‘Kurzkritik: clipping. — Dead Channel Sky’ weiterlesen »]]>

Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Und über Rap auch nicht. Dabei ist (überdies schneller) Rap bei clipping. aus Los Angeles ein beherrschendes Element, der — und da wird es für mich wieder interessant — mit avantgardesquen beats unterlegt wird. Die Wikipedia erzählt was von musique concrète und Noise, und weil sie anders als ich Genres nicht irgendwie schwierig findet, glaube ich ihr das mal.

Das neueste Album von clipping., Dead Channel Sky (Amazon.de, Bandcamp, TIDAL), ist in der „kurzen“ Version, also derjenigen ohne Zusatzstücke, „nur“ zwanzig Stücke zwischen jeweils 46 Sekunden und 4:50 Minuten lang und ein wahrer Geräuschüberfall.

Und ein bisschen Nerdlyrik ist auch dabei:

Be a pawn they believin’ that they could master
Though they never wanted to look behind the eyes of a hacker, okay

Hat Charme, das Album. Gebe ich hiermit auf’s Ohr.

‘Kurzkritik: The Light Below — Georgia’ weiterlesen »]]>

Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Zu den ungefähr dreieinhalb Sprachen, die ich nicht verstehe, gehört außer der französischen auch die georgische — anders als erstgenannte klingt letztere aber schön, was ich weiß, seit ich vorhin erstmals „Georgia“ von The Light Below (Amazon.de, TIDAL) gehört habe. Die Vokalisten auf „Georgia“ sind der georgische Frauenchor Akhla, der hier wohl, glaubt man dem Internet, vor allem traditionelle Volksgesänge vorträgt. The Light Below, ihr ahnt es sicher bereits, kommen aus Deutschland.

Der Instrumentalteil von „Georgia“, zu dem später selbiger Chor hinzugemischt wurde, habe, erfährt man weiterhin, unter dem wachsamen Auge von Steve Albini seine Form gefunden, was nicht nur ein Qualitäts‑, sondern auch ein Stilmerkmal ist. Folgerichtig spielen die fünf Instrumentalisten hier einen recht metallischen Postrock, der auch und gerade Cineasten gefallen könnte, ist doch Gitarrist Patrick Christensen ein längst etablierter Filmkomponist. Dieser Text klingt bis hierhin nach Haggard in besser, aber Haggard waren nie auf diese Art verspielt.

Die folkloristischen Anwandlungen (so muss ich etwa in „Bicho“ etwas zu lange über osteuropäischen Greisentanz nachdenken) ziehen meinen Gesamteindruck etwas runter, ich bin für Weltmusik wahrscheinlich in der falschen Zielgruppe (bin ich überhaupt in einer Zielgruppe?); diese sind allerdings erfreulich kurz und genügen mir dazu, die Eingebung zu haben, dass das Album nicht nur mir gefallen könnte. Hiermit insofern weitererzählt.

Kommentare

• ilwedritsch schrob am 22. Februar 2026 dies: Danke für den Tipp, erinnert mich beim ersten hören an Rose Kempf und Anna von Hausswolff. Auf jeden Fall Hörenswert.
• tux0r schrob am 22. Februar 2026 dies: Rose Kemp(f) musste ich erst mal nachgucken.
• ilwedritsch schrob am 22. Februar 2026 dies: Ist schon etwas älter https://m.youtube.com/playlist?list=OLAK5uy_kyJ8XkeQpKXM98keNN__UidRPjPEJ8hXA&playnext=1&index=1

‘Kürzestkritik: The Shaggs — Philosophy of The World’ weiterlesen »]]> Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Und das werde ich auch heute nicht tun.
Ich kriege Kopfschmerzen von diesem Album und ihr solltet das auch.

TIDAL, gibt es aber bestimmt auch woanders.

Kommentare

• Nowhereman schrob am 11. Januar 2026 dies: Das am Sonntag morgen. Erschütternd.
• tux0r schrob am 11. Januar 2026 dies: Gern geschehen.
• Fred schrob am 11. Januar 2026 dies: Ich stand schon immer auf solche Anti-Musik wie sie die Shaggs gemacht habe. Danke dem Papa der seinen Töchtern das ermöglichte. Eine weitere interessante Intetpretin war die Kõlnerin Sunny die zwischen 1976 u. 1977 drei Singles auf einem obskuren Krautrocklabel verõffentlichte. https://youtu.be/rgrNNV5fiEw?si=pCcYWGGw2GivzwpR
• tux0r schrob am 11. Januar 2026 dies: Weniger schlimm. Dennoch “danke”!

‘Musik 12/2025 — Favoriten und Analyse’ weiterlesen »]]> Oh! Ein Jahresbeginn! Ihr wisst, was das bedeutet, nämlich, dass es Zeit für die einzig richtige (d.h. meine) Liste der besten Musikalben des Jahres 2025 ist. Man sehe mir nach, dass ich das gestern (haha, Jahresrückblicke im November, hahaha) erschienene neue Album von Ulver trotzdem nicht rechtzeitig zu hören geschafft habe. Ich führe es daher nur der Form halber auf.

Ergänzend sei festgehalten: Die Musikgruppe Skillet Lickers, inzwischen in der vierten Generation aktiv, feiert im nun begonnenen Jahr ihren 100. Geburtstag. Die Rolling Stones sollten sich nicht so aufführen mit ihren Jubiläen.

Zur Punkmusik des Jahres 2025 erlaube ich mir — schon im April 2025, während ich diese Einleitung niederschreibe — eine desillusionierte Vorabbemerkung: Musiker, die sich in ihren Texten über das Üble auf der Welt beklagen, treiben damit, wenn sie es ein Lied lang machen, etwas Hörenswertes, wenn sie es zwei Lieder lang machen, etwas wenigstens Interessantes; aber wenn man als Musiker seine komplette Karriere auf zwei bis drei leicht mitgebrüllte Parolen beschränkt und also außer dem erkenntnisarmen „Polizei doof und Nazis schlecht“ nicht viel mitzuteilen hat, dann verschwendet man damit meine Zeit und das mag ich nicht so. Macht doch mal was mit Blumen oder Autos.

Der bis heute von vielen unterschätzte, doch inzwischen verstorbene Lou Reed sprach schon Ende der 1960er Jahre mit den Velvet Underground, was an damals zeitgenössischer Musik eine Last ist: „Cheap simian melodies, hillbilly outgush for illiterate ramblings, for cheap understanding, for mass understanding, (…) business and business and cheap, stupid lyrics and simple mass reverse while the real thing is dying“ („The Murder Mystery“). Ich wünschte, die seitdem geradezu explodierte Menge an Musik, die auf uns einprasselt, könnte wenigstens mit schierer Masse diesen Effekt umkehren. Stattdessen war es gar nicht so leicht, Behaltenswertes im Jahr 2025 zu finden — manches hatte seine Höhepunkte (so etwa „All That Is Over“ von Sprints), machte diesen Eindruck aber mit Fülltiteln zunichte, wieder anderes war einfach nur enttäuschend bis ermüdend. Mein persönliches Ergebnis dessen, was neben der überwältigenden Menge an Lächerlichkeit übrig blieb, folgt.

1. Kratzen — III
   „Wo ich mir Zukunft versprach / liegt nun Vergangenheit brach.“ (Immer)

   Kratzen, das „2017 in Köln gegründete Trio“, „verbindet Krautrock und New Wave. Sie nennen es Krautwave“ (Kratzen über Kratzen) und eigentlich könnte ich das so stehen lassen.

   Motorik-Beat, New-Wave-Gitarren, Gesang mit NDW-konformem Hall; harter Tobak ist es nicht, womit ich diese Liste beginnen lasse, aber ich habe es mir auch nicht zur wesentlichen Aufgabe gemacht, möglichst vielen Lesern auf die Nüsse zu gehen, sondern, diese jährlichen Zusammenfassungen zu nutzen, um meinerseits eine Ausrede zu haben, endlich mal wieder mehr Musik zu hören. Klappt, würde ich behaupten.

   Was sonst noch drinsteckt, ist Postpunk, aber das ist ja auch wieder ein weites Feld. Mehr Smiths als The Fall, das sei erklärt. Krautrockfans mögen’s hören mögen.

   Stream: TIDAL, Bandcamp, Amazon.de.

2. neutral — lågliv

   Nachdem das erledigt wäre, kann es ja jetzt doch losgehen mit dem harten Tobak. Von der von mir schon an anderer Stelle empfohlenen kalifornischen Helen Scarsdale Agency kommt zerbrechlicher Industrial aus Schweden in Form des Albums „lågliv“, was Schwedisch ist und ungefähr „das Leben eines Taugenichts“ bedeutet.

   Das erste der beiden fast zwanzigminütigen Stücke, „enhet / röda sten / sömngång / punkt“, klingt eingangs wie eine Phonographenaufnahme eines Kinderkarussells, die in einem Sado-Maso-Studio neben einer Metall verarbeitenden Fabrik abgespielt wird, dazu murmelt Sofie Herner etwas ins Diktaphon, das zu verstehen ich in skandinavischen Sprachen zu wenig versiert bin. Bald kommt eine gerade gestimmt werdende E‑Gitarre hinzu, bevor etwa zur Halbzeit alles in sich zusammenfällt und eine dämonische Spieluhr kurz die Führung übernimmt, bis schließlich ein panischer Mönchschor ein Regal mittels Bohrmaschine an der Wand zu befestigen beginnt und anschließend Applaus empfängt. Klingt irre? Ist es auch. Sollte ich dereinst beerdigt werden, möchte ich, dass im Rahmen der Feierlichkeiten („Trauerfeier“ ist ja auch noch so ein Wort, mit dem man in „unserem“ „Kulturkreis“ wenig anzufangen vermag) unter anderem irgendwas von dieser Plattenfirma läuft. Damit die normalen Menschen mich weniger vermissen. (Diese sind hiermit ausgeladen.)

   Das zweite Stück ist anders seltsam. Stimmverfremdungsübungen unter Wasser werden begleitet von zunächst tropischer Perkussion, dann von einem kläffenden viel zu kleinen Hund, dann wieder von einer dystopischen Fabrik, woraufhin eine verstimmte Westerngitarre kurz solieren darf. Der Gitarrist flüchtet jedoch vor einem Gewitter, die Stimmverfremdungsübungen klappen aber anscheinend auch bei Gewitter. Finde ich gut.

   Das Leben ist zu kurz für Musik, die nicht herausfordert. „lågliv“ fordert heraus.

   Stream und Vinyl: Bandcamp.

3. Bank Myna — Eimuria

   Anderes Land, andere Musik. Bank Myna kommen aus Paris und tragen den Namen eines südasiatischen Vogels, hierzulande eher als Ufermaina bekannt. Ihr 2025er Album „Eimuria“, angeblich live eingespielt, hingegen wurde, glaubt man dem Internet, nach einem alten Wort für Glut benannt, was irgendwie passt.

   Ich höre kräftigen Postrock mit einigem Gedrone und weiblichem (und zum Glück englischsprachigem) Gesang, zumindest mich ein bisschen an Anna von Hausswolff erinnernd, was aber auch daran liegt, dass ich einfach zu wenige Vergleiche kenne, was vermutlich vor allem an mir selbst liegt. Das Internet findet, dieses Album könnte Fans von Earth und BIG|BRAVE gefallen, und weil ich Earth und BIG|BRAVE ebenfalls mag, könnte das hinkommen. „Eimuria“ ist ziemlich intensiv und damit genau das, was uns Kopfhörerhörern bisweilen den Tag versüßt.

   Stream, Vinyl, CD: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

4. Pearl Handled Revolver — Tales You Lose

   Pearl Handled Revolver sind eine Gruppe von Musikern aus Großbritannien, die das selten bestellte Feld zwischen Funk, Blues, Psychedelic Rock und R’n’B zu beackern behauptet. Ihr fünftes Album sei ein „Kopfsprung in ihre tiefsten Grooves und Psychedelic-Rock-Erkundungen“, fabuliert der Pressetext. Das lässt aufhorchen.

   Dieses — wohl ihr fünftes — Album atmet dann auch in der Tat den Geist der 70er. Ich höre Bluesrock mit viel Hammondorgel und gelegentliche Psychedelic-Ausbrüche (völlig zutreffend betiteltes Lied, das klingt, wie es heißt: „Junkies“). Spontan tun sich mir Assoziationen an Brother Grimm und Joe Bonamassa auf, etwas Deep Purple auch. Sänger Lee Vernon wird bisweilen mit Jim Morrison verglichen, was stimmlich schon irgendwie hinkommt und zur Musik auch passt, nur dass Pearl Handled Revolver es mit spärlich instrumentierten Spannungsbögen nicht so haben. Früher hätte man „Tales You Lose“ wohl fetzig genannt, und weil ich es mag, wie man früher geredet hat, mache ich das jetzt einfach auch.

   „Pearl Handled Revolver“ ist das 2025er Album für diejenigen, die eigentlich lieber ein neues Album aus den 70ern hätten. So könnten die Doors heute klingen, taten sie aber nie.

   Stream, Download und Kauf: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

5. Nytt Land — Songs of the Shaman

   Nytt Land, weiß die Wikipedia, sei eine „Nordic-Ritual-Folk-Band“ aus Sibirien. Der Sänger spielt nebenbei Flöte und Talharpa und nennt sich „Nordman“, zwei der fünf Musiker spielen unter anderem Maultrommel, zwei weitere wenigstens eine Trommel. Die von mir auffindbaren Texte der verschiedenen Alben sind auf Sprachen wie Altnordisch, Färöisch oder Isländisch gehalten. Wer jetzt schon keinen Bock mehr hat, der möge dieses Album überspringen.

   Den Übriggebliebenen wünsche ich einen wachen Geist und die Bereitschaft für völlig Anderes, denn das werdet ihr brauchen. Die Band selbst schreibt zum Album, dort interpretierten sie, daher auch der Titel, „traditionelle schamanische Lieder oder Zaubersprüche der mandschu-tungusischen Ethno-Linguistikgruppen Sibiriens. Diese Lieder verwenden alte musikalische Techniken wie Kehlkopfgesang und Trommeln und wurden in ihrer Originalsprache aufgenommen“. Als der vermutlich nicht Einzige hier im Internet, dem das sibirische Schamanentum weitgehend unbekannt ist, der aber für das Erfahren von Naturreligionen und traditionellen Kulturen grundsätzlich empfänglich ist, respektiere ich die Ernsthaftigkeit des Unterfangens (es wurde, versichern die Musiker, darauf verzichtet, Zaubersprüche aufzunehmen, die Schaden verursachen könnten) und lausche dem, was hier zelebriert wird.

   Ich möchte „Hoge Yage“, das mir noch Wochen später einen der merkwürdigeren Ohrwürmer meines Lebens bereiten sollte, exemplarisch für „Songs of the Shaman“ herausgreifen. Es beginnt mit rhythmischer Perkussion, woraufhin Sängerin „Krauka“ selbige mit Beschwörungsformeln in einer mir gänzlich unbekannten Sprache übersingt. Irgendwann setzen Maultrommel und Kehlkopfgesang im Hintergrund ein, die dieses in der Tat wie das, was ich banausenhafter Westeuropäer mir unter einem magischen Geistertanz vorstelle, klingende Ereignis begleiten, bis schließlich nach fünf Minuten nur noch ein wenig energisch stampfende Trommel übrigbleibt und dann verstummt. Ich fühle mich hinterher wie durch das Jenseits spaziert. Auch mal interessant.

   Was für eine verrückte Idee. Was für ein verrücktes Album.

   Stream, CD, Vinyl: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

6. Technicolor Blood — Evolution Now

   Und da wir vorhin schon beim Postrock waren, machen wir mit Postpunk weiter und landen folgerichtig bei Technicolor Blood aus Montreal. Die dortige Postrockszene ist international bekannt, aber auf seinem wohl zweiten Studioalbum haben die vier Herren es sich anders überlegt.

   Eine Prise Fuzz und Stoner haben sie wohlweislich aufgenommen, um das vermeintlich fertigbeackerte Feld des Postpunks wenigstens nicht mit immer denselben öden Pflanzen überwuchern zu lassen; dabei verzichten sie allerdings großteils auf ein Übermaß an Verzerrung, und auch der Gesang hält sich in der Abmischung zurück. Das Internet zieht hier Vergleiche zu den ziemlich guten Verstärker (denen aus Kentucky, nicht den anderen) und hat damit gar nicht mal Unrecht. Schwer psychedelisch (heavy psychedelic) sei dieses Album, steht anderswo, dafür ist dann aber doch zu wenig „zähes Gewaber“ (eine der schönsten Beschreibungen von Pink-Floyd-Musik, die ich je gelesen habe) enthalten. „Evolution Now“ sitzt irgendwo zwischen den Stühlen und ist deswegen interessant, es also sowohl in diese Liste aufzunehmen als auch zwischen zwei stilistisch andere Alben zu setzen erschien mir folgerichtig.

   Stream und/oder Download: Bandcamp, TIDAL.

7. Amplifier — Gargantuan
   „I’m running from the future and the past.“ (Guilty Pleasure)

   Vor einigen Jahren habe ich mal irgendwo geschrieben, dass ich die (britische, nicht jedoch ihre belgischen Namensvettern) Band Placebo für schwer erträglich halte, weil ich zwar nicht unbedingt was gegen allgegenwärtige Keyboards habe, aber der elend nölige Sänger mir nicht so recht Freude bereitet. Zum Glück haben Amplifier eine andere Besetzung.

   Manche eher experimentierfreudige Bands, die mit Amplifier gern mal ins New-Artrock-Wasser geworfen werden, etwa die zu Recht hochgeschätzten Oceansize und die aufgrund der Trennung vor — huch! — auch schon wieder bald zwanzig Jahren in den Neuveröffentlichungen sehr fehlenden Aereogramme, hat die Zeit sozusagen auf dem Gewissen, aber Amplifier, seit wenigen Jahren nur noch als Duo aktiv, ziehen’s seit 1999 durch. Das ist erst mal eine Leistung. Dass Steve Durose von ebendiesen Oceansize nach deren Auflösung bis 2020 auch bei Amplifier spielte, spricht im Übrigen vermutlich für sich.

   Nun also „Gargantuan“. Die für Amplifier nicht unbedingt ungewöhnliche Keyboarddominanz rückt „Gargantuan“, ich habe es eingangs angedeutet, in die (sehr grobe) Nähe von Placebo, aber ohne deren ständige Fanfaren. Eingebettet wird das in eine zusehends intensivere Weltraumlandschaft; als begönne man „Gargantuan“ auf der Autobahn („Gateway“), beobachtete, wie die Umgebung zusehends futuristischer wird („King Kong“), und flöge schließlich („Long Road“) entspannt durch das All. Dass die eher alltagsorientierten Texte mit dem musikalischen Thema wenig zu tun haben, darf als egal gelten, denn darum geht es ja auch nicht immer. Zu den Keyboards gesellen sich schneidend riffende Gitarren und ein hellwaches Schlagzeug mit Bewegungsdrang. Die zwei Herren bauen hier ein monolithisches Klangungetüm auf, das für die vollständige Entzifferung vermutlich mehr Hördurchläufe braucht; fest steht, dass es reich belohnt wird.

   Amplifier scheinen insofern auch 2025 noch eine gute Anlaufstelle für diejenigen Hörer zu sein, die in der Schnittmenge aus New Artrock und Spacerock nach neuen Ideen suchen. Möge es munden. (Oder wie heißt das bei Musik? Möge sie ohren?)

   Stream, Download und/oder Kauf: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

8. Minerall — Strömung

   Dave Schmidt, vorrangig als Sula Bassana bekannt für ungefähr zweiundfünfzig (plus/minus fünfzig) Musikprojekte aus dem weiten Bereich der psychedelischen Rockmusik, nahm 2023, glaubt man dem Internet, an einer Veranstaltung in ausgerechnet Hannover teil, in deren Rahmen eine weitere Gruppe (ein weiteres Projekt?) namens Minerall ins Leben gerufen wurde, dessen Debütalbum mit dem schier entzückenden Namen „Bügeln“ bei mir 2024 schon Montagsmusik spielen durfte. „Strömung“ ist nun das zweite Album, entstanden wohl im Rahmen derselben Aufnahmesitzung.

   Dargeboten wird in den beiden Stücken zu je „ungefähr“ zwanzig Minuten Länge — nun — eine Art Motorik-Spacerock. Ein stoisches Schlagzeug, bedient übrigens von Tommy Handschick, regelmäßigen Lesern meiner fragwürdigen Texte schon mal als Teil von Kombynat Robotron begegnet, begleitet ein waberndes Geräuschungetüm, das bisweilen an Hawkwind erinnert, ansonsten aber wie ein Amalgam der musikalischen Hintergründe der beteiligten Musiker klingt.

   Vierzig Minuten Kopfreise für die, die dafür keine anderen Drogen als Musik brauchen; Menschen wie mich und möglicherweise auch die, die hier immer noch mitlesen, also. Bitte, gern geschehen.

   Stream (Vinyl ist gerade schwer erhältlich, existiert aber wohl auch): Bandcamp.

9. mclusky — the world is still here and so are we
   „Tell me you’re precious without being pissed on!“ (kafka-esque novelist franz kafka)

   Mal was anderes, nämlich erdiger Rock. Mclusky, derzeit anscheinend wie auch der Titel dieses Albums sowie sämtliche Stücke darauf konsequent klein geschrieben, sind eine Post-Hardcore-Band, aber davon merkt man nichts, aus Cardiff, aber davon auch nicht. Ihr neuestes, viertes Album, nämlich dieses, wurde bei Ipecac veröffentlicht, was, wie der geneigte Musikfreund weiß, als Kriterium zum Interesseschüren durchaus hinreichend ist. Eine „Schönheit“ sei das Album, etikettiert die „VISIONS“, aber klassisch schön will es gar nicht sein.

   Nein, auf „the world is still here and so are we“ geht es so sumpfig zu wie einst bei den wundervollen Shellac. Hier und da („chekhov’s guns“) bricht der Crossover-Nu-Metal der frühen 2000er hervor, aber im Wesentlichen haben wir es hier mit kräftig gepfeffertem Noiserock und ebensolchen Texten (etwa in „people person“: „exploding kids can kill the mood / can kill the mood if kid explosions aren’t your heart’s desire“; der „tagesschau“ gefällt das) zu tun. Nur drei der Texte haben ein „explizite Lyrik“-Etikett, aber danach suche ich mir die Musik hier ja auch nicht aus. Textlich soll es gar keinen Spaß machen, aber musikalisch geht es gar nicht anders. Misanthroper Krach ist anders schön. „Blabbermouth“ zieht das Fazit, es sei „egal, ob irgendwer von uns versteht, was hier passiert“, wenn es doch „dermaßen gut“ klinge. Stimmt.

