Noch so ein Album, das man nicht uner­wähnt las­sen soll­te. Are­n­na – mit Doppel‑N, nicht die schlim­me Neo­prog­ka­pel­le des ehe­ma­li­gen Maril­li­on-Schlag­zeu­gers – ist ein spa­ni­sches Quin­tett, das 2015 nach vier Jah­ren sein zwei­tes Album „Given to Emp­tin­ess“ ver­öf­fent­licht hat.

Was mich an spa­ni­scher wie an ita­lie­ni­scher Rock­mu­sik meist beson­ders stört, ist der Gesang in der Lan­des­spra­che – nicht, weil mir die Kennt­nis­se fehl­ten, dem Text inhalt­lich zu fol­gen, son­dern, weil es ein­fach nicht gut klingt; wohl wis­send, dass das sub­jek­tiv ist. Are­n­na umge­hen dies, indem sie ein­fach auf Eng­lisch sin­gen. Nun könn­te man eigent­lich mal wie­der Götz Als­mann hul­di­gend zitie­ren, der ein­mal sag­te, man kön­ne in einer frem­den Spra­che kei­ne Tex­te schrei­ben, die von Her­zen kom­men, und damit wahr­schein­lich sogar Recht hat­te, und sich nicht ent­schei­den kön­nen, ob man nicht viel­leicht doch lie­ber schlech­ter klin­gen­den Gesang gehabt hät­te oder gleich gar kei­nen, obwohl man die Tex­te dann wie­der­um wahr­schein­lich ins­ge­samt ver­mis­sen wür­de. Man könn­te aber auch ein­fach zur Abwechs­lung mal das Gute her­vor­he­ben: Das sonst stil­ty­pi­sche anstren­gen­de Über­frach­ten des Gesangs mit Echo­ef­fek­ten besticht hier durch Abwe­sen­heit.

Ach, der Stil. Das hat­ten wir ja noch gar nicht.

Ist aber auch gar nicht so schwie­rig, denn eigent­lich ist „Given to Emp­tin­ess“ vor­ran­gig eine Stoner-Rock-Plat­te, wie Stoner Rock eben so klingt, näm­lich vor allem laut: Gitar­ren­breit­wän­de, die sich zu einem musi­ka­li­schen Rausch ver­dich­ten, den man in jeder Faser spürt. Fünf Ster­ne auf Ama­zon, sonst ja nicht gera­de ein gutes Bewer­tungs­por­tal für Qua­li­täts­mu­sik. – Nein, Are­n­na machen das wirk­lich groß­ar­tig.

Die Fra­ge, ob sie’s könn­ten, ein­mal bei­sei­te gelas­sen (denn das kön­nen sie): Das übli­che „mehr vom Glei­chen“ ist hier nicht zu erwar­ten. Hören wir nach dem die Mess­lat­te in Schwin­del erre­gen­de Höhen hän­gen­den Anfang „Butes“, noch ein wenig benom­men vom Stau­nen, doch mal in das fast neun­mi­nü­ti­ge „Chro­ma“ hin­ein. Ist das Pink Floyd? Es gibt kei­nen Gesang, dafür den David-Gilmour-sound in den Gitar­ren, der sich all­mäh­lich zu einer Psy­che­de­lic/­S­to­ner-Num­mer ver­dich­tet, die dabei nicht ein­mal gewollt klingt, son­dern wie aus Ver­se­hen ins Schö­ne gera­ten.

Oder „Move Through Figurehead Lights“, ein bemer­kens­wer­tes Stück Folk­rock und/oder Art­ver­wand­tes. So könn­ten Kan­sas klin­gen, wenn sie ihren wei­ner­li­chen Sän­ger ins Bett bräch­ten und sich jeman­den such­ten, der sin­gen und nicht jam­mern will.

Der Lee­re gege­ben. Die Augen zu und immer ein wenig neben dem Rhyth­mus nicken, weil man takt­los ist.

Gute Rei­se.

