Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Bock auf Jazz? Natürlich habt ihr Bock auf Jazz! Dass ich dem Schweizer Quartett Convulsif, das sich unter ande­rem auf Merzbow beruft und behaup­tet, es wür­de Doom-Metal spie­len, die­ses Etikett anhef­te, ist viel­leicht zum Teil der Instrumentierung (Geige, Klarinette, Schlagzeug, Bass) geschul­det, teil­wei­se aber sicher­lich auch dem, was die vier Herren musi­ka­lisch her­vor­brin­gen. Ihr fünf­tes Album „Extinct“ (Amazon.de, nur unphy­sisch auch Bandcamp) eröff­nen sie jeden­falls mit „Buried Between one“, einem zwei­fel­los tief im Free Jazz ver­wur­zel­ten Instrumentalstück. Das gan­ze Album kommt ohne Gesang aus. Genau so muss es bei die­ser Art von Musik auch sein.

Schon das näch­ste Stück, das fast zwölf­ein­halb­mi­nü­ti­ge „Five Days of Open Bones“, spricht aber eine etwas ande­re Sprache, indem es eben doch gemüt­lich ein aus­gie­bi­ges Instrumentenbrummen ertö­nen lässt, bevor es, wie ein schie­fes Sprachbild es nennt, ans Eingemachte geht. Blackjazzmetal? Doompostjazz? Ich neh­me mei­ne erste Einschätzung wenig­stens teil­wei­se zurück; gar nicht übel, die­se Mischung. In ande­ren Stücken (etwa „Surround the arms of revo­lu­ti­on“) kom­men auch unbe­nann­te Elektronika zum Einsatz, deren Klang mich an Atari Teenage Riot den­ken lässt, was ande­rer­seits hane­bü­chen scheint und wäre. Ein biss­chen Morphine ist aber frag­los dabei.

Das läng­ste und letz­te Stück auf der regu­lä­ren Version von „Extinct“, „The Axe Will Break“, hier bereits gestern die Woche ein­ge­läu­tet habend, baut sich um ein sich wie­der­ho­len­des rol­len­des Bassmotiv her­um auf und über­rascht schon wie­der musi­ka­lisch, denn obwohl die Musiker es sich nicht neh­men las­sen, in der zwei­ten Hälfte wie­der die Freiform über die­sem Bassmotiv erklin­gen zu las­sen, höre ich hier vor allem Postrock (den guten mit den vie­len Gitarren), aber auch ein wenig Psychedelisches (zudem nicht ganz so zäh wabernd wie Pink Floyd) her­aus. Hat was!

Ich war mir schon vor Monaten ziem­lich sicher, dass 2020 ein sehr gutes Jahr für die Musik sei. Inzwischen kann ich das „ziem­lich“ guten Gewissens streichen.

Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Rïcïnn ist das Soloprojekt von Laure Le Prunenec, Sängerin diver­ser Gruppen aus dem Krachumfeld (u.a. Igorrr), in des­sen Rahmen sie mal etwas ande­res macht als Krach, näm­lich vor allem Stimmarbeit. Ich sehe mich beim ersten Reinhören ins dies­jäh­ri­ge Album „Nereïd“ (Amazon.de, Bandcamp.com) an Janet Jackson, Evangelista und Neneh Cherry erin­nert. Das ist eine wit­zi­ge Kombination.

Wer jetzt erwar­tet, die Künstlerin brin­ge eh immer die glei­che Musik raus, der wird sich bereits in den ersten andert­halb Stücken, die über­wie­gend a cap­pel­la statt­fin­den, wun­dern. Das zwei­te Stück „Doris“ prescht jedoch plötz­lich mit­ten­drin mit wir­beln­den Trommeln los, bevor das Thema vom Anfang wie­der auf­ge­grif­fen wird; und wer (wie ich) glaub­te, das war es jetzt, der wird in der letz­ten Minute (wie ich) eines Besseren belehrt. Hat da jemand „Metal“ gesagt? Nein, nicht ganz, aber es kommt schon recht nah ran. Lauter wird es auf „Nereïd“ aber nicht.

Das Titelstück des Albums ent­hält Streicher und ist eben­falls von recht stil­ler, gera­de­zu sakra­ler Natur; es klingt, als hät­te Enya die hypo­the­ti­schen Sedativa abge­setzt. Man mag den Stil des Albums Artpop, moder­ne Klassik oder bei­des nen­nen. Das noch stil­le­re „Missäe“ erschließt sich mir nicht, so weit reicht mein Kunstverständnis ver­mut­lich ein­fach nicht. Das fol­gen­de „Artäe“, ein Wechselspiel aus sanf­ten Streichern und bedroh­li­cher Perkussion, über dem der zwei­fel­los traum­haf­te Gesang Laure Le Prunenecs schwebt wie ein Damoklesschwert. „Nereïd“ sei ein ver­ton­tes Begräbnis für die Welt, schrieb jemand anders­wo. Ich hät­te es nicht bes­ser for­mu­lie­ren können.

„Ëön“ ist mit sei­nem aus­nahms­wei­se männ­li­chen Gesang aber­mals eine Zäsur, die hier auch gut passt, denn das fol­gen­de „Psamatäe“ führt den Synthesizer als füh­ren­des Instrument ein, eben­falls unter­stützt von pracht­vol­len Trommeln. Beschwörend into­niert Laure Le Prunenec dazu Texte, die ich nicht ver­ste­he. Schade eigent­lich. Mitten im Stück wird aber­mals das Tempo ange­zo­gen, das Stück ver­harrt zwi­schen der „Batman“-Titelmelodie, Pop Will Eat Itself und God Is An Astronaut. Eine schö­ne Kombination, die lei­der nicht lan­ge genug durch­ge­hal­ten wird. - Die Melodie von „J-C“ klingt anfangs nach Spieluhr oder Game Boy, abhän­gig davon, wie alt man ist. Streicher und Perkussion erle­di­gen das aber schnell und ele­gant, obwohl mir auch hier wie­der auf­fällt, dass die besten Momente auf „Nereïd“ immer zu kurz sind. Das macht die Frau doch mit Absicht!

Während „Thaliäe“ läuft, stel­le ich neben­bei wei­te­re Recherchen zum Album an. „Experimental Folk“ soll das hier sein. Ja, das kann stim­men. Ist Folk auch immer zu kurz? Beschließe, das irgend­wann her­aus­zu­fin­den. Das vor­vor­letz­te Stück heißt „Ele“, aber das vor­letz­te nicht „Fant“, son­dern „Söre“. Mir fällt ein, dass ich „Nereïd“ vor allem des­halb in die Hörliste auf­ge­nom­men hat­te, weil irgend­wer behaup­tet hat­te, dass es wie etwas von der fan­ta­sti­schen Anna von Hausswolff klin­ge. Ich tei­le die­se Einschätzung nicht, neh­me wohl aber zur Kenntnis, dass die Stimmung - Begräbnis, man erin­nert sich - durch­aus eine ähn­li­che ist. „Erani“ schließ­lich muss­te ich etwas lau­ter dre­hen, denn es ist das intim­ste (also das lei­se­ste) Lied auf „Nereïd“, aus kaum mehr als Laure Le Prunenecs Gesang bestehend.

Seltsames Album, das. Aber schlecht ist es nicht.