   Nörgelei? Klar: Das Album könnte meinetwegen länger sein. Aber es ist ja vermutlich nicht das letzte.

   Stream, Download, Kauf: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

10. Colosseum — XI

    Das Ableben von Jon Hiseman hat seine Jazzrockcombo zum Glück nicht ihre Zelte abbrechen lassen, sondern, wie es sich anhört, erst recht befeuert. Das kennt man so ähnlich ja von Gong. Am Schlagzeug sitzt in seiner Nachfolge seit 2020 Malcolm Mortimore, einigen Lesern möglicherweise von Gentle Giant (oder jedenfalls von deren Album „Three Friends“) bekannt und auch sonst seit Jahrzehnten recht umtriebig, weiterhin an Bord sind von der „alten“ Garde seit 1969 bzw. 1970 „Clem“ Clempson (Gitarre, Keyboards), Mark Clarke (Bass) und Chris Farlowe (Gesang). So viel zu den nackten Zahlen.

    „XI“, das — ätsch! — neunte Studioalbum (sofern man die zwei EPs „Bread & Circuses“ und „The Kettle“ nicht mitzählt) dieser verdienten Combo, beginnt schon mit ordentlich Groove. Chris Farlowe hat auch mit mittlerweile 85 Jahren immer noch den Soul von früher und auch sonst schließt man nahtlos an die eigene Geschichte an: der springende Herr auf dem Titelbild war so ähnlich schon auf dem Livealbum von 1971 zu sehen.

    Es ist festzuhalten, dass die Musiker im Alter anscheinend ihren zweiten Frühling erfahren, denn während die letzten Studioalben bis 2014 weithin als enttäuschend wahrgenommen werden, geht es seit dem Vorgänger „Restoration“ (2022) wieder qualitativ aufwärts, und wer — wie ich — die „Valentyne Suite“ für bisher unerreicht im Schaffen Colosseums hält, der dürfte schon angesichts der Titelliste feststellen, dass hier eine fast neunminütige „English Garden Suite“ enthalten ist, die rein instrumental gehalten ist und am ehesten wie früher klingt. Natürlich sollte keine Musikgruppe auf jede Weiterentwicklung verzichten, man betrachte diesen Einwurf daher vielmehr als nostalgisches Seufzen denn als plumpe Kritik am Neuen. Um die „Suite“ herumgewoben sind zeitlose Stücke wie das eröffnende, funkige „Not Getting Through“, das jedenfalls mich an die jüngeren Uriah-Heep-Werke erinnernde „Hunters“ und die ausnahmsweise von Mark Clarke gesungene (weil wohl auch geschriebene) Bluesrockhymne „Gypsy“. Ich gebe zu, die Geschichte von Colosseum in den letzten Jahren eher vernachlässigt zu haben, und kann daher nicht mit hinreichender Treffsicherheit Vergleiche zu den vorherigen Alben ziehen, aber als für sich allein stehendes „Alterswerk“, das „XI“ wohl ist, ist es mehr als nur erfreulich.

    Schön, dass das Colosseum noch steht. Es lebe (noch lange und) hoch.

    Stream, Download und Kauf: Amazon.de, TIDAL.

11. SUMAC and Moor Mother — The Film
    „Seems like every time there’s a bomb, there’s a round of applause“ (Scene 5: Breathing Fire)

    Kratzen wir mal am anderen Extrem.

    Für das Album „The Film“ hat sich das Postmetaltrio SUMAC mit der Experimentalmusikerin Moor Mother, die sonst bei der Free-Jazz-Combo Irreversible Entanglements ins Mikrofon spricht, zusammengetan. Zu hören gibt es folgerichtig eine Art Free Jazzmetal, recht frei im Rhythmus, verfeinert von besagter Musikerin, die ausweislich des Internets sowohl Synthesizer und Effektgeräte als auch das Mikrofon bedient. Gesang ist das nicht, stattdessen wird überwiegend Politisches teils ruhig, teils aufgeregt erzählt. Am Ende des zweiten Stücks, „Scene 2: The Run“, kommt Growling ins Spiel. Das macht aber wohl wer anders.

    Die Grundstimmung von „The Film“ ist verstörend. Ich weiß nicht, ob es dazu tatsächlich einen Film gibt, aber ansehen würde ich mir einen solchen schon. Mich erinnert das Album streckenweise an „Lulu“, teils an „The Cherry Thing“, aber hektischer. Dass das Album in den letzten fünf Minuten trotzdem eher sanft ausklingt, macht’s zu einer runden Sache. (Sind Tonträger nicht meistens rund?) Empfehlung abseits dieser Liste: Etwas von Irreversible Entanglements zur Einstimmung hören. Dann ist „The Film“ nur folgerichtig.

    Stream, Kassette, CD, Vinyl, Downloads: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

12. OSMIUM

    Von 2005 bis 2008 nannte sich die brasilianische Progmetalband Daydream XI stattdessen Osmium. Dies ist eine andere Gruppe, aber der Name war ja wieder frei. Diejenigen OSMIUM die im Juni 2025 ihr namenloses (oder eigenbenanntes?) Debütalbum rausbrachten, um das es hier gehen soll, sind stattdessen ein Quartett aus Berlin.

    Eine Art Panikindustrial, vom Pressetext als „elektromechanischer Metal“ beschimpft, gibt es hier zu hören, hergestellt mithilfe einer Klangkulisse aus dreierlei selbst entworfenen Instrumenten, zu dem der Stimmkünstler Rully Shabara stöhnt, röchelt und schreit. Assoziationen: Nine Inch Nails, Aphex Twin, Filmmusik für Weltkriegsdokus. Da, wo es mal ruhiger wird (etwa in „Osmium 4“), quietscht und brummt es in eine metallische Kälte hinein, so dass man selbst da ein kaum erklärliches Unwohlsein verspürt. Wahrscheinlich ist das Absicht. Es gibt ein lesenswertes Interview zu den Hintergründen des hier auf Platte Gepressten, das ich hiermit als weiterempfohlen betrachte. Ausweislich der Bandcampseite zum Album wird hier erfolgreich die Grenze zwischen der Ausdrucksform von Maschinen und derjenigen von Menschen verwischt, und ich stimme zu. So ähnlich müssen Cybermen klingen, wenn die jemals diesseits von Doctor Who vorkommen sollten. (Lange dauert das wohl auch nicht mehr.)

    „Osmium“ (das Album) will gar nicht gefallen und tut es nach klassischen Kriterien auch nicht. Ein anderer Rezensent schrieb irgendwo, es sei geeignet, um den Kopf zwischen zwei Popmusikalben wieder zu erden, und wahrscheinlich stimmt das. Aber so viel Popmusik höre ich gar nicht. Nein, wer Gefälliges braucht, der braucht das Gegenteil von dem hier. „Osmium“ (das Album) verlangt stattdessen dem Hörer einen Sinn für die Avantgarde ab. Zum Glück habe ich den und bin daher angetan.

    Stream, Vinyl und/oder Download: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

13. Ranges — Sin

    Zahlenverrückte — dies ist übrigens das dreizehnte Album auf dieser Liste — dürfen sich entzücken lassen: Auf den sieben Stücken auf „Sin“ vertonen Ranges aus Montana die sieben Todsünden, namentlich — soweit ich das verstanden habe — Hochmut („The Falcon Cannot Hear the Falconer“), Neid („Their Eyes Sewn Shut“), Wollust („Bound To The Black Wind“), Völlerei („Three Throats“), Gier („Prodigal“), Jähzorn („The Red Mist“) und Faulheit („Idle Hands“). Hand hoch, wer noch keine von ihnen (und sei’s Wollust) jemals begangen hat. Die Platte für siebenundzwanzig US-Dollar gibt es in sieben verschiedenen Farbvarianten, den Download für sieben US-Dollar. Ihr merkt: Subtil sind die Musiker nicht.

    Das gilt nicht nur für die Verpackung und die Vermarktung, sondern auch für die Musik selbst. Zu hören gibt es weitgehend energischen Postrock mit dem alten Laut-leise-Spiel. Ranges erfinden das Genre nicht neu, aber bewegen sich treffsicher in ihm wie auf einer großen Spielwiese, so dass das, was hier aus dem Kopfhörer gewittert, nicht nach Schablone klingt, sondern danach, dass hier Musiker am Werk sind, die sich abreagieren wollen und es gar nicht so ungern hätten, wenn ihr Publikum sich ihnen anschließt.

    Ranges malen breitwandig, aber keine gepunkteten Bergseen, sondern reißende Sturzfluten, die alles unter sich begraben, das sich ihnen in den Weg stellt. Hochemotionale Musik für diejenigen, deren Emotionen empfänglich für Musik sind. Selten klangen Todsünden so einladend, man möchte zu ihnen abhotten, wie die jungen Leute sagen bzw. mal sagten. Ich mache das mal und empfehle unterdessen weiter.

    Stream, Kauf, Runterladen: Bandcamp, TIDAL.

14. We Lost the Sea — A Single Flower

    Die jährliche Dosis Postrock wird überdies vorangebracht von einer Gruppe, die im Rahmen dieser Rezensionsreihe seit Jahren immer mal wieder zu Gast ist, nämlich We Lost the Sea. Deren 2025er Album „A Single Flower“ beginnt zurückhaltend mit Gitarre und ein wenig begleitendem Rhythmus, bevor nach etwas über drei Minuten erstmals das einsetzt, was der geneigte Postrockfreund vermutlich bereits erwartet, nämlich das volle Breitwandkino.

    We Lost the Sea gestalten auch auf „A Single Flower“ prachtvolle Klanglandschaften, die über weite Strecken einem Freund des musikalischen Frühlings gefallen könnten. (Ist ja auch bald wieder so weit.) Gesungen wird nicht, was gut ist. Der etwas plumpe Discostampfrhythmus von „Everything Here is Black and Blinding“ zieht meine Bewertung etwas runter, aber irgendwas ist ja immer und We Lost the Sea versöhnen mich ja meist schnell.

    Dass ausgerechnet im mit Abstand kürzesten Stück „The Gloaming“ Sophie Trudeau (bekannt mindestens von den nicht besonders eiligen Godspeed You! Black Emperor) am Streichinstrument aushilft, ist ein Detail, das wahrscheinlich mal wieder nur ich für bemerkenswert halte. Große Überraschungen gibt es darüberhinaus nicht und das ist auch gut so. Feine Scheibe.

    Stream, Download und (Vinyl ist ausverkauft, aber trotzdem) Kauf: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

15. Half Past Four — Finding Time

    Ich weiß, ich weiß, ich empfehle hier eigentlich meist nur obskuren Krach. Das liegt daran, dass mir obskurer Krach gefällt. Doch machen wir uns nichts vor: Das hier ist Pop, aber guter.

    2018 erhoffte ich mir eine Fortsetzung ihres damals aktuellen Albums „Land of the Blind“. Diese liegt nun vor; der Titel „Finding Time“ ist da schon Programm. Für die, die’s damals nicht verfolgt haben, wie „gelesen“ heutzutage wohl heißt, fasse ich deren Treiben kurz zusammen: Half Past Four, ein kanadisches Quintett um die Sängerin Kyree Vibrant, die sonst was mit Filmen macht, habe sich vor ein paar Jahren, so teilt’s deren Website mit, dazu entschieden, sich vollständig dem Progressive Rock hinzugeben. Das sollte man nicht verwechseln: Das, was Musikgruppen heute machen, wenn sie versuchen, so zu klingen wie solche Musikgruppen, die in den 1970er Jahren progressive Musik gespielt haben, nennt man „Oldies“. „Retrorock“. Schlimmstenfalls, und das geht mancherseits als Beleidigung durch, „Neoprog“. (Das bedeutet nicht, dass ich Musikgruppen, die versuchen, so zu klingen wie solche Musikgruppen, die in den 1970er Jahren progressive Musik gespielt haben, unbedingt schlecht finde. Aber Wörter haben eine Bedeutung und „progressiv“ heißt „vorwärts“ und nicht „wie früher“.)

    Natürlich steht auch neun Jahre nach dem Vorgänger die immer noch großartige Sängerin im Vordergrund. Auf ihrer eigenen Website zitiert sie gern Vergleiche mit Leslie Hunt, Kate Bush und Grace Slick. Lasse ich gelten. Beim Hören dachte ich gelegentlich an Lee Triffon, Kim Wilde (wieso auch immer) und — ja — auch Kate Bush, welche nicht die übelsten Drandenkkünstlerinnen sind. Die Musik dahinter, und da stimmt der Vergleich mit Leslie Hunt und damit District 97 auf mehr als eine Art, ist wohl tatsächlich als „moderner Progressive Rock“ zu begreifen: Unabhängig von den Titellängen, angesichts derer fast jeder Radio-DJ dankend abwinken würde, gibt es grundsätzlich radiotaugliche Ideen (das geht schon im eröffnenden „Tomorrowless“ los), die, damit niemand aus Versehen spontan Bock darauf bekommt, sich im Edeka an der Wursttheke anzustellen (Pawlow funktioniert), von Jazz- (man höre etwa „Branches“) und Mathrockideen durchzogen sind. „Handwerklich von höchster Qualität“ findet ein anderer Rezensent das und irrt nicht.

    Mich freut, dass die Musiker wieder, nun, die Zeit gefunden haben, auch wenn wir es hier mit einem neuen Gitarristen zu tun haben, der jedoch bemerkenswerte Akzente setzt. Hoffentlich dauert das nächste Album nicht noch mal neun Jahre.

    Stream und/oder Download: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

16. Fieldwork — Thereupon

    Noch mal Jazz, diesmal nicht von alten Meistern, sondern von einem jungen (oder jedenfalls erst 1971 geborenen) Herrn, nämlich Vijay Iyer. Dieses in New York heimische, und man muss es wohl so nennen, Multitalent (die englischsprachige Wikipedia listet allein Komponist, Bandleader, Produzent, Autor und Professor auf; Jazzmusiker sind oft ein sehr eigenes Völkchen) ist nicht nur Kopf einiger Musikprojekte, sondern dann und wann auch mal gleichberechtigtes Mitglied, so auch im Trio Fieldwork, das seit 2002 vier Studioalben veröffentlichen ließ, wobei das dritte, „Door“ (2008), schon eine Weile zurückliegt. Die anderen beiden Musiker im Trio sind Tyshawn Sorey und Steve Lehman, beide selbst ausgewiesene Experten und Bandleader mit jeweils eigenem Wikipediaartikel. (Von wegen, ich hör’ immer nur obskuren Kram von Musikern, die niemand kennt…)

    Hier also liegt nun das vierte Album von Fieldwork, „Thereupon“, vor. Gesungen wird nicht und das ist in Ordnung so. Das ganze Album durchzieht ein Mitwipp-Groove, dabei wird es aber nie wirklich beliebig; das Trio an Klavier, Saxophon und Schlagzeug durchzieht die neun Stücke mit einer Spielfreude, die ansteckend ist und also den Hörer (oder zumindest mich) hier und da zum Sitztanz verleitet. An traditionelle Jazzformen halten sich die Musiker eher aus Versehen, stattdessen entfachen sie einen wahren Wirbelsturm (entfacht man eigentlich Wirbelstürme?) aus Rhythmus, Melodie und gekonnt Improvisiertem, der mir durchaus mehr als einmal ein anerkennendes Nicken entlockt. Das ist Zustimmung genug.

    Das und natürlich meine hiesige Empfehlung, die hiermit erteilt ist.

    Stream, Download, Kauf: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

17. La Dispute — No One Was Driving The Car
    „You carved ‚Die Young‘ with a pen / in the skin below your neck“ (Steve)

    Den ungefähren Stil der US-Amerikaner La Dispute beschrieb ich bereits 2013, damals stellte ich „Geschepper und Geschrei“ (d.h. Screamo-Stil) fest. Es scheint sich seitdem manches geändert zu haben, denn geschrien wird hier kaum noch.

    „No One Was Driving The Car“ ist das, was man wohl heutzutage ein Spoken-Word-Album nennt: Es wird viel gesprochen. Dabei klingt Sänger/Sprecher Jordan Dreyer allerdings sehr ungeduldig, als wäre die Schlange vorm Klo unerträglich lang. — In den letzten Jahren, erfährt man, sei die sonst grundsätzlich unpolitisch handelnde Band zusehends wütender geworden und das müsse jetzt raus. An den Texten, plumpe Parolen findet man hier nicht, erkennt man keine übermäßige Politisierung, wohl aber findet man in ihnen einen gewissen fatalistischen Weltschmerz. Es hat Gründe, dass auch das ein Wort ist, das es ins Englische geschafft hat.

    Die Musik dazu ist gut treibend, kurzweilig im besten Sinne und bisweilen (Reinhörempfehlung: „Top-Sellers Banquet“) beinahe tanzbar. La Dispute sind hier wie The Fall auf Speed und die Pixies auf Techno, sowohl die Post als auch das Hardcore in „Post-Hardcore“. Gepaart mit der dem Album innewohnenden Verzweiflung an der Welt und dem ganzen Rest ergibt das ein gutes Stück Musik, von dem man entweder depressiv oder geradezu ansteckend fröhlich wird. Bei jedenfalls mir war’s Letzteres.

    Stream, Download und/oder Tonträger (Letztere nur bei Amazon): Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

18. Deaf Club — We Demand a Permanent State of Happiness

    Apropos nervöse Musik.

    Deaf Club klingen an Gesang und Instrumenten eigentlich fortwährend wie vom wilden Affen gebissen. Sie „verlangen“ auf ihrem zweiten Album „andauernde Glückseligkeit“ und das hört man auch. Deaf Club spielen einen fiebrigen, hochexplosiven Hardcorepunk für Menschen, die heute noch zu wenig Kaffee hatten. Dass das Coverbild des Albums die Friedensbewegung grafisch zitiert, ist ein schönes Detail, das mit dem Inhalt des Albums allerdings kaum korreliert. Friedlich ist hier gar nichts.

    „Panik schürenden Punkrock“ nannte das „New Noise Magazine“ das, was Deaf Club hier anrichten, und dem ist kaum zu widersprechen. „We Demand a Permanent State of Happiness“ ist musikalisches Chaos der angenehmeren Art. Manchmal schrille (gelungene Vorabsingle: „Nihilist for Dummies“), stets aber fiese Gitarren fliegen aus dem Kopfhörer, worüber der sowieso eifrige Justin Pearson energisch ins Mikrofon schreit, während ein überdrehter Schlagzeuger die Trommelfelle windelweich prügelt. Mr. Bungle treffen auf Dillinger Escape Plan. „We Demand a Permanent State of Happiness“ gibt dem geneigten Hörer fortwährend auf die Fresse und das fühlt sich nicht mal schlecht an.

    Live sei es immer besser als auf Platte, heißt es über Rockmusik. Das gehe mehr ab. Nun habe ich Deaf Club bisher nicht live gesehen, aber wenn da noch mehr geht, fürchte ich, ich muss da sowohl mal hin als auch hinterher dringend meine Ohren untersuchen lassen. Aber das wird’s wert gewesen sein.

    Krasse Scheibe.

    Stream, Download, Kauf: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

19. Zatokrev — …Bring Mirrors To The Surface

    Zatokrev, man ahnt es angesichts des Namens, kommen selbstverständlich — richtig — aus Basel. Zu ihren musikalischen Vorbildern gehören, glaubt man dem Internet, die großartigen Neurosis, zu Gehör bringen sie folgerichtig schweren, atmosphärischen Postmetal.

    Das Album walzt sich ins Gehör wie sonst nur Bayern München durch die Bundesliga, ist dabei aber auch deutlich weniger langweilig. Dabei geben sie dem Hörer genug Zeit, sich auf das einzulassen, was ihm, man muss es wohl so ausdrücken, hier druckvoll widerfährt: Fünf der Stücke sind über neun Minuten lang. Tatkräftige Hilfe erhalten die Schweizer von Kollegen von Minsk, mit denen sie schon 2018 zusammen ihr bis dahin letztes Studiolebenszeichen, nämlich eine Split-EP, rausgebracht hatten, ebenso wie von einigen weiteren Kollegen aus der Szene. Das Gastspiel des Zeal-&-Ardor-Frontmanns Manuel Gagneux („Unwinding Spirits“) ist auf diesem Album nur als folgerichtig zu verstehen.

    Beinahe aus dem Rahmen fallen dagegen die beiden sehr gegensätzlichen Stücke „Blood“ und „Faint“: Während Letzteres ein (zu kurzes, aber) wahres Noisegewitter über den unvorbereiteten Hörer einbricht, was mir als altem Krachfreund das Album ja erst so richtig veredelt, nimmt „Blood“ ab etwa der Hälfte der Laufzeit das Tempo etwas heraus. Wer zuhört und jetzt glaubt, er könne kurz verschnaufen, der möge sich damit ein bisschen beeilen, denn bereits im folgenden „The Only Voice“ geben Zatokrev wieder Vollgas.

    „…Bring Mirrors To The Surface“ ist ein musikalischer Mahlstrom, von dem sich mitreißen zu lassen nicht die schlechteste Idee ist. Die Rückkehr an Land hat was Reinigendes. Ich mag das.

    Stream, Download und Kauf: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

20. TV Cult — Industry

    TV Cult kommen aus Köln, aber verzichten zu meiner Freude auf Mundartgesang. Das kann man ja von hinreichend bekannten Musikgruppen aus Köln nicht immer behaupten.

    Was Pearl Handled Revolver (siehe oben) für die 70er sind, sind TV Cult für die (besseren) 80er. Mögt ihr Joy Division und/oder Idles? Dann mögt ihr auch TV Cult. „Industry“, ihr zweites Studioalbum, klingt vor allem dreckig, heiseren Gesang gibt’s gratis obendrauf. Das Album trage, las ich anderswo, seinen Namen unter anderem, um der gewaltigen Arbeit Rechnung zu tragen, die in die Produktion des Albums geflossen ist. Kann sein.

    Gut gemacht ist es auf jeden Fall: Hier und da fließen im Hintergrund des mal wütend, meist frustriert daherkommenden Rhythmusfundaments Synthesizermelodien ein (wie früher), Ohrwurmpotential hat für die, die sich jetzt schon angesprochen fühlen, sowieso vieles, wobei ich mich selbst immer wieder dabei erwische, dass ich ja eigentlich noch mal „Overpressure“ hören könnte.

    „Aber das ist doch alles schon mal da gewesen!“ mögt ihr jetzt denken. Das verhält sich bei Musik ja in den letzten Jahrzehnten des Öfteren so. Aber muss denn immer alles noch nie da gewesen sein? — Innovation? Nein. Tolle Musik? Ja!