Wisst ihr noch, Karokh? Waren sie 2014 noch eine Über­ra­schung für mich, so hat­te ich sie im Fol­ge­jahr doch wie­der völ­lig aus den Augen ver­lo­ren. Um so erfreu­li­cher ist ihre Rück­kehr in zumin­dest mein Bewusst­sein.

Nur 31:31 Minu­ten lang ist das mit einem kur­zen Tweet ange­kün­dig­te zwei­te Album der sie­ben Oslo­er, dafür gibt es außer MP3 auch Vinyl dazu. „Nadel, Faden und Nagel­po­li­tur“, frü­her haben sich nur schlim­me Folk­bands sol­che Titel aus­ge­dacht, aber frü­her gab es auch viel zu vie­le davon. Dies jedoch ist Karokh. Karokh ist gut. Hören wir doch mal rein.

„Poke“ beginnt mit zurück­ge­hal­te­nem Gitar­ren­rhyth­mus, es klingt nach Süd­see und ein biss­chen Grunge. Es set­zen Trom­pe­te und Syn­the­si­zer ein – ah, doch kei­ne Kari­bik-CD, son­dern fei­ner Jazz­rock mit Gen­re­aus­flü­gen in inter­es­san­te Rich­tun­gen. Ina Sag­stu­en ist noch immer eine beein­drucken­de Sän­ge­rin mit Talent zur Vokal­akro­ba­tik, über­haupt ist Gleich­för­mig­keit für das Sep­tett noch immer nicht von Bedeu­tung. Wohl kal­ku­lier­te Miss­tö­ne erin­nern dar­an, dass man dem RIO (mit­un­ter: Thin­king Pla­gue) näher ist und blei­ben will als dem Belie­big­keits­pop. Dass wei­te Strecken des Lie­des mit einem ein­gän­gi­gen Kopf­nick­rhyth­mus unter­legt sind, kon­tra­stiert das schrä­ge Haupt­pro­gramm, des­sen gefühl­te Dis­so­nanz es nahe­zu unmög­lich macht, die­sem Drang nach­zu­ge­ben, vor­treff­lich. Ich mag das.

Apro­pos Kon­tra­ste: Lasst euch von „Smi­le“, etwa vier Minu­ten lang ein qua­si mini­ma­li­sti­sches, hyp­no­ti­sches Stück, nicht in fal­scher Sicher­heit wie­gen; sei­ne ver­stö­ren­de zwei­te Hälf­te, eine recht wil­de Schlacht der Instru­men­te, lässt kei­ne Ein­wän­de mehr gel­ten. Dage­gen klingt „Boo­gies“ teils gera­de­zu düster nach einem sur­rea­len Traum, in dem Pri­mus und Devo gemein­sam Peter Ham­mill covern (oder umge­kehrt), wäre da nicht der wider­spen­sti­ge Bass, der sich in die Wahr­neh­mung fräst und wie zum Trotz auch als letz­ter Ton abklingt. Leich­te Kost ist ja dann doch eher was für „SPIEGEL ONLINE“ als für unser­ei­nen; das haben wir jetzt davon.

Das Titel­stück als vor­letz­tes: Ah, Sech­zi­ger-Jah­re-Rock. Oder? Nein, eine Explo­si­on:

Das vier­ein­halb­mi­nü­ti­ge und in sei­ner Ein­gän­gig- und Kan­ten­lo­sig­keit bei­na­he sin­gle­taug­li­che „Chu­de“, das das Album beschließt, run­det es zugleich wür­dig ab. Karokh haben sich auf ihrem Zweit­ling nicht ein­fach „wei­ter­ent­wickelt“, wie man es ja gern umschreibt, son­dern sind noch expe­ri­men­tel­ler, noch ver­spiel­ter gewor­den. So kann es blei­ben.

Die Plat­ten­fir­ma für das Album heißt „No Fore­vers“. Hof­fent­lich ist das nicht ernst gemeint.