   Einfach mal ein bisschen Instrumentaljazz zwischendurch. Wobei: Ist das noch Jazz?

   Tonbruket, ein Quartett aus der Peripherie des auf bedauerliche Weise untergegangenen Esbjörn Svensson Trios und der nicht üblen, aber ebenso aufgelösten Indierockband The Soundtrack of Our Lives, allesamt aus dem herrlichen Schweden, spielen hier jedenfalls alles andere als bloße Klassiker. Ignoriert das potthässliche Coverbild, es lenkt nur unnötig ab.

   Nach der gesprochenen spanischen Einleitung („Intro“) wird zunächst einmal die Erinnerung an den Flat Beat – wenn ihr den gerade nicht im Kopf habt, holt das bloß nicht nach – geweckt. Tortoise und vergleichbare Bands lassen hier grüßen: Ein merkwürdig schleppender, verzerrter beat fräst sich ins Ohr, um sogleich wieder zu verschwinden und Platz zu machen für Perkussion und Klavier, deren Spiel von bemerkenswerter Melancholie geprägt ist und die bis zum Ende von „Mano Sinistra“, allmählich fordernder werdend, das Fundament für die Eskapaden der übrigen Instrumente. Etwas ruhiger geht es im folkigen „Sinkadus“, mit dem die norwegische Liedermacherin Ane Brun als Gast auf „Forevergreens“ ihren Einstand hat, zu. Mit „Tarantella“, „Linton“ und „First Flight of a Newbird“ finden Tonbruket immer wieder zur elektronischen Tanzmusik, immer wieder klingt Artverwandtes wie von Jaga Jazzist und eben Tortoise an, maßgeblich eigenständig durch die dominante Klavierarbeit von Johan Lindström und Martin Hederos, der ab und zu auch zu Akkordeon, zum ersten Mal hörbar in „Sinkadus“, und Geige greift.

   „Forevergreens“ ist eines dieser Alben, die offensichtlich unscheinbarer wirken als sie tatsächlich sind. Wenn ihr gegen ein wenig Jazz nichts einzuwenden habt, gebt ihm eine Chance.

   Reinhören: Bei Amazon.de geht’s hier ein paar Auszüge, TIDAL hat den Rest.

8. Joe Bonamassa – Blues of Desperation
   „I keep searching this world / for someone to hold me“ (No good place for the lonely)

   Wahrscheinlich ist es ein Zeichen meiner allmählichen Vergreisung, aber ich gebe zu: Dieses – schon wieder – Bluesrockalbum beeindruckt mich. Das könnte am Künstler liegen. Nun fällt diese Rezension ein wenig aus der gewohnten Reihe, denn ich mag eigentlich keinen Bluesrock, deshalb verzeihe man mir die Freude an vielleicht Gewöhnlichem. Die offensichtlich auf bloßen Trübsinn geschriebenen Texte, deren Sänger trotzdem Voraussetzung für ein angenehmes Klangerlebnis ist, sind oft zu wenig tiefsinnig, zu uninteressant. Irgendetwas hat dieses Album aber an sich, das bei mir das sprichwörtliche Klick auslöst.

   Joe Bonamassa entstammt einer aussterbenden Spezies, namentlich derjenigen der Gitarristen, die als Einzelmusiker schon positiv aufgenommen worden waren, bevor sie sich einer Band angeschlossen hatten, obwohl er zumindest mir erst mit den zwischenzeitlich aufgelösten Black Country Communion zum ersten Mal aufgefallen ist. Gelegentlich ist zu lesen, sein Spiel erinnere oft an Eric Clapton, was trotz des subtilen Subtextes, dass es ihm demnach wohl an Originalität mangele, durchaus nicht die schlechteste Referenz ist. In seiner Solodiskografie findet man mehrfach eine Zusammenarbeit mit Beth Hart, die trotz ihrer Entdeckung in der Castingsendung „Star Search“ später ernsthafte Musikerin wurde und, wie sich das für anständige Musiker gehört, nach ihrem Drogenentzug in den letzten zehn Jahren unter anderem zusammen mit Jeff Beck aufgetreten war, und seit 2008 ganze zehn Livealben beziehungsweise ‑videos. Der Mann ist gern unterwegs, wie mir scheint.