    Stream, Download, Kauf: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

21. LÜT

    Aus Norwegen stammt das Punkrockquartett mit dem urnorwegischen Namen LÜT. Zuvor, weiß das Internet, spielten sie seit 2010 als The Wolves zusammen, nennen sich seit 2015 LÜT und hatten zwei Alben und diverse Besetzungsänderungen hinter sich gebracht, bevor sie 2022 noch mal von vorn anfingen und nun in Originalbesetzung ein konsequent selbstbetiteltes Album aufnahmen. So weit die Geschichte.

    Ein Großteil des hier Enthaltenen ist auf Norwegisch, das gut klingt, aber mir nicht geläufig ist, gesungen, eine Ausnahme ist einzig das auch noch schwächste Lied auf dem Album, „Glücksschmied“, in dem ausgerechnet Bela B., wohl selbst der Gruppe zugeneigt und mit den Die Ärzte bereits nach ihnen aufgetreten seiend, den ansonsten norwegischen Refrain auf Deutsch singt und eine einigermaßen uninteressante Strophe beisteuert. Das Lied hat es freilich nicht ganz leicht, denn LÜT machen auch in ihrer Muttersprache Spaß und gehen ab. Eine musikalische Nähe zu zeitgenössischem Deutschpunk (d.h. „Indie“) kann ich ausmachen, verstehe aber immerhin kein Wort. Dafür gibt es ziemlich viele Hummeln im Hintern.

    Das Album ist tatsächlich nur etwas über eine halbe Stunde lang, aber die Zeit wird komplett durchgeprescht. Wer Ruhe haben will, der ist hier falsch. Finde ich gut und gehe dazu ab.

    Stream und Vinyl: Amazon.de, Bandcamp, TIDAL.

22. Jo Montgomerie — Ephemeral Rituals

    Von der Helen Scarsdale Agency gab es 2025 noch mehr Gutes für die Freunde gepflegter Geräusche. Die mir zuvor unbekannte Jo Montgomerie aus Manchester etwa, dort etikettiert unter „Musique concrète“, was gar nicht schlecht passt, hat eine sieben Stücke enthaltene CD / einen sieben Stücke enthaltenden Download rausgebracht.

    Wer nicht zwingend Rhythmus, Harmonie oder auch nur Melodie braucht, sondern ganz zufrieden damit ist, etwas zu haben, das den Kopf mehr befreit als ihn anzustrengen, ohne dabei in die seichte Fahrstuhl- bzw. Bügelmusik zu kippen, dem könnten die Rituale gefallen. Jo Montgomerie webt einen Geräuschteppich mit allerlei Zirpen, Phonographenpulsieren, Donnergrollen und auch mal Telefonklingeln (sehr schön: das in Übereinstimmung mit seinem Titel immer näher zu kommen scheinende „you better run“) ins Ohr des unvorbereiteten Hörers, um den sich „Ephemeral Rituals“ wie eine Blase legt und über eine — Helen-Scarsdale-Agency-erfahrene Leser haben das vermutlich schon geahnt — verlassene, aber noch voll funktionstüchtige Fabrik mitten in einer futuristischen Wüstengegend trägt, während er nach und nach nicht nur seine Ängste, sondern unweigerlich auch seine Hoffnung verliert, bevor sie ihn am Schluss (auch gut benannt: das fordernd blechern grollende „everything is silent“) wieder absetzt und verlässt, als wäre nie etwas geschehen.

    Ich habe eine Schwäche für Musik wie diese. Sie hat etwas Kathartisches an sich, eine irgendwie befreiende Wirkung eben. Die milde Klaustrophobie, die damit einhergeht, ist ein Nebeneffekt, der wieder verschwindet. Was bleibt, ist Stille.

    Stream, Download und/oder Kauf: Bandcamp 1, Bandcamp 2.

23. Baker-Beck-Wyskida — Trzecia (Drugi)

    Ehemals Supergroupiges zum Schluss.

    Baker-Beck-Wyskida waren Aidan Baker (Nadja u.a.), Tim Wyskida (zumindest mir vor allem von Insect Ark bekannt) und der vor der Fertigstellung des Albums verstorbene Daron Beck (Pinkish Black). Enthalten sind vier Stücke zwischen 8:18 und 14:30 Minuten, die vor allem denen gefallen dürften, die gegen instrumentales Elektronisches nichts einzuwenden haben. Baker-Beck-Wyskida erschaffen große Atmosphäre, ohne dabei so ermüdend zu werden wie weiland Tangerine Dream in ihren schwächsten Phasen.

    Das dritte Stück „Dziewiåty“ poltert nach dem flächigen, hier und da auch mal spacig hüpfenden Beginn ziemlich unerwartet los. Industrial, wo man ihn nicht erwartet, ist mein liebster Industrial. Ich denke kurz an „Ravvivando“ von Faust und bin entzückt. Dem gegenüber steht das vierte und zweitlängste Stück mit dem kein bisschen verwirrenden Titel „Dziesiåty“, das ähnlich industriellen Klängen eine schwermütige Stimmung zur Seite stellt, die mich an ein Begräbnis denken lässt, dissonant unterstützt. Keine Ahnung, ob Daron Beck wusste, dass sein Ableben nicht mehr lange dauern würde, aber es würde es erklären. Zu Grabe getragen hat dieses Stück jedenfalls mindestens dieses Album.

    Schön, es noch gehört zu haben.

    Kassette (!) und Stream: Bandcamp, TIDAL.

Reicht. Ergänzungen? Gern hier drunter. Genörgel? Später vielleicht. Weiteres, wenn alles Relevante beim Alten bleibt, gibt es hier in einem Jahr.

Kommentare

• keine ahnung schrob am 2. Januar 2026 dies: Ach, so viele Buchstaben — und so viel Musik. Es war nicht alles schlecht in 2025. Danke!
• tux0r schrob am 2. Januar 2026 dies: Immer noch jedoch schreiben Menschen „in 2025“ statt „2025“. Seufz. Gern geschehen.
• Polemicer schrob am 3. Januar 2026 dies: Ergänzung: Cloakroom — Last leg of the human table https://cloakroom.bandcamp.com/album/last-leg-of-the-human-table (Hat mich ziemlich abgeholt, weil irgendwie Stoner-Downtempo-Hillbillie-Punk-Metal oder so. Genretechnisch schwer festzunageln, i like that kind of stuff.) (16) — Guide for the misguided https://16theband.bandcamp.com/album/guides-for-the-misguided (Schwer, variantenreich, fett) Unto others — Never, Neverland (Straighter Metal/Rock mit (glaube) Sisters of Mercy-Gedächtnisgesang, läuft oft auf meinen Geräten)

‘Kurzkritik: Nadja — Nalepa’ weiterlesen »]]>

Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Es gibt Lieder, die hört man und denkt: Hä? Und dann denkt man: Das ist so furchtbar, das muss ich anderen Leuten auch zur Kenntnis geben; so auch dieses. Aber darum soll es heute nicht gehen. Gehen soll es um Musikalben, die hört man und denkt: Das ist so großartig, das muss ich anderen Leuten auch zur Kenntnis geben; so auch dieses. Es handelt sich um „Nalepa“ des in Berlin beheimateten kanadischen Duos Nadja (TIDAL, Bandcamp.com, LP mit CD) und es gefällt mir sehr.

Verstärkt werden die beiden Musiker hier ausnahmsweise von einer richtigen Schlagzeugerin, die an die Stelle des wohl vorher rein elektronisch erzeugten Schlagzeugs gerückt ist und auf dem im gleichen Jahr, also 2022, erschienenen Nachfolger „Labyrinthine“, das tatsächlich mein Einstieg in die Musik von Nadja war, auch schon wieder nicht mehr dabei ist. Ihre Leistung, um das vorwegzunehmen, vermag mich als einen Freund der krautigen Motorik zum mentalen Applaus zu verleiten. Dass hier und da, wenn auch nur kurz, auch die Rhythmik der frühen Velvet-Underground-Scheiben aufblitzt, mindert meinen inneren Jubel im Übrigen keinesfalls. Drumherum strickt das Kernduo — man hört es wie auch auf den besseren Alben von Boris kaum, aber die Besetzung auf dieser Version von „Nalepa“ ist wohl tatsächlich die klassische Rockbesetzung aus Gitarre, Schlagzeug und Bass — eine dichte Decke aus allerlei Shoegaze‑, Noise‑, Drone- und gelegentlichen Ambientklängen. Das Internet schwätzt was von „Dream Doom“, aber solche Träume habe ja nicht mal ich.

Schade eigentlich.

Irgendwo begegnete mir der Gedanke, es gebe David-Lynch- oder wenigstens David-Firth-Musik, und so muss man „Nalepa“ wohl auch betrachten. Verlassene Fabrikhallen neben einer Rennstrecke, indische Raumschiffe (beides allein in „Funkspiel V“), ein Hufschmied bei der Arbeit und dazwischen der Hörer, hier also: ich. Warum auch nicht?

Die sechs Stücke heißen „Funkspiel I“ bis „Funkspiel VI“, was vermutlich etwas mit dem Aufnahmeraum im Berliner Funkhaus zu tun hat, und sind (wenn auch nicht viel) unter einer Stunde lang. Das macht nichts, Nadja machen sich mit neuen Veröffentlichungen ja auch nicht eben rar. Das nächste Album, „cut“, wird bereits übermorgen veröffentlicht worden sein, aber das habe ich auch noch nicht gehört.

Erst mal also „Nalepa“. Das beschäftigt so einen Verstand ja auch eine Weile.

Kommentare

• juri nello schrob am 22. Oktober 2025 dies: Wären die Drums nicht, würde ich Nepal fast dem Noize zuordnen. Das ganze Album würde ich mir allerdings nicht am Stück geben. Das verhält sich ähnlich, wie Bad Religion am Stück zu hören. Die Reichsbürgerinnen konnte ich mir leider nicht in Gänze geben. Sogar den Anfang musste ich vorspulen. Ich wüsste aber, wem ich das weiterleiten könnte.
• Alex schrob am 23. Oktober 2025 dies: Völlig OT in diesem musikalischen Kontext, sorry. Aber — wäre ein Dave Ball Dir des Erinnerns wert? Aus Gründen.
• tux0r schrob am 23. Oktober 2025 dies: Nee, man kennt ja nur den anderen.
• irgendwer schrob am 24. Oktober 2025 dies: Sry für’s Klugscheißen: “Funkspiel ist ein geheimdienstlicher Begriff für den Austausch eines verdeckt operierenden feindlichen Funkers im eigenen Machtbereich durch eigenes Personal …” oder auch “Im Bereich von Hilfsorganisationen bezeichnet man ein Funkspiel als Online-Community, in der fiktive Einsätze bespielt und virtuell in Form von Funkgesprächen abgearbeitet werden.” Es gäbe noch eine (private) Alternative, aber die ließe mich Pazifisten u.U. eim klein wenig sympathisch erscheinen und das muss ja nicht sein.
• tux0r schrob am 24. Oktober 2025 dies: Ich schließe nicht aus, dass das ein Wortspiel ist. Die von mir bei lustloser (daher nur kurzer) Suche gefundenen Informationen führen jedenfalls auf’s Funkhaus zurück.
• irgendwer schrob am 24. Oktober 2025 dies: Ein Funkhaus-Funkspiel-Wortspiel ist natürlich naheliegend. Vielleicht sogar noch ein Wortspiel mit “Funk (Musik)”… Es ist zwar so reichlich 35 Jahre her, aber meine o.g. Interpretation beruht auf nahezu vergessenen Erinnerungen an “Funk (Lauschen im die Stille, ob einer zurückkommt, mich abzuholen)”. Denn so still ist die Stille dann doch nicht gewesen.
• NonKon schrob am 25. Oktober 2025 dies: Über Geschmack kann man schwer streiten, das ist für mich zB nicht hörbar.

‘Kurzkritik: Oöphoi — Upuaut’ weiterlesen »]]>

Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Oöphoi war ein „italienischer Musiker, Produzent und Labelbetreiber“, der unter anderem mit Klaus Wiese zusammen mancherlei elektronische Musik aufgenommen hatte. 1999 arbeitete er mit Amir Baghiri (Stimme, Perkussion) und dem deutschen Musiker Mathias Grassow (Stimme, Klangschalen, Glocken) zusammen, setzte sich hierfür selbst an den Synthesizer und nahm in dieser Zusammensetzung ein 65-minütiges Stück namens „Upuaut“ auf, das, wie ich gerade feststelle, eine ganz gute Begleitung zu einem verregneten Sommertag ist. Es passiert sehr lange sehr wenig, aber das auf sakrale, beinahe außerweltliche Weise. Ambientmusik haftet der Ruf an, für Kaufhausfahrstühle bestens geeignet zu sein, für’s Bügeln auch. Ich glaube, müsste ich zu diesem Stück bügeln, hätte ich keine unverbrannten Hemden mehr. Die Frequenzen pulsieren wie die Psyche.

Tolle Scheibe, wenn man in der richtigen Laune dafür ist. So wie ich jetzt. (Wahrscheinlich ungeeignet für Depressionen. Nicht ausprobieren.) Ich mag’s.

Die CD und/oder den Download gibt es bei Amazon, auf TIDAL und bei Bandcamp.

Kommentare

• mike schrob am 27. Juli 2025 dies: Ganz leicht OT: Gibt’s eigentlich auch nicht verregnete Sommertage? Hagelt’s da oder schneit? Is nun schon so lang her ich erinnere mich nicht mehr (apropos depressionen…). Die Mugge zieh ich mir mal rein, wenn die Sonne scheint. Hoffe näxtes Jahr, oder vielleicht im Winter.
• tux0r schrob am 27. Juli 2025 dies: Die Älteren erinnern sich.
• Name vergessen schrob am 28. Juli 2025 dies: Das ist Musick ! Uff tata uff tata uff tata ! https://www.youtube.com/watch?v=9qrefhrLGDc Da weihnachtet es bei Opa Hoppenstedt. Zeitenwende.….

‘Kurzkritik: Schlafmohn — Papaver Somniferum’ weiterlesen »]]>

Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Aus Mainz kommt, verrät das Internet, das Trio Schlafmohn, dessen 2024er Album „Papaver Somniferum“ (das ist Latein und heißt „Schlafmohn“) mir letztes Jahr natürlich entgangen war, aber deren erstes ist. Aus Schlafmohn wird unter anderem Opium hergestellt. Fürs Volk.

Dargeboten werden vier Stücke, wobei die beiden mittleren, die auch mit Abstand die längsten sind, die interessantesten sind: „Serum Somniferum“ ist ein recht überraschend nach vorn preschendes, zum Ende hin eskalierendes Musikstück, das Elemente aus Psychedelic Rock, Postrock und Stoner Rock miteinander verbindet, das weniger offensichtlich betitelte „10.0–0777“ hingegen erzählt mit flirrender Gitarre und tänzelndem Bass geradezu die Geschichte des Postrocks, ohne dabei offensichtlichste Referenzen zu wiederholen. „Postrock klingt immer gleich“ ist einer dieser Sätze, für deren Gegenbeleg Alben wie dieses geschaffen werden. Ich hoffe daher, das sagen noch viel mehr Leute.

Gewürzt wird das alles mit einer ordentlichen Dosis Krautrock, ein (zu) kurzes Stück geradezu entspannend ruhiger Elektronik („Schlaf“) beendet das Album so angemessen wie stilecht. Ich mag’s.

Die Platte (?) gibt es bisher noch (?) nicht auf Platte, sondern nur bei Bandcamp. Ich empfehle sie trotzdem weiter. Ist ja schon irgendwie meine Musik.

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• Name vergessen schrob am 17. Juni 2025 dies: Treibender Beat, geht ganz schön nach vorne, das Stück.

‘Kurzkritik: PainKiller — Samsara’ weiterlesen »]]> Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Im Jahr 1991 veröffentlichte der Jazzsaxophonist John Zorn (zuvor unter anderem Bandchef von Naked City und bis heute ebensolcher von Masada) gemeinsam mit dem Bassisten Bill Laswell (zuvor unter anderem bei Material und Last Exit) und dem Schlagzeuger Mick Harris (zuvor bei Napalm Death) unter dem Projektnamen PainKiller den einigermaßen kurzen und komplett improvisierten Tonträger („EP“) „Guts of a Virgin“. Bis 2008 spielte dieses Trio, zwischen 2003 und 2006 mit wechselnden Schlagzeugern, fünf weitere Tonträger ein, die laut Wikipedia sowohl „Avantgarde-Jazz“ als auch „Grindcore“ beinhalteten, was angesichts der musikalischen Herkunft der hier Tätigen nicht überraschen sollte, und löste sich nach einem letzten Konzert am 23. Juni 2008, bei dem Mike Patton (der Mike Patton!) und Fred Frith (der Fred Frith!) gastierten, vorerst auf.

John Zorn tauchte in meinem so genannten Dunstkreis in den letzten Jahren vor allem als Komponist, Textschreiber und Arrangeur auf. Ich finde das ja immer etwas schade, wenn gute Musiker ihre aktive Mitarbeit (sachdienlicher Hinweis aus dem Internet: selbst zu hören sei er auf über 400 Musikalben; das kann gut sein) auf die Theorie reduzieren. Mein Bedauern war von kurzer Dauer, stellte ich unlängst erfreut fest, denn bereits im November 2024 erschien unter dem Titel „Samsara“ (Amazon.de, TIDAL) ein neues Studiowerk der Urbesetzung, John Zorn am Altsaxophon inklusive. Saṃsāra bezeichnet unter anderem in einigen indischen Religionen den Kreislauf von Leben und Tod. Von Bill Laswell ist bekannt, dass es um seine Gesundheit nicht zum Besten steht, gar nicht allzu seltsam erscheint da die Wahl dieses Titels für das Reunionsalbum. Die genauen Beweggründe für die Rückkehr sind mir unbekannt, aber eigentlich auch egal.

Zu hören gibt es das ungefähre Gegenteil von Schmerzstillen und indisch religiöser Ausgeglichenheit. Wer daraus jetzt einen Kommentar zur Zeit ableiten möchte, der gibt sich als Wirrkopf zu erkennen. Ein Gegenteil besteht auch zu früheren Alben, denn die drei Musiker nahmen ihre jeweiligen Beiträge zu „Samsara“ in ihrem Heimstudio auf, ohne einander dabei zu begegnen, überdies hat Mick Harris das analoge Schlagzeugspielen aufgegeben. Elektronisches Schlagzeug und ebensolcher Bass, zwecks Schmerzlinderung (ha!) effektreich verziert, stampfen, poltern und zischen, was anfangs nach zeitgenössischer Tanzmusik klingt, doch das selten („Samsara II“) normal gespielte, ruhelos solierend umherspringende Saxophon, das mal orientalisch, mal italienisch klingt (beim Hören und Schreiben klang das irgendwie richtiger als beim Lesen), kippt jede Klassifizierung ins Ungefähre. Eine Art Industrial-Jazz wird mit Einflüssen von RIO und Dubstep vermählt. Gesungen und (anders als auf dem Debüt) gekreischt wird nicht. Das ist in Ordnung.

„Samsara“ strahlt eine eigentümliche Energie aus, die auch in John Zorns übrigen Projekten nicht unbedingt üblich ist. Nach Alterswerk klingt all das aus gutem Grund nicht: Kommenden Februar kommt das Nachfolgealbum „The Equinox“ (ein „masterful blend of jazz, metal, noise, and more“, wie ein Pressetext vorauseilend lobhudelt) raus.

Ich fürchte, ich freue mich darauf.

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• Juri Nello schrob am 21. Januar 2025 dies: Die Eier der Jungfrau. Das gab damals bestimmt Beef mit Iron Maiden.

‘Musik 12/2024 — Favoriten und Analyse’ weiterlesen »]]> Huch! Ein neues Jahr! Dabei war ich noch gar nicht damit fertig, das alte zu verarbeiten. Selbst in der Musikwelt war einiges los: Die von wenigstens mir gemochten 417.3 haben sich aufgelöst, die tollen Kombynat Robotron haben derweil ein neues Album veröffentlicht. Bei „Betreutes Proggen“ nörgelte Klaus Reckert, dass nach dem Veröffentlichen seiner Jahresbestenliste immer noch neue gute Musikalben rauskamen. Es bereitet mir ja immer ein bisschen mehr oder weniger heimliche Schadenfreude, dass jemand lange vor dem Ende eines Jahres eine vermeintliche „Jahresrückschau“ veröffentlicht und dann die wichtigsten Dinge gar nicht drin hat, weil das Jahr noch weitergeht und seine Liste nicht. Hihi.

Die nach einem Stück von Can benannte Motorik-Krautband You Doo Right hat mit „From the Heights of Our Pastureland“ ein schönes Album voller psychedelischem Gitarrenkrach veröffentlichen lassen, das leider ein paar Schwächen und Längen aufzuweisen hat, die den Hörgenuss doch merklich schmälern und mich unbefriedigt ließen. Schade. Außer Konkurrenz verbleiben diesmal aufgrund früherer Rezensionen die neuen Alben von Jim Haynes und faust.

Hadmut Danisch fragt, ob das „große Zeitalter“ der Musik „vorbei“ sei. Finden wir es heraus!

1. Kreidler — Twists (A Visitor Arrives)

   Obwohl sie wieder nur noch zu dritt sind, schaffen Kreidler es, einen beständigen groove in die Tiefe gehen zu lassen.

   Auf dem weitgehend instrumentalen 2024er Album „Twists (A Visitor Arrives)“ herrscht neben einem allgegenwärtigen grollenden Bassfundament ein bemerkenswertes Zusammenspiel aus der guten alten Berliner Schule — es surrt, blubbert und fiept stückweise unentwegt — und entspanntem Jazz vor. Das höre ich so in dieser Kombination auch nicht allzu oft, auch bei Kreidler war mir der Jazzanteil nie so dominant begegnet. Einen Anteil daran könnten vielleicht auch die Gastbeiträge an Posaune („Polaris“) und Saxophon („Tanger Telex“) haben. „Twists (A Visitor Arrives)“ könnte damit bereits jetzt zu meinem Lieblingsalbum von Kreidler avanciert sein. Auch mal ein schöner Start ins Jahr (zum Zeitpunkt des Hörens und der Niederschrift ist’s erst der 14. Januar).

   In zwei Stücken lassen sich die drei Herren auch stimmlich unterstützen: „Loisaida Sisters“ wird von einem Herrn intoniert, der sich Khan of Finland nennt und natürlich in Berlin heimisch ist, während in „Hands“ Natalia Beridse, die, glaubt man dem Internet, als TBA (wem?) bekannt geworden ist, irgendwas über Hände erzählt. Obwohl gerade erstgenanntes Stück so nah an der zeitgenössischen Tanzpopmusik ist wie sonst kaum eines von Kreidler, verwässern die Gastbeiträge doch nicht den gesamten Eindruck. Man habe sich durch meine Empfehlungen gehört und brauche jetzt Therapie, gab man mir anlässlich der letztjährigen Rückschau zu verstehen. Für Freunde von Krautrock, 70er-Elektronik und durchaus auch zeitgenössischer anspruchsvoller Tanzmusik ist „Twists (A Visitor Arrives)“ als Therapie vielleicht durchaus geeignet. Gefallen tut’s jedenfalls schon mal.

   Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

2. Schubmodul — Lost In Kelp Forest

   Bei dem Bandnamen denkt unsereins ja entweder an leichtfüßigen Spacerock oder an schräge Krautelektronik. Beides ist nicht der Fall. Schubmodul aus Bochum spielen auf „Lost In Kelp Forest“, ihrem zweiten, bereits im Sommer 2023 aufgenommenen Album, stattdessen schwere Kost.

   Ich höre Stoner‑, aber auch Postrock. Das Album ist überwiegend instrumentell, doch kommen mehrere gesprochene samples vor, die die Handlung in Form eines Radioberichts sozusagen einrahmen. Es geht offenbar um ein U‑Boot namens Renegade One (so heißt auch das dritte Stück), in dem ohne Genehmigung psychedelische Drogen aus Seetang hergestellt werden oder so. Passt schon, so klingt das Album auch. (Dass momentan — 28. Dezember — ausgerechnet die blaue Version der Platte noch bei Bandcamp zu haben ist und die nicht wasserfarbene nicht, ist zumindest bemerkenswert.)

   Vergleiche für diejenigen unter meinen Lesern, die unbedingt Vergleiche brauchen: Colour Haze und God Is An Astronaut. Zwischen diesen Polen liegt die Welt von Schubmodul und sie ist farbenreich. Stoner‑, Space- und Heavy Rock geben einander hier sozusagen die Klinke in die Hand, untermalt von wunderbar atmosphärischen und immer etwas entrückten Gitarrenflächen. In dieser musikalischen Nische war 2024, so weit es meine eigene Aufmerksamkeit betrifft, gar nicht so viel los, bei Schubmodul stimmt dafür um so mehr. Volle Kraft voraus, sozusagen.

   Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

3. Lustmord — Much Unseen Is Also Here

   Lustmord ist der von deutscher Malerei inspirierte Künstlername des Walisers Brian Williams, selbst „der Gustave Doré der Musik“ (Internet), der seit 1980, nach eigener Aussage überredet von Mitgliedern von Throbbing Gristle, Aufnahmen tätigt, die klingen, wie sie heißen. Live tritt er selten auf, doch Zeit für Aufnahmen nimmt er sich bisweilen.

   „Much Unseen is Also Here“, erschienen im März 2024, zu beschreiben ist schwierig. Es ist ein Album, auf dem vordergründig fast nichts passiert und hintenrum wird man traurig. Auf Bandcamp trägt das Album das Etikett „weird shit“, was als Genrebezeichnung mal passen mag, andere mögen’s dronehaltiges Dark Ambient für uns Freunde der gepflegten Langsamkeit nennen und haben damit trotzdem Recht. Es sind Geräusche ohne Gesang, ohne Rhythmus, ohne Melodie, nicht einmal wirklich mit Instrumenten (sieht man von der einzeln klagenden Oboe in „Invocation of the Nameless One“ ab). „Their Souls Asunder“, das fast zwölfminütige sechste der acht Stücke, kommt zumindest vorübergehend mit einer Stimme daher, aber leichte Kost geht trotzdem anders. Der Geist eines Mönchs beschwört wortlos die Toten.

   „Much Unseen is Also Here“ ist eines dieser Alben, nach deren durchgehendem Konsum man sich fühlt, als hätte man am selben Tag die Wohnung, die Arbeitsstelle und die Liebe seines Lebens sowie zwei Zähne verloren. Immerhin: Ist eins davon wirklich passiert, dann wird es mit dem Album fast erträglicher. Warum die menschliche Psyche so funktioniert, dass genau dieser Effekt den Hörer fesselt, weiß ich nicht. Ich freue mich, dieses Album gehört zu haben, und das nicht nur, weil es jetzt vorbei ist. Ihr solltet das auch tun.

   Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

4. 24/7 Diva Heaven — Gift
   „Whatever you do: it’s never enough“ (Rat Race)

   Täglich und rund um die Uhr im Divenhimmel wähnen sich die drei auf- und abgedrehten Musikerinnen von 24/7 Diva Heaven. Wie der Name schon verrät, haben wir es hier mit einer Musikgruppe aus Berlin zu tun.

   Diese nahmen auf ihrem zweiten Studioalbum „Gift“ genau die Art von Musik auf, die von Berlin nicht anders zu erwarten ist: Rotziger Garagenpunk mit Grungeaffinität, natürlich auf Englisch vorgetragen, unter vier Minuten pro Lied. Dass ausgerechnet das Titellied, immerhin nominell fast dreieinhalb Minuten lang, langweilig ausgeblendet statt mit einem anständigen Ende versehen wurde, ist der einzige relevante Kritikpunkt, den ich hier hätte. Dabei nörgele ich doch so gern!

   24/7 Diva Heaven klingen nach den 90ern und sehen sich selbst als in der Riot-Grrrl-Tradition stehend, sind aber trotzdem auch in der gegenwärtigen Szene gut vernetzt: Es gab etwa eine gemeinsame Tour mit den meinerseits hochgeschätzten Team Scheisse, auf „Gift“ wiederum ist (in „These Days“) Arnim Teutoburg-Weiß von ausgerechnet den Beatsteaks am Mikrofon zu hören. Das macht aber nichts. „Gift“ ist ein ziemlich rundes Ding (also nicht die Tonträger jetzt, wobei: die natürlich auch) geworden, das die vornehme Zurückhaltung einer Diva nicht etwa schlicht vermeidet, sondern sie mit Anlauf in den Arsch fickt. Ohne Gleitgel.

   „Gift“ ist ein erfreulich lautes, dreckiges, kraftvolles Album, das unter all den lauten, dreckigen, kraftvollen Alben des Jahres 2024 immer noch hervorragt. Dafür gibt’s meine Empfehlung.

   Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

5. Present — this is NOT the end

   Im März 2021 ist Roger Trigaux, Gitarrist auf den ersten beiden Alben der belgischen Kammerrockband Univers Zéro, im Alter von 69 Jahren verstorben. Dieser Umstand bedeutet unumgänglich auch das Ende von Present, derjenigen Musikgruppe, die er nach seinem Ausstieg bei Univers Zéro im Mai 1979 gegründet hatte, um — im Gegensatz zur eher klassisch orientierten Musik seiner früheren Combo — das „Rock“ in „Kammerrock“ stärker zu betonen und gleichzeitig mehr Platz für seine eigenen Kompositionen zu haben.

   Bis zu seinem Tod arbeitete Roger Trigaux an der hier dargebotenen Musik, die schließlich — das bis dahin letzte Studioalbum „High Infidelity“ stammt von 2001, live kam zuletzt 2009 „Barbaro (ma non troppo)“ auf den Markt — nach langer Zeit ohne Lebenszeichen der Band Anfang 2024 endlich veröffentlicht wurde. Der Titel „this is NOT the end“ sei, ließ man die Hörer wissen, ein Ergebnis des an Roger Trigaux gerichteten Drängens, mit Present dürfe es doch noch nicht vorbei sein. Dass dem nun trotzdem wohl so ist, gibt dem Titel eine zusätzliche Metaebene. Ich mag Metaebenen.

   Auf dem Album — leider (wie auch die anderen Present-Alben) nicht auf Schallplatte erhältlich — sind drei Stücke zu finden, namentlich „Contre“ sowie das zweigeteilte Titelstück. Teil 2 kommt auf dem Album vor Teil 1. Das ist witzig. Musikalisch würde ich jetzt von „keinen Überraschungen“ schreiben, denn natürlich klingen Present auch nach über vierzig Jahren noch wie die schlecht gelaunte Gothicschwester von Univers Zéro. Der klassische Unterbau, der dieser Art von Musik zugrundeliegt, ist auch hier zu hören, wozu Kurt Budé (Saxophon, Klarinette und Bassklarinette) insbesondere im Titelstück, in dem es eigentlich fortwährend knarzt und brummt, einen nennenswerten Teil beiträgt, begleitet von Liesbeth Lambrecht (sonst bei Aranis) an der Violine. Dem gegenüber stehen Roger Trigaux’ schneidende Gitarre und immer wieder — doch — überraschende Ausbrüche in vermeintlich ruhigen Abschnitten. Der avantgardistische Reiz dieser Musik wird von ständigen Tempowechseln unterstrichen, wobei die Musiker es schaffen, nie ungewollt hektisch zu klingen. Manchmal greift der Bandchef zum Mikrofon und rezitiert einen Text, was im Internet mit einer französischen Version von Captain Beefheart verglichen wird. Passt schon. Keine Ahnung, was er sagt (Französisch hat mich nie interessiert), aber es ist hinreichend gut in die Musik eingebunden, dass es mir eigentlich auch völlig egal ist.

   Zum Ende des Albums, in der zweiten Hälfte von „Teil 1“ des Titelstücks also, hin werfen die acht Musiker noch mal alles in die Waagschale, nach einer mehrminütigen orchestralen Eruption klingt das Album ruhig aus. Ein toller Abschluss für eine tolle Karriere. Schade, dass ich nie das Vergnügen hatte, diese Musik live zu erleben.

   Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com (nur auszugsweise).

6. The Messthetics and James Brandon Lewis

   Ungefähr 2016 gründeten die früheren Fugazi-Mitglieder Joe Lally und Brendan Canty gemeinsam mit dem Gitarristen Anthony Pirog, der vorher nicht bei Fugazi gewesen war, das Instrumentaltrio The Messthetics. Anders als Fugazi spielen sie unter diesem Namen eine Art Jazzpunk.

   Nach zwei Alben zu dritt überraschten sie zumindest einen Teil der Musikwelt mit einer Zusammenarbeit mit dem Jazzsaxophonisten James Brandon Lewis, der mit dem James Brandon Lewis Quartet („erinnert an den musikalischen Geist von David Murray, John Coltrane oder Albert Ayler und beeindruckt durch ihre überschäumende Energie, Dringlichkeit und Kraft“) einen Deutschen Jazzpreis 2023 in der Kategorie „Band des Jahres international“ bekommen hatte, was ich gar nicht mitbekommen hatte, weil Jazz zwar interessant, aber nicht so interessant ist. Um so schöner, den Herrn jetzt doch noch kennengelernt zu haben.

   Und er harmoniert prächtig mit den Messthetics, wie Liveauftritte belegen. Zu viert bringen die Musiker weiterhin instrumentalen, tanzbaren Jazzrock mit ordentlich Wumms hervor. Alles auf diesem Album macht Spaß, wenn man — wie ich — für gut gemachte gelegentliche Jazzlastigkeit nichts einzuwenden hat. Und wenn die Welt eines immer, immer zu wenig hat, dann ist es: Spaß.

   Da helfe ich doch gern.

   Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

7. Goddess Limax Black — monstranz

   „Göttin Schnegelschwarz“, soso. Immerhin: Langsam sind sie ja, nur nicht unbedingt schleimig. Die sechs Stücke tragen Titel wie „Sabbatheske, die“ und — mit neuneinhalb Minuten Länge das aufmerksamkeitsforderndste Stück — „Die freudenreichen Geheimnisse/Die schmerzhaften Geheimnisse/Die glorreichen Geheimnisse“, zu dessen Instrumentenbeginn diverse christliche Gebete, von Avemaria bis zum Apostolischen Glaubensbekenntnis, angenehm monoton, aber mit etwas zu viel Hall vorgetragen werden. Man muss die Institution Kirche nicht mögen, um dem etwas abgewinnen zu können.

   Trotz dieser quasi wie eine Monstranz (hehe) zur Schau getragenen Andächtigkeit bleibt die Fantasie erhalten: Gesang im eigentlichen Sinne gibt es hier nicht.

   Die drei Österreicher in klassischer Rockbesetzung (plus Synthesizer, der, wenn mich mein Gehör nicht trügt, gern für Hintergrundklangflächen zum Einsatz kommt) nehmen sich auf ihrem bereits Anfang Januar 2024 veröffentlichten, doch bereits 2023 aufgenommenen Album „monstranz“ jede Menge Zeit, hier gibt es kaum mehr als schleppenden Doom mit mächtigen Drones. Genau das, was ich jetzt brauche!

   Bisweilen wird das Grollen von schweren Gitarrenriffen zerschnitten, ohne dass diese ihm dabei wirklich Einhalt gebieten könnten. Ein unaufhaltsamer, aber zähflüssiger Mahlstrom bohrt sich ins Ohr.

   „monstranz“ wirke „wie ein Versuch, inmitten all des Chaos’ Ordnung zu finden“, schrieb Raphael Lukas Genovese im März und hat damit natürlich völlig Recht.

   Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

8. Monkey3 — Welcome To The Machine

   Vier Schweizer gehen auf’s Ganze (so hätte es früher als deutscher Film geheißen) und veröffentlichten mit „Welcome To The Machine“ im Februar 2024 ein Album, das sie selbst ein „Magnum Opus“ nennen, ein großes Werk also. Rein von der Länge her mag das stimmen, kommen Monkey3 doch mit nur fünf Stücken auf eine solide Laufzeit von fast fünfzig Minuten.

   Das Titelbild des Albums zeigt ein futuristisches Dingsda im Weltall und passend hierzu nutzen die Musiker diese Laufzeit, um in gewohnt hoher Qualität außerweltliche Klangflächen zu malen. In diese Zeit drücken sie aber, wie auch auf vorherigen Alben, keinen Gesang hinein, sondern füllen sie mit treibendem Schlagzeug und singenden Gitarren. Ein „Meisterstück der psychedelischen Rockmusik“ nannte ein Rezensent irgendwo im Internet dieses Album und das ist nicht mal unbedingt übertrieben. Nach einem Science-Fiction-würdigen intro brettern die Musiker direkt los und halten das Tempo erst mal. Das wenigstens in seiner ersten Hälfte entspannt groovende „Collision“ kann die nervöse Grundstimmung des Albums nicht kaschieren und soll das wahrscheinlich auch gar nicht. Dass das Mittelstück „Kali Yuga“ in God-Is-an-Astronaut-Gewässern fischt, soll mir altem Postrockfreund ja nur recht und billig sein.

   Auf „Welcome To The Machine“ gehe es, heißt es, um den Konflikt zwischen Mensch und Maschine. Den kann wohl jeder nachempfinden, der schon mal mit Linux arbeiten musste. Unter anderem in Ermangelung von Texten ist es nicht leicht, diesem Konzept inhaltlich zu folgen. Rob Walsh schlug daher vor, „Welcome To The Machine“ nicht an diesem Konzept zu messen, sondern es als das zu betrachten, was es ist: Ein durchweg gelungenes Musikalbum einer durchweg gelungenen Band. More of the same ist es sicherlich: Wer Monkey3 bestellt, der bekommt auch Monkey3. Aber wie albern wäre es, darüber zu klagen?

   Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com (auch hier wieder nur auszugsweise), TIDAL.

9. Halma — Driving by Numbers

   Apropos Postrock.

   Deutlich langsamer als die Schweizer (ironisch, nicht?) gehen die Hamburger Halma, wiederkehrende Leser erinnern sich an sie, nach fünf Jahren ohne ein neues Album auf den vier Stücken von „Driving by Numbers“ zu Werke. Gesungen wird nicht (interessehalber: warum gibt eine Hamburger Musikgruppe einem weitgehend textlosen Album einen englischsprachigen Titel?), dafür wird ordentlich gegroovt. Dass so ein E‑Bass, hier seit einigen Jahren von Gundi Voigt bedient, ein fantastisches Melodieninstrument ist, ist in diesem Genre (allein das Wort schon!) keine unbekannte Feststellung, doch sie will auch weiterhin gemacht werden. Diese Ehre erweise ich ihr gern.

   Unter dem Bass — auch mal eine interessante Schichtung — wird von Bariton- und anderer Gitarre ein dichtes Netz gewoben. Falls er mal runterfällt. Herz- und Kernstück des Albums scheint dabei der „Slow Song“ zu sein, der, mit seinem Titel in die Irre führend, gar kein Song (dt. „Singstück“), aber durchaus slow und folgerichtig dreizehn Minuten lang ist. Wer langsamer erzählt, dem sei auch mehr Zeit vergönnt. Mitten in diesem „Song“ nämlich, der Weg dahin wird treffend gepflastert, scheint die bis dahin gewohnt gemächliche Gruppe kurz zu eskalieren, sägender Noise fegt irrlichternd über das Fundament; schnell aber besinnen sich die vier Musiker wieder dessen, was sie eigentlich tun wollten, und kehren dorthin zurück, wo dann auch das letzte, das Titelstück anschließt (das zwar durchaus mit Text beginnt, aber nicht mit englischsprachigem Gesang, sondern mit anderssprachigen Wortsamples; versteh’ ich nicht), nämlich zu mitwippbarem Postrock mit krautrockigem Motorikschlagzeug. Als Verbeugung vor ihrer eigenen Geschichte und insbesondere ihren früheren Alben lassen Halma dieses Titelstück ambient ausklingen, und obwohl ich Ambientmusik schrecklich langweilig finde, fällt mir nichts ein, was ich hieran auszusetzen hätte.

   Schönes Album, auch wenn’s mir etwas zu kurz vorkommt; was bei ungefähr vierzig Minuten Gesamtlaufzeit aber auch nicht mehr ist als ein Gefühl. Gefühle sind ja immer so eine Sache. Mich freut, dass es Halma noch gibt. Mögen viele weitere Alben folgen.

   Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

10. So Far as I Know — Awe

    Noch mal etwas Postrock, weil nur schwere Gitarren vieles, was 2024 („in 2024“, wie Menschen, deren Umgang mit Sprache einer Prügelei gleichkommt, es nennen) geschehen ist, erträglich machen konnten: Aus Russland (buh!) kommt Sergei Guselnikov und damit auch sein Einmannprojekt So Far as I Know.

    Dass eine Sängerin namens Katya Zlobina, die, verrät das Internet, sonst für eine Ambientgruppe namens Vena Portae singt, im zweiten Stück, „Tana Mao“, einen mir unverständlichen Text intoniert, ist das Einzige, das mich am Album „Awe“ stört, denn auch dieses Stück ist recht ambient geraten. Ambientmusik finde ich schrecklich ermüdend. Es hält mich jedoch der Rest des Albums quasi in awe, denn die übrigen sieben Stücke, jedes — der Stilrichtung zum Trotz — unter sieben Minuten lang, wobei das Titelstück „Awe“ es nicht einmal auf derer zwei schafft, exerzieren das vorzügliche Laut-Leise-Spiel des Postrocks auf gelungene Art durch.

    Natürlich gibt es auch hier Alleinstellungsmerkmale, sonst wäre das Album die Aufnahme in diese Liste nicht wert; am deutlichsten vielleicht das immer mal wieder anklingende Spiel mit der musikalischen Unsauberkeit. Das Stück „When Stars Collide and Fall Upon Us“ etwa klingt genau, wie es heißt, nämlich nach Kollision und trudelndem Absturz: auch die Gitarren brettern hier nicht nur in einem fort, sondern sie stolpern und stürzen, was ich so auch nur selten gehört habe. Von solchen Momenten gibt es auf „Awe“ (dem Album) manchen, was mir dem geneigten Postrockgeneigten selbiges Album zu empfehlen geradezu aufdrängt. Hiermit geschehen.

    Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

11. Gurriers — Come and See
    „I want that sentimental feeling to come right back online.“ (Des Goblin)

    Wir bleiben bei der Post, wechseln aber in den Punk, denn Gurriers aus Dublin sind eine erstklassige Postpunkband, stilecht mit grollendem Bass und, hier und da, Noiserock- und Shoegazestreusel, die den Kuchen „Come and See“ perfektionieren und nicht nur verzieren. Ich kam und sah (akustischerweise) und war verzückt.

    Ich höre (Banause, der ich bin) Kaiser Chiefs, Fontaines D.C. und eine ordentliche Portion The Fall („Des Goblin“). Gurriers beherrschen ruhige Momente ebenso wie das Reinsteigern in die Ekstase („Sign of the Times“). Keine negativen Überraschungen, dafür positive Erfahrungen. Man solle dazu „tanzen, als würde niemand zusehen“, schreibt Julia Mason. Mach‘ ich und schweige derweil.

    Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

12. Outlander — Acts of Harm

    Apropos Postpunk: Einen hab’ ich noch!

    Aus dem Heimatland des Postpunks, genauer: aus Birmingham, stammt das Quartett Outlander. Allzu aktiv sind sie nicht, die Veröffentlichungen betreffend, seit dem Vorgängeralbum „The Valium Machine“ sind immerhin ungefähr fünf Jahre vergangen. Obwohl natürlich eine gewisse Retroartigkeit dem Stil selbst anhaftet, klingt „Acts of Harm“ erfreulich zeitlos. Ich mag das.

    Entstanden sei „Acts of Harm“, lässt man die Hörer wissen, anfangs isoliert (es gab wohl irgendwo eine größere Epidemie von irgendwas), dann per Zusammenfügens des Stückwerks. Es gehe um die Versöhnung mit dem Erwachsensein und das „fragile Gleichgewicht der Normalität in der modernen Gesellschaft“. Wie passend.

    In der Tat vereinen Outlander auf „Acts of Harm“ Verzweiflung mit Hoffnung beziehungsweise musikalische Kälte mit verheißungsvollen Melodien. Hier und da, gerade im letzten Teil des Albums, schlägt der Postpunk in Postrock um, Gitarrenwände eingeschlossen, aber die Grundstimmung bleibt bestehen. „Acts of Harm“ ist so grau wie sein Titelbild, aber die Wolken lichten sich immer mal wieder, um zu signalisieren, dass nicht alles trüb bleiben wird, als reichte die Musik immer mal wieder ein Seil, um sich selbst aus dem Treibsand zu ziehen. Acts of Harm? Acts of Hope. Auch ein unterschätztes Gefühl im Jahr 2024.

    Reinhören: Bandcamp.com, TIDAL.

13. The Hard Quartet
    „Rustling up some liquid hash to make some colours flash“ (Heel Highway)

    Die Musikgruppe des Namens The Hard Quartet ist tatsächlich ein Quartett, bestehend aus Emmett Kelly, Stephen Malkmus, Matt Sweeney und Jim White, jeweils bekannt aus anderen musikalischen Zusammenhängen, wobei Malkmus’ Pavement vermutlich der bekannteste Zusammenhang sind.

    Musikalisch bedient wird sich bei Gruppen wie Sonic Youth, The Velvet Underground und den Dandy Warhols: Es gibt irgendwie dreckigen, verwaschenen 70er-Jahre-Rock’n’Roll mit Lo-Fi-Attitüde und mächtig Druck auf die Ohren. Abwechslung ist trotzdem gegeben: Auf das punkige „Renegade“ etwa folgt mit „Heel Highway“ direkt ein ruhiges Stück, an anderer Stelle werden Glam Rock („Chrome Mess“) oder Hardrock („Action for Military Boys“) gewürdigt. Damit es nicht langweilig wird.

    Apropos „nicht langweilig“: Gesang ist gerade bei einem von mehreren Teilnehmern gleichzeitig komponierten Album oft ein schwieriges Kriterium (regelmäßige Leser wissen, dass ich Musikalben gern mal nur deshalb nicht empfehle, weil der Vokalinterpret zu oft nicht die Klappe hält), aber die Stimme von Stephen Malkmus, der hier den Großteil des Gesangs absolviert, passt zur Musik wie Faust aufs Auge, Arsch auf Eimer oder andere Dinge, die gut zueinander passen. „The Hard Quartet“ (das Album) ist eine gelungene Verbeugung vor einer der Hochzeiten der Rockmusik und ich kann nicht mal da etwas finden, das mich stört.

    Wie ärgerlich. Wie schön.

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14. Oranssi Pazuzu — Muuntautuja

    „Muuntautuja“ ist Finnisch und heißt Transformator. Entsprechend elektronisch gehen Oranssi Pazuzu auf ihrem so benannten 2024er Studioalbum zu Werke.

    Ich fühle mich nicht nur einmal an Cave In erinnert, das geht beim Eröffner „Bioalkemisti“ schon los. Die erste Assoziation: Heiser intonierter Tanzmetal (oder heißt das noch „EBM“ wie früher?). Die Produktion „ersticke“ das Album auf eine nicht etwa störende, sondern sogar gefällige Art mit Verzerrungen aller Art, las ich so ähnlich anderswo und stimme zu. „Muuntautuja“ ist im Wesentlichen ein einziges Fuzzgewitter und ich mag es.

    In irgendein Genre stecken lassen die Musiker das Album trotzdem nicht, das wäre auch zu langweilig. Es ist irgendwie auch Black Metal und Stoner Metal, es ist die Musik zu einem Horrorfilm, der in einer Achterbahn spielt, aber Oranssi Pazuzu erschaffen hier etwas noch Großartigeres, Atmosphärischeres, was sicher auch durch die Synthesizerflächen (das von einem fast schon sanften Rhythmus getragene „Hautatuuli“ ginge über weite Teile beinahe als Trip-Hop-Stück durch) hervorgerufen wird. Im reichlich geräuschverzierten Fastzehnminüter „Ikikäärme“ blitzt, Flügelspiel sei Dank, auch (ziemlich guter) Kammerprog hervor, der für Presentgenießer (hierzu siehe weiter oben) gar nicht so herausfordernd sein dürfte.

    Mein Fazit: Eine, nun ja, krasse Scheibe. Nichts für schwache Nerven oder solche Menschen, die selbige gern behalten würden. „Muuntautuja“ sollte man als sportliche Herausforderung begreifen. Der Sport: Dazu abhotten. (Sagt man das noch, „abhotten“?) Ich fang’ schon mal an.

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15. Tess Parks — Pomegranate
    „It feels like everyone should be dancing / maybe I should be dancing“ (Koalas)

    Zur Abwechslung mal wieder ein etwas ruhigeres Album von einer etwas ruhigeren Künstlerin. Tess Parks ist eine kanadische, jedoch in London wohnende Liedermacherin, die seit 2013 mittlerweile fünf Alben rausgebracht hat, wobei zwei davon mit Anton Newcombe (The Brian Jonestown Massacre) zusammen entstanden sind, „Pomegranate“ jedoch nicht. Glaubt man ihren Beiträgen in sozialen Medien, so verehrt die Künstlerin unter anderem Oasis und die Hippiekultur. Das merkt man.

    Eine „Pomegranate“ nennt man hierzulande meist einen Granatapfel. Früher nahm man Granatäpfel gegen Durchfall, heute gegen schlechte Laune: „Pomegranate“ ist ein Album mit entspanntem Artpop für den Sommerabend auf der Veranda.

    Den Stil nennt der Pressetext „nouveau-delic“, also neudelisch. Mit der indischen Hauptstadt hat das nichts zu tun. Ich höre natürlich Einflüsse des 90er-Pops, eine ordentliche Portion dessen, was im Radio „Classic Rock“ heißt, aber damals als Hippiemusik gemeint war, und durchaus auch Nick Cave und Leonard Cohen. Das ergibt Sinn, denn eigentlich wollte sie aufgrund einer posttraumatischen Belastungsstörung, sofern das Internet nicht lügt (und das tut es bekanntlich nie), nie wieder Musik aufnehmen, doch haben ihre Mitmusiker, auf „Pomegranate“ sind es derer sieben, sie mit ein paar Musikvorschlägen davon überzeugt, doch weiterzumachen. Das finde ich sehr nett von ihnen. Das Album klinge, informiert der Pressetext weiter, nach Sehnsucht, Herzschmerz, aber auch Leichtigkeit und Freude. Stellt euch das mal kurz vor. Stellt ihr es euch vor? So klingt „Pomegranate“.

    Möge Tess Parks ihren Antrieb nicht allzu bald wieder verlieren.

    Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

16. zeug — Vessel
    „The secret of joy / keeps me awake“ (D.A.R.V.O.)

    Mehr gute Neuigkeiten: Nach ein paar Download-EPs, zum Teil noch in anderer Besetzung — einzig Bassist und Sänger Vladislav Overchuk ist seit der ersten Demo-EP von Januar 2015 dabei -, hat das Berliner Trio zeug (konsequent klein geschrieben) endlich Leuten wie mir, die ihm schon recht früh mit der Frage nach richtigen Tonträgern auf die Nüsse gegangen sind, eine kaum in Worte zu fassende Freude gemacht und im Juni 2024 mit „Vessel“ sein erstes Vollzeitalbum auf Schallplatten rausgebracht. Schallplatten? Ja: Es sind derer zwei, wobei lediglich die vierte Seite mehr als ein Stück (nämlich „Holst“, etwas über 14 Minuten, und „Stoned in a Queer Age“, etwas unter neun Minuten lang) enthält.

    Drunter machen sie’s nicht.

    Ihren sowieso schon interessanten Stilmix aus Postrock, Doom und 70er-Psychedelik entwickeln zeug auf „Vessel“ weiter. Vieles, schon ab dem ersten Stück „Hydras“, atmet den Geist der Krautimprovisation. Die Texte werden weitgehend auf Englisch, zum Teil („Sete“, „D.A.R.V.O.“) auch auf Russisch gesungen, klingen aber trotzdem nicht schlecht. Das ist bei deutschen Musikgruppen ja auch nicht selbstverständlich. Klang ist den Musikern im Allgemeinen sehr wichtig: Einige Tonspuren, darunter Blechbläser, wurden im Großen Wasserspeicher in Berlin aufgenommen, um dessen besondere Klangeigenschaften zunutze zu machen. Nun bin ich kein Tontechniker und kann diese Angaben daher nicht qualifiziert überprüfen, doch als Konsument bin ich vom Ergebnis nicht weniger als begeistert.

    Abseits der Beiträge von Gastmusikern wurde, informieren zeug des Weiteren, das Album ohne jede Nachbearbeitung live an Bord der MS Loretta, mithin auf der Weser, aufgenommen. Es ist nicht alles schlecht in Bremen. Zum ersten Mal deutlich zum Einsatz kommen die Bläser in den letzten Minuten des zweiten Stücks „Sete“, wo sie die Stimmen der Sänger, es scheinen hier mehrere zu sein, als Teil der anschwellenden Doomkulisse langsam ertränken. Ergibt da schon Sinn, das mit dem Schiff. „D.A.R.V.O.“ beginnt mit eineinhalb Minuten Walzengeräuschen, und kaum will man nachsehen, was da beim Abspielen schiefgelaufen ist, setzen auch schon rumpelnd Schlagzeug und Bass ein. Eine Art Verschnaufpause ist das Stück trotzdem, denn gerade nach dem aufgekratzten „Sete“ ist der eher coole Postpunk der ersten paar Minuten geradezu ein Fels in der Brandung. Dass sich schnell immer weitere Spuren dazugesellen, bis sich (wieder) das Bahn bricht, was man wohl „geordnetes Chaos“ nennen kann, versteht sich von selbst. In der zweiten Hälfte gibt es ein kleines Päuschen in Form von Kammermusik mit Fagott, bevor der finale Klagegesang dieser Plattenseite einsetzt: „Before you break me now / my hand slips out / and my head breaks out“. Mitreißend.

    „Stoned in a Queer Age“ ist nicht nur das mit Abstand kürzeste, sondern auch das merkwürdigste Stück auf „Vessel“: Es beginnt (textlich und musikalisch) beinahe wie ein Schlaflied und bleibt fast vier Minuten lang so, einzig vorangetrieben von energischem Trommeln. In der zweiten Hälfte hauen zeug allerdings, wie man so schön sagt, noch mal auf die Kacke, Blechbläser und beinahe erdrückten, aber wütenden Gesang und Punkrhythmusgitarre inbegriffen. Dass zeug hier buchstäblich bis zur letzten Minute des sowieso schon ambitionierten Debütalbums sozusagen den Fuß auf dem Gas lassen, spricht für sich und für es und für sie.

    Es habe Projektmittel „der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien“ gegeben, informiert die Bandcampseite zum Album. Endlich tut mal einer was. „Vessel“ ist — jedenfalls jetzt gerade — mein Lieblingsalbum des Jahres 2024. Diese Auszeichnung vergebe ich ja nicht ganz so oft (d.h. genau einmal) und will also was heißen.

    Reinhören: Bandcamp.com. Reicht.

17. Grundeis — Every Second an Ocean

    Die Shoegazegruppe Grundeis aus Hamburg vereint drei Dinge, die ich mag: Shoegaze, Hamburg und einen Namen, mit dem man Wortspiele machen kann („mir geht der Arsch auf“ selbiges, zum Beispiel).

    Bevor Frontfrau Laura Müller, die nur unter Zuhilfenahme ihres Namens im Internet zu finden auch nicht so leicht ist, im kommenden Februar wieder unter dem anders interessanten Namen Undinyx soliert, legt ihre Band noch schnell den Nachfolger ihres mir bisher unbekannten Debütalbums „Amygdala“, nämlich „Every Second an Ocean“, vor. Katrin Riedl vom „Metal Hammer“ findet, das Album sei zu lang (es seien immerhin 14 Stücke drauf). Das macht nichts, die etwas über 43 Minuten Zeit habe ich heute gerade noch.

    Diese etwas über 43 Minuten füllen die Musiker mit einer bisweilen hypnotischen („As Close As It Gets“), manchmal ruhigen („Every Second an Ocean“), immer aber fordernden Melancholie, die breitflächig daherkommt und trotzdem (Sprachbilder in Musikrezensionen sind ja immer so eine Sache) zerbrechlich bleibt, wobei der Sängerin bemerkenswert emotionaler Stimme sicherlich ein großer Anteil an der perfekten Verzahnung von Stimmung und Musik zuteilkommt. Dass manche Wechsel etwas überraschend scheinen, so löst etwa das für The-Cure-Freunde vermutlich noch genussbietendere, schwungvolle „Ignoring People“ die letzten Klänge des den Hörer sanft wiegenden Titelstücks ab, spricht für die Klasse, die Grundeis hier beweisen.

    „Zu lang“. Pfff. Der „Metal Hammer“ ist zu lang. „Every Second an Ocean“ hingegen ist genau richtig. Chapeau.

    Reinhören: Amazon.de, Bandcamp.com, TIDAL.

18. Ulnaris — futur passé

    Mal wieder etwas Albernes zwischendurch. Das kann ich guten Gewissens kurz halten, denn „futur passé“, fünf Lieder und keine vierzehn Minuten lang, ist es auch.

    Ulnaris kommen aus dem Saarland, natürlich wird auf Französisch gesungen. Dies übernimmt Élodie Brochier, namentlich das einzige Bandmitglied, zu dem das auch passt. Nun ist es ja so, dass ich mit französischsprachigem Gesang bekanntlich kaum etwas anzufangen weiß, weil ich die Sprache weder beherrsche noch mag, sieht man von der abgedrehten Avantgarde ab. So ist es auch hier, denn das, was die drei Musiker und eine Sängerin hervorbringen, muss man wohl als eine Art Avantgardepunk bezeichnen.

    Im Grunde nämlich funktioniert die Musik von Ulnaris jedenfalls auf „futur passé“ so, dass Gitarre, Bass und Schlagzeug ein nur auf den ersten Blick gewöhnliches Punkfundament legen, dessen stilistische Vorhersehbarkeit aber hier gefesselt und geknebelt in den Keller gesperrt wurde. Oft hat Punk Berührungspunkte mit Ska und Reggae, der Punk von Ulnaris berührt alles. Darüber singt, flüstert und jubelt Élodie Brochier auf eine derart verspielte Weise, dass es eine wahre Freude ist.

    Zu meinem Bedauern gibt es „futur passé“ nur als Download und/oder Stream, daher schreibe ich hier nicht: Was für eine verrückte, geile Scheibe! Stattdessen schreibe ich also: Was für ein verrückter, geiler Download und/oder Stream! Davon gern mehr.

    Reinhören: Bandcamp.com, TIDAL.

19. The Body — The Crying Out of Things
    „Dreams are worthless while in the hold of what we now know“ (Last Things)

    Ich mag ja Musikalben, die so heißen, wie sie klingen. „The Crying Out of Things“ ist eines von ihnen.

    Bert Kaempfert hat mal gesagt, er möchte „Musik machen, die nicht stört“, ich jedoch möchte Musik hören, die stört. Hier bin ich richtig aufgehoben, hier fühle ich mich wohl. Dabei beginnt es mit „Last Things“ noch beinahe harmlos, als hätten Aereogramme sich von Trent Reznor produzieren lassen. Zum Glück täuscht das.

    Nahezu alles, was nach den ersten paar Momenten auf „The Crying Out of Things“ geschieht, ist nämlich das genaue Gegenteil von Harmlosigkeit, mithin ein aus elektronischer Tanzmusik, Joy-Division-Bootlegs („All Worries“) und exorzistisch wertvoller Urschreitherapie gekonnt komponierter Krach, von dem ich noch während des Hörens das dringende Bedürfnis bekam, mir erst mit einem Hammer auf die Finger zu hauen und dann die Schallplatte zu kaufen. Die ist ganz hübsch, wenn ich das richtig gesehen habe. Deutlich aus dem Rahmen fällt allenfalls das zweieinhalbminütige „The Citadel Unconquered“, das sich auch von einem der härteren Nebenprojekte von Godspeed You! Black Emperor nicht allzu schlecht machen könnte.

    Irgendwo im Internet las ich, dieses Album höre sich an wie der Moment, an dem man das Bewusstsein nach einem Autounfall verliert und/oder zurückerlangt. Kann schon sein. Es ist ganz großartiger Radau für Menschen wie mich, die Musik mögen, die jede Tanzfläche augenblicklich leeren. Warum tanzen, wenn man sich auch anders abregen kann?

    Gefällt mir.

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20. Sleepytime Gorilla Museum — of the Last Human Being

    Und da wir gerade beim Krach waren: Nach einer längeren Pause mit vielerlei sonstigen Projekten haben Sleepytime Gorilla Museum, die von 2001 bis 2007 mit Zirkusmetal (den Begriff habe ich mir gerade ausgedacht) die Progressive-Rock-Szene zumindest nicht kalt gelassen haben, in gleicher Besetzung das seit 2011 angekündigte Album „of the Last Human Being“ mittlerweile fertiggestellt und rausgebracht.

    Der frühere Perkussionist Moe! Staiano — das Ausrufezeichen scheint Teil des Namens zu sein — lässt hier als Gast im tatsächlich treibenden This-Heat-Cover „S. P. Q. R.“ noch einmal von sich hören. Ob er fehlt, wie das Internet es formuliert, vermag ich nicht abschließend zu beurteilen, jedenfalls aber bekommen die übrigen fünf Musiker auch ohne ihn einen ordentlichen Rhythmus zustande. Große Veränderungen im Stil sind ohnehin ausgeblieben. Mich freut, dass Musiker auch nach über zehn Jahren mit solcher Musik nicht die Lust daran verlieren.

    Modern sind immerhin die Texte: „The Gift“ etwa kritisiert die Allgegenwart von Computertechnik, die Sänger (nach wie vor Männlein und Weiblein) schlagen stattdessen vor: Geh doch mal wieder raus! (Wissen die eigentlich, wie kalt es ist?) In „Save It!“ meine ich gar Anleihen an Primus zu erkennen, aber Sleepytime Gorilla Museum bleiben trotzdem auch 2024 noch ganz sie selbst, reichlichen Geigeneinsatz eingeschlossen. Mit dem „Rose-Colored Song“ klingt das Album ebenso ruhig und unaufgeregt aus wie diese Liste.

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Reicht? Reicht. Wie 2025 das überbieten will, weiß ich nicht, aber ich hoffe, die Musiker und Produzenten betrachten das als Ansporn und nicht als ausweglose Situation. Der Musikfreund dankt’s. Alles Übrige in einem Jahr an dieser Stelle.

Kommentare

• mike schrob am 1. Januar 2025 dies: +1
• Anonym schrob am 8. Januar 2025 dies: Bei Nummer 19 passt der Titel nicht zum Text, Vessel ist bereits als Nummer 16 rezensiert worden.
  Man merkt halt, dass dir das Album gefallen hat
• tux0r schrob am 8. Januar 2025 dies: Wieso? Da stand doch nie was anderes! …

  (Ja, hat es.)

Quelle: Hirnfick 2.0
Digitaler Fingerabdruck: 2d020bafea029b2fea2acbb1e974a437

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Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

faust sind wieder (oder immer noch oder immer mal wieder) da. Meine Freude an der Motorik des Krautrocks ist ungebrochen und mein Vergnügen an dem, was dieses Genres Längstlegende faust jedenfalls seit ihrer Rückkehr ins Studio in den 1990ern auf Platten presst beziehungsweise pressen lässt, ohnehin.

„Blickwinkel (curated by Zappi W. Diermaier)“ (Amazon.de, TIDAL) heißt das Album mit vollständigem Titel, vielleicht heißt auch die Musikgruppe hier „faust curated by Zappi W. Diermaier“, so klar sind die mir vorliegenden Informationen ausnahmsweise mal nicht. Ein Blick auf die Besetzung zeigt im Vergleich zum Vorgängeralbum von 2022 keine großen Unterschiede, Jean-Hervé Péron (und damit Gesang) ist also auch weiterhin nicht mehr dabei, ebenso hat sich auch N. U. Unruh anscheinend (im Web steht er als Teilnehmer, im Tonträgerbehältnis nicht) wieder verabschiedet. Entstanden sei „Blickwinkel“, indem Diermaier selbst, Elke Drapatz und Dirk Dresselhaus die enthaltenen Stücke live eingespielt und anschließend an die übrigen Mitwirkenden zwecks Befüllung weiterer Spuren versandt haben, ohne dass diese miteinander in Kontakt getreten seien. Das klingt nach Chaos, beginnt aber, wohl auch dank des gewohnt treibenden beats, geordnet („For Schlaghammer“). In einem Stück dieses Namens hätte ich übrigens gern einen Schlaghammer gehört, aber Elektronik tut’s auch. (Nicht, dass es auf „Blickwinkel“ an seltsamen Instrumenten — Spieluhr, Ventilator und Metallplatte eingeschlossen — mangeln würde!)

Passend zum Titel beherrscht Elektronik auch das folgende Stück „Künstliche Intelligenz“, in dem das Rhythmusfundament über weite Strecken nicht stattfindet, stattdessen gibt es jedenfalls in der ersten Hälfte verwobene Synthesizer und allerlei Blubbern, Tröten und Flirren, aus dem sich erst langsam wieder Ordnung herausbildet. Einiges an diesem Stück erinnert mich an Gotyes „State of the Art“, aber das Thema ist ja auch ein ähnliches. „Sunny Night“, das weitgehend mit Gitarre, Bass, Schlagzeug und Glockenspiel (oder ist das eine Kalimba?) auskommt, könnte im Gegenteil auch auf einem der frühen faust-Alben gewesen sein, doch wird auch hier nicht gesungen. Das ist nicht so schlimm. Wir sind jetzt mit „Blickwinkel“ zur Hälfte durch, das ist etwas schlimmer.

„Kriminelle Kur“ macht die Sorge vor dem baldigen Ende des Albums erträglich, klingt es doch nicht wesentlich unterschiedlich von vielem auf „Ravvivando“, meinem hektisch-wuseligen (und darum) Lieblingsalbum von Faust, und auch „Die 5. Revolution“, wenngleich mit einer atmosphärischen Klangfläche beginnend, erreicht seinen musikalischen Höhepunkt in einem interessanten Industrial-Chaos, in dem nur Diermaiers Schlagzeug Halt bietet. Dass das Stück unvermittelt wieder ambient ausklingt, überrascht, aber passt auch irgendwie. Nur als letztes Stück des Albums kann es nicht brillieren, denn da steht bereits „Kratie“, dessen erste Takte mich an Postpunk denken lassen (auch kein schlechter Gedanke), das aber schnell auf den elektronischen Weg zurückführt, auf dem das Projekt faust inzwischen seit Jahrzehnten seine Spuren hinterlässt. Dominiert von Brummen, Schlagzeug und Perkussion, nur im Hintergrund spielt sich wieder der Industrial ab, klänge „Kratie“ beinahe wie ein normales Krautrockstück (Can und Neu! sind nicht besonders fern), wäre da nicht das immer wieder aufblitzende Chaos, das zum Ende hin — wie sollte es anders sein? — wieder die Führung übernimmt. „Kratie“ dauert dreizehneinhalb Minuten, was keine Sekunde zu lang ist. Was der Titel „Kratie“ sagen soll, bleibt unklar, es heißt jedoch, wie selbst die humanistisch oft weniger intensiv gebildeten Deutschen meist wissen, so viel wie „Herrschaft“. Faustokratie? Von mir aus gern.

Von mir aus auch gern: Noch mehr davon.

Kommentare

• Quarantänekevin schrob am 24. September 2024 dies: da steht nicht “lange nichts mehr über Musik geschrieben”. Schade. ich brauche Routinen. Gewohn- und Gewissheiten. Ein Gerüst.
• tux0r schrob am 24. September 2024 dies: Entschuldigung. Der Text sollte eigentlich in meine Jahresliste rein, ich habe ihn aus Jux da rausgenommen und den Satz vergessen. Ich bin untröstlich!
• Quarantänekevin schrob am 24. September 2024 dies: ach, danke. jetzt geht’s wieder.
• tux0r schrob am 24. September 2024 dies: Alles für’s Publikum.
• altautonomer schrob am 25. September 2024 dies: Das vorgestellte Musikstück gibt anfangs den Lärm in der großen Werkhalle von Thyssen-Krupp wieder, wenn der Hochofen angestochen wird. Ist das Kunst oder kann das weg?
• tux0r schrob am 25. September 2024 dies: Es ist Kunst.
• einfach-ich schrob am 2. November 2024 dies: uff — danke fürs aufmerksam-machen — das Kraut schmeckt immer noch!