   Jetzt also „Blues of Desperation“, „Blues der Verzweiflung“. Gibt es denn auch anderen Blues? Von Verzweiflung ist freilich jedenfalls musikalisch nicht viel zu hören, dafür feiner Bluesrock, dessen Rhythmusabteilung man vermutlich besser ausweichen sollte, denn sie gibt voll auf die Fresse. Vielleicht ist das im Bluesrock immer so. Die erste Verschnaufpause, das in der Tat claptonesque „Drive“, folgt direkt auf den ersten Höhepunkt, das kraftvolle „Mountain Climbing“, das allein es wert wäre, dieses Album mal gehört zu haben. Ein überragender Auftakt, der die Freude bis hin zum Ende des Albums festigt. Dass die Texte zu den erfreulichen Melodien nicht gerade zum Feiern einladen („Blood on my hands and there’s holes in my jeans / you scrub all day but you never get them clean“), ist eines dieser Dinge, die ich am Bluesrock wohl nie verstehen werde. Ich habe beschlossen, die Liedtexte von „Blues of Desperation“ einfach einmal als schmückendes Beiwerk und nicht als essenzielle Komponente zu betrachten, und trotzdem funktioniert es immer noch für mich.

   Zugegeben: Bluesrock lebt stilistisch nicht gerade von Vielfalt und Abwechslung. Aber das muss er auch gar nicht. Der Etikettenschwindel sei verziehen: „Blues of Desperation“ lässt den Hörer nicht etwa verzweifelt, sondern völlig aus dem Häuschen zurück. Ich sollte offensichtlich mehr über dieses Genre in Erfahrung bringen. Euch lege ich dieses Album bis dahin nahe. Es ist gut – und ich weiß nicht, warum.

   Reinhören: „Mountain Climbing“ auf YouTube. Mag ich.

9. Jeremy Flower – The Real Me
   „The curtains start to close / and everybody knows“ (Longing in the Tooth)

   Jeremy Flower (heißt wohl wirklich so) war bisher ein vergleichsweise unbeschriebenes Blatt auf dem weiten Feld der anspruchsvollen Musik mit Rockbezug und tobte sich eher im Klassik- und Jazzbereich aus. Mit „The Real Me“ führt er dem geneigten Hörer vor, wie schade das eigentlich ist.

   In 14 Stücken und etwa 70 Minuten, womit sich die Lieder „eigentlich“ auf Radiolänge halten, aber keinesfalls eine Chance haben, jemals im seichten Einheitsbrei aufzutauchen, brilliert Herr Flower (heißt wohl wirklich so) hier an Gitarre, Keyboards und Mikrofon, und das nicht einmal allein; an seiner Seite geigt und singt neben elf weiteren Musikern auch Carla Kihlstedt, die der geneigte Hörer von ihrer Zusammenarbeit mit respektive Mitgliedschaft in Bands wie den Stolen Babies, Sleepytime Gorilla Museum, The Book of Knots und so weiter und so fort kennt. Die Frau hat Referenzen und – dies steht außer jeglichem Zweifel – singen kann sie richtig gut. Davon macht sie – abgesehen von „Longing In The Tooth“ – hier auch reichlich Gebrauch. Ist das „wahre Ich“ Jeremy Flowers (heißt wohl wirklich so) also eigentlich Carla Kihlstedt? Und: Ist das eigentlich von Belang?

   „The Real Me“ ist auf jeden Fall ein stimmungsvolles Album, es herrschen Melancholie und Schwermut. Das beginnt bereits im wütend-traurigen Titelstück, das den Hörer mit entschlossenem Rhythmus heranzieht und gleichsam gefangen nimmt. Die dunkle Ballade „Take“, in denen sich Carla Kihlstedts Stimme in beeindruckende Höhen schraubt, führt interessante Dissonanzen mit sich, was zum Text passt: „When endings come we fall to pieces“, ach. Wie anders doch das vordergründig beschwingt hüpfende „The Loneliest Number“, das mit einer überraschend guten Mischung aus RIO/Avant und Pop wie eine Reinkarnation von Thinking Plague und Eatliz zugleich klingt, während sich die Melodie immer weiter verknotet und schließlich in einem Streichersolo ausklingt. „Keep The Lights On“ lebt schließlich von seinem seltsam schleppenden Schlagzeugspiel.

   Auch Folkrock („Along The Banks“) und New Artrock („This Paradise“) sind den Musikern offenkundig nicht fremd. Was ist das hier also für eine Schublade, in die man das Album gern stecken möchte? Wie so oft: Keine. Allenfalls Vergleiche (ich höre unter anderem Evangelista, Nick Cave, Zola Jesus, broken.heart.collector und alles, was traurig macht) bieten sich an und tun Jeremy Flower dennoch Unrecht.

   „The Real Me“ – nichts für die fröhliche Autofahrt. Das ist durchaus etwas Gutes.

   Reinhören: „The Real Me“ gibt es auf Bandcamp.com zum Stream und Kauf.

10. Shamblemaths
    „Uproarious rumpus! Bloody racket!“ (Conglomeration (or: The Grand Pathetic Suite))

    Vor zehn Jahren, um das Jahr 2006 herum, veröffentlichte das kurzlebige Duo Fallen Fowl, bestehend aus den norwegischen Musikern Simen Ådnøy Ellingsen (Gitarren, Saxophon, Gesang) und Eirik Mathias Husum (Bass), unterstützt von vier Gastmusikern ein paar Demoaufnahmen sowie den/die/das EP „Do They Love You Now?“. Ersterer beschloss anschließend, stattdessen in London einen richtigen Beruf zu erlernen, und hat inzwischen in Quantenphysik und Politikwissenschaften (Fachgebiet: Terrorismus mit Kernwaffen) promoviert, was erst mal wahlweise erschreckend oder unglaublich lustig klingt, während sein Kollege in diversen Bands spielte.

    Offensichtlich hatten sie aber noch etwas zu sagen. Erfreulicherweise haben sich die beiden nun wieder zusammengetan, um gemeinsam mit neun Gastmusikern, zusätzlichen Instrumenten und unter neuem Namen, der zumindest eine Wissenschaftsreferenz beinhaltet, das Versäumte nachzuholen; leider mit einem grauenhaften Cover im Stil alter Sowjetkampfplakate, auf dem ein Lastkraftwagen zu sehen ist, der ein sowjetisches Flugzeugwrack (das ist doch ein Flugzeugwrack?) transportiert. Was auch immer die beiden Herren uns damit sagen wollen – nicht jedes Rätsel hat eine schnelle Lösung.

    Enthalten sind drei Stücke in 54 Minuten, was, um die Band selbst zu zitieren, schon stark auf Prog hindeutet. Den Anfang macht „Conglomeration (or: The Grand Pathetic Suite)“, das tatsächlich pathetisch ist. Zu Beginn gibt es jauchzenden Keyboard-Zeuhl mit Canterbury- und Gentle-Giant-Einflüssen auf die Ohren. Der namenlose Ersteller der Bandwebsite merkt dazu an:

    Zügellose Anglophilie zeigt sich in den skurrilen Texten, die, vielleicht schlecht beraten, nicht über ein oder zwei Wortspiele hinausgehen.

    Höhö; und weiter, der zweite Teil des Stücks, „Your Silly Stare“, beginnt: Faith No More, dann etwas krummtaktiger RIO/Avant, übergehend in von viel Gebläse befeuerten Jazzrock („A Mockery in the Making“), dazu eine irrlichternde Gitarre, dann wieder die gute, alte Orgel – und das waren nur die ersten sieben Minuten. Zwischendurch bedient man sich schamlos, aber nicht ohne offensichtlichen Hinweis, bei Jethro Tull und Ian Anderson: „Saucy Tiara Woman!“. Immer noch im gleichen Stück kommt auch experimentierfreudiger Spacerock zu Wort, plötzlich etwas Primus, dann wieder Orgel-Canterbury wie einst bei Egg. Das ist nichts für Leute, die ihre Musik gern übersichtlich und schlicht mögen. Zum Glück bin ich heute in der richtigen Stimmung dafür.

    Es ist noch nicht vorbei! „A Failing Ember“: Mit nur fast neuneinhalb Minuten Länge ist das fast radiotauglich; nein, nicht ganz, zu unterschiedlich sind die Stimmungen. Nach einer Einleitung mit Akustikgitarre im Stile Jethro Tulls übernimmt ein eigenartig entrückter sinfonischer Folkrock mit leichtem schottischem Akzent, mittig aufgelockert durch elektronisches Fiepen, das einen Progressive-Metal-Zwischenteil einleitet, der nicht lange genug dauert, um anstrengend zu sein, gefolgt von griechischer Folklore und abermals Jethro Tull, die diesmal ein bisschen zu viel vom Kraut genascht zu haben scheinen. Ein ruhiger Moment – es spricht ein Säugling zu getragenen, aber sehr schrägen Klängen, woraufhin die Band sich an AOR versucht und selbst das erfreulich gut hinbekommt.