‘Liegengebliebenes vom 17. September 2024’ weiterlesen »]]> Lange nichts mehr … na, ihr wisst schon. 2024 hat die mir bis dato unbekannte kalifornische Musikgruppe Cime, was eine Abkürzung für „Cime Interdisciplinary Music Ensemble“ ist, was ich komisch finde, ein Album voller „Freak Folk“ rausgebracht. Was ich davon halten soll, weiß ich nicht, weil es tatsächlich sogar mich überfordert. Deswegen schreibe ich es hier rein. Momentan tendiere ich dazu, es für interessant zu halten. (Und damit der übliche Vorwurf der Kommerzialisierung nicht wieder in den Kommentaren erscheint, gibt’s keinen Amazonlink dazu. Ätschibätsch.)

Zweifellos großartiges Jazz(?)album hingegen, jedoch bereits 2023 erschienen: „Zwierzakom“ von Ciśnienie. Ich gehe davon aus, ich würde mir irgendetwas brechen, würde ich versuchen, das auszusprechen. Darum versuche ich es gar nicht erst.

Friedrich Merz sei zu linksradikal (Archivversion), um CDU-Kanzler zu werden, lässt ein hier nur zu Anschauungszwecken verlinkter Depp auf Twitter wissen. Ich las schon weniger Obskures.

Apropos. Ich möchte ja keine Vorurteile schüren und halte auch nur wenig von dem albernen Gewese um Kleidung, Tanzverhalten und sonstige Nichteigenschaften von Politikern, aber die auf keinen Fall am wenigsten komische Begebenheit in demjenigen Kommunalparlament, in dem eure Steuern zu versaufen sinnvoll einzusetzen ich das Vergnügen habe, ist, dass es sich mehrere dort Sitzende offensichtlich zur Aufgabe gemacht haben, bei jedem Redebeitrag einzelner Vertreterinnen der eigenen Reihen, wohl zwecks Veröffentlichung, reihenweise Fotos von selbigen zu schießen, als wäre es keine politische Veranstaltung, sondern ein Konzert gewesen und nicht um den Inhalt, sondern darum gegangen, dass man beweist, dass man auch da war. Die Parteien bitte ich den geneigten Leser selbst sich auszudenken. Ich bin ja kein peinlicher Knallkopf, der dauernd nachtreten muss.

(Man fragte mich heute ebendort, ob mein Blog noch existiere, in dem ich immer so über eine bestimmte Partei herziehe, und meinte damit dieses hier. Ja, sagte ich, auch weil die Debatte darüber, was ein Blog ist und was nicht, mir nicht gelegen kam. Als im Politikbetrieb Tätiger könnte es einer mir fremden Taktik zugute kommen, Dinge, die das eigene Team tut, automatisch für supidupi zu halten, aber Rückgrat, vulgo „Haltung“, hat man im Bestfall ja auch nach einer Wahl. Kennen viele ja gar nicht mehr.)

Ich stelle mir übrigens gerade — mit guter Musik auf den Ohren — eine Welt ohne Elisa von Hof vor. Wer noch?

‘Kurzkritik: 417.3 — Strela’ weiterlesen »]]>

Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Im Januar 2024 ließ das russische Postrockquartett 417.3 — langjährige Leser meiner Beiträge erinnern sich sicher an es — mit einem nur 25 Minuten langen Album namens „Strela“, was unter anderem „Pfeil“ bedeutet (Amazon.de, TIDAL, Bandcamp.com), von sich hören. Da deren jüngste Alben und EPs die Titel „34“ (2016), „40“ und „47“ (beide 2022) beziehungsweise „Live 2021“ (2023) hießen, lässt dieser Name aufhorchen.

Die Musiker kündigen an, dass es auch das letzte Aufhorchen sei:

Unsere Band beendet ihre Aktivitäten, dies ist unser letztes Album. Es ist untypisch für uns, da es nur aus Improvisationen besteht, die auf eine „Garagenart“ aufgenommen wurden, und die Stücke darauf sind mit Worten benannt.

Es gebe zwar in Zukunft ein „neues Projekt“, doch betrübt mich die Information hinsichtlich der Gruppenzerstreuung ein wenig, denn Musikgruppen, die ich mag, neigen selten dazu, nach ihrer Umprojektierung noch Musikalben hervorzubringen, die ich mag.

Also sauge ich „Strela“ in mich auf. Die Stücke, das fällt auf, sind im Genrevergleich recht kurz, die etwa 25 Minuten Laufzeit ist fünfgeteilt. Das Titelstück — eben „Strela“ — ist mit 6:39 Minuten noch das längste, kondensiert aber die Qualität der vier Musiker hinreichend eindrucksvoll:

Sicher: Alles schon mal da gewesen? Jede Melodie ist schon gespielt, jede Gitarrenwand errichtet und wieder zerschlagen worden, doch wird täglich das gleiche dumpfe Poplied vielfach neu eingespielt. Da kann es nicht schaden, dem mit bewährter Gitarrenmusik entgegenzutreten.

Zumal 417.3 bis zum Ende ihre ganz eigene Finesse, die, was sie tun, für mich immer schon interessanter als einige ihrer Kollegen gemacht hat, beibehalten: Das abschließende „Moroz“ klingt wie ein Ausrufezeichen hinter die Karriere (wie klingen eigentlich Ausrufezeichen?) und bringt in nicht mal sechs Minuten das Laut-leise-Spiel und die von mir so geschätzten (wenn auch künstlichen) Streicherklänge ein letztes Mal zusammen.

Es muss ja auch nicht immer alles neu und aufregend sein.

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• Nanny schrob am 2. August 2024 dies: Genau, es muss nicht immer alles neu und aufregend sein. Einach zurücklehnen, durchatmen, diese wunderbare Musik hören und vom Weltfrieden träumen. Tut richtig gut!

‘Kurzkritik: Jim Haynes — inconsequential’ weiterlesen »]]>

Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Einerseits könnte ich heute nur Jazz hören. Andererseits hat Jim Haynes gestern, maßgeblich inspiriert von dem Mannheimer Irgendwas-mit-Industrial-Musikprojekt Anenzephalia, sein neues Album „inconsequential“ (Bandcamp.com) — schon sein zweites in diesem Jahr — mit dem genauen Gegenteil von Jazz (d.h. mit elektronischen Geräuschen und gelegentlich Sprache vom Tonband) nach vier Jahren Arbeit an selbigem rausgebracht.

Ich höre Autos im Stau, Hubschrauber im Einsatz, Kontoauszugsdrucker, ein Sägewerk, kochendes Wasser, eine alte Standuhr, einen Industriestaubsauger und schlechten Analogempfang in einer Maschinenfabrik. Das letzte Stück trägt übersetzt den Titel „18 Filme über Ted Serios, Kapitel 5, Version 2“ und klingt auch so. Ein industriell stampfender Rhythmus mit pochendem Bass begleitet während des halben Stücks allerlei elektronisches Sirren, Hupen und Rumpeln, bevor nach etwas über sechs Minuten ein Sprachsample eine lange (und auf diesem Album einmalige) Ambient-Klangfläche einleitet, während derer jemand in der Ferne spricht und versucht, einen Radiosender einzustellen, was nach zehn Minuten dann auch fast klappt.

Ein dystopisch kaltes, klaustrophobiefördendes Album, mit dem jede Insel schön einsam wird. Wahrscheinlich könnte man nicht mal auf Sylt was dazu singen. Ich mag das.

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• mike schrob am 13. Juli 2024 dies: Mhh, Einstürzende Neubauten in ganz schlecht. Wenn ich was die Richtung hören möchte, dann Ministry (mit Musik und Melodie!) oder The User (dezent melodisch) Wenn man jetzt Ministry und The User mixen würde, mhh. Der Krach da oben spricht mich überhaupt nicht an.
• tux0r schrob am 13. Juli 2024 dies: Entschuldige. Willst du dein Geld zurück?
• Juri Nello schrob am 14. Juli 2024 dies: Incontinential machen ganz schön was her. Da sind schon ein paar Perlen dabei.
• tux0r schrob am 14. Juli 2024 dies: Wer ist denn das nun wieder?
• Karl Marx schrob am 15. Juli 2024 dies: Herr Haynes ist irgendwie eine Art amerikanischer Cousin von Frau Viaene. Etwas anders gelagert (mehr synthetisches Material), aber ähnlich gut. Hat sich die alten Recken aus den 60ern reingezogen (Maderna, Xenakis, Earle Brown, Kalle Stockhausen und vor allem B.A. Zimmermann), aber in richtig. Erstaunlich für diesen Kram: Keine schwachen Stellen, nichts bricht weg oder ab. Hier und da ist das Stück sogar viel zu *früh* zu Ende. Für meinen Geschmack überhaupt nicht dystopisch oder das andere lange Adjektiv mit k, dasmirjetztvielzumühsamzutippenist. Haynes hört sich in Echtzeit beim Denken in Klängen zu (das auch gerne mal Jahre andauern kann), und bringt das “Stundenprotokoll” (gezwungenermaßen) in eine x‑minütige Form. So hört jeder seins — das ist ja das Schöne. Das Zeug ist verf**** komplex; kein Wunder, das der da so lange dran sitzt. Ein guter Mann. Danke!
• tux0r schrob am 15. Juli 2024 dies: Gerne wieder. Stockhausen ist eine Referenz, die mir gerade selbst entfallen war. Ich werde nachlässig. (Andererseits sagt mir Frau Viaene gerade mal überhaupt nichts. So geht die Welt zugrunde.)
• Karl Marx schrob am 15. Juli 2024 dies: Den Els Viaene-Link habe ich unter dem Eintrag “Tanzmusik” am 10.7. hinterlassen. Ansonsten habe ich jetzt gerade drei Stunden lang Haymes gehört. Vielen Dank auch, Herr tux0r! Was zum *Runterkommen*: Forever Young (Els Viaene) https://kunstradio.at/2018B/30_12_18en.html
• Karl Marx schrob am 15. Juli 2024 dies: Drei Stunden lang Hymes hören macht aus Haynes Hayms!
• tux0r schrob am 15. Juli 2024 dies: Ah! Da sieht man mal, wie schnell ich Namen vergesse. Aber ja, ist zumindest ähnlich. (Grundsätzlich: Alles von der Helen Scarsdale Agency. Da hat man ein paar Tage was zu tun. Bitteschön.)
• tux0r schrob am 15. Juli 2024 dies: Sherlock Haymes.

‘Kurzkritik: Eero Koivistoinen — The Front Is Breaking’ weiterlesen »]]>

Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Zu den interessanten Eigenschaften von Musik gehört ihre Vielfalt. Wie auch bei gutem Whisky gilt: Nicht jeden Tag habe ich Bock auf denselben Stil. Heute zum Beispiel habe ich nicht vor, einen rauchigen Islaydram zu genießen, heute ist ein Tag für einen sanften Lowlander; und statt schrägstem Metal habe ich heute Lust auf ein wenig Jazz. Wie passend kommt mir da das schon 1976 erschienene Album „The Front Is Breaking“ (Amazon.de, TIDAL) des finnischen Saxophonisten Eero Koivistoinen gelegen!

Dieses kommt ohne Gesang aus und bietet natürlich jede Menge Saxophon auf, aber das macht nichts. „Jazz“ ist vielleicht auch etwas zu eng gefasst, hier haben wir es mit der Art von Musik zu tun, die zu mal Funk, mal Fusion heißt. Hier und da, etwa im Titelstück, kommt (auch aufgrund des Klavierspiels) etwas Yes-Gefühl auf, manchmal („Safari“) wird die Musik auch eindringlicher, fordernder, aber im Wesentlichen ist „The Front Is Breaking“ ein Album ohne große Überraschungen. Solider Jazz für einen entspannten Wahltag.

Muss ja auch mal sein.

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• juttipat schrob am 9. Juni 2024 dies: issdennschonMontag? — verwirrtguck -
• tux0r schrob am 9. Juni 2024 dies: Nö.

‘Kurzkritik: Jarl — Spectrum Confusion’ weiterlesen »]]>

Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Erik Jarl — ein Name wie Donnerhall, jedenfalls bei den Wikingern — ist ein schwedischer Musiker, der seine Werke, glaubt man dem Pressetext, komplett analog einspielt und dabei Synthesizer, analoge Sequenzer, Wellenformgeneratoren und Oszillatoren sowie verschiedene Echo-/Reverb- und Delay-Effektgeräte einsetzt. Im Oktober 2021 veröffentlichte er mit „Spectrum Confusion“ (Bandcamp.com) sein leider nur als CD und Download erhältliches fünftes Album, das aus drei Stücken von zwischen 12 und 21 Minuten Länge besteht.

Zu hören gibt es an- und abschwellende Klanglandschaften, in Teil 1 eher an die Antarktis als an Gallifrey erinnernd, im kürzesten Teil 2 jedoch wenigstens vorübergehend ins Spacige übergehend. Klaus Schulze kommt in den Sinn. Müsste ich in dieser Landschaft wohnen, ich würde sie als trostlos bezeichnen; mehr Duisburg als Hannover freilich, weil’s zwar architektonisch kühl, aber nicht im Geringsten langweilig ist.

Ein gutes Album für einen entspannten Sonntagnachmittag im Mai.

‘Kurzkritik: Highest Primzahl on Mars — Escape from Moronia’ weiterlesen »]]>

Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Das Quartett des großartigen Namens „Highest Primzahl on Mars“, das es anscheinend schon eine Weile gibt, veröffentlichte bereits 2023 unter dem Applaus der Weltöffentlichkeit, an der ich mal wieder nicht teilgenommen habe, sein Debütalbum mit dem nicht minder großartigen und irgendwie immer zeitgemäßen Titel „Escape from Moronia“ (Bandcamp). Von den fünf Stücken ist nur eines unter zehn Minuten lang, eines dafür über 18. Das ist vielversprechend.

Große Namen pflastern ihren Weg: Gemastert wurde das Album bei (von?) Eroc, veröffentlicht wurde seine CD-Variante (Platten gibt’s nicht) bei Sulatron. Kleinere Namen pflastern nicht mehr: Bis kurz vor Veröffentlichung des Albums war Dietrich Skrock für Covergestaltung, die Hälfte der Gitarren und Theremin zuständig, doch scheint er die Gruppe verlassen zu haben. Sein Nachfolger spielt auf dem kommenden zweiten Album kein Theremin. Blöd.

Highest Primzahl on Mars spielen „dichte und energetische kosmische Jams“, schrob man anderswo. Meine erste Assoziation angehörs des Gespielten waren Meniscus, aber Meniscus haben ein völlig anderes, weniger motorisches Schlagzeugspiel. Hier jedenfalls — schwierig — krautiger Shoegaze? Irgendwann denke ich mir mal ein Genre für so was aus und hefte es dran. Genres finde ich albern. Ich erwähnte es schon mal. Jedenfalls: Tripmusik der besseren Sorte.

Genau die richtige Art Musik für die ersten Spaziergänge in der Sommerzeit. Ich hab’s ausprobiert und empfehle weiter.

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• Gerhard schrob am 18. April 2024 dies: vor jahren, sind es 10, wurden 7 millionen komponisten vermeldet. jetzt sind es sicher deutlich mehr. ich kenne vielleicht 238, wenn ich nicht ständig dran bleibe, vielleicht nur noch 153.

‘Kurzkritik: Dim Electrics’ weiterlesen »]]>

Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Bereits Anfang Dezember 2023, von mir zwar nicht un‑, doch zu spät bemerkt, veröffentlichte das Wiener „Musikprojekt“ Dim Electrics nach fast zehn Jahren eine erste Werkschau bei Sulatron Records. Kenner ahnen bereits, wo es musikalisch hingeht.

Von „Hawkwind, (den frühen) Pink Floyd und Spacemen 3, Suicide, Can und Neu!“ Sei die Musik beeinflusst, informiert der Pressetext und irrt kaum, obwohl ich Suicide nur in den leichten Widerklängen, Can nur im groove auszumachen vermag. Groove ist ein gutes Stichwort: Leicht spaciges Fiepen leitet ein, danach wird der Körper bis zum Albumsende angenehm von innen massiert. Wie aus einer Nebelwand dringt elektronisch verfremdeter Gesang zu mir herüber. Das ist in Ordnung.

Das letzte Stück heißt „Dream Reaction“, ist knapp über 18 Minuten lang und klingt, wie es heißt. Hypnotische Tripmusik für Menschen wie mich, die von so was nur selten genug bekommen können.

‘Kürzestkritik: (Kostas New) Progrram’ weiterlesen »]]> Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Ich witzle ja immer gern: Polen rächt sich noch heute für 1939. (Polnisches Knoblauch-Dinkel-Bier auf hiesigen Bierfesten: Schwierig.) Das ändert wenig daran, dass die polnische Gruppe Progrram — mit “rr” — in der Kurz- wie auch in der Langform ihres Namens (Kostas New Progrram, benannt nach ihrem Mitglied Kostas Georgakopulos) wirklich ziemlich großartigen Krach macht.

Dieses Video auf YouTube ansehen.

Vergleiche: King Crimson auf LSD trifft Frank Zappa auf LSD. Das Album ist egal. Die sind alle so. Man greife zu, wo immer man’s findet.

Großartig.

Kommentare

• NonKon schrob am 27. Februar 2024 dies: Geiler Sound, großartig!
• Hardcore schrob am 27. Februar 2024 dies: Macron schließt die Entsendung westlicher Soldaten in die Ukraine
  nicht mehr aus.

  https://www.spiegel.de/ausland/emmanuel-macron-will-einsatz-von-bodentruppen-in-ukraine-nicht-ausschliessen-a-d62fe80b-2961–4977-979b-7bab6a72c7d1

• Hardcore schrob am 27. Februar 2024 dies: Gespieltes Mitgefühl auf der Wahlkampfbühne — Biden liefert
  Waffen trotz Israels Angriff auf
  die Flüchtlingsstadt Rafah

  https://theintercept.com/2024/02/17/joe-biden-rafah-israel-gaza-bombs/

• Hardcore schrob am 27. Februar 2024 dies: Oldie but goodie

  Electric Wizard — Dopethrone (2000) full album

  https://www.youtube.com/watch?v=eaMbKZPBruU

• Hardcore schrob am 27. Februar 2024 dies: — Ergänzend zu oben —

  Aus der Reihe:

  Gitarrenverstärker die aus der Hölle kamen

  Heute:

  Der Sunn Model T

  https://www.youtube.com/watch?v=_dcJja2xRbs

• mike schrob am 28. Februar 2024 dies: Prinzipiell bin ich ein grosser Fan von Meinungsfreiheit und wenig Zensur. Wenn dann aber irgendwelche Hampel die Kommentarspalten zu Thema X für ihr Thema Y misshandeln, dann würde ich die direkt nach Instagram schicken. Meinjanur, und wird man ja wohl noch sagen dürfen!!11eins

  Wegen Thema: die “Musik” ist scheusslich. Der Vergleich mit Crimson (scheusslich) und Zappa (08/15/überbewertet) ist trotzdem unter aller Sau! Ein Leser weniger!!11

• tux0r schrob am 28. Februar 2024 dies: Ich bin auch zumindest irritiert. Ansonsten gilt: Zappa ist tatsächlich überbewertet, aber als Vergleich geeignet. Zum Thema King Crimson noch so viel: Sie sind, mit Verlaub, ein Arschloch.

Quelle: Hirnfick 2.0
Digitaler Fingerabdruck: 2d020bafea029b2fea2acbb1e974a437

‘Musik 12/2023 — Favoriten und Analyse’ weiterlesen »]]> Ein Jahr ist vorbei und ihr wisst, was das heißt: Die Liste meiner bevorzugten Alben des Jahres bedarf wieder eurer ungeteilten Aufmerksamkeit. Es könnte das letzte Mal sein, dass ich es euch so einfach mache: Der außerordentlich unhöfliche Konzern Songtradr hat 2023 Bandcamp halbiert. Ich würde ja gern mit positiven Aussichten das Musikjahr 2023 verabschieden, aber ich kann nicht. Ich kann einfach nicht.

Steven Wilson hat 2023 mit „The Harmony Codex“ ein weiteres vielgerühmtes Album mit Stampfpop (na gut: artpop) rausgebracht. Die Rezensenten waren wie üblich hin und weg, weil man Musik von Steven Wilson (Steven Wilson!) ja nicht einfach ignorieren darf. Ich wollte das Album eigentlich selbst nicht hören (der Vorgänger „The Future Bites“ war wirklich schlimm, aber ich hatte zu viel Zeit und fasse mich mal kurz: Ich wünschte, Popmusik würde mich interessieren. 2024 werde das „Jahr der Popfrauen“, mutmaßte die „Frankfurter Allgemeine Sonntagszeitung“ im Dezember. Das hoffe ich doch einfach mal nicht.

Dass es im jüngst abgelaufenen Jahr trotzdem ziemlich gute Musik gab, sei hier dennoch nicht verschwiegen. Einiges davon, nämlich die jeweiligen Alben von Uriah Heep, PoiL Ueda, scheissediebullen und Sigur Rós, hatte ich schon früher im Jahr positiv bewertet. Siebzehn weitere gelungene Werke folgen im Folgenden. Es möge euch von Nutzen sein.

1. Atsuko Chiba — Water, It Feels Like It’s Growing

   Atsuko Chiba, der Name verrät es schon, stammen aus Montréal (Kanada), sind also mit einer florierenden Postrockszene vertraut. „Water, It Feels Like It’s Growing“ ist ihr drittes Studioalbum und war der erste wirkliche Knaller des Jahres. Also nicht im Wortsinne jetzt.

   Ich höre weitgehend Rockmusik mit dem gewissen Etwas. Adjektiv? Tanzbar. Das Dargebotene ist vielschichtig, überall und ständig passiert etwas, aber man schafft es kaum, sich darauf zu konzentrieren, weil der Mahlstrom an Musik rhythmisch vorantreibt. Nicht innehalten. Bewegen. Die immer noch unterschätzten Crippled Black Phoenix fallen mir als Vergleich (auf und) ein.

   Das Titelstück fließt zum Abschluss des Albums eher zäh, jazz-trippig aus dem Kopfhörer, ohne dabei Komplexität zu opfern. Ein Album, das sich zu kurz anfühlt. Atsuko Chiba ist eine Figur aus dem japanischen Anime „Paprika“ (noch so ein japanischer Name) von 2006. Ich mag keine Animes. Die Musik ist aber gut.

   Reinhören: Amazon.de, TIDAL, Bandcamp.com.

2. Hong Faux — Desolation Years

   Hong, so sagt’s der Wissensschatz, sei unter anderem eine Marienkäferart. Hong Faux, ein falscher Marienkäfer also? Das schwedische Quartett dieses Namens spielt jedenfalls eine Musik derjenigen Art, die mit Marienkäfern wenig gemein hat.

   Irreführend ist auch der Beginn von „Desolation Years“, des aktuellen Albums der vier Herren, denn das, was ich zunächst für grollenden Stoner hielt, geht später über in gut gemachten Indierock mit mitunter mehrstimmigem Powergesang. Yeah. Die „VISIONS“ zitiert die Foo Fighters (offensichtlich in „Starkiller“), Clutch (mag ich) und Queens of the Stone Age (haben auch so ihre Momente) als Einflüsse. Dem zu widersprechen liegt mir fern. „Desolation Years“, „trostlose Jahre“ — der Titel deutet erdige Klänge an und daran mangelt es hier nicht. Trockene Musik für die trockene Wüste. Blöd, dass ich diese Rezension im Winter zu Ende bringe. Aber das Album behalte ich ja noch etwas länger; im Sommer könnte ich es noch mal brauchen.

   Reinhören: Amazon.de, TIDAL.

3. MSPAINT — Post-American

   Wenn man MSPAINT heißt, dann muss man wahrscheinlich genau so was machen wie die Musikgruppe gleichen Namens aus Mississippi, die von sich behauptet, sie würde „Tanzpunk“ hervorbringen. Auf ihrem ironisch „Post-American“ genannten 2023er Album ist davon auch tatsächlich etwas zu hören, wobei der Tanz- dem Punkfaktor übergeordnet scheint.

   Sicher: Es gibt wütende Gitarren und zornigen Gesang (oft vielmehr: Gerufe), aber der Rezensent (= ich) erwischt sich doch öfter beim Mitwippen als beim Sitzpogo. Das wirklich großartige „Delete It“, eins dieser Lieder, an denen ich mich immer noch vergebens sattzuhören versuche, ist eins von zwei Liedern auf diesem Album, auf denen Gastmusiker zu hören sind — in „Delete It“ ist es Ian Shelton, Sänger der Post-Hardcore-Combo Militarie Gun, auf „Decapitated Reality“ singt Pierce Jordan der mir bislang unbekannten Soul Glo. Eine gewisse stilistische Stringenz ist dabei erkennbar, „Free From the Sun“ etwa glaube ich schon zuvor auf demselben Album so ähnlich gehört zu haben, aber das macht ja nichts, so lange es gut ist. In der Tat schwächeln MSPAINT auf „Post-American“ kaum, sondern gehen gut ab. Das haben sie dem Malprogramm voraus.

   Reinhören: Amazon.de, TIDAL, Bandcamp.com.

4. Shem — III

   Das (ja, huch!) dritte Studioalbum des Stuttgarter Psychedelic-Kollektivs Shem — dessen Bandcampseite witzigerweise „Shemtrails“ heißt, hehe, wegen Chemtrails — möge die jährliche Dosis Postrock einleiten. Zwar spielt es nicht das alte Laut-leise-Spiel mit, doch ist die instrumentale Reise (im fast dreiminütigen „Lamentum“, leider ausgeblendet mit einem blöden fade-out, gibt es erstmals textlosen Gesang, ebenso im abschließenden „Refugium“) von Gitarren getragen.

   Die unklare Anzahl an Musikern (es handelt sich immerhin um ein „Kollektiv“) rührt kräftig im Topf der „Kosmischen Musik“, bedient sich dabei aber moderner Mittel. Der Hörer wird mitgenommen auf eine Klangreise in den (mentalen) Wolken, natürlich hat man das schon mal gehört.

   Das Album ist unter 40 Minuten lang, es fühlt sich nicht länger an als eine halbe Stunde. Schade eigentlich.

   Reinhören: Bandcamp.com.

5. When Plagues Collide — An Unbiblical Paradigm

   2023 erschienen manche gar nicht mal üble Alben, die in irgendeine Metalcorespielart einzusortieren sind. Dazu zählen Alben wie „Silhouettes of Disgust“ von Downfall of Gaia, das hier separat aufzuführen mir nur meine Faulheit verbietet, noch viel mehr aber lohnt sich ein Blick auf das europäische Ausland. Deutsche Musikalben werden hierzulande schon viel zu ausführlich gewürdigt.

   2016 fanden ausgerechnet in Belgien fünf, nun, Musiker zusammen, um gemeinsam Geräusche hervorzubringen, die gemeinhin als „Symphonic Deathcore“, „sinfonischer Todeskern“ also, etikettiert werden. „Symphonic Deathcore“ muss man sich ungefähr wie folgt vorstellen: Man wohnt einem klassischen Konzert mit großem Orchester bei, hat aber in einem Ohr einen dieser unsäglichen Ohrstecker, in dem ein Metalgitarrist stundenlang dasselbe Riff spielt, begleitet von einem Schlagzeuger, der Hummeln im Hintern hat und wirklich wütend auf seine Exfreundin ist, deren neuen Freund er in Form eines Fotos auf seine Felle geklebt hat. Kurz nach Beginn des Konzerts springt Batman aus demjenigen Paralleluniversum, in dem er seit 50 Jahren Kettenraucher und überdies leicht erkältet ist, auf die Bühne und versucht ein störrisches, jedoch taubstummes Kind dazu zu bewegen, endlich mal sein Zimmer aufzuräumen.

   Dieser Art von Musik, zumal deren Interpret „Wenn Plagen kollidieren“ heißt, kommt eine anstrengende Gesamtsituation wie die, in der die Welt sich im Zeitrahmen der Aufnahme und der Veröffentlichung von „An Unbiblical Paradigm“ (so heißt deren zweites Album) befand, freilich zupass und dem Verfasser dieser Zeilen ebenso; gelegentlich zieht es mich ja dazu, mich aus dem Kopfhörer anbrüllen zu lassen. Das abschließende „In alle stilte“ (das ist Ausländisch und heißt „In aller Stille“) macht es mit seinem beinahe melodischen Wesen und dem dazu erzählten Text (es mag Flämisch sein, das kann ich nicht) fast kaputt; aber eben nur fast.

   Reinhören: Amazon.de, TIDAL, Bandcamp.com.

6. Vertonen — Einige Schadstoffe

   Ich halte nicht viel von der Verwendung des schrecklichen Begriffs Liefern im Zusammenhang mit musikalischen oder sonstigen künstlerischen Werken, denn zwar liefert mir ein Bote bisweilen neue Schallplatten, die Künstler selbst liefern jedoch nur selten. Das ist auch nicht ihre Aufgabe.

   Daher werde ich hier auch nicht auf die Formulierung zurückgreifen, die Helen Scarsdale Agency liefere zuverlässig völlig kaputte Musik, obwohl ich diesen Eindruck bereits seit Januar 2023 mit mir herumtrage. Mit Vertonen — so nennt sich ein Avantgardemusiker aus Chicago nicht ganz grundlos, obwohl ich nicht so genau weiß, was er eigentlich vertont — hat die “Agency” einen weiteren Musiker im Programm, der völlig kaputte Musik hervorbringt. Gut, was habe ich von einem Album auch erwartet, das „Einige Schadstoffe“ heißt?

   Aufgenommen wurde das Album 2022, veröffentlicht wurde es trotzdem erst im April 2023. Als Musikinstrumente kommen ein Synthesizer, Feldaufnahmen, Kurzwellengeräte und Altmetall zum Einsatz. Was vertont wurde, vermag ich nicht zu beurteilen; Banausen würden jetzt “ganz klar ein Autounfall” schreiben, aber ich bin ja kein Banause, sondern mag Krach. Das Album sei eine Hommage an die klassische Phase des Industrial Noise, erzählt der Pressetext (welche Presse auch immer man mit dieser Art von Musik erreichen will). Das kann durchaus sein. Bezug genommen wird unter anderem auf Throbbing Gristle und Maurizio Bianchi. Dem kann ich nicht widersprechen. „Einige Schadstoffe“ ist ein Album mit lose strukturierten Geräuschen, das mich überdies mitunter an „Ravvivando“ von Faust denken lässt. Ab und zu gibt es Sprachfetzen, die zu verstehen ich gerade zu eingenommen von der auf mich einprasselnden Atmosphäre bin. Völlig kaputt. Großartig.

   Das Album gibt es nur als Download und auf Kassette. Passt.

   Reinhören: Bandcamp.com.

7. Orsak:Oslo — In Irons

   Orsak:Oslo ist eine Musikgruppe aus, nun ja, hauptsächlich Oslo. „Orsak“ ist Schwedisch und heißt Ursache oder Grund. Ich finde, Oslo ist ein akzeptabler Grund.

   Die Gruppe heißt also gar nicht so seltsam wie ihre Stücke. Auf dem zweiten Studioalbum „In Irons“ setzen Orsak:Oslo ihre auf 13 EPs und dem Debütalbum begonnene Tradition, ihre Lieder zu nummerieren (und das nicht mal konsequent), jedenfalls fort: Die fünf Stücke heißen „068 The Swell“, „079 Dutchman’s Wake (Part I)“, „069 In What Way Are You Different“, „078 The Mute (Part II)“ und „074 Hadal Blue“. Angenommen, es wäre hier eine gewisse Chronologie verewigt, was Sinn ergäbe (auf der Debüt-EP war Nummer 8 drauf), gebührt den Musikern schon wegen ihrer Produktivität meine Hochachtung.

   Zu hören ist, die Länge („Hadal Blue“ schafft es als mit Abstand längstes Stück auf nahezu 17 Minuten Laufzeit) könnte es verraten haben, keine gewöhnliche Alltagsmusik. Die vier Herren haben tief ins Krautglas gegriffen und präsentieren zu vortrefflich polterndem Bass und dem guten, alten Motorikbeat mal klassische Can-Reminiszenzen, mal gitarrenorientierten Postrock á la Mogwai. Zur Veranschaulichung: „079 Dutchman’s Wake (Part I)“ ist zu einem nennenswerten Teil ein versiertes Gitarrensolo, das dem psychedelischen Grundmotiv nicht etwa zuwiderläuft, sondern es vielmehr unterstreicht. Texte gibt es kaum, sieht man von etwas mittendrin Gesprochenem ab, auf das ich aber nicht geachtet habe, weil ich zu sehr damit beschäftigt war, mich von der Wirkung einnehmen zu lassen. Andere nehmen Drogen, ich höre solche Musik. Legalize it.

   Reinhören: Amazon.de, TIDAL, Bandcamp.com.

8. Mutoid Man — Mutants
   I’m in love with my gravekeeper / I said, “Hey, make that hole deeper” (Graveyard Love)

   Mutoid Man ist der Name einer dreiköpfigen und sechsarmigen New Yorker supergroup, bestehend aus Mitgliedern von Cave In, Converge und High On Fire. Die schon oft gesehene Besetzung (Gitarre/Gesang, Schlagzeug, Bass) deutet, verbunden mit den Stammbands der Musiker, völlig zu Recht in eine gewisse stilistische Richtung: Metalcore, Punk, irgendwie so; und tatsächlich: Wirbelnde Gitarrenläufe tragen auf „Mutants“ komplexe Rockmusik mit Bewegungswillen.

   Im Internet wurde geschrieben, der Musik von Mutoid Man fehle eigentlich nur noch Mike Patton. Stimmt schon; zumal manche Lieder auch das richtige Maß an Witz aufweisen, etwa das eingangs zitierte „Graveyard Love“.

   Mir gefällt übrigens das Coverbild. Es ist so farbenfroh und energiereich wie das Gehörte und es hat sogar was mit dem Titel des Albums zu tun. Zum eröffnenden Stück „Call of the Void“ gibt es ein seltsames Musikvideo, es legt nicht die schlechteste Grundlage für den Konsum von „Mutants“. Ein Album für diejenigen Momente, in denen quirliger Gitarrenkrach das Einzige ist, was den Tag noch retten könnte.

   Zum Glück sind die Weihnachtsmärkte erst mal wieder vorbei.

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9. Kvelertak — Endling

   „Kvelertak aus Norwegen spielen instrumentalen Hardrock“ wollte ich eigentlich schreiben, aber dann setzte nach schlappen vier Minuten der Sänger ein. Also noch mal von vorn: Kvelertak aus Norwegen tourten vor einer Weile unter anderem mit Mutoid Man und spielen — insofern kaum überraschend — ganz normalen Hardrock mit Metal- und Punkanleihen. Ich habe keine Ahnung, worum es in den norwegischsprachigen Texten geht. Hoffentlich nicht um Schweinkram, angeblich um historische und zeitgenössische sterbende Völker in Norwegen. Gutes textliches Motiv für eine Hardrockband.

   Zumindest in der ersten Hälfte des Albums dominiert der instrumentale Bestandteil der Musik deutlich, dann kommt derjenige Aspekt zum Tragen, der die Aufnahme in diese Liste zur Folge hatte: Kvelertak rocken, und das wirklich gut mit ordentlich groove. Ein- und ausgeblendet wird das Album mit einem Rauschen, was immerhin weniger blöd als das heutzutage immer noch übliche bloße Ausblenden ist. Hinsichtlich der Instrumente, die hier zum Einsatz kommen, steht diversen Gitarren auch ein Banjo („Døgeniktens Kvad“) zur Seite. Das amüsiert mich.

   „Tanzbar“ sei „Endling“, las ich anderswo, und ich kann ja sogar zu Walzer nicht tanzen und bewerte das daher erst mal nur als Information.

   Reinhören: Amazon.de, TIDAL.

10. [ B O L T ] — ( 0 5 )

    Die Wiederentdeckung der Langsamkeit ist in hektischen Zeiten wie den unsrigen von so großer Wichtigkeit wie selten zuvor. Da kommen die Duisburger von [ B O L T ] mit ihrem 2023er Album „( 0 5 )“ gerade recht.

    Die verhaltene Perkussion schon zu Beginn des Albums („[ 3 2 ]“, die Stücke tragen nicht chronologisch sortierte Nummern und selten zusätzliche Titel) trügt: Hauptsächlich spielen die drei Herren — zwei am Bass, einer am Schlagzeug — „Black Drone Metal“, das ein Genre sein soll und ein bisschen wie eine Frühlingsversion von Sunn O))) klingt. Die Leerzeichen im Gesamten sind so treffend, dass die Musiker eigentlich alles Übrige auch weglassen könnten. Das von mir als Kernstück des Albums identifizierte „[ 3 7 ]“, fast 22 Minuten lang, wäre in normaler Geschwindigkeit wahrscheinlich radiokompatibel (wenn auch sicher nicht ‑tauglich), dennoch würde ich nichts kürzen oder beschleunigen wollen. Das Stück — das Album — klingt wie ein Sommermorgen nach dem Krieg, ein „schizophrenes Szenario“ (Mike Langer). Dennis Strillinger trommelt in die kakophonische Dystopie hinein, die die gerade abgezogenen Marodeure von der einst blühenden Stadt, die in den Melodien noch zu erahnen ist, übrig gelassen haben.

    Irgendwo in der Musik sei ein Zeichen der Hoffnung zu finden, wortsalatiert der Pressetext (haha, welche Presse?) zum Album. Dieses Zeichen kommt spät („[ 4 0 ] / Petite fleur des champs“), aber es kommt mit Wucht: Hinter dem schleppenden Dröhnen singt und flüstert Sura Sol, die ich immerhin bislang auch nicht kannte, für mich aus Abmischgründen schwer Verständliches, doch schön Klingendes, in mir unbekannter Sprache. Mit Gesang hatte ich an dieser Stelle nicht gerechnet, aber er passt. Das Lied klingt sanft, beinahe sakral, aus und geht ins ebenso ruhig beginnende letzte Stück „[ 2 9 ]“ über. Die Ruhe nach dem Sturm mag keine Aufregung. Das kann ich verstehen. Nach etwa zwei Minuten entschließt sich „[ 2 9 ]“ dann aber doch dazu, den Mitwipp- und Mitnickfaktor zu vervielfachen. Vielen Dank. Schönes Album, schönes Ende.

    Reinhören: TIDAL, Bandcamp.com.

11. Akira Sakata, Toshimaru Nakamura, Raiga Hayashi — Kinjo no Tabibito

    Akira Sakata (Altsaxophon und Klarinette) ist ein Free-Jazz-Musiker, Toshimaru Nakamura (Mischpult) ist ein Improvisationsmusiker und Raiga Hayashi ist — darüber schweigt die Wikipedia — zumindest hier ein Schlagzeuger. Zu dritt nahmen die drei Japaner vor ein paar Monaten unter anderem das Album „Kinjo no Tabibito“ auf, das man wahrscheinlich ungefähr 近所 の旅人 schreiben sollte, was ungefähr „Reisende in der Nachbarschaft“ bedeutet.

    Die Tonqualität erinnert nicht zufällig an eine Livesituation: Aufgenommen wurden beide Stücke, die überdies „1st Set“ und „2nd Set“ heißen, am 5. März live in Tokio. Das hier verwendete Mischpult weist die Besonderheit auf, dass es keine externen Eingänge hat, so dass das sonstige Gespielte eben nicht gemischt wird, sondern vielmehr ein Spiel mit elektronischen Klängen betrieben wird. Auf Bandcamp gibt es einen (englischsprachigen) Artikel über das Instrument (bzw. das Eben-nicht-Instrument), den weiter zu zitieren möglicherweise den Rahmen dieses Textes sprengen würde, weshalb ich darauf verzichte.

    Die im Titel des Albums erwähnte Reise führt über holprigen Untergrund, stelle ich fest: Auf die Ohren gibt es vor allem hektischen Instrumentaljazz, worüber Akira Sakata gelegentlich eine japanischsprachige Geschichte murmelt. Man sehe mir nach, dass ich die Texte beim Hören nicht sofort zu übersetzen imstande war. Es ist den Musikern zu wünschen, dass in der Nachbarschaft Jazz zumindest nicht unerwünscht ist. Ich mag Jazz.

    Reinhören: Bandcamp.com.

12. Kraan — Zoup

    Zu den wenigen angenehmen Dingen, die 2023 passiert sind, gehört auch, dass viele der Alten gezeigt haben, dass sie es musikalisch immer noch können. Die deutlich verjüngte Mannschaft von Gong brachte ebenso ein neues ganz gutes Album raus wie die deutsche Krautrocklegende Guru Guru, die immer noch den „Elektrolurch“ auf ihren Alben schwingen.

    Deren Wegbegleiter und Landsleute von Kraan, die es — zehn Jahre Pause eingeschlossen — auch schon seit 1970 gibt, scheinen aber noch ebenso hungrig zu sein, so dass es 2023 zu einem neuen Album namens „Zoup“ kam. Das heißt Suppe, glaube ich. Das Coverbild verstehe ich nicht. Gibt es Vogelsuppe? Zutaten: Soft Machine, Caravan, ein paar Esslöffel Camel („Plain Vanilla“) und eine Prise AOR („Twisted“).

    Wie bei einem guten Eintopf können die Musiker hier insofern wenig falsch machen, denn sie bleiben bei ihrem bewährten Konzept. Die eingebrockte Suppe auszulöffeln sättigt nicht, aber schmeckt. Ich wünsche guten Appetit.

    Reinhören: Amazon.de, TIDAL, Bandcamp.com.

13. Citrus Citrus — Albedo Massima

    Wie es der Titel des Albums für uns Vielgereiste schon vorschlägt, ist Citrus Citrus eine Musikgruppe aus Italien, auf „Albedo Massima“ zu fünft. Die Plattenfirma Sulatron Records, bekannt für allerlei Psychedelisches, hat Hintergrundinformationen (31. Dezember 2023: zurzeit leider im Urlaubsmodus) zum Titel des Albums (es geht um Pomelos) für diejenigen, die Trivia sammeln, doch erfasst es das Musikalische kaum.

    Das Album rotiert gerade bei mir wie eine Pomelo im Mixer, als frischer Eindruck klebt an mir wie eine matschige Frucht ein wahrer Smoothie aus Indien (eine Sitar ist zu hören), Griechenland und 70er-Hardrock, Orgel inklusive. Gesungen (wenig) wird auf Englisch, was ich gut finde, weil ich den Klang der italienischen Sprache noch nie mochte und auch weiterhin nicht mag. In „Fetonte“ mache ich gar ein wenig Krautrock aus, Marco Buffettis Schlagzeug treibt hier ein musikalisches Kaleidoskop voran. Fetonte ist der italienische Name von Phaethon, einem Sohn der griechischen Sonnengöttin Eos. Ironischerweise klingt dieses Stück überhaupt nicht griechisch. Das ist in Ordnung.

    Eine wahrlich vitaminreiche Mischung tischen Citrus Citrus hier auf.
    Nicht schlecht geeignet für kalte Abende.

    Reinhören: Amazon.de, TIDAL, Bandcamp.com.

14. Princess Thailand — Golden Frames

    Apropos gute Musikgruppen aus sprachlich benachteiligten Ländern: Princess Thailand ist ein (klar, was auch sonst?) französisches Quartett, deren Sängerin erfreulicherweise ebenfalls auf Englisch singt; wobei Gesang in dem genre, in dem Princess Thailand sich herumtreiben, ein gewagtes Wort ist. Auf dem weiten Feld zwischen Postpunk und Noise, zwischen Savages und Sonic Youth quasi, tanzen sie einen Reigen, von dem Daniel Thomas von der „VISIONS“ (6 von 12 Punkten) ganz schwindlig geworden ist.

    Die lakonisch vorgetragenen Vokalbeiträge — mal singend, selten („Imperator“) raunend, oft eher energisch sprechend, wie’s sich in der Stilrichtung eben gehört — fügen sich indes ins Gesamte ein. Wütendes Schlagzeug und grollender Bass legen das Fundament des Gewohnten, das Übrige ist mal nervöser Krach, mal von sanfterer Art, aber trotz des vermeintlich auserzählten Stils (wenigstens mich) musikalisch beeindruckend. Gelegentlich werden Motive wieder aufgegriffen, das freut den Rezensenten, der sonst mitunter den Eindruck hat, dass das eigene Gedächtnis nicht mehr das beste sei. Es belegt, dass zumindest Wiedererkennen noch funktioniert. Die Lieder könnten länger sein, aber das ist ja fast immer so.

    Reinhören: TIDAL, Bandcamp.com.