    Für das letzte, wiederum fast zwanzigminütige Stück „Stalker“ schließlich, dessen Entstehung noch auf TiaC (offenbar eine Abkürzung für There is a Crowd), das Quintett, aus dem Fallen Fowl einst hervorgegangen waren und das zwischen 2002 und 2005 bestand, zurückgeht, das jedoch zuvor nie aufgenommen worden war, ist mit dem Gitarristen Jan Røe ein ehemaliger Bandkollege aus der Verschollenheit zurückgekehrt. Was gibt’s zu hören? „Die heiß ersehnte Stille“, verspricht die Bandwebsite, aber vorher ein wenig Liedermachertum, das beinahe in den Pop hineinreicht, aber rechtzeitig von hübsch dissonantem Indie-Rock unterbrochen wird (Mr. Bungle werden schmerzlich vermisst), den Hardrock mit Saxophon (Saxophon!) ablöst, der sich langsam wieder etwas beruhigt, um wieder Platz zu machen für breitformatige Klangflächen, die nur die Ruhe vor dem Sturm sind, denn wiederum später gibt es auch ein Wiederhören mit den wilden Canterbury-Eskapaden und bläsergetragenem RIO/Avant, mit dem das Stück und damit das Album schließlich ausklingt.

    Boah.

    Mindestens aus des Frickelfreundes Sicht ist „Shamblemaths“ schon jetzt ein Anwärter auf das Album des Jahres 2016. So 70er war der Progressive Rock schon lange nicht mehr.

    Reinhören: Die Quellen sind rar gesät, aber Streaminganbieter wie TIDAL wissen Rat.

11. april fishes – Carpe d’Or

    Wer nennt sich denn bitte „Aprilfische“? Das können ja nur Franzosen sein!

    Dabei klingen die vier Herren von Anfang an eher asiatisch; sofort bemerke ich das mächtige Brummen, wie es mich schon bei boris begeisterte, das dann in einen dröhnenden treibenden Rhythmus mit allerlei Knattern und Donnern übergeht. Kein Gesang? Kein Gesang! Ich bin wahrlich kein Freund französischer Sangeskunst, insofern ist das durchaus gut so. Gelegentliche Saxophonausbrüche schlagen die Brücke zu den guten alten Van der Graaf Generator, was nebenbei mit einer entsprechenden Stimmung einhergeht. Es geht thematisch wohl um die See, aber Seemannslieder sind das nun wirklich nicht. Seemannslieder sind auch erschreckend scheiße.

    Womit haben wir es also zu tun? Puh. Sind Journalisten anwesend? Sie würden es vermutlich Slowcore-Dronejazz nennen, vielleicht Postrock, vielleicht Avantgarde, und alles davon ist wahr. Das ist anstrengend, das braucht Zeit, aber es ist wundervoll. Doch, wirklich.

    Reinhören: Amazon.de. TIDAL. Wohl bekomm’s.

12. Holy Esque – At Hope’s Ravine

    Holy Esque aus Glasgow machten schon einmal meine Musik zum Wochenbeginn, das dazu gehörende Debütalbum „At Hope’s Ravine“, erschienen im Februar dieses Jahres, habe ich euch aber bisher verschwiegen. Interessant verzerrte Gitarren, als hätten Placebo endlich mal ein Instrumentalalbum aufgenommen, treffen auf die einmalige Stimme von Pat Hynes und ergeben zusammen …

    (…) einen mitreißenden Mix, der sich in etwa aus dem rauen Sound von The Pains Of Being Pure At Heart, den verspielten Melodien von Bloc Party und dem Pathos der Editors zusammensetzt.

    Natürlich ist das im Wesentlichen nur gut gemachter Indie-Rock, aber mit einer derart besonderen und insbesondere großartigen eigenen Note, dass es wirklich schade wäre, „At Hope’s Ravine“ nicht zumindest einmal gehört zu haben.