15. Seven Impale — Summit

    Noch mal Jazz, damit ihr euch nicht unterfordert fühlt, und schon wieder was aus Norwegen und mit griechischen Sagengestalten: Seven Impale sind sechs Musiker mit klassischem und/oder Jazzhintergrund, die nach „Contrapasso“ von 2016 mit „Summit“ 2023 endlich ein neues Album „rausgebracht“ haben. Enthalten sind vier Stücke namens „Hunter“, „Hydra“, „Ikaros“ und „Sisyphos“. Aus welcher Sage Hunter stammt, weiß ich nicht. Vielleicht ist ja auch der Kommissar aus den Micky-Maus-Geschichten gemeint.

    Die Stilzusammenfassung „Jazz“ ist allerdings auch zu kurz gegriffen: „Avant-Prog-Anleihen und die jazzig eingefärbten Arrangements (…) brachiale Metal-Riffs (…) Stoner Rock-Momente“, Motorpsycho passt als Vergleich schon. Der Schlagzeuger spielt angeblich auch schon wieder irgendwo auf diesem Album Banjo. Gehört habe ich davon nichts. Das ist gut, ich finde den Klang von Banjos nämlich scheiße.

    Hier aber finde ich fast alles gut. Nur „Sisyphos“, das letzte und mit etwas über 13 Minuten auch längste der vier Stücke, plätschert etwas enttäuschend („leicht optimistisch klingend“, metal.de, aber das hätte es hier nicht gebraucht) aus, das gibt Abzüge in der B‑Note. Die A‑Note ist trotzdem immer noch überzeugend und gibt eine Empfehlung aus.

    Reinhören: Amazon.de, TIDAL, Bandcamp.com.

16. Frankie and The Witch Fingers — Data Doom

    Wenn ein Musikprojekt beliebiger Größe sich schon „Frankie and The Witch Fingers“ nennt, dann erwartet unsereins (also: erwarte ich) ein Mindestmaß an Unterhaltungswert vom Dargebotenen. Und tatsächlich: „Data Doom“, das neueste Album des US-amerikanischen Quartetts dieses Namens, macht Spaß. Dass es textlich — mehr oder weniger — um die zusammenbrechende Zivilisation unserer Zeit geht, steht dem nicht entgegen. Man kann den Niedergang der Menschheit bedauern und dabei trotzdem tanzen. Gut, außer mir. Ich kann ja nicht tanzen.

    Über sich selbst sagt die Band (oder lässt die Band sagen, man — also ich — weiß es nicht), sie sei „a constant source of primordial groove“, also / eine ständige Quelle des ursprünglichen Grooves/. Das ist nicht hilfreich. Das Internet zieht King Crimson als Vergleich heran, wegen des Saxophoneinsatzes in „Burn Me Down“, aber auch das trifft den Kern nicht. Vielleicht versuche ich es doch mal mit Stilzuschreibungen: Desert (ZZ Top?) und Stoner Rock werden hier vermählt mit Funk („Mild Davis“, passender Titel auch) und erstaunlich klassischem Rock’n’Roll. Ich gehe davon aus, ich sollte mir diese Gruppe einmal live ansehen. Ich vermute, ich hätte Spaß.

    Ein Wermutströpfchen (obwohl: ich mag Wermut): Das Album ist etwas zu kurz und wird am Ende langweilig ausgeblendet. Aber der Weg bis dahin gefällt.

    Reinhören: Amazon.de, TIDAL, Bandcamp.com.

17. David Eugene Edwards — Hyacinth

    Für Freunde der Musik von Nick Cave sei „Hyacinth“, das aktuelle Album von David Eugene Edwards (auch bei und mit der Gruppe Woven Hand aktiv), geeignet, riet man mir. Diese Gruppe enthält mittlerweile auch mich, daher hörte ich mal rein.

    David Eugene Edwards sei ein sehr religiöser Countrymusiker, erklärte mir das Internet. Ich finde religiösen Country zwar scheiße, kann hier aber beruhigt vermelden, dass das Internet mit Genrezuschreibungen fast so schlecht umgehen kann wie der Musikjournalismus. Auf seinem ersten Soloalbum, nämlich diesem hier, werden tatsächlich nur am Rande Christentum und Country gestreift, vielmehr gibt es sonoren Experimental-Folk mit geringer Instrumentierung, im Fokus stehen elektronische Perkussion und die verstärkte (nicht verzerrte) Gitarre, ins Ohr. Keine Ahnung, ob Gastmusiker zu hören sind oder ob der Künstler alle Instrumente selbst eingespielt hat, die Bandcampseite zum Album schweigt dazu und eine schnelle Recherche blieb erfolglos.

    Ich höre — ja — Nick Cave („Bright Boy“), aber auch Leonard Cohen und bisweilen („Lionisis“) auch Sisters of Mercy. Gute Referenzen. „Hyacinth“ wolle „mit dem Herzen ergründet werden“, schrieb anderswo Dominik Maier. Dem kann ich nicht widersprechen. Das Album schließt mit „The Cuckoo“, einer Coverversion eines Folkklassikers, wie abermals das Internet (diesmal wohl zutreffend) mitzuteilen weiß. Ein schönes Ende, dem einzig negativ zu attestieren ist, dass es viel zu früh kommt. Die Zeit vergeht mit „Hyacinth“ im Ohr erschreckend schnell.

    Aber man kann es ja dann einfach noch mal von vorn hören.

Das soll’s erst mal gewesen sein. Wie immer gilt: Alben, die ich sträflich vernachlässigt haben könnte, sind als Kommentar gern willkommen. Cheerio.

Kommentare

• Thilo Bauer schrob am 1. Januar 2024 dies: Die lang erwartete (von mir, ausreichend) neue Platte von Patio. Saudummes Video zur Single, so erstickt man mögliche Karrieren im Keim. Besser erstmal hier: https://www.youtube.com/watch?v=93yd79yrfD8 Die Bassistin macht irgendwas. Paßt dann irgendwie doch ins Gesamt“bild”. Mesmerisierend.
  Frohes Neues.
• tux0r schrob am 1. Januar 2024 dies: Verdammt, die hätte ich früher kennen sollen. Danke.
• KarlMarx schrob am 1. Januar 2024 dies: In meinen Vorlesungen/Seminaren habe ich den Studis immer erklärt, daß man seine persönliche Lieblingsmusik nur unter schwersten Verlusten anderen Mithörend*innen nahebringen kann, weil das eben (aus Gründen, die hier den Rahmen sprengen würden) schlicht und ergreifend unmöglich ist. Trotzdem habe ich jeden einzelnen Link hier durchgehört, obwohl die Mucke von meinem Musikplaneten aus gesehen wirklich eine komplett andere Baustelle ist.

  Klarer Testsieger sind die Flamen: wenn Musik (was sie nie oder nur dann tut, wenn sie schlecht ist) irgendetwas “Reales” in der “Welt” widerspiegelt, dann ist der flämische akustische Kommentar das einzige, was den andauernden Krieg, den medialen wie den realen wie auch den subtil versteckten, halbwegs adäquat “wiedergibt”.

  Das Flämische ist zwar meine Lieblingssprache, aber alles habe ich auch nicht kapiert. Nur so ungefähr (und im Original wirklich sprachgewaltig):

  Der Tot als der Lehrer der Stille. Als anonymer Tot infiltriert er die Gedanken der Wachenden, der Wach-Seienden, er wartet ab, bis seine kalte Hand zufassen kann, in aller Stille. Er umgibt uns, als einzige tatsächliche Regel, ohne Aussicht auf Besserung etc. pp.

  Über allem schweben musikalisch (in my not so humble opinion) wirklich nur Bach, Richard Strauss, Messiaen, Woody Shaw, Rob Madna und Bob Brookmeyer.

  Aber mit den ästhetischen Urteilen ist das, wie gesagt, so eine Sache, denn wie sagt der alte Königsberger doch so treffend: “Um zu unterscheiden, ob etwas schön sei oder nicht, beziehen wir die Vorstellung nicht durch den Verstand auf das Objekt zum Erkenntnisse, sondern durch die Einbildungskraft (vielleicht mit dem Verstande verbunden) auf das Subjekt und das Gefühl der Lust oder Unlust desselben.”

  Bach:

  https://www.youtube.com/watch?v=3EnosoXeTWI&pp=ygUlYmFjaCB3b2hsdGVtcGVyaWVydGVzIGtsYXZpZXIgcmljaHRlcg%3D%3D

  Zu Risiken und Nebenwirkungen etc.:

  Messiaen:
  https://www.youtube.com/watch?v=RJ_x_8o80TI

  Und ein paar Leckerli, extra für Sie/Dich eingepackt.

  https://www.mediafire.com/file/veo59dtibm0th6m/tux0r.zip/file

  Keine Sorge, das Zeug “verstehen” vielleicht ein halbes Dutzend Leute auf der Welt (und ich selbst auch nur, wenn ich einen guten Tag habe). Muß man aber auch nicht “verstehen”, einfach ohne Vorurteile und Vorannahmen wirken lassen.

  Wie sagte größte Geist, dem ich jemals begegnen durfte, der Dombaumeister des Kölner Doms, Prof. Dr.-Ing. Arnold Wolff mal, als ich ihm eine von diesen Aufnahmen (auf denen ich selber mitspiele) vorgespielt habe: “Das gefällt mir zwar nicht, ist aber außerordentlich gut!”

  Mehr braucht man nicht zu wissen… ;-)

  In diesem Sinne ein frohes Neues Jahr!

• tux0r schrob am 1. Januar 2024 dies: Gebe ich mir mal in einer ruhigen Minute. Tatsächlich fahre ich meinen Musikkonsum gerade ein bisschen zurück — ich habe in den letzten Wochen so viel davon gehört, dass ich sonst Angst hätte, dass sie mir zum Bingelistening verkommt. Danke, auch für die Erklärung des Textes.

  Ich erwarte gar nicht, dass jeder mag, was mir gefällt. Ich höre auch manchmal Dinge, die ich nicht mag (Banjo…). Horizont. Weite. Ich finde Dinge gern begründet doof, grundlos kann jeder.

• Peter schrob am 2. Januar 2024 dies: Das mit Bandcamp war mir neu und gefällt mir gar nicht. Das was du über Herrn Wilson schreibst ist ganz schön gemein. Ansonsten ist dein Musikgeschmack, nun ja, beängstigend. Ich habe gerade mal einiges neugierig angeklickt und bin froh, das ich morgen meinen Termin beim Seelenklempner habe. Ein frohes neues Jahr
• tux0r schrob am 2. Januar 2024 dies: Kennst mich doch… … vielleicht werde ich einfach zu alt für Steven Wilson. So kann’s gehen. Auch frohes Neues!

Quelle: Hirnfick 2.0
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‘Kurzkritik: Anguish — Anguish’ weiterlesen »]]>

Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Im Jahr 2004 veröffentlichten die Krautrocklegende Faust und die Hip-Hop-Combo Dälek gemeinsam ein Album namens „Derbe Respect, Alder“. Zu hören gab es — nun — versierten Krautrock im rhythmusbetonten Stil von Faust mit allerlei Elektronik und Rap. Wer dachte, dass noch merkwürdigere Zusammenarbeit kaum vorstellbar ist, der hatte zwar eigentlich Recht, aber auch nicht mit Hans-Joachim Irmler gerechnet.

Dieser — federführend auf meinen Lieblingsalben von Faust, mittlerweile jedoch ausgeschieden — hat 2018 mit dem Projekt Anguish (Amazon.de, TIDAL, Bandcamp) noch eine Schippe draufgelegt, wie wir geistigen Lokführer sagen. Anguish, keinesfalls mit einer der übrigen Musikgruppen gleichen Namens zu verwechseln (es ist schwer geworden, eine Musikgruppe zu gründen, die einen einprägsamen Namen erhalten soll, der noch nicht anderweitig vergeben ist), bestand — wohl nur ein Album lang, aber ich kann irren — neben Hans-Joachim Irmler aus jeweils zwei Mitgliedern von Dälek (MC dälek und Mike Mare) sowie der großartigen Free-Jazz-Gruppe Fire! Orchestra, nämlich dem Schlagzeuger Andreas Werliin und dem nicht minder großartigen Tenorsaxophonisten Mats Gustafsson, über den ich mich hier gelegentlich schon mal gefreut habe.

Wie es klingt? Na, großartig natürlich.

Genres sind was für Journalisten und Schwächlinge. Free Doom Crossover Jazzrap. Was weiß denn ich. Das letzte Stück heißt „Wümme“, vermutlich benannt nach dem Gründungsort von Faust. Alles passt.

Schöne Scheibe für so Momente.

Kommentare

• Cyril Grey schrob am 15. November 2023 dies: stark. Danke

‘Kurzkritik: Fauz’t — From the Frozen South’ weiterlesen »]]>

Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Im Dezember 2017 starb Stefan Joel Weisser, ein US-amerikanischer Klangkünstler, dessen Instrumente, weiß die Autorengemeinschaft der Wikipedia, vor allem „gefundene Objekte“ und Perkussionsinstrumente waren. Seine Klangkunst nahm er vor allem unter dem Künstlernamen Z’EV auf, den man sich zumindest merken kann.

Im Laufe seiner ungefähr 50 Jahre dauernden Karriere nahm er nicht nur Musik mit sich selbst, sondern auch mit anderen Musikern auf. 2009 veröffentlichte er gemeinsam mit Hans-Joachim Irmler, demjenigen Musiker von Faust, der für den für mich interessanteren (nämlich: den experimentellen) Teil ihres Werkes verantwortlich war, unter dem nahe liegenden Projektnamen Fauz’t das einzige gemeinsame Album „From the Frozen South“ (Amazon.de, TIDAL), das genau so klingt, wie man es von zwei Musikern dieses Kalibers erwarten würde.

Die Stücke heißen „Wagner“ (Teil 1 und 2), „Wurstsalat“ (Teil 1 und 2) und „Zirkade“. Keine Ahnung, was eine Zirkade ist. Auf die Ohren gibt es eine Mischung aus meinem — nach wie vor — Lieblingsalbum von Faust, „Ravvivando“, und perkussiver Ethno/Weltmusik. Nicht schlecht für so Momente, auch wenn’s, wie gewohnt, nur wenige Teilnehmer meines Publikums abholen mag.

Ich kann will ja nicht immer nur Deprimucke hören.

Kommentare

• mike schrob am 9. Oktober 2023 dies: tl:dr: Holt mich nicht ab. “Nicht depri” (sinngemäss)? Was ist dann bitte depri? Handwerklich gute bis sehr gute Musik, aber nichts was ich 2 Mal hören würde (Wagner1 und Wurstsalat1 fast zuende gehört). Apropos handwerklich: ich nehme an, das hier mit aktiviertem JS irgendwo YT-Links o.Ä. zu sehen wären. Ohne JS sehen Sie nix. Da Du einer von den Guten bist, gehe ich stark davon aus, dass in Zukunft echte Links (im doppelplusguten Optimalfall nach invideo/us) eingebaut werden. Früher™ ging das, wenn ich mich recht entsinne auch.
• tux0r schrob am 10. Oktober 2023 dies: Depri: Heisskalt von neulich. Ansonsten: Ich habe hier eine Mischung aus ARVE und YouTube (mit 1 Klick und ohne Cookies) laufen, was allein dem Umstand geschuldet ist, dass ich kein gutes Plugin für Invidious kenne, das auch auf wechselnde Domains reagieren kann, ohne dass ich alles ersetzen muss. Vorschläge gern gesehen! Die Suche auf WordPress.org gab da jedenfalls nichts her. Den Hinweis zu den Links nehme ich auf und mache hier gleich einen rein, werde es aber wahrscheinlich bald wieder vergessen. Nachtrag: Wenn man den Privacy Redirector oder so im Browser hat, dann sind hier auch Invidiousvideos zu sehen. Ah, moderne Technik.

‘Kurzkritik: Heisskalt — Vom Wissen und Wollen’ weiterlesen »]]>

Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Manchmal, langjährige Leser erinnern sich, ist der Autor dieser Zeilen ein wenig melancholisch gestimmt. Dann schreibt er keine bissigen Satiren und auch sonst nur wenig, verzichtet gar auf den üblichen „Krach“ (Quelle: Banausen), der hier manchmal als Empfehlung erscheint. Stattdessen sitzt er, wie man so schön sagt, mit einem anständigen Glas Whisky — zwei Fingerbreit, aber das geht ja in beide Richtungen — im stillen Kämmerlein und hört oft (zu oft) Musik, die diese Melancholie nicht etwa wegmacht, sondern fördert.

Der Autor dieser Zeilen ist manchmal ein bisschen blöd.

Diese Blödheit nun unterstützt vortrefflich „Vom Wissen und Wollen“ (TIDAL, Amazon.de) , das 2016er Studioalbum der seit 2018 pausierenden Musikgruppe Heisskalt, irritierend mit Doppel‑s geschrieben; also der Bandname, nicht der Titel des Albums. Der muss so. Außer mir hat das Album sowieso jeder schon vor Jahren gehört, also ist es wahrscheinlich völlig egal, wie ich es finde. (Und zwar ziemlich gut.)

Die Texte — dargeboten oft mit fordernder Inbrunst, manchmal immer noch ein bisschen an The Hirsch Effekt (ohne Orchester) erinnernd — erfüllen das Klischee, das man an hiesige Post-irgendwas-Bands („Post-Hardcore“) üblicherweise als Maßstab anlegt: immer ein bisschen traurig, immer ein bisschen wütend. Immer ein bisschen wie ich. Die zugrundeliegende Musik lebt von überraschenden Wendungen, Elektroexperimente eingeschlossen, nach denen ich spätestens seit The Notwists „This Room“ längst aktiv suche. Auf viele Arten mein Lieblingsstück auf dem Album: „Absorber“.

Ich will nur einmal ohne Zweifel sein.

Musikalische Vergleiche aus dem Internet: Turbostaat und Fjørt. Keine Ahnung, was Turbostaat so machen. Die lerne ich wahrscheinlich in so zehn, fünfzehn Jahren auch als letzter Mensch des Landes mal kennen.

‘Kurzkritik: Sigur Rós — ÁTTA’ weiterlesen »]]> Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Eher zufällig sah ich gestern vorzeitige Ohrgasmen anderer Leute, die bereits das heute — Freunde richtiger Tonträger (Amazon.de) müssen sich augenscheinlich noch etwas in Geduld üben — erschienene neue Studioalbum von Sigur Rós — “ÁTTA” — hören konnten. Das vorherige Studioalbum “Kveikur”, ein erstaunlich zorniges, aber um so erfrischenderes Werk, ist immerhin ungefähr zehn Jahre alt, daher hatte ich nicht damit gerechnet und bin ein bisschen neidisch geworden.

Aber heute ist es ja endlich auch uns normalen Leuten zugänglich.

Auf “ÁTTA” sind die Isländer immer noch zu dritt: Schlagzeuger Orri Páll Dýrason wurde gelindemannt, Multiinstrumentalist Kjartan Sveinsson hingegen ist wieder dabei. Átta ist Isländisch und heißt Acht (hier also quasi ACHT), das zehnte und damit letzte Stück auf diesem Album heißt “8”, aber ansonsten ist hier alles angenehm durchdacht.

Das eröffnende “Glóð” zeigt bereits eine Rückkehr zur Vor-“Kveikur”-Zeit, das ganze Stück klingt mit seinen fröhlichen Streichern und dem gewohnt glockenhellen Gesang wie vertontes Sonnenlicht. (Das folgende, getragene “Blóðberg” hält mit Mondlicht dagegen.) Wer nach dem ersten Hören von “Kveikur” angenommen hatte, Sigur Rós näherten sich künftig weiter der wilden Rockmusik an, der mag hier wahlweise erleichtert oder enttäuscht sein.

Dieses Video auf YouTube ansehen.

Auf “ÁTTA” gibt es also exakt das zu hören, was von Sigur Rós eigentlich zu erwarten war: Beschallung für das Kino im Kopf, so routiniert wie grandios dargeboten und ein anschauliches beziehungsweise anhörliches Beispiel dafür, warum Post-Rock eben keine normale Rockmusik ist. Wilde Instrumentalexzesse gibt es hier nicht, selbst das Schlagzeug macht erst im vierten Stück “Klettur” auf sich aufmerksam. Ausbrüche aus der “glitzernden Gleichheit” (Chris DeVille) sind auf “ÁTTA” kaum zu finden, was andererseits ja auch wieder Beständigkeit bedeutet. Beständigkeit ist gut, sonst wird man irgendwann wie Genesis.

Das Titelbild zeigt einen brennenden Regenbogen. Schade um den Topf voll Gold.

Quelle: Hirnfick 2.0
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‘Kurzkritik: Edgar’s Hair — Jonathan’s Dive’ weiterlesen »]]> Lange nichts mehr über Musik geschrieben.

Im November 2017 veröffentlichte das niederländische Trio Edgar’s Hair, also “dem Edgar seine Haare”, benannt wahrscheinlich nach einem Friseursalon oder so (das ist jetzt eine von mir frei erfundene Anekdote), das erste von bisher zwei Studioalben. Es ist ein Doppelalbum, dessen Inspiration das ermüdende Büchlein “Die Möwe Jonathan” gewesen sein soll (das wiederum nicht), und trägt den Titel “Jonathan’s Dive” (TIDAL, Bandcamp.com, Amazon.de).

Zu hören gibt es nach dem über 12 Minuten langen Einleitungsstück “Glitterings Height”, das bereits eine dichte Atmosphäre aufbaut, um stilecht auf das Album einzustimmen, genau das, worauf der Verfasser dieser Zeilen heute Lust hat: Tatsächlich an Anna von Hausswolff erinnerndes Erhaben-Kathedrales (“Banished To A Solitary Life On The Far Cliffs”) steht gleichberechtigt neben sanftem, aber immer auch beklemmend dichtem Jazzrock (“Floating Time”, “The Messenger”), gewürzt mit hörbaren und von den Musikern selbst, so behauptet’s das Internet, zitierten Einflüssen von Gruppen wie Motorpsycho, Mogwai und Sigur Rós (“The Gull Sees Farthest Who Flies Highest”), ohne dabei das übergeordnete Klangbild zu verlieren.

Dieses Video auf YouTube ansehen.

Der crimsonesque, nicht mal zweiminütige Gitarrenausbruch “God’s Plan” reißt als vorletztes Stück nur kurz aus der Trance, bevor der veritable, freiformatige Zwanzigminüter “Stratosphere”, der in der Tat auch eine Weltraumreise passend untermalen könnte, das Album beschließt. “Jonathan’s Dive” sei ein Album mit soundscapes, also Klangflächen, behauptet die Bandcampseite zum Album. Tatsächlich wird viel mit Geräuschen experimentiert — im Titelstück “regnet” es gar. Text gibt es nur spärlich und wird auch nicht vermisst.

Ein wirklich erfreuliches Album also, und zum Glück auch keine einmalige Angelegenheit: Bereits 2021 kam der deutlich kürzere, stilistisch aber sehr ähnliche Nachfolger raus. Von mir aus können sie das so weitermachen.

Quelle: Hirnfick 2.0
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