    Reinhören: Drüben auf Nicorola gibt’s eine Soundcloud-Liste mit dem kompletten Album, Ungeduldige können auch auf Amazon.de reinhören.

13. Combichrist – This is Where Death Begins
    „Give me a break / you give what you take“ (Skullcrusher)

    Combichrist sah ich zum ersten und bisher einzigen Mal in meinem Leben im Jahr 2011 auf einem Festival, auf dem sie beinahe den einzigen musikalischen Lichtblick gegenüber den ebenfalls auftretenden Staubkind, Mina Harker und sonstiger Mädchenmusik darstellten. Fragt mich bitte nicht, was ich überhaupt dort verloren hatte. Aus verschiedenen Gründen hatten sie danach bis heute meinen Blicken entzogen.

    Die vier Norweger sind keine typische Rockband; die Besetzung mit Gesang, Schlagzeug, Perkussion und Keyboards, zu denen sich nur live regelmäßig eine richtige Gitarre gesellt, zeigt, dass hier noch mehr Elektronik am Werk ist. Combichrist haben wiederholte Erfahrungen als Vorgruppe von Rammstein gesammelt und dort passen sie auch hin. Aggressiver Industrial beherrscht letztlich auch dieses Album.

    Dass die Texte und Musikvideos von Combichrist noch immer mit Klischees spielen, es geht ja doch immer nur um den Sinn des Lebens und des Daseins, sei ihnen gegönnt. Ernst nehmen sollte man solches nach der Pubertät keinesfalls, denn sonst kauft man eine Waffe und bringt jemanden um. Nein, Combichrist machen Musik zum Abreagieren, nicht zur allzu aufmerksamen Wahrnehmung. Es wird auf Felle gedroschen und zornesrot geschrien, selbst die Keyboards sind wütend. Aus der Perspektive des Genießers ist das alles eine schreckliche Zumutung, aus der Perspektive eines einfachen, unvoreingenommenen Hörers jedoch ist „This is Where Death Begins“ nicht weniger als bemerkenswert, zumal es in den meisten Stücken durchaus ohrwurmtauglich ist – ob man will oder nicht. Es muss ja nicht gleich die 3‑CD-Version sein.

    Reinhören: Auf YouTube gibt es unter anderem Videos zu Skullcrusher und My Life My Rules.

14. Vaults of Zin – Kadath

    Einen noch für’n Weg.

    Im Jahr 2014 machte sich das texanische Quartett Vaults of Zin daran, den Nachfolger zu ihrem 2011er Debütalbum aufzunehmen. Warum es noch bis März 2016 dauerte, bis die Öffentlichkeit daran teilhaben durfte, weiß ich nicht, wenngleich das Absicht sein könnte, behauptet die Band doch selbst von sich, sie sei willens, die Grenzen der Improvisation in langen Phasen der Komposition zu erforschen. Das klingt mehr nach Phrasendrescherei als angebracht wäre, denn „Kadath“ löst dieses Versprechen tatsächlich ein.

    Auch „Kadath“ hat mit fünf Stücken zwischen dreieinhalb und 22:03 Minuten Laufzeit das Progressive schon strukturell erfasst. Los geht’s mit ausuferndem Gitarrenzeuhl („Amduat“). Dass auch King Crimson (vgl. deren „Red“) und Bands wie Ruins den Musikern nicht unbekannt sind, lässt sich nicht nur in „Mons Atanua“, dessen Gitarrenriff ich schon mal irgendwo gehört habe, erkennen, aber da ist dann doch diese besondere Note, dieses Schwingen zwischen Jazzrock, Drones und Metal, die dem Ganzen quasi die Krone aufsetzt. Schöner flirrten in diesem Jahr noch keine Bässe. Das abschließende „Moongate / Heart Girt with a Serpent“, mithin das längste Stück auf dem Album, ist zugleich auch das lauteste, nach einem schön frickeligen, spacerockigen Beginn schließlich kippend in schleppenden Doom-Metal, der selbst einem alten Schöngeist wie mir ein Wohlgefühl anbietet, alles Growling zum Trotz. Das hier macht Gänsehaut, Leute, und das wahrlich nicht zum Schlechten.

    Dieses Album ist verrückt. Ich mag Verrücktes.

    Reinhören: Komplettstream und ‑kauf gibt’s auf Bandcamp.com.